continuer à lire EricM : Libres sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

La galerie Charlot accueille plusieurs œuvres numériques de Jacques Perconte. Vidéo projections et installations sur iPAD s’apparentent au même geste fort de l’artiste qui va à rebours des dictats de la matière numérique dans une démarche profondément plastique, picturale.

En octobre 2011, à l’initiative de Nicole Brenez, historienne du cinéma et chargée de la conservation du cinéma d’avant-garde, la Cinémathèque française organisait plusieurs séances autour des oeuvres remarquables de Jacques Perconte. Cet artiste singulier est passé par les cours du soir des Beaux Arts, par l’université, le CNRS, les Arts plastiques, le cinéma, la philosophie, le design interactifs, les systèmes d’information, les stratégies d’innovation … Il mène ses recherches depuis 1995 et son travail sur la vidéo et les différents codecs (compression et décompression) s’affine au fil du temps.

Dans l’obscurité de la salle de cinéma ou dans l’espace tamisé de la galerie, l’emprise des images de Jacques Perconte est saisissante. Il y va d’une densité des formes qui s’auto-génèrent jusqu’à leur disparition. Pulsations et ressacs, pures intensités chromatiques créent une texture épaisse, alors que d’énormes pixels font que les couleurs se diluent, circulent, se rependent d’un plan à l’autre. L’extrême fidélité et la précision mimétique de l’image numérique sont détournées dans un acte radical qui s’attaque à la racine binaire de l’information numérique pour mieux accéder à l’essence vibratoire du réel.

Presque toujours dans les films de Jacques Perconte le geste inaugural est un travelling. Qu’il soit embarqué sur l’eau (Uishet) ou dans un train (Après le feu), qu’il soit dédoublé et renversé dans sa chronologie (Fontainbleau), ce mouvement de cinéma témoigne d’un désir multiple : non pas simplement embrasser le paysage dans une posture fixe, statique, mais s’y immerger, y plonger avec l’espoir de percer le réel, d’aller au delà du voile de l’image, l’abimer à la source pour mieux s’y abimer. Soumise à des traitements numériques, l’image atteint une stase, brille de mille feux avant de sombrer. Le paysage, devenu abstrait, porte encore les traces du monde, trop plein et vidé à la fois, sorti de ses rails : extatique.

Après le feu (2010, 7’, vidéo) est un travail exemplaire de cette démarche. L’image prend la texture des braises, des flammes et des vagues incandescentes. Elle fond, se liquéfie, se délite, attaquée par des couleurs fortes et saturées. Seul le chemin de fer garde son obstination qui nous mène toujours plus loin dans les profondeurs de l’image – paysage. La couleur s’épuise, des aplats, des murs de « non-couleur » obscurcissent le travelling. L’abstraction appelle des formes nées d’elles-mêmes.

Fontainbleau (2012, 24’, vidéo) démultiplie le processus, le plonge dans le miroir, le ralentit également. Le traitement est moins radical, l’artiste joue sur la durée et préserve dans sa composition certains repères du monde réel qui font signe vers la gémellité des deux images installées sur des iPADs. Un indicible trouble nous gagne avant d’acquérir la certitude qu’il s’agit d’un même morceau de paysage. La mise en abime est vertigineuse. Nous avons tout d’un coup accès à un aperçu de ce que peut être, pour Jacques Perconte, la fabrique des images. Son rapport au réel, la captation, l’enregistrement passif est augmenté par des procédées artisanaux qui tiennent de l’alchimie numérique. Une précision est ici capitale : l’artiste se garde d’introduire dans ses œuvres toute information allogène, toute donnée qui n’aurait pas existé dans le fichier source. Ses algorithmes exacerbent les qualités intrinsèques de l’image, mais sa pratique, hautement plastique, reste très attachée au cinéma, car mouvement et montage sont des éléments essentiels de son travail. La frontière devient poreuse, fragile et incertaine entre les plans. Malgré la coupe, ou peut-être grâce à elle, des images clés, avec les couleurs, franchissent les plans. Les mots pénètrent les images amplifiant une incontestable sensation de la matière.

Ainsi, dans Impressions (2011, 42’, vidéo) – film dont une version préparatoire a été montrée par Nicole Brenez à la Cinémathèque et qui n’est pas intégré à l’exposition – il peut arriver, comme dans les toiles des maîtres japonais, qu’un oiseau fasse trembler le paysage saturé. Jacques Perconte nous dévoile les flux d’énergies qui se cachent derrière les images les plus prosaïques une fois poussées dans leurs retranchements. Cet opus à forte charge picturale revisite l’émerveillement des Impressionnistes devant la lumière des paysages normands de bords de mer et son éclat gagne évidemment à être magnifié par la projection sur grand écran.

Avec audace, obstination et patience Jacques Perconte approfondit son art qui adresse cette autre perception dont parle Gilles Deleuze dans ses cours en citant Paul Cézanne ou Stan Brakhage, approche ce monde d’avant l’homme, tente des réponses à une même question : combien de couleurs on peut trouver dans un champs d’herbe ?

continuer à lire Smaranda Olcese : Jacques Perconte, Art numérique à la galerie Charlot sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Par Jean-Jacques Birgé, vendredi 2 mars 2012 à 01:01
Drame.org / Mediapart, mars 2012

continuer à lire Jean-Jacques Birgé : Les erreurs font le style ! sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

NICOLE BRENEZ
Critic, France

Abel Ferrara in Lucca
Gérard Courant, France/Italy

A simple, modest and faithful record of some moments at the Lucca Film Festival in October 2010, with songs and speeches by Abel Ferrara: trace of the co-presence of two of the greatest contemporary filmmakers, dissident and true sons of Cesare Zavattini’s revolutionary spirit.

The Autobiography of Nicolae Ceaucescu (Autobiografia lui Nicolae Ceausescu)
Andrei Ujica, Romania

How propaganda reverses itself into a devastating critique of any political power.

Far from Afghanistan
John Gianvito, Jon Jost, Minda Martin, Travis Wilkerson, Soon-mi Yoo, Rob Todd, Pacho Velez, USA, in progress

To commemorate the tenth year of the invasion in Afghanistan, a collaborative work analysing the logics and consequences of American imperialism.

Impressions
Jacques Perconte, France
Digital fresco about Normandy landscapes that renews the forms of editing.

Video Letter
Masao Adachi, Japan

Adachi, still a political prisoner in Japan in the sense that he can not travel abroad, sends a video-letter to his audience to explain his ideals, fights and questions.

Highlights:

Book: Radical Light: Alternative Film & Video in the San Francisco Bay Aera, 1945-2000 (Steve Anker, Kathy Geritz, Steve Seid, eds), a scientifically and visually magnificent survey.

Film/Exhibition: ‘Correspondence(s)/The Completed Letters’, curated by Jordi Ballo for the CCCB (Barcelona, Spain): five video-letters exchanges between filmmakers from different parts of the world, including José Luis Guerín and Jonas Mekas, Albert Serra and Lisandro Alonso, Isaki Lacuesta and Noami Kawase, Jaime Rosales and Wang Bing, Fernando Eimbcke and So Yong Kim.

Retrospective: ‘Minding the Gap: The Films of Dick Fontaine’, curated by Michael Chaiken at the Anthology Film Archives, New York. A great British stylist and fighter with a knack for working exactly where the wind of history begins to blow.

Screening: On September 28th, the quality of the screening of John Gianvito’s My Heart Swims in Blood through Vimeo, during the World Cinema Now! Conference in Melbourne, was so excellent we could count the feathers on the Hegelian owl.

Website: livestream.com/globalrevolution. Livestream of the occupation movements all over the world, covered by independent journalists and filmmakers.

continuer à lire BFI : SIght & Sound 2011 in review: Impressions in poll sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

« Comme mon travail a été souvent comparée au mouvement impressionniste français, j’ai décidé de suivre leurs traces en Normandie tournage sur les spots même où Monet ou Corot utilisé pour peindre, je vais créer une sorte de l’impressionnisme 2.0″ – Jacques Perconte

Impressions: Voyage en Normandie est la dernière d’une série de films paysages manipulés numériquement faite par Jacques Perconte.

Le «réel» voir (au moins comme on le voit à travers la lentille de la caméra) pixelates progressivement et se transforme en quelque chose de plus étrange. Les films saisir une sorte de «impressionniste» phase où des motifs lumineux et le mouvement subtil dans la nature sont au ralenti et a assisté. Mais les images en mouvement bientôt commencer à ressembler à symbolisme, fauvisme et l’expressionnisme abstrait éventuellement – les arbres transformés en plaques dentelées de couleur comme un Clyfford Still peinture, le scintillement horizon comme une ligne de Barnett Newman zip. «Nous ne voyons plus l’image du paysage, nous voyons le paysage de l’image» Perconte dit.Violaine Boutet de Monvel a écrit d’un moment dans Après le feu, filmé depuis l’arrière d’un train, où un écart semble s’ouvrir sous les voies, transformant la topographie réelle. Perconte est intéressé dans cette ré-imagination du familier – comme il a suivi les traces des impressionnistes, il a senti que leur paysage était toujours présente, malgré le mouvement constant de nuages ​​et de l’activité de la mer agitée. Ce processus tend vers la dissolution des éléments de paysage familier dans une vision de couleur pure. Dans les notes Perconte sur Impressions il cite Rousseau, se perdre dans une rêverie et objectes sentir glisser loin de sorte qu’il ne sent rien, mais l’ensemble: «Alors TOUS LES objets Particuliers Lui échappent; IL NE Voit et NE envoyé rien la DANS Que le Tout. »

L’artiste a posté de nombreux clips Vimeo, photographies, notes de production et des commentaires sur son propre site et son blog technart. Je vais terminer ici avec un film récent, je vais penser à mon voyage prochain train: une vue sur les champs quelconques sous un ciel gris qui disparaît brièvement que le train entre dans une coupe, seulement pour réapparaître partiellement enduite loin, comme Si pour révéler le logiciel derrière ce paysage factice des formes d’arbres et de parcs éoliens, puis change progressivement jusqu’à ce que nous sommes laissés avec seulement quelques vestiges de la couleur déformée avant que l’écran devient blanc.

–

Ce site est sur les paysages et les arts. Il souligne comment les paysages ont été évoqués, illustrés ou transformée en peinture, photographie, littérature, musique et film. J’ai aussi parfois discuté de la création ou la modification des paysages par les architectes, artistes et concepteurs de jardins. [...]

continuer à lire Impressionism 2.0 sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

La saison des « Amours » en 12 leçons au Musée Paul Dini

Léa Emmélie Adilon, Jean-Philippe Aubanel, Philippe Favier, Mister Helic, Isabelle Jarousse, Marie Morel, Jacques Perconte, Agnès Pétri, Jean-Antoine Raveyre, Pipilotti Rist, Samuel Rousseau et Daniel Tillier. Voilà  les douze artistes qui ont travaillé sur ce thème des « Amours ». Car c’est bien au pluriel qu’il laut mettre ce mot tant les façons de le ressentir et de le vivre sont diverses: amour tendre, passionné, charnel, lié davantage au plaisir qu’aux sentiments. Une chose est sà»re: depuis la nuit des temps, l’Amour reste un thème d’inspiration universel el inépuisable!

Diffusé sur france3 en avril 2011. Découvrez La saison des « Amours » en 12 leçons au Musée Paul Dini sur Culturebox !

*

continuer à lire Amours sur France3 sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Face à  cette généralisation et à  cette banalisation de l’enregistrement des images, certains artistes restituent à  l’acte de voir sa dimension première : être là , faire l’expérience de sa présence au monde.

Pouvons-nous vivre dans un monde que nous n’avons pas commencé à  approcher par l’image, c’est-à  dire, peu ou prou, que nous n’imaginons pas? Et en quoi notre contemporanéité, dans toute sa complexité, requiert-elle de tout un chacun qu’il participe, à  sa façon, et avec ses moyens, d’une entreprise -extraordi naire et terrifiante à  la fois- de numérisation du réel? À vouloir être l’archivage de tout, il semble qu’une telle entreprise ‘détruise la mémoire, cette forme de la pensée humaine qui ne peut précisément aller sans oubli. Ces questions, qui peuvent sembler naives, prennent acte du fait que les appareils de prise de vue aujourd’hui en usage anticipent par avance, d’un point de vue technique et pratique, l’archivage numérique des fichiers. Ces appareils, en un sens, prévoient le mode d’accès aux images en amont de leur existence; ce qui n’est pas sans incidences sur notre représentation du réel et la manière dont nous pouvons l’habiter.

Dans ce contexte, aux implications à  la fois technologiques, économiques et industrielles, plusieurs pra tiques s’efforcent d’ouvrir des chemins qui restituent à  la fabrication des images une dimension active et ‟ expérientielle”, celle d’un regard qui doit redécouvrir sa destination première, qui est précisément de se poser sur le monde pour en éprouver le sens.

[...]

INCENDIER SES PROPRES IMAGES

Jacques Perconte place dans une perspective nouvelle cette approche, simple et minimale, qui doit se traduire dans un processus de transformation du visible afin d’en éprouver, ou d’en révéler, des qualités nouvelles, Après le feu se donne comme un long travelling filmé en plan-séquence, depuis un train qui traverse les terres brà»lées de Corse. Par une série de compressions successives, Jacques Perconte nous fait perdre de vue la réalité pour entrer en contact avec sa puissance plastique, Cette opération technique montre que toute perte est corrélative d’une levée de formes neuves, ce que la simple contemplation d’un feu de bois montre avec évidence. L’image est en elle-même une métamorphose du paysage, qui prend des couleurs et des traits inédits, nés d’outils numériques. Elle se donne à  nous comme une matière qui appartient d’abord au paysage lui-même, que l’artiste entrevoit, et sur laquelle notre propre regard, habité par une foule de soucis quotidiens, ne peut pas se poser,

Pour comprendre ce qu’un feu peut détruire, et retrouver quelque chose de ce qu’il a aboli, il faut incendier ses propres images, et inviter notre regard à  des stances de contemplation que le mouvement des flammes produit nécessairement. La simplicité de l’expérience d’un lieu ou d’un paysage est garante de la profondeur que notre regard peut y chercher, Ce qui est vrai du feu, qui ne peut se fixer dans aucun état définitif et durable sans s’éteindre, l’est aussi, dans ce contexte, de l’image, qui ne peut trouver sa forme qu’en la cherchant toujours, c’est-à -dire en déclinant toutes les variations plastiques dont elle est capable. Après le feu propose mille états d’un seul et unique sujet -une forêt corse traversée par les rails- et rappelle que nous avons besoin de cette unicité pour regarder en vérité ce que propose une image. Car nous n’aurons jamais tout vu de ce qu’il ya à  contempler dans une branche que le vent secoue au-dessus de notre tête. Tout le cinéma de Jacques Perconte en témoigne, après bien d’autres, mais dans une langue qui n’appartient qu’à  lui.

IL N’Y A PAS DE DÉJÀ VU

La pratique de l’image en mouvement ne nous place plus – mais l’a-t-elle jamais fait ?- en situation de pur observateur, détaché des événements que nous voulons filmer. Devenue un outil quotidien d’expression, l’image en mouvement doit aussi nous aider à  ouvrir les yeux sur l’expérience de notre présence au monde et aux êtres. Elle pose cette expérience et nos images du réel dans une dynamique et une temporalité com munes. Dans sa capacité à  accueillir une réalité fragmentée, ou à  produire des instants de perte du monde environnant, elle nous rappelle en acte que nous ne pouvons pas, dans un unique geste, prendre toute la mesure de ce que nous éprouvons, et qu’il n’y a donc pas de déjà  vu. Il nous faut constamment revenir sur ce qui s’est présenté à  nous pour y faire surgir un sens ou des traits qui nous auront échappé, et qui, à  contretemps, peuvent dessiller nos yeux et donner à  notre regard une acuité nouvelle, comme rajeuni de se mettre à  l’épreuve des diverses formes du monde, qu’elles soient historiques et universelles ou qu’elles nous atteignent depuis leur minuscule chatoiement.

*

Diplômé de philosophie, Rodolphe Olcèse collabore régulièrement à  la revue Bref et à  diverses revues littéraires. Depuis 2003, il réalise des films qui se situent à  la frontière du cinéma expérimental, du documentaire et de l’essai. En 2010, il participe à  la création de la société Les productions du lama, et signe Petite, sa première fiction.

*

art press n°21 – mai 2011

Pour des raisons pratiques comme théoriques, on a longtemps opéré des  distinctions entre les films à  partir de critères reposant sur des  différences de supports, de formats et de dispositifs : la pellicule  et la vidéo, l’argentique et le numérique, le narratif et l’expérimental, l’amateur et le professionnel, l’indépendant et le commercial, le documentaire et la fiction et plus récemment encore le  cinéma et l’exposition. Ces oppositions binaires, propres au développement de relations dialectiques ont aussi fourni leur lot de divisions radicales, (entre autres dans la formulation de genres) où les convictions idéologiques allaient de paire avec les enjeux esthétiques.

Ce numéro d’artpress2 ne compte pas revenir sur la pertinence de ces partages, comme sur leurs fondements historiques et théoriques. Plutôt que de rejouer une énième fois leurs découpes en genres et en sous-genres, il propose de faire un pas de côté pour considérer l’ouverture des pratiques filmiques, dans l’espace contemporain, à  de  nouvelles expérimentations. En cela, il compte porter attention aux  arts de faire des films – de les concevoir, de les produire, de les  réaliser, de les mettre en espace, de les diffuser…, sans se satisfaire du constat postmoderne de l’hybridation ou de la combinaison des dispositifs, des supports et des formats, et de son scepticisme latent. Il s’agirait plutôt, à  partir de l’étude de cas précis, de prendre acte des opérations constitutives de ces expérimentations, de ces nouvelles mises en récit et en images et de  comprendre sous quelles conditions et comment elles prennent en écharpe de nouvelles possibilités techniques, investissent de nouveaux supports et lieux de diffusion (web, téléphone portable, DVD, versions…).

En considérant ce qui s’expérimente, aujourd’hui, dans et avec les films, nous souhaitons proposer des concepts critiques pour penser les espaces et les temps rejoués par les images en mouvement.

Liste des contributeurs :

Louis-José Lestocart, Jean-Marc Chapoulie, Erik Bullot, Dominique Paà¯ni, Nicole Brenez, Patrice Blouin, Rodolphe  Olcèse, Aliocha Imhoff, Émile Soulier, Dork Zabunyan,  Emmanuelle André, Anne Marquez.

continuer à lire Rodolphe Olcèse : L’expérience filmique du monde sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

continuer à lire Guillaume Massart : Hypermnésique. sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Nicole Brenez has curated two programs of new work from the French avant-garde for this year’s Rendezvous with French Cinema 2011 in New York; below she has offered her program notes in French. Program one (on Saturday) concentrates on filmmakers reappropriating images; program two (Sunday) is the new feature by Ange Leccia, Nuit bleue. [...]

À partir de 1924, au Vieux-Colombier à  Paris (ombilic de la cinéphilie française, site du premier ciné-club), commença une série de conférences sur le cinéma assurées par les auteurs de la première avant-garde et fondées sur la projection de films ou d’extraits de films. Jean Epstein en donna une sur le cinéma d’avant-garde, et montra Coeur fidèle [1]. Il nous reste le montage effectué par Marcel L’Herbier à  cette occasion, Le Cinématographe et l’espace. Causerie financière, prémices des histoires du cinéma par lui-même, qui aboutiront aux fresques de Al Razutis (Visual Essays : Origins of the Film, 1973-1984), Noà«l Burch (La Lucarne du siècle, 1985), Jean-Luc Godard (Histoire(s) du cinéma, 1988-1998) ou Gustav Deutsch (Film ist, 1998-2002). À mesure que s’accumulent les images et que s’en démultiplient les pratiques, les supports, les modes de diffusion, se développent aussi les initiatives analytiques et critiques. Une part d’entre elles se consacre à  l’investigation sur les images de surveillance, instruments du contrôle social par vocation ou par asservissement subreptice : citons à  cet égard Le Géant de Michael Klier (1983) ; les oeuvres essentielles de Guy Debord, Harun Farocki, Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi ; les poèmes critiques de Bruce Conner (Crossroads, 1976) ou de Travis Wilkerson (National Archive V.1, 2001) tous deux à  base d’archives visuelles militaires américaines. Un pan expérimental se consacre à  l’étude plastique ou sémantique de la désinformation dans l’espace public, tel Mounir Fatmi métamorphosant les images télévisuelles que lui ont confié les habitants d’une cité (Dieu me pardonne, 2004), Jayce Salloum retournant sur les images des massacres de Sabra et Chatila ((As if) Beauty never ends, 2003) ou, sur un bord opposé, Peter Emanuel Goldman critiquant pas à  pas le traitement du conflit israélo-palestinien par les médias américains (NBC Lebanon : A Study of Media Misrepresentation, 1983). Un autre grand pan des recherches se confronte au cinéma de façon endogène, sur un mode analytique (Ken Jacobs, Tom Tom the Piper’s Son, 1969-1971), historique (Thom Andersen, Los Angeles Plays Itself, 2003), polémique (Kirk Tougas, The Politics of Perception, 1973, Kali-Film, Wilhelm et Birgit Hein, 1988, les travaux de Yves-Marie Mahé), matériologique (Peter Delpeut, Lyrical Nitrate, 1990), élégiaque (Rose Hobart, Joseph Cornell, 1936), ou tout cela à  la fois (la Trilogie CinémaScope de Peter Tscherkassky, 1996-2001). Notons que la décennie 2000 a commencé à  faire retour sur les images de l’avant-garde elle-même, à  l’instar de Stefani de Loppinot travaillant les images du Blow Job d’Andy Warhol (Blue Job, 2004), ou Peter Tscherkassky remployant Le Retour à  la raison de Man Ray (Dream Work, 2001).

Ces artistes et bien d’autres (pour citer des recherches très différentes : René Viénet, Péter Forgà¡cs, Bill Morrison, Brahim Bachiri, Hartmut Bitomsky, Douglas Gordon, Augustin Gimel, Johanna Vaude…) alimentent par leurs propositions formelles l’affirmation de Pierre Restany : ‟ L’une des caractéristiques de l’avant-garde au XX^e siècle est précisément celle-ci : l’autocritique du fait visuel, par ses inéluctables réactions en chaînes, a été déterminante dans tous les autres secteurs de la création. Les spécialistes du langage visuel ont une responsabilité capitale : ils conditionnent plus ou moins directement l’évolution et le renouveau de l’entière structure du langage contemporain” [2].

[...]

Satyagraha de Jacques Perconte est né de la même circonstance que À la barbe d’Ivan : chacun des deux films est en soi superbe, et leurs différences esthétiques offre spontanément un constat sur l’ampleur des ressources plastiques qui s’offrent aux cinéastes contemporains. “La Satyagraha ou ‘étreinte de la vérité’ (satya = vérité, agraha = saisie) est le principe de non-violence par la désobéissance civile que Mohandas Karamchand Gandhi a instauré. Que sont devenues les valeurs de Gandhi aujourd’hui ? Quel monde voulons-nous construire ? Le film ne donne pas de leçon, il n’explique pas, il ouvre un espace sensible et y glisse la question”, explique Jacques Perconte à  propos de Satyagraha. Artiste du numérique, Jacques Perconte travaille à  infuser des idéaux politiques dans le fonctionnement même de l’image numérique. Comment ? Tout d’abord, par le principe qui structure sa recherche et qu’il résume en une paradoxale formule : ‟ Sculpter l’imprécision née des mathématiques ”, c’est-à -dire créer des programmes qui permettent d’engendrer l’image à  partir d’ ‟ erreurs ” ou de déréglements dans la continuité des calculs de compression et de décompression. C’est le principe du ‟ glitch ” bien connu des musiciens, mais systématisé puisque Jacques Perconte s’en sert pour inventer des programmes entiers de création d’images. Ensuite, par son ancrage esthétique qui, au rebours de la domination du calcul, revendique les puissances de l’impression, au sens phénoménologique mais aussi pictural de ce terme. Je cite Jacques Perconte : ‟ pour la plupart de mes films, avant chaque image, il existe un phénomène vibratoire naturel d’une force magique, une lumière qui m’emporte. Un sentiment qui me déstabilise. Alors j’enregistre, tout en sachant que cela sera différent. Que je ne retrouverai jamais cette brise. Parce que la technologie ne saura pas voir ce que je vois, et qu’avec ses délicats défauts (ses spécificités) elle me permettra peut-être de révéler quelque chose d’où émaneront de nouvelles ondes fondamentalement reliées aux premières ”. Autrement dit, le travail de Jacques Perconte se consacre à  relocaliser, relativiser et réinscrire l’arsenal technologique à  sa juste place dans l’ergonomie humaine. Satyagraha constitue à  ce titre un art poétique, qui voit soudain une syntaxe de pixels symboliser la chute d’un homme en même temps qu’un soulèvement émotionnel.

[...]

***

1. Essais et remplois : how to use classical images to enlighten actual fights

Al Attlal (Ruines) de Zoulikha Bouabdellah, France, 2009, 3’58, vidéo, coul et n&b

À la barbe d’Ivan de Pierre Léon, France, 2010, 10’, vidéo, coul

Satyagraha de Jacques Perconte, France, 2010, 5’, Film HD, coul

The End of the World Begins With One Lie de Lech Kowalski, France, 2010, 62’, DVCAM, coul

2. La fiction enchantée / The enchanted fiction

Nuit bleue de Ange Leccia, France, 2010, 86’, coul, 35mm

“Following a death, a young woman returns to her island of birth, Corsica. She finds herself in a nationalist male world in the impressive and desolate landscape around Cap Corse. The story in this film without dialogue by the artist Ange Leccia is driven by songs such as Ne dis rienby Serge Gainsbourg.

A young woman, Antonia, returns to her island of birth, Corsica, after one of her relatives has disappeared at sea. She is torn back and forth between her old love Ettore and the dumb Alexander. The quest for Antonia’s place in the masculine environment of armed nationalism is an excuse for all kinds of peregrinations in the spectacular landscape of Cap Corse – a landscape that itself becomes a leading character. The plot of this fascinating film, entirely without dialogue, is told in songs such as Ne dis rien by Serge Gainsbourg. With the songs, the maker reveals the psychology of his characters, who seem to be in the grip of an age-old, atavistic melancholy.

Nuit bleue was directed by the Corsican artist Ange Leccia. He has a major oeuvre to his name with photos, films, videos and installations. He has also made films in cooperation with Dominique Gonzales Foerster.”

***

1 Cf le compte-rendu (très négatif) de Paul de La Borie, ‟ La vie corporative : le cinéma d’avant-garde ”, in Cinémagazine, 2 janvier 1925, p. 27-28.

2 Pierre Cabane et Pierre Restany, L’Avant-Garde au XX° siècle, Paris, Balland, 1969, p. 10

–

continuer à lire Nicole Brenez : french experimental cinema 2010-2011, New York sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

« Au moment où l’argentique est réputé disparaître, fleurissent les poèmes visuels, souvent élégiaques, parfois aussi apocalyptiques, qui se consacrent à  déployer les effets de la lumière sur la pellicule dans un contexte documentaire. S’inscrivant dans une longue tradition qui court des opérateurs Lumière et Kahn à  Hollis Frampton en passant par Rudy Burckhardt et Charles Sheeler, aujourd’hui Peter Hutton, Leigton Pierce, Robert Fenz, Alexandra Cuesta, F. J. Ossang continuent de sculpter des empreintes lumineuses pour en observer les radiations et le bougé, les approximations et les insistances. ‟ Le numérique est une circulation permanente d’électrons î tandis que l’argentique est une élévation hors du noir premier, comme l’icône î 24 images fixes par 24 images fixes… ” (F.J. Ossang, 2004). Derniers feux d’artifice ? Le vocabulaire plastique des intermittences lumineuses semble loin d’être épuisé.[...]

En s’appuyant sur des réflexions de Jean-Luc Godard lors d’un échange privé, Jean-Pierre Beauviala, le créateur d’Aaton, y définit les différences entre le support argentique et la logique numérique, selon un critère principal : la stabilité. Au cours d’une conversation, rapporta Beauviala, Godard lui expliqua qu’au cinéma, chaque photogramme garde une empreinte structurée de manière différente, à  cause du défilement pelliculaire et de la répartition aléatoire des sels d’argent pourtant à  concentration identique. Au contraire, disait Godard, l’image numérique est issue de la traduction par le capteur CCD, petite plaque fixe et invariante portant une grille de cellules, des intensités lumineuses en flux électriques1. Autrement dit (c’est moi qui parle), l’arrivée du numérique permet de ressaisir a posteriori une spécificité constitutive de l’image argentique : son instabilité. [...]

Parmi les artistes qui continuent aujourd’hui de sculpter les empreintes lumineuses pour en observer les radiations et le bougé, les approximations et les insistances, il faut mentionner, parmi beaucoup d’autres, l’allemande Helga Fanderl, l’américain Robert Fenz, le new yorkais Jem Cohen, le thaïlandais Apichatpong Weerasethakul et en particulier ce moment exceptionnel dans l’histoire des images, qui voyait un homme spontanément s’embraser dans la jungle (intallation Primitive, 2009)… De telles initiatives texturelles et temporelles métamorphosent les phénomènes à partir d’eux-mêmes à l’instar des bombes, bouquets, embrasements, cascades ou soleils propres à la pyrotechnie. Mais pour conclure, évoquons un auteur qui inverse la partition décrite par Jean-Luc Godard et Jean- Pierre Beauviala, et travaille à ce paradoxe de conserver et infuser des valeurs argentiques dans le cinéma numérique : Jacques Perconte. Par quelles voies et pour quel dessein inverser les vapeurs de l’histoire technologique ?

Tout d’abord, Jacques Perconte organise sa pratique autour d’un principe structurant : l’imprécision. Il résume celui-ci en une paradoxale formule : « sculpter l’imprécision née des mathématiques ». Cela consiste à expérimenter de nombreux logiciels et choisir ceux qui présentent, selon le terme de Jacques Perconte, une « flexibilité » : « j’essaie et j’apprends énormément d’outils – de logiciels pour trouver ceux dont les limites sont flexibles et que l’on peut pousser. Je cherche ceux qui ne fonctionnent pas très bien et dont les mauvais fonctionnements peuvent être qualitatifs pour moi. » Jacques Perconte détourne alors les programmes qui permettent d’engendrer l’image à partir d’ « erreurs » ou de dérèglements dans la continuité des calculs de compression et de décompression. À ce titre, dès les années 1990, son oeuvre a anticipé les écritures du glitch, aujourd’hui proliférantes en musique comme dans les arts visuels.

Ensuite, l’ancrage esthétique de Jacques Perconte revendique les puissances de l’impression, aux sens à la fois phénoménologique et pictural. « Pour la plupart de mes films, avant chaque image, il existe un phénomène vibratoire naturel d’une force magique, une lumière qui m’emporte. Un sentiment qui me déstabilise. Alors j’enregistre, tout en sachant que cela sera différent. Que je ne retrouverai jamais cette brise. Parce que la technologie ne saura pas voir ce que je vois, et qu’avec ses délicats défauts (ses spécificités) elle me permettra peut-être de révéler quelque chose d’où émaneront de nouvelles ondes fondamentalement reliées aux premières ». Le dernier film à ce jour de Jacques Perconte, Impressions (2011), tourné en Normandie en HD et pour lequel il a inventé un programme spécifique de déréglement et de répétition aléatoire des accidents, revient sur quelques-uns des sites emblématiques de la peinture impressionniste dont la puissance simultanément visuelle et historique, tel un ouragan plastique, oblige à désorganiser et réinvestir les limites des ressources numériques. Impressions créées de nouvelles formes de montage par fragmentation et fondus sylleptiques, qui installent, désinstallent, confrontent et refondent avec systématicité la luminosité de l’image haute définition avec les couches et sous-couches de ses échafaudages de pixels. Il en naît une stupéfiante pâte optique constituée de greffes et de regreffes, une nouvelle palette née in situ, et un rendu du paysage normand sous forme d’une explosive complexité texturelle et chromatique. Le numérique soudain semble lancer une nouvelle asymptote vers le sensible. Enfin, faisant rebasculer le numérique du côté de l’empreinte analogique, l’image figure son engendrement symbolique à partir du motif lui-même (et non de l’outil). Dans son film Après le feu (2010), Jacques Perconte renoue involontairement mais directement avec la littéralité de l’imagerie grâce à laquelle Henri Langlois rattachait les gares Saint-Lazare de Monet à l’impondérable des Lumière : ce qui ne se joue pas seulement dans le choix du motif (un travelling avant en train, comme dans les panoramas de Félix Mesguisch, cette fois en Corse), mais dans le travail effectué à partir des poussières et taches qui recouvrent la vitre de la cabine de pilotage. À partir en effet de cette poussière d’aléa, Jacques Perconte engendre des logiques de propagation « glitchées » par où ruissellent les apparitions chromatiques, travaillées dans leurs capacités à produire des différenciations cinétiques incontrôlables. Le travail de Jacques Perconte rend un hommage flamboyant au génie instable de l’argentique perfusé dans le numérique.»

Poèmes argentiques contemporains, génie de l’instable

Au moment où l’argentique est réputé disparaître, fleurissent les poèmes visuels, souvent élégiaques, parfois aussi apocalyptiques, qui se consacrent à  déployer les effets de la lumière sur la pellicule dans un contexte documentaire. S’inscrivant dans une longue tradition qui court des opérateurs Lumière et Kahn à  Hollis Frampton en passant par Rudy Burckhardt et Charles Sheeler, aujourd’hui Peter Hutton, Leigton Pierce, Robert Fenz, Alexandra Cuesta, F. J. Ossang continuent de sculpter des empreintes lumineuses pour en observer les radiations et le bougé, les approximations et les insistances. ‟ Le numérique est une circulation permanente d’électrons î tandis que l’argentique est une élévation hors du noir premier, comme l’icône î 24 images fixes par 24 images fixes… ” (F.J. Ossang, 2004). Derniers feux d’artifice ? Le vocabulaire plastique des intermittences lumineuses semble loin d’être épuisé.

Colloque LUMIERES DES LUMIERE | Le Fresnoy, Tourcoing
Poèmes argentiques contemporains, génie de l’instable

*

EN COLLABORATION AVEC L’UNIVERSITE DU QUEBEC A MONTREAL (UQAM) ET SCHOOL OF IMAGE ARTS, RYERSON UNIVERSITY A TORONTO

La physique moderne nous l’a appris : la lumière, c’est de la matière. Tout corps, vivant ou inerte, n’est visible que parce qu’il émet des particules appelées photons. Mais, à  l’opposé de cette matérialité de la lumière, il y a son immatérialité : les images des projections lumineuses semblent dépourvues de support physique si un écran ne les intercepte pas pour les rendre visibles. La question de la lumière est à  la fois au centre de sciences comme l’astrophysique, et au centre de disciplines artistiques comme la peinture, la photographie, le cinéma, les installations, les arts de la scène. La lumière éclaire aussi bien le théâtre de l’univers que le théâtre humain.

Organisé parallèlement à  la grande exposition que Le Fresnoy consacre à  Michael Snow, ce colloque qui réunira artistes, historiens, philosophes, scientifiques vise à  « faire la lumière sur la lumière » et, en tous cas, de croiser les lumières des spécialistes de diverses disciplines et cultures, en associant trois institutions : l’Université du Québec à  Montréal (UQAM), Ryerson University à  Toronto et Le Fresnoy – Studio national à  Tourcoing.

Les journées du 10 et du 11 février seront clôturées en soirée respectivement par un événement artistique et une projection de films.

LE FRESNOY
Studio national des arts contemporains
22 rue du Fresnoy – BP 179
59202 Tourcoing cedex
Tel : + 33 (0)3 20 28 38 00
Fax : + 33 (0)3 20 28 38 99
communication@lefresnoy.net
www.lefresnoy.net

continuer à lire Nicole Brenez : Poèmes argentiques contemporains, génie de l’instable sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Satyagraha (2009) de Jacques Perconte est un film réalisé à  partir d’une pratique du found footage (terme anglais qui signifie littéralement ‟ métrage trouvé ” et désigne la récupération d’images préexistantes dans le but de fabriquer un autre film). L’oeuvre est dédicacée à  Joachim Gatti, à  l’appel immédiat de Nicole Brenez à  la suite de ce qu’on a appelé ‟ les événements de Montreuil ” de 8 juillet 2009. Ce ‟ manifeste visuel ” répond à  un évènement politique. Comment des oeuvres anciennes sont-elles réutilisées pour interroger l’actuel ?L’ancien serait-il une réponse au nouveau ? Comment Jacques Perconte réfléchit-il dans son film au devenir de la notion de création en art et comment cet art ‟ nouveau ” fait-il écho à  des évènements politiques ?

Créer sans nouveauté : l’art et la politique aujourd’hui, lundi 14, 28 mars et 11 avril de 9h00 à  12h30
Université Paris Ouest Nanterre

-

Organisation : Florian Gaité (Université Paris Ouest Nanterre, Sophiapol), Pauline Colonna d’Istria (Université de Poitiers, CRHIA)

Créer sans nouveauté : l’art et la politique aujourd’hui

Ces journées d’étude ont pour vocation à  constituer un groupe de réflexion autour du devenir de la notion de création en art et en politique.

Si le mot de création jouit sans conteste d’une actualité dans le débat public, il ne fait pour autant pas signe vers une urgence de créativité, une nécessité pour chaque époque de se créer des formes radicalement nouvelles. La ‟ thématique de la fin ”, devenue lancinante à  la fois en art et en politique, participe d’un sentiment d’épuisement formel qui semble aujourd’hui confronter les projets d’action à  l’aveu de leur impuissance. En ce sens, le diagnostic de la fin des utopies, des idéologies ou des grands récits en politique, et la proclamation de la fin des avant-gardes, et d’une ‟ ère post-historique ” de l’art nous amènent à  repenser le rapport entre création et nouveauté. Au-delà  d’une conception de la fabrication ex nihilo, devenue stérile pour penser les phénomènes contemporains, la création comme moment originel s’évalue à  nouveaux frais. Aussi, qu’est-ce que créer aujourd’hui ?

L’effacement des représentations révolutionnaires et des projets de critique radicale a profondément renouvelé la conception des formes possibles de l’action politique. Et les sociétés démocratiques modernes, complexes et globalisées, posent encore autrement la question des modalités du geste créateur. Si la figure du décideur politique en vient souvent aujourd’hui à  se confondre avec celle d’un gestionnaire avisé du présent, qu’en est-il de la possibilité de créer du nouveau ?

Les ruptures induites par l’art contemporain, la multiplication des pratiques et des lieux, des matériaux et des sujets, ont permis une prolifération de formes auxquelles l’actuel désengagement des artistes dans la recherche du nouveau semble faire écho. Depuis deux décennies s’officialise une pratique du remake et de la parodie, de la reprise et de la référence, qui fait de chaque oeuvre une sorte de postproduction. Il convient d’apprécier la pertinence du critère d’innovation dans l’art actuel. Quelle redéfinition du ‟ créateur ” peut-on en tirer ? Quel est le potentiel plastique de la répétition ?

Une approche généalogique du terme de création et de ses usages contemporains nous semble pouvoir constituer un levier critique intéressant pour interroger les dynamiques à  l’oeuvre en art et en politique. Les deux premières journées seront centrées plus spécifiquement sur un champ d’étude (l’art puis la politique) et la troisième travaillera au croisement de ces deux approches. Il s’agirait en effet de ne pas forcer d’emblée le parallèle ou le passage entre la création politique et la création artistique. Le croisement n’est pas un postulat ni un point de départ à  ces matinées ; l’intérêt étant qu’il se constitue au fil de la réflexion.

continuer à lire Gabrielle Reiner : Satyagraha sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

L’hybridation technologique et artistique se développe très vite depuis une dizaine d’années serait-elle loin de notre vie ? Les nouvelles images, transverses, n’ont ni origine ni fin, elles procèdent d’une démarche industrielle qui exclut dans sa nature même la relation à  l’unicité, à  l’intimité, au mystère. Pourtant, le corps est bel et bien le lieu privilégié de l’expérimentation numérique. Il est question de vivre de nouvelles expériences, avec notre corps augmenté. Entre objectivité et subjectivité. Entre la machine et l’homme.

Notre présence au monde et notre conception de la vie sont désormais indissociables de l’intelligence artificielle. La véritable révolution r·est pas technologique, elle est anthropologique : l’homme n’est plus fasciné par la machine il l’a intégrée à  son mode de vie avec le téléphone portable, l’Internet, l’ordinateur.

La question n’est plus de savoir si la vie et l’art sont concernés par la révolution numérique, moins bien de donner du sens aux usages numériques. Le problème n’est pas non plus identitaire : la spécificité des ‟ arts numériques ” (l’immersion, l’interactivité, la transversalité, l’instantanéité..) est une question périphérique. Elle occupe bien des esprits, mais elle divise et élude le coeur du sujet. Si tout a changé vite, il est indispensable de penser la mutation. Comprendre le sens de cette révolution. Quel regard portons-nous sur le monde ? Où allons-nous ?

Les artistes utilisent le langage et les codes ,de leur temps, mais de tout temps ils interrogent la vie, la mort, l’amour, le corps, l’espace, la lumière… Ces questions ont traversé l’histoire de l’art et l’histoire de l’homme. Elles restent d’actualité.

L’association accès(s) est résolument engagée dans cette voie. Nous invitons le public, tous les ans depuis 2000, à  s’interroger sur le sens de notre vie aujourd’hui à  l’ère numérique. Notre propos est étroitement connecté à  notre réalité quotidienne. Nous nous exprimons naturellement avec les nouvelles technologies, de manière décomplexée, sans euphorie.

Pour le dixième anniversaire d’accès(s), nous explorons durant une dizaine de jours la lumière. Question récurrente de l’histoire de l’art, au coeur de la création numérique aujourd’hui. La lumière par delà  l’image est onde, flux, énergie. Un champ énergétique où le réel croise le virtuel, la vision l’imagination. Lumière diffractée d’un mobile translucide figurant un son, lumière irréelle sortant des yeux d’un enfant pour éclairer un monde lunaire, mur de lumière rouge incandescent pulsé par une ambiance sonore industrielle, lumière couleur d’un paysage impressionné par la chaleur, le mouvement, la vie intérieure.

Ce n’est trois fois rien. Peu de chose… un point lumineux au milieu de l’océan. La présence improbable d’un phare au loin ou d’une luciole dans la nuit. La luciole apparaît et disparaît, à  l’image du souvenir d’un rêve. On croyait les lucioles disparues. La ‟ survivance des lucioles ”. Comme l’écrit Didi-Huberman n’est pas un miracle, elle est le signe d’un espoir, d’une possible résistance. Dans un monde aveuglé par les lumières de la guerre et de la consommation, il reste malgré tout quelque chose qui résiste, quelque chose qui n’apparaît que dans la nuit.

Manifeste éditorial tracté le jeudi 18 novembre 2010 lors de la soirée d’ouverture du festival Accè(s)

continuer à lire Nicolas Charlet : Dans la lumière sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

[...] Pour nous, il nous a suffi d’être « pris par les images » et pas forcément par la narration. Le réalisateur nous plonge dans un univers décalé et totalement abstrait qui en a surpris plus d’un, à  en croire les réactions des spectateurs interrogés à  la sortie. A la fois un trip hallucinogène au pays des pixels et un voyage poétique et sensoriel !!

Par les lycéennes sur le blog du 1er Festival international du Film de Pau
Mathilde Grosclaude, Mélanie Cillard, Johanna Bagatta, Ilham Bekraoui, Manon Fourçans.

continuer à lire Prises par les images (cheloues) sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Trente-six films, une star mythique du cinéma italien, neuf jours de compétition et un premier rendez-vous qui va attirer tous les amateurs du septième art des Pyrénées : Pau lance, ce vendredi, la première édition du Festival international du film. Un véritable événement cinématographique organisé par le cinéma Le Méliès, salle d’art et essai incontournable et dynamique de la cité royale, avec de nombreux partenaires.

Tout au long de ces neuf jours, jusqu’au dimanche 28 novembre, tous les cinémas et tous les publics vont pouvoir se succéder dans la salle de projection pour découvrir des films en avant-première, comme le dernier Sofia Coppola, ‟ Somewhere ”, qui sera présenté pour la première fois en France. Lion d’or au dernier Festival de Venise, ce rendez-vous permettra de conclure la soirée de remise des prix du samedi 27 novembre en présence de Claudia Cardinale. L’actrice italienne sera présente à  Pau pour remettre un Pyrénées d’honneur à  Marco Bellocchio.

Auparavant, dès vendredi, à  20 heures, la soirée d’ouverture sera placée sous le signe de la Belgique avec la projection du film ‟ Hitler à  Hollywood ”, signé Frédéric Sojcher. Le réalisateur sera présent à  Pau pour rencontrer le public à  l’issue de la séance.

Le week-end sera également marqué par une carte blanche à  Jacques Perconte, autour du cinéma expérimental avec films et débats durant toute l’après-midi de dimanche. Suivi d’un rendez-vous que les amateurs du festival d’Anères connaissent bien : du cinéma muet mis en musique en direct. Pour cela, les organisateurs du Festival international du film de Pau se sont associés à  l’Orchestre de Pau pays de Béarn pour accompagner en musique la projection du film suédois de 1917, ‟ Les Proscrits ”, signé Victor Sjà¶strà¶m, dimanche, à  21 heures.

Tout au long de ce festival, les jeunes ne seront pas oubliés puisque les élèves de seconde et de 1re du lycée Jacques-Monod de Pau participeront activement à  l’organisation en tenant le blog du festival. Des rendez-vous spécifiques au jeune public seront proposés tout au long des neuf jours avec la projection des films ‟ Alamar ”, ‟ Terrain de jeu toxique ”, ‟ Franz et le chef d’orchestre ” ou ‟ Une Vie de chat ”. Des lycéens seront également présents dans le jury du festival.

Parmi les thèmes explorés dans les différentes catégories, on retrouve la Suède, l’Europe oubliée et un hommage à  Marco Bellocchio. Le réalisateur italien sera d’ailleurs présent à  Pau, du 25 au 28 novembre.

Et, bien sà»r, les films en compétition officielle, 6 films inédits en France venus d’Europe. Enfin, une sélection de films tournés dans la région ou parlant des Pyrénées sera proposée lors des différentes projections dont vous retrouverez le programme complet sur le site www.lefestivaldufilmdepau.fr

http://www.ladepeche.fr/article/2010/11/17/949358-Pau-fait-son-festival.html

continuer à lire Pau fait son festival sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Cette année, pour fêter ses 10 ans, le festival Acces(s) va vraiment nous montrer ce qu’il sait faire : accueillir des oeuvres créées à  partir des arts numériques, monumentales, étonnantes et accessibles. Pour l’occasion, Acces(s) se recentre sur son lieu de vie et de gestation, les abattoirs de Billère, soutenue plus que jamais par l’Agglomération Pau-Pyrénées, au même titre que trois autres associations déclarées d’intérêt public : Ampli, Le Méliès et L’Agora. Un seul lieu – même si le réseau de lecture publique va relayer la manifestation – les Abattoirs, ce qui permettra aussi une vraie vie de festival avec des rencontres, des performances…

Cette fois-ci, le directeur artistique d’Accès(s), Nicolas Charlet, a choisi de nous éclairer sur la lumière, cette onde si naturelle qu’on ne remarque même plus. ‟ C’est une thématique très large volontairement. Notre but est de revisiter cette thématique sous le prisme des nouvelles technologies et de la société numérique. Nous verrons comment les artistes peuvent lui donner un côté matériel et symbolique ”, explique Nicolas Charlet.

Le public pourra découvrir huit installations. ‟ Elles prennent toute la mesure des espaces qui se sont adaptés à  ces objets ”, ajoute Florence de Mecquenem, directrice du Bel ordinaire (ex-pôle culturel intercommunal).

Spectaculaire, l’oeuvre d’Etienne Rey ne laissera pas indifférent. Elle représente un jeu géant de miroirs qui varie en fonction de l’espace. La lumière part d’une onde sonore, créée par un autre artiste, Mathias Delplanque, et dessine un son. Etienne Rey a mis dix jours pour installer son oeuvre dans une salle des abattoirs à  Billère. Il a été aidé par des étudiants de l’Esac de Pau. Ce spécialiste de la diffraction, basé à  Marseille, sera présent au vernissage. ‟ Comme les autres artistes invités, Etienne Rey expose dans toute l’Europe. Je veux l’inviter depuis 2005 ”, confie le directeur artistique d’Acces(s). Le public pourra discuter avec Etienne Rey le samedi 20 novembre à  la médiathèque d’Este, à  Billère.

La lumière et le son font souvent bon ménage dans le monde des arts numériques. Cécile Babiole, artiste associée de La Filature à  Mulhouse, manie ce couple depuis longtemps. Pour Pau, l’artiste projette ‟ Control room ”, un mur de lumière qui s’éclaire avec un univers sonore, celui d’une imprimerie, et pas n’importe laquelle puisqu’il s’agit de l’imprimerie du journal ‟ L’Alsace ”. Résultat, le monde industriel s’invite par la lumière dans une sorte de tour de contrôle luminescente.

Laurent Pernod a choisi de montrer quatre installations : ‟ Le Quid ”, un film d’animation numérique qui met en scène un personnage proche du Petit Prince qui éclaire le monde de son regard ; ‟ Chronorama ” est un vaisseau fantôme de lumière qui bouge avec le spectateur ; ‟ N’ayez pas peur ” est une enseigne lumineuse ; enfin, ‟ Incertitude des étoiles ” décrit la chute et l’élévation d’une danseuse, surfant sur le thème de la vision, de l’apparence.

Acce(s) donnera à  voir une sélection des oeuvres de Jacques Perconte, cinéaste expérimental. Il filme les paysages et les retravaille à  l’ordinateur. Il colore chaque pixel à  la manière d’un peintre pointilliste ; les images réelles deviennent peu à  peu des tableaux impressionnistes. Une sélection sera projetée aux abattoirs, tandis que le cinéma Le Méliès lui offrira une carte blanche à  l’intérieur du festival du film international de Pau.

Petit ovni dans ces oeuvres imaginées par des artistes confirmés, la ‟ Table tangible ” de Lucas Bigeardel, jeune ingénieur informatique de Toulouse, choisi par Nicolas Charlet pour sa prouesse technique et sa beauté artistique. En manipulant les objets, le public créé des sons et des lumières. Malheureusement, la ‟ table tangible ” ne sera visible que deux jours au début de la manifestation.

L’exposition sera enrichie de concerts. Le 27 novembre, la scène de la Route du son accueillera trois concerts de Bot’Ox, Noone et Emine & So ; le lendemain, David Fenech fera un live electro. Une rencontre avec le public est organisée samedi 27 novembre, à  17 heures, à  la médiathèque des Allées, à  Pau. Des performances aussi, les 18 et 20 novembre, de Mathias Delplanque, créateur sonore, Hong Kong police terrorist organisation…

Du 18 au 28 novembre, aux anciens abattoirs à  Billère. Programme complet et présentation des artistes sur www.acces-s.org ou 05 59 13 87 44.

// Pau · culture et loisirs · Billère · Pyrénées-Atlantiques / SUD-OUEST, Novembre 2010

continuer à lire SUD-OUEST : Eclairage sur la lumière sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

[...] Envisagé comme ouverture, jusque et y compris du paysage audiovisuel, le cinéma de jacques perconte est à  la fois question et réponse. Question car il nous demande quelle place nous voulons habiter dans le monde, et réponse dans la mesure où il s’adresse à  ce qu’il y a en nous de nécessairement irrésolu, et qui doit à  son tour s’interroger sur la réalité et ce que nous avons à  y faire. La tranquille sobriété avec laquelle cette oeuvre suit son chemin participe assurément de sa forme plastique, qui, comme toute proposition artistique véritable s’est trouvée et vit pourtant de se chercher.

Vous pouvez commander le numéro 94 avec le dvd sur le site internet du magazine.

continuer à lire Rodolphe Olcèse : Jacques Perconte, paysages, images et matières, Bref N°94 sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

http://www.brefmagazine.com/pages/lpl.php?id_rubrique=3&id_film=90

http://www.lesproductionsdulama.com/

continuer à lire La petite lucarne : rencontre avec Jacques Perconte sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Actes du Colloque : Ni tout à  fait la même, ni tout à  fait une autre…, École Supérieure d’Art d’Épinal & Musée de l’Image, 2010

À propos de la narration et de la citation en Art Vidéo : le Passage 2009, projet de cadavre exquis vidéo à  partir de citations littéraires (festival codirigé par Violaine Boutet de Monvel & Jeff Stanley); Par faulte d’ung huys de Violaine Boutet de Monvel (François Villon); da-w-n de Vadim Bernard (Héraclite); UFO Dream de Johanna Vaude (John Keel); The Sea de Vincent Ciciliato (Mary Shelley); Le Passage de Jacques Perconte (Guido Cavalcanti)

Le texte en intégralité sur le site de Violaine Boutet de Monvel : Le Passage du texte à  l’image vidéo
L’extrait sur le passage.

Actes d’un colloque sur la citation en art, codirigé par Perin Emel Yavuz & Roselyne Bouvier, avec des essais d’Annabelle Teneze, Camille Debrabant, Ludovic Recchia, Alain George Leduc et Violaine Boutet de Monvel

…

continuer à lire Violaine Boutet de Monvel : Le Passage du texte à  l’image vidéo sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

L’artiste français Jacques Perconte initia en 2003 une série de films numériques qui explorent le paysage, et surtout son image, et qui accueillera cette année son sixième rejeton, Impressions de, une référence et révérence aux Impressionnistes  auxquels il a toujours été incidemment rapporté par la critique.

Comment ne pourrait-il pas l’être? Grâce à  un travail méticuleux et artisanal de compressions multiples, de collages et de superpositions, Jacques Perconte raconte l’histoire de la pixellisation structurelle et vibrante qui donne une nouvelle expression formelle à  tout changement simple de la lumière et du vent, qui, entre autres, anime doucement ses paysages vidéo. Comme les Impressionnistes usaient autrefois de coups de pinceau morcelés de couleurs non mélangées pour traduire en termes plastiques la lumière et la chaleur qui ont capté ce paysage d’un instant, Jacques Perconte utilise les imperfections évidentes ou les aberrations – on pourrait dire dans une époque qui fait l’éloge d’une définition de plus en plus déterminée- de ses images qu’il a soumis à  une énorme perte de données. « Un bug n’est pas une erreur pour le programme, il ne devrait pas en être une pour moi ”, dit-il.

Une promenade chanceuse est à  la source de tous les films de la série, car l’artiste se déplace souvent avec une caméra à  portée de main, comme les Impressionnistes avec leurs tubes de peinture et chevalets. Pour Impressions de (2010), Jacques Perconte recueille actuellement des images en Normandie, suivant un sentier de pèlerinage qui suit les peintres de la fin du XIXe siècle. Tous les autres films uaoen (2003), uishet (2007), Pauillac-Margaux (2008), Le Passage (2009) et Après le feu (2010), ont été tournés en transit, à  partir de la fenêtre d’un train, une voiture, ou même en navigant en bateaux. Quelle que soit la connexion spéciale et romantique que Jacques Perconte peut avoir avec la nature qui se déroule sous ses yeux au moment de l’enregistrement, la narration numérique derrière le paysage se dévoile de retour à  son studio, jour après jour, compression après compression, aberration après aberration, couches après couches, jusqu’à  ce que l’instinct de l’artiste et sa sensibilité lui indiquent que l’oeuvre est finie. Qu’y a-t-il?

« Les scénarios de mes films sont dictés par la géographie des paysages, ainsi que l’histoire qui se déroule au cours de leur perception. D’une certaine façon, ils sont des promenades. Le récit s’installe dans les transformations dont l’image souffre. D’abord et à  priori naturaliste, cela met l’accent sur le paysage, sa plasticité ; il devient alors moins objectif, peut-être plus impressionniste. La lumière dessine, la couleur magnifie, la matière l’emporte, et, enfin, le paysage devient peu à  peu abstrait. Familier d’abord, il devient un espace expressif et mental. « (Jacques Perconte)

Ainsi, dans chacun de ses films, le récit est l’histoire d’un changement fantasque et progressif de l’impression initiale du paysage de l’artiste contemplée par son viseur à  son expression numérique sur l’écran de l’ordinateur par le biais des éclats de pixels colorés et fourmillants ; de la surface plane et l’apparence d’une image vidéo à  la richesse organique et plastique qui se cache derrière le voile mince de la haute définition; du Naturalisme à  l’Impressionnisme, et même dans une certaine mesure, le Fauvisme, si nous poursuivions ce jeu de comparaisons contingentes; de la perception et l’enregistrement original à  l’imaginaire infini, l’image peut donc être transmise à  travers les yeux des spectateurs. « Nous ne distinguons plus l’image du paysage, nous voyons le paysage de l’image”, dit l’artiste.

L’abstraction progressive de l’image en elle-même après l’introduction de l’exposition systématique à  son référent originel et naturel, un paysage réel qui donna naissance à  chaque film de la série, est en fait ce qui permet à  l’image même d’être un espace mental: en perdant lentement la prise sur la réalité, le film devient un paysage qui lui est propre et son récit, même si il s’impose magnifiquement, n’est ni dictatorial, ni conceptuel, ni même trop technique (contrairement à  la production de longue haleine). Il est naturel pour le spectateur de prolonger les films de Jacques Perconte avec sa propre mémoire et imagination, car ils ne prétendent pas autre chose que de bercer notre sensibilité, peut-être notre sens de la beauté. Dans une certaine mesure, l’expérience est proche de l’écoute de la musique. Flânerie est peut-être le seul mot d’ordre.

Avec Après le feu (2010), créé lors d’un voyage en Corse après un incendie de forêt, Jacques Perconte a ouvert une nouvelle dimension symbolique à  ses paysages. Comme nous l’avons compris plus tôt, les travaux de l’artiste et ses expériences sont en communion avec les résultats dangereux que les programmes de compression des données peuvent rendre. Pour son dernier film, tout en recueillant avec soin et en combinant des bugs ou des aberrations dans ses images, il a réussi à  créer l’illusion d’une profondeur dans son décor qu’il n’existait tout simplement pas dans le paysage d’origine corse. Sur l’écran, dans une vallée qui semble suivre le cours du train, à  l’arrière de laquelle l’artiste enregistrait des images, succède progressivement un vide immense, vertigineux, pixélisé, sous les voies. En d’autres termes, tout en tournant lentement son attention de l’extérieur à  l’intérieur, du paysage perçu à  son expression numérique, l’image réécrit littéralement et radicalement sa topographie naturelle afin de raconter une histoire entièrement nouvelle. Pourtant, et pour couronner le tout, du début à  la fin, le film ne cesse jamais complètement de dépeindre la nature en dépit de tous les pixels aliénants, restés connectés à  ce qui était autrefois la lumière chatoyante qui frappait les feuilles d’un arbre. Non sens?

Les tours de magie de Jacques Perconte permirent à  l’image de Après le feu non seulement d’être libéré, détrônant Mère Nature pour le Grotesque, mais aussi de devenir folle! Au cours du processus, il a gagné une âme qui est prête à  réinterpréter radicalement notre perception contre nos sens -l’expérience empirique de l’extérieur-, tout en nous jetant dans son corps variable, infini et inépuisable. Il nous emmène sur une chevauchée fantastique qui nous  inspire un sentiment accablant de Sublime. Si la série de paysages de Jacques Perconte peut être proche de l’esthétique des Impressionnistes, en passant ses paysages on ne peut plus romantique, pour leur beauté qui reste toujours « liée à  la forme de l’objet », qui est en fait représenté par une ‟ infinité ”( Emmanuel Kant, Critique du jugement, 1790). Jacques Perconte réussit à  concilier la beauté avec le Sublime dans sa Flânerie numérique contre l’idéal et la compréhension actuelle de la perfection de haute définition. Loin d’être reçu à  nouveau comme froid, conceptuel et trop technique, ses abstractions numériques vibrent, ressentent et nous provoquent.

continuer à lire Violaine Boutet de Monvel : Jacques Perconte, l’image numérique, et le sublime sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Oui, c ’est du cinéma. Du cinéma ‟expanded”, sorti de ses formes et de ses cadres. Du cinéma hors la salle, hors les murs, hors ‟le” dispositif.. Démultiplication folle des formes de présence de l’image lumineuse en mouvement. La pellicule n’est plus le critère, ni la salle, ni l’écran unique, ni la projection, ni même les spectateurs. Oui, c est du cinéma. Du cinéma aux mille lieux. Du cinéma hors ‟la Loi”. Sauvage, déréglé, proliférant bien plus que disparaissant. Multiple et multiforme. Il suffit d’ouvrir les yeux: il est partout. A la télévision, depuis longtemps, pour ceux qui veulent encore la regarder. Sur les bonnes vieilles cassettes vidéos, pour les cinéphiles tardifs.
Sur les DVD, les ordinateurs, Internet, pour tout le monde désormais. Jamais on a vu/montré autant de films. Le cinéma est dans les musées, les galeries d’art, au théâtre, à  l’opéra, dans les salles de concert, de plus en plus. A ceux qui font mine de se poser la question ‟est-ce encore du cinéma?” ((et qui pensent que celui-ci ne peut exister que dans sa force ‟propre ”), il faut dire: Oui, c ’est du cinéma! Comme art et comme industrie. Comme création et comme divertissement. Comme image et comme dispositif. Comme histoire et comme technique. Comme oeuvre et comme marché. Comme depuis toujours. Il faut l’admettre et le prendre au sérieux.

Dans cet ouvrage deux textes parlent de mon travail :

Sun Jung Yeo : Pesanteur et Couleur digitale : Uishet et Entre le Ciel et la Terre de Jacques Perconte
Bidhan Jacobs : Taritement des signaux numériuqes et abstraction

OUI, C’EST DU CINEMA / YES, IT’S CINEMA – FORMES ET ESPACES DE L’IMAGE EN MOUVEMENT / FORMS AND SPAC
ISBN: 88-456-1087-5

Dubois, Philippe/Làºcia Ramos Monteiro/Bordina, Alessandro (2009): Qui, c’est du cinéma/Yes, it’s cinema. Formes et espaces de l’image en mouvement/Forms and Spaces of the Moving Image. Pasian di Prato : Campanotto Editore

continuer à lire OUI, C’EST DU CINEMA / YES, IT’S CINEMA sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

A partir des oeuvres de Jacques Perconte, je me propose de découvrir comment l’épreuve physique de la pesanteur peut intervenir dans la conception de l’oeuvre numérique, et de montrer en particulier comment la question de la couleur nous amène à  penser la physicité des images numériques. Ce que j’appelle la physicité, plutôt que la physicalité, provient du mot grec phusis qui ne désigne pas exactement la nature au sens moderne du terme ni les choses physiques, mais ‟ le processus total de la nature, l’actualisation constante des potentialités de la substance matérielle ”[1]. Est-il possible d’édifier un fondement physique du numérique dont le procédé et le résultat visuel sont immatériels par excellence ? Comment réfléchir sur le numérique qui domine la situation contemporaine de l’art, voire notre rapport au monde ?

Des images numériques aux installations chez Jacques Perconte, la question de la pesanteur me semble fondamentale. En premier lieu il s’agira de réfléchir sur la compression multiple : la pluralité de la pesanteur qui en résulte conditionne l’apparition de la couleur. Cette dernière tombe ou s’élève en répondant à  la force de pesanteur ou en gardant une tension avec elle. En deuxième lieu je m’interrogerai sur sa conception du numérique en tant que tas. À travers une figure de tas géo-chromatique, je mettrai en parallèle notamment la vidéo numérique Uishet (2007) et l’installation via GPS Entre le Ciel et la Terre (2007). En effet la terre et la couleur numérique se trouvent intimement liées par le geste de l’entassement.

La couleur et la pluralité du poids

Pour Perconte, l’image numérique pèse en effet. Bien entendu, ce poids n’est pas matériel, d’autant que l’image ne détient pas de masse î condition primordiale du poids physique (F = mg). Certes les unités d’information, comme le bit ou l’octet, désignent au plus la quantité des données informatiques représentées par un chiffre binaire composé de 0 et de 1, qui occupe la surface du stockage de mémoire (DV, disque dur, etc.), et non le poids. Mais lorsque Perconte écrit que ‟ le film de 8 minutes pèse 3,5 Go ”[2], ce n’est pas une expression d’ordre métaphorique comme on l’exprime souvent dans le langage courant. C’est que le poids résulte toujours d’une causalité. Le poids de l’image est proportionnel au mouvement et à  la taille du détail ainsi qu’au temps et à  l’intensité de la lumière. Selon lui, lors de la rotation des couches qu’il a divisées et multipliées à  partir d’une image, ‟ la valeur sombre s’en va vite et s’évapore, devenant transparente ”. En revanche, ‟ la valeur claire disparaît lentement ”, dit-il, car la valeur claire est plus pesante[3].

En effet le poids de l’image est manifeste dans toutes les étapes de création, notamment dans sa conception plastique de la couleur. Mais si l’image pèse, c’est avant tout dans l’ordre du manque, du masque, de la perte : pour ses oeuvres numériques, Perconte engage le procédé singulier d’une compression multiple qui lui permet d’agir sur le poids de l’image. Par exemple, quand l’artiste compresse une image numérique qu’il a filmée, la zone sombre perd davantage ses données informatiques par rapport à  la zone claire qui maintient sa mesure. Plus la zone est sombre, plus elle allège son poids. Comme le revendique Perconte, ‟ ce travail va se concentrer sur la luminosité, sur le temps, sur les liens entre image/compression/lumière. À savoir que plus une image a de zones sombres, moins elle pèse et plus ces zones sont masquées ”[4]. Mais le but de cette pratique ne consiste pas seulement à  alléger ou alourdir, mais à  convertir la force de pesanteur elle-même.

Prenons comme exemple l’image que l’artiste nous donne en vue de l’illustration pédagogique de ce mécanisme (voir l’image sur http://blog.technart.fr/2005/06/19/quelques-mots-sur-lencodage-et-le-paysage/). Elle a été d’abord compressée en divx à  300k/s puis à  190k/s, et puis recompressée en mp2 à  12mb/s. ‟ Dans cette version, dit-il, l’image est très hachée et les blocs compressés se figent facilement, les traînées de blocs qui ne bougent pas entre deux images clés vont se superposer et se mélanger. De nouvelles couleurs hallucinées vont apparaître lorsqu’une zone foncée devient claire ”[5]. Ces valeurs lumineuses peuvent être renversées par la compression du négatif. Si l’on transforme le fondu au noir en négatif, comme le sont les images au milieu d’Uishet, le résultat chromatique de sa compression sera plus probant.

La conversion de la force de pesanteur exalte ainsi l’apparition de la couleur, ses accidents ou ses aventures plastiques. Il y a donc une force verticale, susceptible d’être altérée, au sein de laquelle la couleur risque de tomber ou au contraire de rebondir. Il s’agit de rendre plurielle la force de pesanteur, déjouant le poids initialement inscrit sur l’image, sur chaque zone dont la quantité d’information diffère selon sa nature complexe, telles que luminosité, mobilité, temporalité, densité des détails (fig. 1-4). Les pratiques de cette conversion varient selon les ordres que l’artiste impose : dilatation de la taille initiale, c’est-à -dire la décompression en vue de compression, compressions zone par zone, du négatif ou à  l’envers, et répétition différentielle variant des taux de compression.

L’espacement et la présence locale

Les forces de pesanteur naissent, pour ainsi dire, de la différence : entre clair et obscur, mouvant et fixe, dense et imprécis. Cette pluralité de pesanteur n’est pas due au changement de la masse matérielle, mais à  ce rapport différentiel, pour ainsi dire l’espacement.

Pour les compressions qui m’intéressent c’est-à -dire les compressions temporelles, cela se passe à  la fois au niveau des images fixes et au niveau du mouvement. C’est-à -dire par exemple que dans une séquence vidéo d’un paysage du type de celui du jardin, les parties très sombres (les troncs à  contre-jour par exemple) vont être uniformisées et ne seront pas affectées par les déplacements des parties éclairées (le bord des branches mues par le vent). Les zones vont être simplifiées selon leur importance. Elles se composeront et décomposeront de façon à  restituer plus ou moins fidèlement l’action selon les intentions que l’on a. Le codec permet de régler la sensibilité. On peut complètement détruire la neutralité naturelle de l’image pour lui donner une nouvelle dimension.[6]

Cette mise en espace aura lieu entre les zones de couleur. La force de pesanteur agit sur la présence locale de ces zones colorées. L’artiste espace l’image zone par zone, dit-il,

en masquant une grande partie des couleurs et en insérant un nouveau calque à  chaque apparition d’une nouvelle zone […]. De nombreux éléments sont traités individuellement, par exemple, pour une branche qui a dans une version du plan très compressée en divx certaines qualités plastiques, en faisant varier les niveaux de blanc et de noir sur cette zone et la saturation des couleurs, je vais révéler les structures abstraites de l’élément. […] La couche suivante mettra en scène des éléments voisins aux premiers avec une compression différente […]. Il n’y pas de travail sur les transparences dans ce film, tout est collage des mêmes images traitées différemment les unes sur les autres.[7]

À partir de ces taches non floues, provenant de compressions individuelles et différentes, Perconte tente d’acquérir la physicité de la couleur, d’actualiser une gravité entre les zones colorées. Il brutalise les pixels immatériels ou les carrés de défaut numérique, un peu plus grands que les pixels, au point d’en faire une substance différentielle sans masse, mais répondant à  la force de pesanteur. Ces zones colorées sont le résultat plastique de l’espacement.

Le numérique en tant que tas lisse et cartographique

L’installation via GPS Entre le Ciel et la Terre expose une pensé singulière de l’oeuvre numérique, ayant un rapport aux Earthworks des années 60 ou 70 comme ceux de Robert Morris, de Robert Smithson ou de Ben. L’entassement n’incarne pas seulement le mode d’exposition de ces derniers, mais aussi le mode de production qui édifie une oeuvre numérique d’après Perconte. Il conçoit en effet le numérique en tant que tas. Un amas de terre occupe ainsi le centre de la galerie du Théâtre qui est le lieu d’exposition d’Entre le Ciel et la Terre. Les terres sont prélevées d’un terrain choisi après l’arpentage auquel l’artiste a procédé via GPS aux alentours d’Evry et de l’Essonne : c’est un ‟ Nonsite ”, tel que le discute Robert Smithson î un fragment cartographique, déplacé et privé de son Site[8]. Entassées sur le sol de la galerie, dans des boîtes en bois qui produisent une structure de forme carré de 2,40 m de côté sur 50 cm de hauteur, les terres pèsent environ 1600 kg. Comme le relate aussi le journal de l’artiste, la question du poids est importante :

L’idée est de déplacer une masse de terre extraite d’un terrain vers une structure qui sera disposée dans la galerie du théâtre. […] Le poids de la terre est difficile à  évaluer sans savoir exactement quelle sera sa nature. Selon différentes sources la terre sèche a un poids de 1200 kg par mètre cube. Si la structure qui fait la même taille que le trou est remplie entièrement on aura pour de la terre sèche une densité de 600 kg/m². Seulement la terre ne sera à  priori pas sèche et si elle est suffisamment sèche, elle sera tamisée, ce qui réduira sa densité. Si le sol de la galerie ne supporte pas une telle charge, il est tout à  fait envisageable de combler une partie de l’intérieur de la structure avec une boîte en bois pour remplir et alléger la pression exercée par la terre au sol. Ce qui est fondamental c’est que vue de l’extérieur la terre remplisse entièrement la structure et qu’il y en ait une quantité suffisante pour dégager de la force.[9]

L’idée d’exposition se fonde avant tout sur la migration de la terre d’un terrain original vers la galerie. Et le poids ne doit pas dépasser des capacités de résistance de ce lieu-limite entre Nonsite et Site. Mais il faut de même imposer une quantité suffisamment visible pour donner de la force. Il faut donc tenir compte des conditions qui peuvent faire varier le poids, telles que l’humidité, la densité, c’est-à -dire la nature physique du composant. Lors de la réalisation de l’exposition, la terre a été tamisée, devenant par conséquent moins dense, moins lourde, mais plus imposante à  la vision.

Ici l’organe sensible de la pesanteur, c’est aussi l’oeil cartographique. Autour de cette masse centrale de terre, qui pèse effectivement et s’impose visiblement au plein coeur de la salle d’exposition, gravitent les images numériques : une vidéo du ciel projetée au plafond au dessus de l’amas de terre, des photographies de paysage qu’il a prises pendant son parcours, des donnés géographiques provenant en majorité de Google Earth. Dans cette installation, la masse cartographique de terre, les ballades et leur résultat visuel (la vidéo du ciel ou le bloc des photos) concourent à  créer ‟ une oeuvre numérique ” qui est d’ailleurs le sujet commandé par le Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne. Ils se superposent les uns les autres sur la figure même du lieu. Le terrain choisi est déjà  un lieu potentiel de temps suspendu dans la mesure où il est celui d’un projet inachevé du musée archéologique d’Etiolles.

Or Entre le Ciel et la Terre de Perconte répond certes au tas exposé des Earthworks, sans pour autant s’assimiler totalement à  leur manière. À vrai dire, la forme du tas nivelé dans une structure carrée ne correspond pas exactement à  la définition du tas, rédigée par l’artiste Ben : ‟ La différence entre un tas et une accumulation est dans l’essence même du tas qui est régi par la loi de la pesanteur et dont la base est toujours plus large que le sommet. ”[10] Le modèle du cube, plutôt que celui de la pyramide, semble inspirer l’oeuvre de Perconte. Cependant la force de pesanteur continue de la régir. Car la force de pesanteur est déplacée dans un alignement vertical entre ciel et terre, c’est-à -dire dans la vue du ciel filmée en contre-plongée, depuis le trou creusé dans le terrain original, et projetée au plafond de la galerie au-dessus de la masse de terres rapportées. Bien que le Nonsite de Perconte soit tamisé, aplani, il figure le tas lisse et cartographique. C’est que d’après Maurice Fréchuret le tas a une parenté avec ‟ une activité dont il est le résultat palpable ”[11]. Et d’après Merleau-Ponty, ‟ le lisse n’est pas une somme de pression semblables, mais la manière dont une surface utilise le temps de notre exploration tactile ou module le mouvement de notre main. ”[12]

Il est significatif que, dans la huitième ballade pour le projet Entre le Ciel et la Terre, l’artiste rencontre un monticule entassé qui est un ouvrage accidentel, sans doute laissé après un chantier, et qu’il imagine alors le lissage. Perconte dit :

J’admire ce que la pluie fait avec le temps et le vent. Elle lisse, elle stabilise, elle finalise le travail, elle l’inscrit dans une temporalité qui donne au lieu son identité. J’imagine plein de choses comme par exemple s’arranger pour trancher horizontalement ces monticules, comme si c’était des arbres. Y faire une coupe nette pour ramener une partie dans un lieu et la confronter avec l’image de la base. Cette idée n’est éloignée de ce que je vais faire avec le trou que je souhaite creuser. Je veux confronter la terre du trou refaçonnée à  l’image de son origine comme la pièce d’un jeu qui en serait extraite. Mettre face à  face un contenant et son contenu. Extirper une masse et l’affirmer comme telle.[13]

Aussi le temps de l’exploration tactile s’inscrit-il dans le lissage cartographique du tas, avec l’idée de l’empreinte digitale qui caractérise essentiellement l’image numérique. Avant tout, c’est dans le lisse que la terre s’approche de la couleur numérique, si la forme du tas est partagée entre deux.

Géo-chromatisme

En effet la terre est pensée en termes de couleur. Les cartographies exposées dans l’installation Entre le Ciel et la Terre ne montrent pas simplement les données géographiques du parcours. Mais ces images satellites fournies par Google Earth, capturant un même lieu, donnent à  voir une sorte de géo-chromatisme, où chaque zone de terre, captée dans la carte, semble dédiée à  la variation de la tonalité et de la teinte.

De même, tandis que les données géographiques ‟ 48° 38’ 02’’ N, 2° 27’ 58’’ E ” restent nettes au milieu de l’image, la vidéo du ciel effectue pendant ses 25 minutes de durée cinq cycles de désintégration par saturation chromatique de sa compression : un passage du géographique au géochromatique (fig. 5-6). Les carrés de couleur s’entassent, comme la terre, dans le tas lisse que constituent les 30-50 couches démultipliées pour saisir la zone de couleur, et qui s’inscrit finalement en une couche sur la surface du stockage de mémoire. La force de pesanteur passe entre ces couches. C’est un montage vertical sans profondeur.

La figure des carrés entassés circule dans d’autres oeuvres numériques : l’exposition It’s all about love, l’installation monumentale Solde d’hiver (2008) dans laquelle Perconte édifie un mur de boîtes de chaussures entassées dans l’ordre chromatique, et de là , bloque complètement un passage couvert dans les rues de Bordeaux, ce passage qui est le lieu engendrant un conflit persistant entre l’espace privé et l’espace public (fig. 7). Pour la photo, la vidéo ou l’installation, il semble que Perconte n’ait jamais cessé de soutenir l’oeuvre numérique comme entassement.

Les carrés de couleur dans l’image numérique ne sont pas simplement accumulés, mais aussi régis par la pesanteur. L’unité et le sujet de l’oeuvre numérique sont pour Perconte soit un pixel, soit une trame comportant des défauts de compression plus grande qu’un pixel. Ces carrés sont féconds si bien qu’ils promettent sans cesse une autre genèse formelle et chromatique, côte à  côte ou mise en abyme. S’attirant l’un vers l’autre, par exemple dans un étirement lors de la compression, ils interagissent en effet. Ils exercent ainsi une force d’attraction qui n’est autre que la force de pesanteur. Le numérique se trouve dans cet entassement de carrés tenus par la force d’attraction.

La couleur digitale en tant qu’exposition

Qu’est-ce qui résulte de cet entassement de carrés ? L’entassement, dont précèdent toujours le creusement et le tassement, met en évidence le fondement sculptural de la couleur qui peut être creusée, tassée, entassée ou touchée, allant plus loin que l’optique ou le pictural. Perconte dit :

J’essaie de mettre en avant des percées dans l’image. Je troue le paysage pour qu’on y voie des choses à  travers. Le jeu est très pictural. Et finalement, ces empilements de calques et de rajouts finissent par donner l’impression contraire non pas d’une image qui se déploie dans la hauteur mais au contraire qui se creuse. […] le but n’est pas qu’elle ressemble à  de la peinture mais qu’elle vienne se poser sur le paysage et faire vibrer certaines couleurs et certaines lumières d’une autre façon.[14]

Ainsi la couleur digitale se donne-t-elle en tant qu’exposition et non en tant qu’image visible disposée devant nous. La figure sculpturale du tas dans ses oeuvres numériques, ainsi que les équivalences récurrentes entre la terre et la couleur, nous permettent d’établir la structure muséale de cette dernière.

Ce qui est donné à  voir dans le film, ce n’est pas une vibration impressionniste. Les ‟ mouvements de luminance et de chrominance ” sont plutôt les moyens créés ‟ afin de pouvoir entraîner des déformations colorées ”[15].  Ce qui s’expose avec l’entassement de Perconte, c’est une sensation plus catastrophique que la ‟ sensation colorante ” de Cézanne. La compression est une épreuve du devenir périlleuse, un espacement glissant constamment entre naître et mourir :

Vivre dans le devenir, écrit Jeanneret, c’est être toujours en train de naître ou, ce qui revient au même, de mourir. […] cette pensée de l’inchoatif, que nous retrouverons souvent, fonde une philosophie du naître, qui s’oppose à  celle de l’être : naître et naître encore, c’est exister dans la précarité du rebondissement, c’est n’être.[16]

‟ N’être ” c’est aussi neutre, ne-utre : la compression sollicite l’expérience neutre au sens du terme employé par Maurice Blanchot dans son livre L’espace littéraire : ni l’être ni l’autre mais l’expérience de limites confuses entre la mort et la vie, le défaut et l’excès, le visible et la nature non vue.

La compression n’est pas seulement la négation qui bouscule la forme et la couleur jusqu’à  les faire tomber dans l’obscure informe, mais aussi le devenir qui couve le germe d’une couleur inattendue, renaissant sans fin dans cette déchéance. A travers ce ‟ n’être ” permanent de la pesanteur, les couleurs risquent de choir dans le néant, mais peuvent aussi rebondir à  nouveau. Elles vont naître et naître encore, dans une remise en cause de la pesanteur, interminable en principe, donc capable de rendre multiple la force gravitationnelle. Si nous plaçons Perconte dans la filiation de Smithson, Ben, Duchamp, et non dans celle des impressionnistes, cela est dà» à  cette introduction de la pesanteur. La gravitation de compression dont la logique se fonde sur une causalité remaniable à  l’infini, de mouvement, de temps, de densité des détails ou d’intensité lumineuse, cette manière de faire du pesable donne lieu à  l’avènement de couleurs inattendues en remettant en question leur manière d’être. Ainsi sommes-nous exposés ensemble dans une substantialisation de la couleur numérique. C’est un espacement de la physicité dans l’immatériel : la physicité ‟ vient de phusis, qui suggère la croissance ; phuein, de produire/mettre au monde, phunai, de naître. Ta phusika se réfère à  des choses croissant qui sont assujetties à  la génération (et donc, dégénérescence) ”[17]. Phusis, le processus total de la nature, intervient ainsi dans le régime principalement immatériel de l’image numérique, en actualisant sans repos les potentialités physiques de la substance. La couleur digitale à  proprement parler résulte de cet élan de la pesanteur entre le naître et le n’être, de ce contact persistant du visible et du pesable.

[2] Jacques Perconte, ‟ Encodages… ”, note de son journal, le 1 février 2006.

[3] Propos inédit de Jacques Perconte, in ‟ Entretien avec Sun Jung YEO ”, le 20 novembre 2007.

[4] Jacques Perconte, ‟ page 2. Au fil de temps et de la lumière ”, note de son journal, le 11 février 2007.

[5] Jacques Perconte, ‟ Quelques mots sur l’encodage et le paysage ”, note de son journal sur Uishet, le 19 juin 2005.

[6] Jacques Perconte, ‟ Sculpter l’image ”, note de son journal, le 23 janvier 2007.

[7] Jacques Perconte, ‟ Composites et trous ”, note de son journal, le 20 mars 2006.

[8] ‟ J’ai imaginé le Nonsite contenant de façon effective le chaos du Site. En un sens, le conteneur n’est lui-même qu’un fragment qui pourrait s’appeler une carte en trois dimensions. Sans faire appel à  des notions telles que “gestalt” ou “anti-forme”, il existe bien en tant que fragment d’une plus grande fragmentation. Il est une perspective tridimensionnelle qui s’est détachée du tout, tout en contenant le manque de sa propre limitation (containment). Il n’y a pas de mystères dans ces vestiges, pas de traces d’une fin ou d’un commencement. ” Robert Smithson, ‟ Une sédimentation de l’esprit : Earth Projects ”, dans Artforum, septembre 1968. Repris dans Robert Smithson. Une rétrospective : le paysage entropique 1960-1973, MAC, Galeries contemporaines des Musées de Marseille, Marseille , 1994, p. 196 (ouvrage réalisé à  l’occasion de l’exposition ‟ Robert Smithson. Une rétrospective : le paysage entropique 1960-1973 ”).

[9] Jacques Perconte, ‟ Au sujet du trou et des 300kg/m² ”, note de son journal, le 2 mars 2007.

[10] Benjamin Vautier, ‟ Les Tas ” (6 aoà»t 1962), dans Benjamin Vautier, Moi Ben je signe, Lebeer Hossmann, Bruxelles Hamburg, 1975.

[11] Maurice Fréchuret, Le mou et ses formes. Essai sur quelques catégories de la sculpture du XX^e siècle,  Editions Jacqueline Chambon, Nîmes, 2004 (1993), p. 127.

[12] Maurice Merleau-Ponty, Phénoménologie de la perception, Gallimard, Paris, 1981, p. 364.

[13] Jacques Perconte, ‟ Huitième ballade, vers la Ferté ”, note de son journal sur Entre le Ciel et la Terre, le 15 février 2007.

[14] Jacques Perconte, ‟ Composites et trous ”, note de son journal, le 20 mars 2006.

[15] ‟ Je vais chercher à  plusieurs taux de compression à  développer des artéfacts dans les éléments. [...] Ensuite, dit-il, je vais reprendre ces séquences [compressé à  des taux variés] et faire varier les niveaux de blanc dans le temps, créer des mouvements de luminance et ensuite de chrominance afin de pouvoir, en compressant à  nouveau le film entraîner des déformations colorées. ” Jacques Perconte, ‟ premier encodages ”, note de son journal sur Uishet, le 2 juin 2005.

[16] Michel Jeanneret, Perpetuum mobile. Métamorphoses des corps et des oeuvres de Vinci à  Montaigne, Macula, Paris, 1997, p. 39.

[17] Charles E. Scott, The Lives of Things, Indiana University Press, Bloomington, 2002, p. 17.

// (c) Sun Jung Yeo / Pasian di Prato : Campanotto Editore, 2009

continuer à lire Sun Jung Yeo : Pesanteur et Couleur digitale sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

[...]

Les films que je préfère sont ceux qui ont emprunté des chemins de traverse, qui ont décidé de ne pas aborder directement le cas de Joachim Gatti mais ont préféré élargir le champ, répondre à  la commande par une vraie proposition de cinéma. Je pense à  Pierre Léon, à  Marc Hurtado, à  Sylvain George…

Le film sur Gandhi, Satyagraha de Jacques Perconte, se démarque, par exemple. Parce qu’il s’est écarté de toute facilité de commande, ne serait-ce que pour cela, pour son projet esthétique et son mystère. Et puis, maintenant que les films vont circuler sur le net, j’imagine bien les internautes se demandant si leur connexion ne buggue pas…

Propos recueillis par Ludovic Lamant
et retranscrits par Pierre Lascar

continuer à lire Ludovic Lamant à  Guillaume Massart : Un film du collectif qui vous ait plu ? sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Le 8 juillet 2009, Joachim Gatti, réalisateur de 34 ans, petit-fils du poète et cinéaste Armand Gatti, a été la cible d’un tir de flashball lors d’une manifestation à  laquelle il participait à  Montreuil-sous-bois (93). Blessé à  l’oeil, il en a définitivement perdu l’usage. Joachim Gatti n’est pas la première victime de ces « armes à  létalité réduite », dont l’usage se développe de manière inquiétante ces dernières années chez les policiers. Mais il a cristallisé une ample mobilisation, notamment dans le milieu du cinéma, contre l’usage de ces armes, et plus largement, contre la politique répressive du gouvernement actuel.
[...]
Pensé comme une « constellation », ouverte aujourd’hui encore à  ceux qui souhaiteraient y apporter leur contri- bution, Outrage et Rébellion a été diffusé à  partir du 10 décembre 2009, à  raison d’un film par jour, sur le site mediapart.fr, en accès libre et gratuit. Les films peuvent aussi être montrés « par grappes », au gré de program- mations festivalières par exemple. Une dizaine d’entre eux fut ainsi projetée à  l’Institut pour l’image d’Aix-en-Provence dans le cadre d’une thématique de films sur la police. ‟ Ce qui résume l’esprit du projet, explique Nicole Brenez, c’est que cette constellation constitue un arsenal d’images avec plein d’utilisations possibles. Il y a des essais, des clips, des coups de poing, des poèmes, toutes sortes de propositions qui nous ont été transmises sous tous les formats possibles : clé USB, DVD, pellicule 16 mm, et même du 35… ce qui correspond pleinement à  ce qu’est le cinéma aujourd’hui! C’est une configuration qui m’a beaucoup intéressée en tant que cinéphile. Nous allons créer une page internet pour Outrage et Rébellion, et chacun pourra piocher ce qu’il veut ”.
Une forme film est par ailleurs en projet, qui prendra la forme d’un « assemblage linéaire ».

continuer à lire Isabelle Régnier : Outrage & Rébellion : une insurrection d’images sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Jacques Perconte est l’auteur de Satyagraha, au sein du film collectif ‟Outrage & Rebellion”.

Pourquoi Gandhi?
L’idée est venue de mon amie qui est professeure de yoga. Les principes de Gandhi et la non-violence me sont apparus pertinents. Gandhi a su donner aux hommes qui l’attendaient une force inouà¯e. Une force telle qu’il leur a été possible d’aller affronter pacifiquement l’armée britannique pour sauver leur avenir parce que leur vie n’était plus possible dans les conditions imposées par le régime colonial.

Un affrontement pacifique?
Les Indiens marchaient impassiblement, droit vers les militaires qui barraient le passage. Ils avançaient et s’exposaient sans aucune résistance aux violences démesurées de la force à  laquelle ils s’opposaient. Gandhi, lors de son procès à  Ahmedabad, demande au juge de peser son choix. Soit il l’estime innocent et il démissionne et ce faisant refuse le système qu’il sert. Soit il le reconnaît coupable et le condamne. Et Gandhi demande que cette condamnation soit sévère parce qu’elle est l’expression du mal et qu’elle doit être exemplaire à  ce titre. Gandhi prône la non-coopération avec le mal pour la coopération avec le bien.

Extrait du discours de Gandhi à  Ahmedabad, en mars 1922 : ‟A mon humble avis, la non-coopération avec le mal est un devoir tout autant que la coopération avec le bien. Seulement, autrefois, la non-coopération consistait délibérément à  user de violence envers celui qui faisait le mal. J’ai voulu montrer que la non-coopération violente ne faisait qu’augmenter le mal et, le mal ne se maintenant que par la violence, qu’il fallait, si nous ne voulions pas encourager le mal, nous abstenir de toute violence.”
‟La non-violence demande qu’on se soumette volontairement à  la peine encourue pour ne pas avoir coopéré avec le mal. Je suis donc ici prêt à  me soumettre d’un coeur joyeux au châtiment le plus sévère qui puisse m’être infligé pour ce qui est selon la loi un crime délibéré et qui me paraît à  moi le premier devoir du citoyen. Juge, vous n’avez pas le droit, il vous faut démissionner et cesser ainsi de vous associer au mal si vous considérez que la loi que vous êtes chargé d’administrer est mauvaise et qu’en réalité je suis innocent, ou m’infliger la peine la plus sévère si vous croyez que le système et la loi que vous devez appliquer sont bons pour le peuple et que mon activité par conséquent est pernicieuse pour le bien public.”

J’ai trouvé dans la figure de Gandhi de nombreux liens avec les événements de Montreuil. La manifestation, la violence, la répression, l’injustice, l’engagement résistant et l’engagement du corps… J’ai eu envie d’écrire cela dans un film sans opposer l’Inde de Gandhi et le mode de mobilisation contemporaine.

D’où viennent les images et les voix?
J’étais en Corse lorsque j’ai commencé à  travailler sur le sujet. Je me suis rendu à  plusieurs reprises dans un cybercafé pour récupérer des sources sur internet. Toutes les images proviennent des archives de la Gandhi Serve Foundation. Elles sont toutes à  l’origine des images tournées en pellicule en noir et blanc. Quant aux voix, elles viennent d’un documentaire de Lalit Vachani, Sur les traces de Gandhi, qui s’interroge sur la place des idées de Gandhi dans l’Inde d’aujourd’hui. On y entend que dans le contexte actuel, Gandhi brandirait une arme. Beaucoup d’Indiens y disent que la bonté ne vaut plus le coup, que les idéaux de Gandhi n’ont plus cours aujourd’hui et qu’il faut adapter la vérité à  son profit. Et répondre à  la violence par la violence.

Je ne voulais surtout pas faire un film qui dise ‟Voilà  comment est le monde et voilà  comment j’y réponds”. Je voulais laisser chacun face à  ses responsabilités. Mais peut-être la vraie résistance est-elle dans une modulation de nos relations à  l’autre. On ne sait pas trop si je dis ‟Révoltez-vous!” ou ‟Engagez-vous dans la non-violence”. Gandhi dit ‟Soyez le changement que vous voulez voir dans le monde”…

Et le traitement des images?
La dimension picturale est très importante dans mon cinéma. Je ne voulais pas d’un ton documentaire. Mais plutôt de l’évocation d’un passé sous la forme d’un rêve, d’un souvenir. Un souvenir où les images se fondent les unes dans les autres. Les plans ne sont pas séparés les uns des autres. J’ai cassé les séparations physiques entre les images et les ai mises bout à  bout.

Le mouvement des pixels que l’on voit tout au long du film est obtenu en forçant l’erreur numérique, ce qui produit un déchirement des images les unes entre elles, une interpénétration d’images. Les scènes n’étant plus contenues dans les plans (les séparations ont disparu), elles se déversent les unes dans les suivantes. On peut y voir le symbole de la blessure. Il me semble qu’il existe un rapport fort entre les hommes, les mouvements et la matière symbolisée par les artefacts numériques. La forme du film a un rapport direct avec l’idée de violence, de mouvement, de masses, de foules.

L’idée d’un film collectif renoue avec la tradition d’un certain cinéma engagé. Mais c’est aussi un film de commande. L’auriez-vous tourné seul?
Je ne sais pas si j’aurais fait un film s’il n’y avait pas eu l’impulsion de Nicole Brenez. D’un autre côté, j’avais envie depuis un moment de faire avancer mes films et de trouver comment m’exprimer sur cette société.

continuer à lire Ludovic Lamant, Jacques Perconte : Montreuil, Gandhi sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Les artistes font de la radio. Sur la base d’une écoute courte d’un extrait du travail de l’invité, cette émission entend expliquer un geste artistique. Quelles sont les intentions de l’auteur, sa démarche, ses recherches, ses envies, ses peurs et ses joies ? Ils et elles sont musiciens, danseurs, comédiens, plasticiens, acrobates, sculpteurs, dompteurs… Tous, ils sont différents et très très talentueux, tous, ils étonnent et méritent d’être plus connus ! Et pour vous tous, ils se prêtent à  l’exercice du micro-studio.

La vignette du 11 décembre avec Jacques Perconte est sur le site de France culture, sur le podcast de la vignette, et là .

continuer à lire L’invité de la vignette d’Aude Lavigne sur France Culture sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Les travaux de Perconte se définissent par une séquence d’images juxtaposées dans un rythme cassé par la vitesse. Un rythme cassé, mais continu, d’une espèce de clin d’oeil discontinu, et d’un flux d’images sans référence. Des séquences d’images qu’on pourrait appeler ‟ corps ”, un corps en mouvement, une masse variable, un corps digital déformé et (étiré) par le temps.

Dans les travaux de Perconte, le temps est un élément fondamental : c avec le temps qu’il sculpte ‟ le corps ” avec des images et crée un langage visuel ‟ étiré ” qui ne mène nulle part. Le temps ici est un instrument et des outils de sculpteur. La transformation du temps et aussi la déformation ‟ accéléré ”. C’est dans cette variation temporelle que Perconte propose la création d’une séquence déformée, rythmée, dans une espèce de dance d’image entre le fond et la forme.

Ce qui m’a le plus intrigué dans son travail, c’est sa capacité à  reproduire un effet musical dans un parfait silence sonore. Les images qui défilent comme si nous étions devant une seule image étirée, les variations de couleurs, de trait, de point qui la compose nous font ressentir une musicalité de la forme, un rythme de son et de note qui sans exister donne l’impression de prendre le dessus dans une lutte constante entre images et son.

L’arythmie crée part les éléments picturaux, nous rappelle une composition érudite de sons abstraits, provoqués par une décomposition hypnotique des images.
Prouvant la discontinuité continue, les oeuvres de Perconte, se présente comme des extraits imagés et sonores. Ca nous semble être une tentative de rechercher une réalité vécue, qui n’existe plus ou qui est passé, ou le temps (même si continu et linéaire) défi les normes de continuité et crée se qu’on pourrait intituler ‟ illusion de continuité ”. Une recherche sur la temporalité des images. Perconte finit par faire disparaitre le temps, les images se transforment en un corps qui n’est jamais, et qui nous fuit.. C’est le propre mouvement qui disparait.

Ses oeuvres sont comme des peintures en mouvement, des cadres d’images surréalistes qui nous emmènent dans un lieu autre, dans cet infini que jamais nous ne verrons.

traduction Sonia Da Conceicao

—-

Descobri Jacques Perconte em Paris, numa deambulaçà£o pelas inàºmeras galerias de arte daquela cidade. O seu trabalho chamou-me logo à  atençà£o. Pois desenvolve-se em torno da noçà£o de deslocaçà£o, de viagem e do movimento. Essa expressà£o reflecte-se na série de pequenos và­deos (ensaios) « Paris, sans titre » que apresentamos neste artigo. Este projecto pareceu-me deveras interessante, pois combina imagem em movimento com deformaçà£o temporal e criaçà£o sonora inaudà­vel.

Os trabalhos de Perconte definem-se por uma sequência de imagens justapostas num ritmo quebrado pela velocidade. Um ritmo quebrado mas contà­nuo, numa espécie de piscar descontà­nuo de um fluxo de imagens sem referências. Sequência de imagens essas que poderà­amos apelidar de « corpo »: um corpo em movimento, uno mas varià¡vel, um corpo digital deformado (e esticado) pelo tempo.

Nos trabalhos de Perconte, o tempo é um elemento de trabalho fundamental: é com o tempo que ele molda o seu « corpo » de imagens e cria uma linguagem visual « estirada » que ao fim ao cabo nà£o leva a lado nenhum. O tempo aqui é instrumento, é ferramenta de trabalho escultà³rica. Transformaçà£o do tempo, mas também deformaçà£o (aceleraçà£o). É nessa variaçà£o temporal que Perconte propàµe a criaçà£o de uma sequência deformada, ritmada, numa espécie de dança de imagens que balançam entre o fundo e a forma.

O que mais me intrigou na obra de Perconte foi a sua capacidade de reproduzir um efeito musical num perfeito silêncio sonoro. O desfilar das imagens (ou direi da àºnica imagem? – parece que estamos perante uma àºnica imagem esticada), a variaçà£o das cores, dos traços e dos pontos que as compàµem fazem-nos ressentir uma musicalidade das formas, um ritmo de sons e notas que, mesmo nà£o existindo, parecem vir ao de cima, numa luta constante entre a imagem e o som. A arritmia criada pelos elementos picturais lembram-nos uma composiçà£o erudita de sons abstractos, provocados por uma decomposiçà£o hipnà³tica das imagens.

Prova de descontinuidade contà­nua, as obras de Perconte apresentam-se como excertos (trechos) imagéticos e sonoros. Parem-nos uma tentativa de encontrar uma realidade vivida que jà¡ nà£o existe (que passou), onde o tempo (apesar de linear e contà­nuo) desafia as normas de continuidade e cria o que poderà­amos intitular de “ilusà£o de continuidade”. Nesta procura pela temporalidade das imagens, Perconte acaba por fazer desaparecer o tempo, as imagens transformam-se num corpo que nunca é e que nos foge:  é o prà³prio movimento que desaparece.

Os obras de Perconte sà£o como pintura em movimento, quadros de imagens surrealistas que nos atiram para um lugar qualquer, là¡ nesse infinito que nunca veremos.

http://www.artes.ucp.pt/artes_digitais/index.php/quem-somos/655-jacques-perconte-e-a-ilusao-de-continuidade

continuer à lire Carlos Sena Caires : e a ilusà£o de continuidade sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

L’alignement des pixels comme les notes dans une partition de la sonate de Beethoven, donne forme à  des images abruptes. Le pionnier de l’écriture pianistique du 19e siècle, souffrant de la surdité, prépare l’évolution vers le Romantisme, fait épreuve d’une modernité grandiose et a quelque chose de merveilleux, indépendamment de la beauté et de l’originalité de ses idées et de la manière ingénieuse dont il les rend. Et aujourd’hui, les artistes revendiquent cette beauté qui est plaisante à  l’‟oeil” et la convertit afin de plaire directement a l’âme. Le montage hypnotique de Jacques Perconte est une invitation à  creuser au-delà  de ce qu’on voit sur la surface. Le pixel, le carré qui était l’outil décoratif dans Poptronics devient ici le thème du projet de l’artiste. Ce carré aide à  ordonner l’écran mais répand le chaos. ‟L’énergie d’une déambulation intime s’offrant à  l’imagination en changeant constamment la nature de sa focalisation.”
Lors de la démonstration de ses vidéos, un autre carré m’a intrigué dans la salle, le carré du panneau sur lequel est marqué Bernard Stiegler sur un fond blanc. Ce blanc reflétait l’image qu’on voyait sur la projection. A partir de ce moment-la, il ne s’agissait plus de représenter quelque chose, mais de construire les objets de la ‟représentation”. Ce blanc, ainsi que j’ai décidé de l’appeler, est une allégorie, une personnification de l’oeuvre de Perconte (1). Cet espèce de mise en abîme accentue l’intensité et la tension qui existent dans son travail. Cela évoque l’idée de ‟réel-virtuel”.

Ayant enregistré ces séquences, je m’en suis servie comme d’un modèle vivant et j’ai réalisé le ‟portrait” de Perconte. Quant à  lui, il a ses danseurs, ces corps pour reconfigurer, comme un programmateur d’un genre nouveau. Plus encore, fabriquer un être cyborg à  l’aide d’une multiplicité de corps connectés électroniquement via Internet, une sorte de système nerveux externe. Le corps est appréhendé au-delà  de son individualité. Que signifie ‟avoir” un corps? (2) La science répond: des tissus secs et humides, des espaces vides. Il n’y a rien à  l’intérieur. Il n’y a que le vide, à  l’extérieur comme à  l’intérieur. ‟Je” signifie ‟ceci”. ‟Tu” es ‟cela”. Rien de plus. Or, face à  l’oeuvre de Jacques Perconte, je suis face à  un poème où les mots sont impuissants. Dans ses corps, je ne vois pas le corps ‟mutant”: j’y vois la promesse d’une poésie toujours existante dans l’âme. La bande-sonore accompagne ces corps dont la mémoire est saturée. L’homme qui courait plus vite que son corps hier, aujourd’hui répond aux sollicitations du monde technologique.

Certaines oeuvres vidéo de Perconte séduisent aussi par leur lenteur. Chaque seconde de sa vidéo semble ainsi prendre une nouvelle signification par l’allongement du temps, comme si cela permettait de faire ressurgir des choses oubliées. La lenteur détourne l’attention et suscite d’autre idée telle que celle qui m’est arrivée.

Un autre artiste provoque aussi cette assimilation paisible ou il se sert de la lenteur: Douglas Gordon. Quand on regarde A Divided Self II, 1996, on a l’impression d’avoir déjà  vu telle ou telle image. ‟Suis-je capable de plier mon doigt de la même manière?” Ou encore, Twenty-Four Hour Psycho, 1993, où il utilise de vieux bouts de pellicules tirées de films médicaux présente le film Psychose d’Hitchcock de manière à  le faire durer 24 heures. Cela change notre perception par rapport au film original en entier. ‟Quoi qu’il en soit, notre existence est assez schizophrène, alors autant profiter de ces symptômes” pourrait être le percept, dirait Deleuze, de l’artiste. D’après Perconte, l’humour et la dérision sont un moyen de critique comme l’est la destruction aussi. Et à  mon avis, Jacques Perconte arrive à  faire ce qui est le plus difficile, c’est de se diluer sans se détruire, de s’évaporer sans se disperser. L’utilisation du mot ‟destruction”, en y réfléchissant bien n’aura plus de signifiance puisque lui, réussit à  trouver plutôt la rupture dans l’ordre des choses: c’est la fonction fragile sur laquelle nous érigeons notre chaos, notre trouble effet.

(1) http://www.youtube.com/watch?v=UxOLwvytG08
(2) Virginie Luc. Art à  Mort. Editions Leo Scheer. 2002. Page 38.

Hande Dosemecioglu / copyright ODNMblog

continuer à lire Hande Dosemecioglu : Jacques, Percontesque sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Parmi les oeuvres que j’ai appréciées pendant la conférence de Jacques Perconte, son travail vidéo m’a le plus impressionnée. En effet, je ne sais pas si c’est à  cause de cette impression originale et analogique procurée par son travail ou à  cause des quelques sensations désagréables que j’ai ressenties (mal aux yeux et mal à  la tête) ou encore, à  cause de l’attitude sereine de l’artiste, comme si tout cela avait été fort bien calculé, j’ai lutté continuellement contre mon désir d’apprécier son travail, car, physiquement, je refusais ces images scintillant sans arrêt. Ces images présentant des personnes sont filmées de manière originale, leurs visages étant trop rapprochés de la caméra et déformés par la courbure de l’écran. On assiste aux mouvements de gigantesques pixels qu’on peut apercevoir d’ordinaire lorsqu’on visionne les images d’un fichier vidéo de basse qualité. Des carrés sont disposés ou troués, de manière irréelle, parfois sur les visages, parfois dans l’espace.

Le scintillement de l’écran provoque également une certaine forme de vertige, comme si un écran blanc avait été ajouté entre chaque séquence. Mon corps refuse de contempler cette oeuvre… Je suis curieuse de savoir s’il existe, en art contemporain, d’autres exemples de travaux artistiques qui volontairement visent ce type d’effets. Je ne connais pas exactement l’intention de Jacques Perconte, cependant, étant donné que les spectateurs sont davantage marqués par la fatigue de leurs yeux que par le travail de l’artiste, je m’intéresse de plus en plus à  cet effet.) Alors que la salle de conférence était saturée de ses effets empêchant notre regard de se détourner, j’ai scruté les autres participants. En observant les visages éclatants de ces gens, j’ai réfléchi au point d’intersection surprenant existant entre l’appréciation d’une oeuvre artistique et le refus érigé par notre corps. En effet, comment l’artiste peut-il contrôler son travail en le situant entre un effet artistique et l’acceptation physique des spectateurs? Le travail vidéo de Jacques Perconte, réunissant tous ces éléments et combinant parfaitement l’ambiguà¯té, le vertige et différents scénarios incertains envahissant l’écran, demeurera pour moi une expérience artistique particulièrement inoubliable.

Hwajin Lee / copyright ODNMblog

continuer à lire Hwajin Lee : Scintillement incessant, étonnant point d’intersection entre refus et désir sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Jacques Perconte fait partie de cette génération d’artistes qui ont vécus l’euphorie technologique des années 90 grâce à  la diffusion de l’internet. Cet artiste, intéressé à  la photographie et à  la vidéo, a commencé à  explorer les nouvelles possibilités fourni par le net.
A partir de 1996, il réalise ses premières vidéos pour le web en exploitant les limites technologiques du réseau même: il filme un écran d’ordinateur où des images en mouvement sont chargées sur une page internet, mais à  cause des temps de chargement nous assistons à  la disparition de l’image initiale en un flux mouvant presque hypnotiques.
En 2001 il réalise Phex pour le centre de danse de Paris où il filme deux danseuse avec trois caméra. Le thème est celui de la dispute, du jeu. Après avoir retouché les images et recréé une animation, il la filme à  nouveau. Cet artiste qui aime filmé des écrans, fait presque disparaître la danse, les corps, pour affirmer le rôle de l’image numérique dans la vidéo. Car son intérêt réside dans l’affirmation de l’image numérique dans son élément base: le carré du pixel.

La saturation d’images à  laquelle la notre société est assujettie et se manifeste clairement sur internet-lieu souverain de cette saturation-représente une thématique commune à  plusieurs artistes contemporains.
En ridiculisant la qualité des images d’oeuvres d’art sur les sites internet des musées, des galeries, des amateurs d’art, Jacques Perconte utilise les images des tableaux du peintre abstrait Barnett Newman pour entamer une réflexion sur le rapport entre la peinture et sa ré-présentation su le web.
Barnett Newman, Life-sized web collection montre quelques reproductions de ses tableaux remises grandeur nature pour que l’on puisse enfin voir les mètres carrés de couleurs qu’ils proposent. L’image affiche sa taille originale et donc les peintures sont beaucoup plus grandes que l’écran. Il n’y a aucun moyen de voir la peinture dans son intégralité. Comme le souligne Perconte lui même, ‟ Ce qu’il y a à  voir ce n’est pas la peinture de Barnett Newman, c’est la couleur et l’image qui glisse à  la surface de l’écran”. Nous voyons ainsi l’image numérique pour ce quel qu’elle est: un ensemble de pixels qui  composent la surface. L’artiste, au delà  de ce que les images représentent, cherche à  trouver une dimension picturale numérique et de l’exposer pour elle même. Nous n’avons plus donc une adaptation numérique d’une peinture, mais une nouvelle oeuvre qui n’est pas fait des touches de pinceaux, mais de carrés pixelisés. Une nouvelle matérialité de l’image que change par rapport à  son support.

Ces images pixelisés acquièrent un statut indépendant d’oeuvres, tant que Perconte retrouve des moyens plus traditionnels de représentation. L’exposition It’s all about love ! (2008) est constituée d’images crées à  partir de photographies du corps d’Isabelle, la bien-aimée de l’artiste. Il les travaille, il s’en rapproche jusqu’à  donner l’impression de voir, au delà  des pixels, les grains de peau d’Isabelle. Et, en même temps, avec les grandes surfaces de couleurs saturées et les formes aléatoires, il nous revoie a la peinture abstraite américaine de Barnett Newman.

Jacques Perconte redeviens artiste peintre en cette époque dominée par le numérique, et remet ainsi en cause le rôle de la peinture. Une nouvelle peinture fait à  partir d’une nouvelle matérialité qui dépende de son support. Éphémère si l’oeuvre reste sur l’écran, mais réelle dès que l’artiste rend touchable ses images pas le biais de l’impression.

Mais faire de la peinture contemporaine est-il encore possible? Nous avons l’impression que toutes les possibilités concernant se domaine ont été déjà  expérimentées. Perconte nous fait réfléchir sur ce que peut être la peinture aujourd’hui et son rapport avec les nouveaux médias.  Ses travaux restent des exemples de comment la représentation numérique ne se réduit pas seulement à  une reproduction vide de toutes significations plastiques,mais aussi, la manifestation d’une nouvelle matérialité, éphémère comme le support dont elles sont visualisées.

Elena Calagna / copyright ODNMblog

continuer à lire Elena Calagna : Jacques Perconte, un peintre contemporain? sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Peut-on ou non trouver de l’amour dans un code informatique? Si oui, cet amour est-il quantifiable? Existe t-il des films pornos abstraits? Peut-on rendre à  une peinture sa véritable dimension numérique? Les corps vivants sont-ils aussi numériques? Internet est t-il un matériau premier? Ce matériau peut-il être soumis à  des convulsions organiques? Les pixels sont-ils une matrice? Les images numériques ont elles une temporalité? Y a t-il des images-temps? Peut-on sauver, une bonne fois pour toutes, la planète en un clic de souris? Peut-on faire une donation à  un artiste pour sortir le monde de la crise?

Autant de questions auxquelles Jacques Perconte, artiste du web, nous invite avec humour à  répondre par l’affirmative.

Car nous voilà  effectivement entrés au pays des merveilles compris entre 0 et 1. Ici, tout est matière poétique: les stigmates numériques, les défauts de chargement d’une page, les codes java, la compression… On ne se demande plus si le netart existe, c’est une affaire entendue. La question que l’on se pose ici est celle du numérique comme pouvant être une matière vivante et sensible, un matériau premier d’expression.

Depuis le premier ordinateur qu’il a eu entre les mains en 1995, Jaques Perconte a travaillé cette matière dans tous les sens, comme on pétrit, triture, modèle. Mais pour sculpter une telle matière il faut la mélanger. Le numérique est ici un matériau composite aggloméré, fait de pixels de regard, de pixels de temps, de concept, de vision, de réflexion sur l’interaction au monde, de pixels de sexe, de fractionnement, de beauté et d’imaginaire. C’est une matière plastique modifiable à  l’infini, un matériau-mémoire portant la trace de toutes ses compressions successives, de ses cicatrices, de ses rides et de ses ruptures de codes. C’est l’empreinte directe du système nerveux d’un artiste tissée de ses perceptions, de son rythme organique, de la profondeur de ses questionnements, de ses fantasmes pornographiques, de sa qualité d’humain dans un monde en crise, de sa contemplation du corps nu d’une femme qu’il aime, de sa passion exigeante pour la perfection carrée d’un pixel, de son sens poétique de l’absurde, de son expérience du temps.

Car Jaques Perconte prend le temps. Dans un web en prise de vitesse qui fonctionne à  haut débit, il passe des mois sur un film. Il laisse se déposer des strates. Il fait de l’archéologie numérique, il creuse, superpose, enfouit, exhume. Car il travaille également avec des images passées : toiles de Van Gogh qu’il décompose en nuanciers pour les intégrer dans un nouvel espace conceptuel, films italiens des années soixante dix qu’il réinjecte dans la folie ordinaire de la fragmentation des flux numériques, toiles de Barnett Newman, dont il réactualise la texture comme on remonte des trésors du fond de l’eau pour les faire vivre autrement. Le passé devient futur. L’esprit de l’artiste convoque la mémoire pour la tisser à  travers son corps dans une matière actuelle et agir sur le futur. Nous somme proches de la perspective de Bergson dans “Matière et mémoire“.

Le regard de Jacques Perconte est ancré dans notre époque. Il s’est développé en même temps que la technologie qu’il utilise et dont il a fait une matière organique, émotionnelle.

Par ce matériau, qui est sa peau, son système nerveux étendu, il interroge le monde et ses images nous parlent de nous. Car c’est dans cette immersion même, entre sensation et image, corps et technologie, que nous nous trouvons. Nos développements externes sont un miroir de nos systèmes internes. Et si nous nous y regardons de plus près, un peu de côté, et que nous pénétrons entre deux couches de compression, il se pourrait qu’on tombe sur une balise qui nous réveille et qui déclare: ‘It’s all about love!’

Nadia Vadori

continuer à lire Nadia Vadori : Un pixel c’est uniquement de l’amour! sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Le médium numérique est il une matière ? existe t-il dans le temps et dans l’espace ?

Par essence il ne s’agit que d’un courant électrique ouvert, 1, ou fermé, 0, les informations 0 et 1 s’organisant en codes plus ou moins complexe.

Il n’y a donc pas de matérialité à  proprement parler, uniquement une rigueur mathématique, une perfection abstraite, un système de communication. En quoi l’artiste peut il réellement interagir, confronter sa pensé à  ce médium pour que les deux puissent se transformer ?

Le travail de Jacques Percontes est marqué par cette recherche d’une matière propre au numérique. Ce ne sont pas des idées exprimées aux travers d’images mais bien une expérimentation, une confrontation face à  l’image numérique manipulant leurs codes, leur qualités de compressions, faisant ressortir les pixels, les bugs qui peuvent la composer. Ses images ne sont pas pré-pensées, elles sont le résultat d’un processus de recherches, de questionnements.

Dans l’Oeuvre et le temps*, Stéphane Gruet, architecte, tente de définir l’oeuvre comme une mise en mouvement de l’esprit et de la matière, opposant la création industrielle où la matière assujetti à  des schémas abstrait est niée. Il soulève un danger que représente cette tendance à  l’industrialisation de la création par cette rigueur géométrique rejetant l’irrationnel et menant à  une uniformisation presque totalitaire. Invitant à  remettre en cause la vision d’un monde aux référents fixe comme le fait Aristote, il questionne le concept du flux héraclitéen pouvant être rapproché des théories d’Einstein où tout est mouvement. Très critique envers la création contemporaine trop proche d’une réalisation abstraite oubliant la matière pour ne voire que la perfection géométrique de la pensé, il ne semble accorder que peu de crédits à  la création numérique en tant que quintessence de cette négation.

Jacques Perconte montre au contraire que le numérique n’est pas qu’abstrait, c’est aussi de la matière, résistante parfois imprévisible bien que virtuel. Se rapprochant lui même des impressionnistes ou de Barnett Newman (selon ses travaux), il marque son affiliation à  des artistes travaillant la peinture pour ce qu’elle est, explorant ses caractéristiques, couleurs, formes, plus que son sujet. Son travail parle avant tout d’images, lumière, saturation, pixels, rythme, mouvement, les sujets représenté n’étant souvent que des prétextes pour ses projets (Phex, vidéo-danse).

Jacques Percontes comme peintre binaire ?

*L’Å’uvre et le Temps, Nature, Art et Technique, Stéphane Gruet, édition Poà¯esis

continuer à lire Hugo De Oliveira : Peinture 32 bits sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Chronologiquement les travaux de Jacques Perconte sont des expérimentations successives. Ce qui le pousse à  faire, ‟à  bricoler ou bidouiller”, à  chercher jusqu’où aller. Soumettre les images à  diverses expériences, en cherchant dans ces déformations ce qui convient pour l’oeuvre, et ainsi constituer au fur et à  mesure du temps un vocable formel qui lui est propre. Et s’il n’a de cesse de chercher, c’est pour trouver une picturalité à  l’image numérique. Paradoxalement puisque picturalité renvoie à  peinture et que l’image numérique serait par définition immatérielle. C’est là  tout l’intérêt de creuser ce paradoxe et mettre en question le statut de l’image.
UISHET (http://uishet.technart.fr/) est une traversée en barque, un travelling sur rivière et un film numérique en couleur. Quand Jacques Perconte présente cette oeuvre, il dit penser son travail à  la manière du peintre, ou plutôt dans une métaphore du travail du peintre. UISHET présente une avancée dans le paysage, un ‟espace purement optique” selon les mots de Deleuze. Nous sommes dans l’image-temps, opposé à  un cinéma d’action. A cet égard, une mise en parallèle avec le paradigme impressionniste semble pertinente. Saisir les transformations du paysage en travaillant sur le motif, en sortant de l’atelier c’est ce que fait le vidéaste en se rendant dans les Landes, avec sa caméra pour filmer le courant d’Huchet.

‟La question de savoir si le cinéma est à  même, par sa spécificité technique, de rendre compte de la grandeur de la peinture, de sa matière et de sa densité, n’est plus réellement à  l’ordre du jour : d’une part, le cinéma comme art de l’image peut être lui-même créateur d’une picturalité originale, créative et inédite […] ; d’autre part, si le cinéma rend hommage à  la peinture, c’est en tant qu’art autonome et non en tant que copiste ou “faussaire”.” Patricia-Laure Thivat in Ligeia, n° 77 à  80 : Peinture et cinéma Picturalité de l’image filmée, de la toile à  l’écran, Ouvrage Collectif / Association Ligeia, 2008.

L’image numérique rompt avec l’esthétique et la stylistique de la peinture, pour atteindre une picturalité nouvelle. Ici, au fil des déformations insufflées aux images, le film passe de la figuration à  l’abstraction. Et grâce à  la durée filmique, nous assistons aussi aux mouvements, étapes de cette transformation mouvante, nous sommes au coeur d’un processus qui se déroule dans le temps. Cette picturalité nouvelle tient de la ‟mauvaise qualité” induite par les différentes compressions que Jacques Perconte fait subir, inlassablement, aux images. On joue ici des défauts des technologies, et c’est dans la perte d’informations informatiques que se crée un nouveau type d’image (pixellisation et flou).

‟(…) Ces décalages commencent néanmoins à  être perçus non pas comme des insuffisances du médium, mais comme une matière à  exploiter par des artistes sensibles aux propriétés du matériau.” CALIANDRO Stephania ‟Les défaillances artistiques: comme matière artistique”, in Protée, Vol.32, n. 2, 2004.

Dans le même temps, il y a donc un processus paradoxal de ‟perte et découverte des images”. De même, ce nouveau paysage naît à  la fois de l’image originelle que de ses transformations, l’artiste et ses interventions en sont le révélateur. Nous pouvons penser au film Decasia : the state of decay(USA, 2002), de Bill Morrison, différent par la technique (found-footage de photogrammes argentiques) travaille du côté de la destruction/apparition par le montage d’extraits de films en décomposition. Chez Morrison, cette décomposition est produite par le temps de façon involontaire et la dégradation est ancrée dans la pellicule; chez Perconte évidemment, les altérations sont des simulations volontaires. Chacun jouant de la dégradation comme ‟ matière ” artistique ”.

La post-production de Perconte se pose en opposition avec la recherche de perfection (imitation, hyperréalisme, détails…) que l’on veut faire porter aux technologies numériques. Car l’important n’est pas là .
Dans son livre La technologie dans l’art, Edmond Couchot montre que le scandale et bouleversement qu’a donné lieu l’impressionnisme et le néo-impressionnisme, qui s’emploient à  montrer par leur pratique picturale ‟comment fonctionne la machine-oeil dans la vision des couleurs”, aurait pour conséquence de mettre le regardeur dans une position active. ‟Regarder une peinture impressionniste, c’est la recréer mentalement et jouir de cette recréation”, ici, le regard est amené à  suivre les mouvements et les transformations de l’image même. Observer sa fragmentation.

En ce qui concerne la médiation du travail de Jacques Perconte, le projet toujours en cours est présenté sur le site de l’artiste, le réseau lui ouvrant de nouvelles perspectives. Ainsi, on peut suivre l’historique, de l’avant-projet aux différentes étapes, aux réactions, idées de l’artiste par rapport à  son travail. Ceci, sous une sorte de journal daté, de prises de notes dans un carnet. Le réseau nous invite donc à  nous intéresser au processus, et aux à -côtés de l’oeuvre close. Il nous permet de suivre l’artiste dans ses raisonnements divers, de la technique pure à  une recherche d’ordre esthétique et théorique face à  son oeuvre. De comprendre aussi cette logique expérimentale qui sous-tend son travail, et qui s’exprime encore ici sous la forme écrite.

Laura Bayod
copyright ODNMblog.

continuer à lire Laura Bayod : Jacques Perconte et UISHET, to be continued sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

[...]

continuer à lire Rémy Delaplace : Entre faute de style et hacking sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Jacques Perconte travaille avec le numérique depuis les années 95. Première problématique exprimée : savoir ce que sont ces images. De quoi sont composées ces images, comment apparaissent elles, est-il possible de les transformer, jusqu’à  quel point, quelles sont leurs limites physiques. À travers l’observation de vidéos sur Internet et en les ‟bricolant” avec pour commencer le logiciel Sillicon : http://francais.softpicks.net/software/Education/Outils-d-enseignement-et-de-formation/Silicon-Slate-Software_fr-62211.htm, Jacques Perconte s’approche techniquement des images. Une connaissance plus sensible et élaborée que celle qu’apporte l’observation critique. S’approprier une image existante en intervenant sur elle est une façon d’approcher corporellement son essence.En utilisant les bancs de montage mis à  sa disposition, il observe un des moyens de production des images et cherche à  comprendre la profondeur du temps, le temps des images comme ‟corps numérique”, ce sera sa deuxième problématique.

Cherchant une dimension picturale, la mise en animation des photos qu’il choisit sur Internet par des gifs animés donne une série de courts-métrages. Son vocabulaire se construit ainsi que ses outils d’artiste. Un commencement d’articulation entre le fond et la forme. Ces petits films sont visibles sur le site qu’il consacre à  l’archivage de son travail:http://www.jacquesperconte.com/. Java, un programmateur et son désir d’approfondir ses questionnements le conduisent vers le Réseau. La question du temps semble rester entière, du moins il n’en donne pas de réponses durant la conférence. Ses multiples et court petits films sont agités et agaçants, comme une approche fébrile que parfois adoucir les musiques décalées, inattendues.

Vers 1995 il dit ‟entrer dans la matière Internet”. Effectivement nous avons la sensation de déploiement de l’espace quand il détourne des tableaux de Barnett Newman. Considérant que la matière picturale de Newman est insuffisamment rendue sur la Toile où les immenses monochromes de Barnett deviennent minuscules, il rend au tableau réelle taille en pixel ce qui peut, dit-il faire bugger les ordinateurs. Expérimentez si vous le souhaitez avec sa série Ulysse:http://BarnettNewman.technart.net/Ulysses/Ulysses.html.Les reproductions pixélisées de Van Gogh subiront elles, des extractions de set de couleurs, et l’on pourrait si le projet ‟The Return of Van Gogh” se concrétisait, s’asseoir sur Pouf-les-Tournesols tout en mettant ses pieds sur Pouf-l’Homme-à -l’Oreille-Cassée: http://thereturnofvangogh.technart.net/. Cet essai de ‟design” reste toutefois anecdotique au regard des multiples distorsions que Jacques Perconte fait subir aux pixels.

Jacques Perconte réussi une entrée dans la matière Internet par les liens du coeur, du corps et de la couleur.Son humanité s’exprime avec pudeur et prises de risques.  Cherchant des solutions à  une situation amoureuse en péril, il crée une interaction numérique qui permet à  chaque utilisateur d’un programme pour voir ce qui ne se voyait peut-être pas assez de constater à  nouveau les mouvances de l’amour.Ses intrusions dans la matière Internet par mouvements, extractions, élargissement de pixels, courses aux limites physiques de l’image seront suivies par une attitude presque inverse quand il compressera les images et les pixels. Ce chemin vers le moins, le plus petit, la soustraction, l’infime donnera pourtant  lieu à  une hypnotique promenade en barque dans ‟Ushet”. Avec la sensation merveilleuse et de voir se mettre en mouvement les Impressionnistes du siècle dernier http://uishet.technart.fr/.

Le site technart est d’une lecture difficile, les caractères et le décalage des textes fatiguant, mais pour ceux dont les yeux se ferment, le site envoie au http://blog.technart.fr/ à  la typographie plus douce et dont le contenu donne des ‟ histoires qui se répartissent dans 812 notes… dans des milliers d’images… dans quelques mouvements… ”. Son travail est aussi présenté surhttp://www.flickr.com/photos/jacquesperconte/.Jacques Perconte semble avoir franchi l’écran comme Alice au Pays des Merveilles et certainement les jeux, les surprises et les inconnus y sont infinis.

Sophie Le Tellier

continuer à lire Sophie Le Tellier : Entrée dans la matière sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Cette deuxième conférence des Observatoires des nouveaux médias présentait le travail de Jacques Perconte. Artiste difficile à  classer, pluridisciplinaire, il pratique la photographie, la vidéo, la création numérique; sur des thèmes variés, comme le corps, le paysage, les couleurs, les sensations ou l’émotion.

Jusque là , rien à  signaler. Mais lorsque l’on découvre son travail sans préavis, celui-ci nous présente des images qui clignotent dans tous les sens, sans sujets figuratifs, et qui ne nous emmènent nulle part, sauf si ce n‘est le mal de tête. D’ailleurs, aucune contre-indication n’est prescrite pour les épileptiques. Bref, voilà  la première impression ressentie devant ces vidéos expérimentales. De plus, l’artiste ne nous donne pas plus de renseignement. Mais au fur et à  mesure que la conférence avance, nous commençons petit à  petit, à  rentrer dans son univers spécial et étrange. On commence à  s’immerger dans son monde, et à  se laisser guider tel une expérience méditative et contemplative. Ces oeuvres donnent l’impression d’une sorte d’expérience introspective. Et d’ailleurs, à  plusieurs reprises, celui-ci nous exprime que ces oeuvres sont à  voir comme la possibilité d’une confrontation avec une expérience sensorielle. Partant de sujets figuratifs comme des photographies de personnes ou des films préexistants, il les transforme par une manipulation compliquée et très longue, par l’utilisation sophistiquée d’outils de technologie et de numérique de pointe. Il nous montre alors un schéma explicatif de ses différentes manipulations et l’on comprend alors sa démarche de recherche, qui tente, en mettant à  mal ses machines, une exploration de leurs limites. Tel un gourou des temps modernes, à  la recherche d‘exploration de domaines non visible, il est fasciné par cet outil numérique du quotidien qu‘est l‘ordinateur, et par sa présentation matérielle, c’est-à -dire par l’écran hypnotique composé de trame. Il les film, les scrute et les intègre à  ses oeuvres, en tentant de capter par ce biais, une expérience esthétique ou une approche expérimentale de la machine. Cela on peut les voir dans les oeuvres vidéos réalisées, par exemple, pour la pièce de théâtre ‟ Annette entre deux pays ” où sa séquence vidéo illustre les rêves ou l’inconscient du personnage principal. Mais aussi avec ses vidéos de paysages, où il les filme physiquement et les transforme par une série de manipulation, en une déambulation mystique à  travers la nature et ses captations lumineuses, qui, petit à  petit, se saturent, se pixélisent, tel un voyage d’un personnage en transe.

Voilà  pour moi, l’expérience de la rencontre avec cet artiste hors du commun, qui nous fait voyager dans son univers.

copyright ODNMblog.

continuer à lire Loan N’guyen : Jacques Perconte ou la recherche d’une expérience mystique sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Sous quel angle le prendre ? Par quel bout commencer ? Quelle route choisir ? Filmant les paysages en accéléré, à  la campagne ou à  Paris, en bus, en train ou en voiture, Jacques Perconte montre les changements de vitesse de nos vies. En faisant virer les couleurs, il leur trouve une âme, active des perceptions qui nous étaient interdites et nous offre une nouvelle vision du monde. Comme si nous étions quelque insecte lacanien pour qui le réel est tout autre, Perconte joue du cristal de l’oeil pour retourner l’impossible. Parfois les pixels tordent la perspective. Le temps n’est pas le même pour tous, l’espace non plus. Les trajets deviennent des explorations où le quotidien prend un autre sens. Sur Viméo, le vidéaste propose 46 extraits de films qui nous font voyager en restant sur place. À moins qu’ils nous fassent prendre conscience de notre place, immuable, en nous faisant bouger ? En regardant par la fenêtre je vois les arbres se pencher vers moi, ils me parlent, les couleurs de l’automne virent aux flammes et je vais me passer un peu d’eau froide sur le visage.

Jean-Jacques Birgé est un artiste français indépendant, à  la fois compositeur de musique, réalisateur de films, auteur multimédia, designer sonore, fondateur du label de disques GRRR. Spécialiste des rapports entre le son et l’image, il fut l’un des premiers synthésistes et créateurs du home studio en France dès 1973, et avec Un d.m.i. le précurseur du retour au ciné-concert en 19767. À partir de 1995, il devient l’un des designers sonores les plus en vogue du multimédia et le spécialiste de la composition musicale interactive. (wikipedia)

Ps. Jean-Jacques, j’ai tes L.

continuer à lire Jean-Jacques Birgé : Jacques Perconte tord le réel sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Jacques Perconte choisit le mode chronologique lors de sa conférence pour évoquer ses oeuvres, raconter leurs histoires et leurs enjeux. Ainsi il nous permit de reconstituer son processus de création faisant cas aux spécificités des médias contemporains, de l’esthétique intrinsèque aux qualités d’une image et au dépassement de la technique. Il a, dès leur accessibilité, expérimenté les nouveaux outils de fabrication de l’image comme la photo numérique, la vidéo, internet jusqu’à  déceler leurs limites et tenter de les repousser. Des oeuvres s’inscrivant dans la continuité d’une recherche, la construction d’une démarche, et qui à  chaque fois ouvre de nouvelles voies aux arts numériques.

[...]

सत्याग्रह, SATYAGRAHA. Pour cette oeuvre inédite, l’artiste utilise des images d’archives pour traiter d’un thème engagé politiquement. Le mouvement non-violent de Gandhi et ses répercussions sur le peuple indien. Il choisit ce thème parce que l’oeuvre est dédiée à  Joachim Gatti, cinéaste documentariste, victime d’une bavure policière. Comme son matériel vidéographique provient de différentes sources, intervient de manière remarquable, le montage préalable au travail de la compression. Il participe à  la puissance de l’effet visuel ou les masses de population se transforment et s’animent comme un seul organisme.

copyright ODNMblog.

continuer à lire Amélie Daullé : Le perpétuel retour de l’artiste vers le futur sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

continuer à lire Cindy Théodore : Jacques Perconte, un artiste dans tous ses états sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

WJ-SPOTS est un projet imaginé et conçu par Anne Roquigny, curatrice nouveaux médias , qui, dans une logique d’état des lieux vivants et en mouvement, a invité des artistes, critiques, penseurs, inventeurs, chercheurs, commissaires artistiques et organisateurs d’événements à  faire un point sur 15 années de création sur Internet. Les participants ont commenté, analysé et retracé ‟l’histoire ” du web et la manière dont le réseau a été investi comme un espace de création : créations en ligne, oeuvres collectives, pratiques de télépresences, net art, online art, sofware art, code art, ascii art, flash art, google art, art génératif, art interactif, art collaboratif, tactical media, locative media, art telematic, performances en réseau… On retrouve ainsi : Aliette G. Certhoux, Agnès de Cayeux, Anne Laforêt, Anne-Marie Morice, Annick Rivoire, Annie Abrahams, Antoine Schmitt , Bruno Alacoque aka weweje aka s.u.n aka datatank, Albertine Meunier, Christophe Bruno, Collectif MU, Cyril Thomas, David Guez, David-Olivier Lartigaud, Douglas Edric Stanley, Elisabeth Klimoff, Emmanuel Verges , Eléonore Hellio, Etienne Cliquet, Fred Forest, Grégoire Courtois aka Troudair, Gregory Chatonsky, Isabelle Arvers, Ivan Chabanaud, Jacques Perconte, Jérôme Joy, Jocelyne Quelo, Joà«lle Bitton, Julie Morel, Lucille Calmel, Mabuseki Margherita Balzerani, Martine Neddam aka Mouchette, Nathalie Magnan, Nicolas Frespech, Nicolas Maigret, Olga Kisseleva, Olivier Auber, Olivier Forest, Peter Sinclair, RYBN, Systaime, Thierry Théolier aka THTH, Xavier Faltot.

WJ-SPOTS#1 est co-édité par MCD

- Le hors-série MCD de WJ-SPOTS # 1 est en vente en version papier, 104 pages, bilingue, 9 € sur : http://shop.digitalmcd.com/s/1972_38132__guide-wj-spots-1 et dans les points de ventes de la revue MCD, nous consulter contact@digitalmcd.com – ou en format pdf, 7€ sur : http://shop.digitalmcd.com/s/1969_38131__guide-wj-spots-1-pdf

- Les vidéos de WJ-SPOTS # 1 et les sites favoris des participants sont disponibles sur : http://www.digitalarti.com/fr/views/videos/7026

15 ANS DE CRÉATION ARTISTIQUE SUR INTERNET

continuer à lire 15 ans de création internet à  l’Ososphère sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

WJ-SPOTS est un projet imaginé et conçu par Anne Roquigny, curatrice nouveaux médias, qui invite des artistes, critiques, penseurs, inventeurs, chercheurs, commissaires artistiques et organisateurs d’événement à  faire un point sur 15 années de création artistique sur Internet.

Les interviews de WJ-SPOTS sont réalisées au sein du dispositif multi-écrans WJ-S <www.wj-s.org>, transformé pour l’occasion en un espace de réflexion.Une navigation dans une sélection de sites Internet emblématiques choisis par les invités est réalisée simultanément sur 3 grands écrans. Le surf en temps réel est une vision augmentée de la pensée, et accompagne les réponses aux 5 questions posées à  chaque intervenant.

Les invités de WJ-SPOTS #1 : Aliette G. Certhoux www.criticalsecret.com, Agnès de Cayeux www.agnesdecayeux.fr, Anne Laforet www.sakasama.net, Anne-Marie Morice www.synesthesie.com, Annick Rivoire www.poptronics.fr, Annie Abrahams www.bram.org, Antoine Schmitt www.gratin.org/as/, Bruno Alacoque aka weweje aka sun aka datatank http://www.google.fr/search ?q=weweje+-michelle+art&as_qdr=y15, Albertine Meunier www.albertinemeunier.net, Christophe Bruno www.christophebruno.com, Cyril Thomas www.poptronics.fr, David Guez www.guez.org, David-Olivier Lartigaud http://perso.magic.fr/dol/numlink/pmwiki.php, Douglas Edric Stanley www.abstractmachine.net, Elisabeth Klimoff www.panoplie.org, Emmanuel Verges www.zinclafriche.org, Eléonore Hellio www.eternalnetwork.org, Etienne Cliquet www.ordigami.net, Fred Forest www.fredforest.com, Grégoire Courtois aka Troudair http://troudair.free.fr, Gregory Chatonski www.gregory.incident.net, Isabelle Arvers www.isabelle-arvers.com, Ivan Chabanaud www.selfworld.net, Jacques Perconte www.jacquesperconte.com, Jérôme Joy http://joy.nujus.net/w/, Jocelyne Quelo www.maisonpop.fr, Joelle Bitton www.superficiel.org/joelle/, Julie Morel http://julie.incident.net, Lucille Calmel www.myrtilles.org, Margherita Balzerani http://margheritabalzerani.blogspot.com/, Martine Neddam aka Mouchette www.neddam.org, Nathalie Magnan http://cyberfeminisme.org, Nicolas Frespech www.frespech.com, Mabuseki www.sound-delta.eu, Nicolas Maigret http://artoffailure.free.fr, Olga Kisseleva http://kisseleva.free.fr, Olivier Auber / www.poietic-generator.net http://anoptique.com/wiki/Anoptique , Olivier Forest www.filmerlamusique.com, Collectif MU Olivier Legal & Vincent Voillat www.mu.asso.fr, Peter Sinclair http://nujus.net/ petesinc/wiki/, RYBN http://rybn.free.fr/, Michaà«l Borras aka Systaime www.systaime.com, Thierry Théolier aka ThTh http://thth.free.fr/, Xavier Faltot www.lacontroverse.eu.

> visionnez les videos sur le site digitalarti

Le premier WJ-SPOTS s’est déroulé les 27 & 28 mai 2009 de midi à  minuit à  la Maison des Métallos, à  Paris, dans le cadre de la saison numérique Immatérielles et de Futur en Seine. Cet événement a été l’occasion de rencontrer une quarantaine de personnalités du web français et de découvrir pendant 2 jours la navigation réalisée par Isabelle Arvers et Anne Laforet qui ont surfé en live dans des contenus (audios visuels et textuels) en provenance du disque dur géant qu’est Internet.

Les participants ont commenté, analysé et retracé « l’histoire » du web et la manière dont le réseau a été investi comme un espace de création : créations en ligne, oeuvres collectives, pratiques de télépresences, net art, online art, sofware art, code art, ascii art, flash art, google art, art génératif, art interactif, art collaboratif, tactical media, locative media, art telematic, performances en réseau…

WJ-SPOTS #1 est la première édition d’une série d’événements/publications qui se dérouleront en 2010 et en 2011, en partenariat avec des médias et des structures culturelles espagnoles, belges, sud-américaines, américaines, québécoises, britanniques, balkaniques…
WJ-SPOTS joue sur plusieurs modes de re/transmission et de publication.
WJ-SPOTS est un événement public permettant d’interviewer des acteurs de la création artistique en ligne et de surfer en live dans leur sélection de sites Internet
WJ-SPOTS donne accès à  la retransmission de l’événement en direct sur Internet sur le site de Selfworld: <www.selfworld.net >.
WJ-SPOTS offre la totalité des entretiens, en vidéo à  la demande sur le serveur de
Digitalarti : <www.digitalarti.com>
WJ-SPOTS donne accès aux bookmarks des intervenants : <www.digitalarti.com>.
WJ-SPOTS est aussi une collection de hors-séries, bilingues (français et anglais), produits et édités par la revue MCD.

La vidéo de mon intervention / l’annonce de l’événement.

continuer à lire WJ-SPOTS : 15 ans de création internet en France sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Jacques Perconte, plasticien et pionnier discret du net-art (le genre à  oublier de signer ses oeuvres ou à  défendre un art partagé) n’est pas resté inactif depuis le début de l’année. De conférences en performances, il traque un certain sens de l’histoire dans ses images passées au tamis du Net. L’auteur du wiki très sarcastique sur l’histoire du net-art, ‟ a wiki story of net-art ”, a répondu au questionnaire vacances de poptronics.

continuer à lire Poptronics : Jacques Perconte, qu’est-ce que tu fais pour les vacances ? sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Voilà  un article qui rend compte du numéro consacré au netart de la revue Terminal. Numéro dans lequel ma contribution avait eue du mal à  passer… Nous avons lu : Terminal n° 101, printemps 2008, Technologie de l’information, Culture et Société.

Ce numéro de la revue terminal propose à  travers l’intervention de théoriciens et praticiens du net art, diverses approches, parfois contradictoires, qui reflètent bien la complexité de théoriser cette expression artistique, non pas comme mouvement d’avant-garde mais plutôt comme mouvement parallèle au système artistique traditionnel.

En effet, dans les diverses lectures proposées que ce soit par des artistes ou des professeurs et chercheurs, la difficulté à  sortir soit d’un effort vain de typologie, soit d’une description partielle d’oeuvres spécifiques, montre bien la nécessité conceptuelle à  s’extraire du discours traditionnel de l’art pour tendre vers la construction d’un nouveau langage adapté à  ce type de création. D’autres articles quant à  eux formulent une définition tout à  fait personnelle et fortement idéologique, tel celle d’Antoine Moreau exprimée dans son article ‟ La voie négative du net-art ”. Cet intéressant dossier contribue à  donner une image foisonnante, complexe et volatile du net art qui certes correspond tout à  fait à  sa nature, bien que l’opposition radicale de certains avis î pour Geneviève Vidal ou Jacques Perconte le net art compte très peu de public et est une expression artistique peu connue, alors que pour Garret Lynch c’est un art qui est devenu très à  la mode et est entré dans la culture populaire- pointent sà»rement un manque de travaux sur la question. De fait, l’article de Geneviève Vidal, ‟ Le net art : critique, technologie ou création ” appelle à  une extension du travail d’investigation sur le thème du net art et plus précisément sur celui de ses publics.

Mais en réalité, le net art est-il un art si spécifique ? N’est-on pas en train de répéter les traditionnels débats de la culture récurrents à  chaque nouveauté ? Les débats et justifications théoriques réactualisés ne sont-ils pas tout bonnement en train de masquer l’écart profond qui ne cesse de se creuser entre les populations et l’art en général ? Certainement l’article le plus lucide et peut-être le plus inspirateur, est celui de Jacques Perconte, lui-même créateur de net art, intitulé ‟ Nertartophilie : le point de vue d’un artiste ”, dans lequel il observe avec justesse que l’art est acte et que le problème réside dans sa transmission. La charge explosive ou en tout cas subversive d’internet n’existe plus. Le net art est proche des techniques de marketing qui ont envahi la web 2.0. Le net art a sans doute un futur extrêmement prometteur dans sa forme d’‟ art du réseau ” selon l’expression de Garrett Lynch, mais il ne détient aucun trait particulier qui puisse en faire l’annonciateur ou l’acteur d’un temps artistique nouveau, contrairement à  ce que les pionniers purent dire. En revanche, intégré dans un espace culturel libre î protégé par les licences copyleft î, comme les articles d’Antoine Moreau et de Jean-Paul Fourmentraux l’évoquent, et articulé à  des espaces virtuels et physiques de médiation, le net art est une forme d’art à  part entière qui dépend des conditions de sa création et de sa diffusion et qui pour le moment n’a pas encore vraiment trouvé ni sa place ni son langage propres.

© Association EPI / Association Enseignement Public & Informatique
Texte de Frédérique Muscinési (que je remercie pour sa lecture et son soutien dans cet article.)

continuer à lire Frédérique Muscinési : Net Art, technologie ou creation ? sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Une cinquantaine d’artistes, critiques, penseurs, inventeurs, chercheurs, commissaires artistiques et organisateurs d’événement français ont fait un point sur 15 années de création sur internet.

http://www.wj-s.org/WJ-SPOTS-1-Paris

du mercredi 27 mai 2009, à  13:00
au jeudi 28 mai 2009, à  00:00
à  la Maison des Métallos
94 rue Jean Pierre Timbaud
à  Paris

continuer à lire Jacques perconte : 15 ans de création internet / vidéo sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Didier Arnaudet & Jacques Perconte, À surveiller de près, à  punir parfois, voir http://editionlebleuduciel.free.fr/surveiller.html . [emprunté à  la médiathèque (champs libres)] Avec une accroche toute foucaldienne (trop chic adjectif), je ne pouvais pas éviter d’emprunter ce livre-disque. Beaux textes de Didier Arnaudet, rencontrés par la musique de Jacques Perconte, elle, totalement oval-esque. Très réussi. Jacques Perconte a une petite mine de choses passionnantes pour site, http://technart.net.

continuer à lire à€ surveiller de près, à  punir parfois sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Une nouvelle réflexion en histoire de l’art cite a wiki story of net art comme ressource ou comme tentative à  but historique. Le temps montre bien que la lecture et l’interprétation de l’internet servent les idées des lecteurs : les idées produites sont des projections. L’information se déforme. Désinformation et critique sont perçues au premier degré. Faut-il critiquer la volonté de bien faire ? Voir ces possibles outils informationnels que sont les sites internet comme des objets difficiles à  décoder ? Faut-il une certaine culture du web pour lire du web ? Une certaine culture de l’image et de l’art dans l’internet pour comprendre ce qui se passe ? Peut-on confondre une peinture de Gerhard Richter et le monde qui y est piégé ?  Si on suit l’idée de Cocteau (citée) dans ce sens, qu’adviendra t-il des savoirs ?

« En substance, mes objectifs auront été de souligner l’importance des outils numériques dans l’enseignement et la recherche universitaire, et, en fond de trame, mettre en évidence les premiers signes d’une mutation de la discipline de l’histoire de l’art par le biais, entre autre, d’un développement croissant des approches pluridisciplinaires »

[...] Il est difficile aujourd’hui, de remettre en cause la validité des contenus de Wikipedia avec le contrôle fréquent et permanent qui émane des communautés fondées autour de ces savoirs. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si nous voyons aujourd’hui, le groupe de médias allemand, Bertelsmann, s’intéresser à  cette plateforme au point de vouloir en publier une version papier dès septembre 2008124. L’outil de collaboration dont est issu Wikipedia n’est autre qu’un système de wiki125, qui peut être réalisé pour n’importe quel domaine qu’il soit spécialisé ou commun. L’usage des wikis en histoire de l’art peut être pertinent dans le cadre d’un rassemblement de savoirs et une écriture commune autour de travaux de recherche. Rares sont les initiatives lancées dans cette voie, mais nous pouvons observer quelques tentatives très disparates de wiki pouvant concerner les historiens de l’art, comme le recensement historique des oeuvres de Net art sur le site Technart126, ou bien l’existence de Wikiversity127, projet communautaire et annexe à  Wikipedia dont les objectifs visent à  produire et diffuser des documents pédagogiques [...]

126 Jacques Perconte. Site Wiki story of net art. http://www.technart.fr/NetArtHistory (consulté le 13 aoà»t 2008)
127 Wikimedia. Site de Wikiversity. http://fr.wikiversity.org/wiki/Accueil (consulté le 13 aoà»t 2008)

Une Typologie des outils numériques en histoire de l’art sur internet Vers de nouvelles pratiques de la discipline /  Mémoire de Master 1 Soutenu le 9 septembre 2008 Sous la direction de Corinne Welger-Barboza. UFR 03 – Histoire de l’Art et Archéologie / Le texte complet en ligne sur scribe: Simon Bachelier – Typologie des outils numériques en histoire de l’art

continuer à lire Simon Bachelier – Typologie des outils numériques en histoire de l’art sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Face à  un amoncellement pyramidal de tables, aussi monumental que son art est minutieux, aussi géométrique que ses pixellisations, on pouvait donc voir et entendre, sur l’écran principal de la salle jullian investie et reconfigurée pour l’occasion, une rétrospective, un trajet à  travers l’ensemble de la production de l’artiste, depuis ses débuts à  filmer le maillage électronique coloré d’un tube cathodique, puis à  revisiter le clip de hung up par madonna ou les altaà¯rs d’hugo verlinde, et jusqu’à  son oeuvre la plus célèbre, uishet, splendide promenade en barque au gré du courant d’huchet, qui évoque autant klimt et Seurat que la remontée d’un fleuve vietnamien filmé par coppola. sauf que l’horreur a fait place à  la splendeur absolue, l’histoire et le paysage à  une abstraction somptueuse, hypnotique, néanmoins traversée par des bribes d’inquiétude devant la métamorphose qu’une machine numérique parvient à  faire subir au réel : apocalypse now ?

Et de chaque côté de ce trajet intime dans sa propre pratique d’images, Jacques Perconte a placé, pour figurer littéralement cet écartèlement d’une pensée fascinée par la beauté des choses autant que préoccupée par leur possible disparition, à  droite, son installation i love you, où un ordinateur quantifie la part d’amour contenue dans les photographies de la femme aimée, à  gauche, le film issu de l’exposition entre le ciel et la terre. les deux projections latérales ont lieu sur des écrans aux dimensions réduites, proches des spectateurs qui peuvent d’ailleurs les traverser et en bouleverser l’ordonnancement lumineux ; elles sont flanquées de deux ipods munis d’écouteurs, qui diffusent à  nouveau, en modèle très réduit, hung up et uishet.

Face à  son public, l’artiste exposait enfin son corps même aux prises avec ses machines, en train de créer en direct des plages de musiques électroniques, un environnement sonore qui achevait de faire de cette séance un véritable opéra numérique et écologique où ont cohabité de façon critique le fétichisme et la bonne distance. Jacques Perconte y a littéralement mis les spectateurs à  ses pieds par cette mise en perspective sensible d’une création audiovisuelle qui enregistre et capte le réel autant qu’elle le défigure et le fait s’évanouir sous les nappes de couleur, les points d’or et les pans d’incarnat dignes des plus grands peintres.

Cette séance impaKt aura duré ce que durent les roses, mais les roses d’isz, dont les pétales imperceptibles, travaillés en explosante-fixe de couleurs, forment l’inoubliable substrat de l’amour.

Texte de Marie Martin pour Impakt, publié le vendredi 3 avril 2009. photographies gary Dejean et jacques Perconte

continuer à lire Marie Martin : explosante-fixe, impakt de mars sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Jacques Perconte réalise un travail à  partir de ces milliers d’images en analysant leur code source de fichier image et en y insérant la séquence virale ‟ I love you ” dans le code hexadécimal des sources.
Il évoque son rapport à  la collection, à  l’enregistrement du temps réel que permettait Internet : le vertige de tout entrer dans une seule machine, dans un carnet de notes géant. On avait remarqué que cet artiste ne reculait pas devant l’illimité mais le convoquait dans chaque travail : dans les plis multiples et complexes d’une fiction, dans les pixels (mal)traités de vidéos filmant une dérive, ou dans un regard amoureux regénèré jusque dans ses codes sources.

[...]

Extrait du compte rendu sur ma présentation par Luc Dall’Armellina sur le  blog du groupe HYPERTEXTE. Vous pouvez le trouver dans son intégralité directement sur la page : présentation de Jacques Perconte - 11 décembre 2008. 

continuer à lire I love you, 38degrés, groupe HYPERTEXTE sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

[...]

Echotomographie ou IRM ? Les granularités des images et leurs couleurs nous amènent assez naturellement à  nous poser la question. Un peu plus tard ce sont des spectres audios que nous voyons ou croyons voir se déployer sous nos yeux, l’univers sonore lui, nous indique toujours que nous sommes encore sur l’eau, à  bord de la barque, l’image elle, nous a emportés ailleurs. C’est bientôt dans des tableaux expressionnistes abstraits – on pense à  Marcel Seurat ou Paul Signac que nous traversons car c’est une traversée que nous faisons. Puis c’est dans l’univers des jeux vidéos que nous poursuivons, un scroll dans des paysages 3D nous aspire… Enfin dans ces espaces improbables liés au “clipping”, terme qui désigne l’arrière des décors de jeu vidéo et le fait de passer de l’autre côté, où personne n’est censé se trouver. Voir ici l’article de Nicolas Tilly repris dans Amusement N°2 de Septembre 2008 [http://ecriture-videoludique.blogspot.com/2006/03/clipping-thorie.html ]
Un peu plus tard les images semblent brulées par la lumière, les algorithmes de compression après avoir pointillisé l’image, la rendent vibratoire, en génèrent des facettes. On arrive peu à  peu aux jeux de couleurs du pop-art, hautes, vives et aguicheuses. La palette de couleurs traverserait-elle l’histoire de l’art ? Traversée aussi que celle d’une réalité comme hallucinée, sur le Courant d’Huchet (Landes).

[...]

Extrait du compte rendu sur ma présentation par Luc Dall’Armellina sur le  blog du groupe HYPERTEXTE. Vous pouvez le trouver dans son intégralité directement sur la page :présentation de Jacques Perconte - 11 décembre 2008. 

continuer à lire Uishet, groupe HYPERTEXTE sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

[...]

Nous commentons à  chaud cette présentation étourdissante qui laisse nos sens de lecteurs un peu ébouriffés. Jean évoque la schizophrénie du personnage, passant du réel à  l’imaginaire. Jacques parle lui de paraphrénie. [ Selon la Wikipedia : La paraphrénie est une psychose chronique non dissociative responsable d'un état délirant chronique qui se différencie des autres psychoses chroniques (schizophrénie, psychose hallucinatoire chronique,psychose paranoà¯aque) par la coexistence d'une intense activité délirante limitée à  certains domaines de la vie intellectuelle, et une vie par ailleurs normale dans d'autres domaines. Ainsi, le paraphrène agit et pense comme si le délire n'avait pas envahi tous les domaines de sa vie psychique : il existe une bonne adaptation au réel. ]. On retient, à  l’image de l’ambiance des récits de J.L. Borgès, une quantité de pistes parallèles, de détails très réalistes et un climat de mystères, créant un grand écart entre le réel et l’imaginaire.

Marida signale qu’aborder ce travail par la narratologie n’est sans doute pas la meilleure façon d’en saisir la nature. La question se déplace pour elle du côté de la situation de lecture que Jacques propose : une lecture parlant d’un personnage qui parle d’autres personnages et dont un lecteur (la lecture est enregistrée) active les liens, fouille le code source.

La question se pose finalement de savoir si ce travail s’inscrit dans une démarche de plurimédia ou pour le dire autrement de l’idée d’une déclinaison médiatique de mise en abyme (texte > livre > hypertexte > vidéo d’une lecture > lecture performée ) dans laquelle chaque média prendrait en charge un aspect de la fiction. N’a-t-il pas finalement la forme de l’impossibilité d’un film ? A cette question, Jacques répondra un peu plus tard : “Cette question peut être longue a résoudre. Je l’ai tournée autrement avec le temps. est-ce que le film était le bon support ? Il y a un film en préparation. ce ne sera pas une fiction telle qu’il était prévu de le faire. Mais cela ne sera qu’un élément supplémentaire au même titre que le livre. Une prise dans une réalité pour augmenter les tensions…”

[...]

Extrait du compte rendu sur ma présentation par Luc Dall’Armellina sur le  blog du groupe HYPERTEXTE. Vous pouvez le trouver dans son intégralité directement sur la page : présentation de Jacques Perconte - 11 décembre 2008. 

continuer à lire Chi Ocsha, groupe HYPERTEXTE sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Marcher pendant des heures, déambuler dans les rues peuplées de personnages surprenants n’est pas fait pour vous ? Au lieu d’user vos semelles vous préférez le confort de votre fauteuil duquel vous avez une prise absolument adéquate sur le monde du Web ? Alors restez chez vous, vous serez sans doute tout aussi ébloui. Le secret de ce qui se passera cette nuit là  du 4 octobre vous sera révélé à  19h27 ici.

Selon le site, entre lumineux et vulgaire quelque bouts de flashs de Jacques Perconte et Thibaut Ferreira vous attendent, en espérant que ce soit à  la hauteur …

Arkronik.com : pêle-mèle, 3 octobre 2008

continuer à lire Les opportunistes de nuit blanche sont à  l’affût… sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Jacques Perconte pratique la photographie, la vidéo, la création numérique et la musique ; il explore les ressources conjuguées du corps, du paysage et de la couleur détachés d’une inscription limitative et contraignante. Caractérisée par l’altération programmée, par la puissance entraînant toute production dans la tension d’un flux constamment renouvelé, son oeuvre est avant tout destinée à  être vécue, partagée dans une expérience à  la fois ouverte, mouvante et resserrée. Son sens réside moins dans les forces qui s’y dépensent que dans les états affectifs suscités. Il ne consiste pas en la cohérence issue d’une structure unifiée, mais dans l’énergie d’une déambulation intime s’offrant à  l’imagination en changeant constamment la nature de sa focalisation.

Depuis 2003, Jacques Perconte photographie, au plus prés de sa peau et de sa chaleur, l’être aimé. Ces étendues impalpables et fluctuantes de corps oscillent entre les pôles opposés du déploiement et de la concentration, et rassemblent la quintessence d’une opération presque alchimique, autrement dit la transmutation d’une densité corporelle en poudroiement de lumières. Puis il photographie à  nouveau ces approches sensuelles sur un écran d’ordinateur qui exhibe les pixels comme des grains de peau. Ces images sont ensuite intégrées à  I love you, une oeuvre sur Internet. À chaque fois que l’on consulte une image, elle est plus ou moins modifiée (pixellisation, déformation, nouvelles couleurs, disparition du sujet) avant d’être affichée : un programme (love writing program) altère son code source en remplaçant une variable par l’encodage du texte I love you. It’s all about love est un choix d’images issues de ces divers processus de décomposition et recomposition, d’élargissement et de rétrécissement. Ces éléments de corps, interactions de paysages et de couleurs, de souvenirs et d’oublis, sont ainsi maintenus sous pression par une succession de reprises et de transformations qui les conduit presque à  un point de rupture. Comme si, pour atteindre le coeur de l’émotion, il fallait se perdre dans l’enchevêtrement des images et des multiples voies de leur effacement progressif. Comme si, pour accumuler des preuves d’amour, il fallait se confronter à  un éblouissement de plus en plus affirmé, et donc renoncer à  une certaine qualité de représentation.

It’s all about love : Les arts au mur – artothèque 17 janvier – 17 avril 2008 / Galerie ooblik – du 29 avril au 24 mai

Didier Arnaudet : It’s all about love in Art Press, la revue de l’art contemporain / Mai 2008 / n°345
Art Press Tous droits réservés

continuer à lire Art Press : Didier Arnaudet : It’s all about love sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

laetibulle

continuer à lire Laetitia : Envie de voir, d’écouter, de toucher sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Marc Tallec, pour la galerie ooblik, Lyon :

Jacques Perconte c’est avant tout une rencontre, au hasard du net…
Un univers dense et saisisant, protéiforme mais “ordonné”…des accumulations de travail sur l’image sous toutes ses formes (vidéo, photographie, programation (dégradation…) logicielle, netart, etc…), comme une boulimie sans fin pour tenter de canaliser une recherche permanente sur les traces possibles et sensibles du réel qui nous entourre.
Mais pour parler au mieux de son art et de ses travaux, pas la peine de trop parler, il suffit de se plonger dans ses univers sur le réseau…

Sa biographie ? ici ou là …, ses images sur Flickr, ses vidéos, son COSMOS (des mots-clefs…), son site amiral, son blog…

A vous de découvrir cet univers, bonne découverte et bon chemin à  vous !

> http://www.38degres.net/
> http://blog.technart.fr/

posté sur http://ooblik.wordpress.com/2008/02/14/jacques-perconte/

continuer à lire Rencontre parallèle… sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Restituer une archive de l’histoire du netart est une tâche difficile, l’histoire est en reconstitution permanente dans le flux des réseaux, se formatant et se reformatant, à  l’image même des réseaux. De nombreux liens ont été fermés, ou déplacés. Certains contenus sont resté sur le réseau comme des processus zombie sans lien avec nulle part. De nombreuses communautés ont été dissoutes, reformées ou mises à  niveau. Une histoire en déplacement permanent.

Construire une archive de l’histoire du net art, c’est faire acte d’histoire. C’est un travail nécessaire, c’est créer un repère, une balise [tag], des lieux d’oà» on est parti ou d’où l’on se réfère, à  aujourd’hui, aux lieux où l’on est.

Les réseaux ont changés, les enjeux aussi. À l’heure de la captation économique des flux numériques et de leur spéculation, dans le paysage du ‟web-divertissement” omniprésent et de la sur-consommation en ligne, mesurer la distance parcourue, c’est prendre acte de ce qui a été fait, c’est remettre à  jour son savoir et son histoire, c’est rendre compte des mouvements du début de l âge des réseaux, des communautés du web et des utopies sociales qui ont animés les premiers projets de net art dès le début des années 90.
C’est finalement construire et garder un regard critique sur ce que deviennent les réseaux aujourd’hui.

La mémoire est fluide et multiple: l’archive est un wiki, elle s’inscrit dans la culture de l’intelligence collective, liée à  l’histoire et aux pratiques des mondes en réseau: tout le monde peut contribuer à  sa construction et à  sa mise à  jour.
C’est une histoire ouverte, A nous de décider de ce que nous en ferons.

‟faire ressortir les archives devient un acte de pure résistance”
subrosa.net

posté sur V.I.R:us, février 2008

continuer à lire net art history & culture of the commons sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Exposition de Jacques Perconte
It’s all about love, 2008

Son parcours artistique autour du ‟ corps ”:

Très vite le corps s’inscrit dans sa pratique. Il a commencé ses travaux sur ‟ le corps du texte et le texte du corps ”, il pratiquait plutôt la peinture et le dessin, en prenant en compte le trait, sa texture, la couleur et le modelé.
Puis il se met à  la vidéo, il filme des corps et regarde les images filmées, et se pose la question du lien entre la vidéo et l’image du corps, et rapidement il filme les écrans. En 1997, il fait ses premières photos d’écrans avec les premiers appareils photos numériques.

En 2002, il fait la série Corps numériques, (2 photos de cette série sont disponibles à  l’artothèque.) Il entame une collection de photos de corps.
Dans ces oeuvres Jacques Perconte travaille sur les différentes étapes de déformation d’un corps et d’une image à  travers des supports comme le multimédia, la vidéo, la photo. L’artiste filme le corps d’un modèle avec une caméra, celui ci est restitué sur un écran de télévision qui est capturé par un appareil photo numérique pour être interpréter par un ordinateur. Toutes ces étapes créent une image qui est nouvelle, déformée. Cette dernière est à  nouveau filmée par une caméra, puis capturée sur un écran de télévision, et ainsi de suite… l’artiste renouvelle ces opérations jusqu’à  obtenir un résultat qui lui plaise.

En 2003, l’éditeur Didier Vergnaud lui propose de faire un livre de photographies. Il avait rencontré sa compagne, Isabelle, depuis quelques mois, il décide de la prendre comme modèle pour ce livre/projet qui s’appelle 38 degrés, et certaines photos de ce projet sont dans l’exposition It’s all about love, à  l’artothèque. En prenant pour modèle Isabelle, sa compagne, Jacques Perconte lie son travail photographique à  son histoire d’amour.
Les photos sont prises avec différents appareils numériques (il n’utilise pas d’appareils argentiques), et dans différents contextes (différentes lumières qui sont induites par des prises photos dans différents lieux : chez elle, chez lui, dans un studio, dans l’eau …). Il en résulte une grande collection d’images. La collection contient au départ près de 900 images, il l’a réduite à  100 (qu’il nomme Square). C’est de cette collection que sont tirées certaines des images de l’exposition à  l’artothèque.

38 degrés : correspond à  un peu plus chaud que la température du corps, et à  la dominante colorée de ses photos, voir photos dans expo artothèque, il y a une dominante de couleurs chaudes !

Son rapport à  la peinture :

Il a un travail qui renoue ses amours avec la peinture américaine des années 50-60, avec des artistes comme :
- Barnett Newman (1905-1970) : il invente les Zips, des coupures, le plus souvent verticales, de peinture, qui séparent ou unissent des plans de couleurs lumineuses, jusqu’au bord de la toile. Il appartient au mouvement ‟ Color-field ”
- Mark Rothko (1903-1970) : il peint de très grands rectangles lumineux superposés aux limites estompées, il appartient au mouvement ‟ Color-field ”.
- Ellsworth Kelly (né en 1923) : il fait des peintures abstraites, qui sont comme des agrandissements, comme avec un microscope géant, de détails de choses vues (le porche d’une église, le bord d’un trottoir, l’ombre d’une fenêtre…). Il construit de grandes sculptures aux formes géométriques complexes et dans ses peintures il donne des formes nettes au contour de ses toiles. Il appartient au mouvement ‟ Hard Edge ”.

Color-field : Mouvement artistique aux Etats-Unis et au Canada des années 1950/60. Signifie ‟ champ de couleur ”. Ce terme désigne des tableaux présentant de vastes plages de peinture uniformes, d’où est exclue toute illusion de profondeur. La toile, souvent recouverte de couleur d’un bord à  l’autre, semble un fragment de surface, ou d’un ‟ champ ” plus vaste. La distinction entre figure et fond disparait au profit du ‟ all over ” (terme employé pour définir les peintures de Jackson Pollock en 1940, et qui correspond à  une répartition uniforme des éléments picturaux sur toute la surface du tableau, qui semble se prolonger au-delà  des bords).
Il y a un accent sur la planéité du tableau, car pour ces artistes, la peinture doit assumer pleinement sa nature bidimensionnelle.

Hard Edge : Mouvement artistique aux Etats-Unis, des années 1950/60. Ce terme s’applique à  des toiles dont la surface est couverte de plages de couleurs uniformes et bien délimitées. Là  aussi, la distinction entre figure et fond disparait au profit du ‟ all over ”. Ces oeuvres présentent une surface agencée selon une géométrie rigoureusement symétrique.

Jacques Perconte attache une grande importance aux supports (ici ce n’est pas du papier mais un composant synthétique) pour l’impression de ses photographies. Le support est à  envisager comme la toile d’un peintre. Quand il fait un tirage, le papier doit être dans l’image, il fait parti d’elle, il lui donne corps. Dans l’exposition de l’artothèque le support est mat, s’il avait été glacé, les couleurs auraient été plus ‟ flashies ”, différentes, mais en tout cas c’est un choix, c’est ca qui compte pour lui.

Comment crée-t-il les textures de ses images ?

Jacques Perconte fait un travail de peintre, mais pas avec un logiciel de peinture, il ne retouche jamais ses images !
En photographiant l’image sur l’écran, il recherche la saturation des couleurs, les défauts des images, pour créer des effets de matières, des textures différentes. Il met en avant les contours de l’image avec les pixels. Les moires, les trames créent également des textures, des matières. Ces textures peuvent être assimilées à  la texture de la peau, à  son grain.

‟ En 2003, Didier Vergnaud, éditeur, me propose de faire un livre de photographies. A ce moment là  je travaillais sur des séries où le corps, sa peau, ses modelés, ses contours rencontraient les pixels, les trames, les saturations de l’image numérique, les déformations de la projection d’une image sur un écran, ses défauts…. ”

- Il affiche les photos sur des écrans d’ordinateur différents, plat ou à  tube cathodique (les derniers sont bombés)…
- Il photographie ceux-ci en bougeant autour des écrans, en les regardant de côté, et il bouge aussi les écrans.
- Il utilise des loupes, ou des vitres qu’il met devant l’écran. Mais finalement ce ne sont que des essais aucune image n’est retenue…
- Il manipule les réglages des couleurs et la luminosité des écrans et des appareils photos, pour créer de nouveaux effets :
Ex : dans l’exposition, la photo verte sur le mur de gauche à  côté de l’étagère c’est la même, que la photo de corps cadrée très près dans les tons rouges, seulement il a réglé la balance des blancs de l’appareil photo, et l’a mise sur une balance de rouge.
- Il ajoute à  cela, un travail sur la compression des images, qui lui permet de créer de nouvelles textures.

‟ Quand l’image n’était pas assez claire à  mon goà»t, quand les couleurs ne tendaient pas vers là  où je voulais, je jouais avec mon appareil et ses bricolages pour capturer ce que je voulais…. Et ainsi faire de nouvelles images que je regardais encore et que je regardais ailleurs pour voir quelles rencontres elles pouvaient faire : un écran de vidéo projecteur, une télévision, un écran plasma, tous ces écrans n’ont pas la même peau, ne racontent pas les couleurs de la même façon…

J’ai voulu garder la technologie loin, aucune image n’a jamais été retouchée (trafiquée) intentionnellement dans un logiciel, je n’ai fait que les afficher, c’est avec les réglages des écrans, des appareils photo, avec le mouvement qu’elles ont évolué. Ce sont des captures, des rêves qui ont pris forme à  un moment donné là  sous mes yeux alors que je manipulais des machines… C’est ce qui s’est passé devant l’écran, entre le corps et moi, là  où il fait plus ‟ chaud ”. C’est en parlant de cette chaleur, de celle près du corps que j’ai appelé le livre 38 degrés. ”

Compression d’images : Les formats GIF et JPEG sont des formats d’images qui permettent de compresser une image (pour que ça prenne moins de place sur l’ordinateur), il en existe d’autres (BMP, PNG, TIFF…). Tous ces formats compressent différemment les images, scientifiquement parlant, ils utilisent des algorithmes de compression différents et ne stockent pas de la même manière les images.

Une image numérique est composée de plusieurs centaines de milliers voire millions de points (pixels). Plus il y en a, plus l’image est grosse (en terme de taille informatique, de poids) et grande (en taille). De plus, à  chaque pixel correspond une couleur. Si on multiplie le nombre de pixels par le nombre de couleurs on se retrouve avec un fichier informatique plus ou moins gros. Et dans le monde de l’image numérique on atteint très vite des tailles impressionnantes pour la moindre petite photo. A l’heure d’internet où l’échange de photos est grandissant, ou tout simplement pour pouvoir stocker un max de photos, les informaticiens ont dà» trouver une solution pour alléger la photo sans pour autant lui faire perdre en qualité. Pour alléger une photo, il suffit d’enlever un pixel, et elle est plus petite mais il manque quelque chose. Pour cela, les mathématiques arrivent. Par de grands calculs, il est possible de réduire la taille des images. Chaque format, cité plus haut, utilise un calcul spécifique pour pouvoir compresser une image. Il se peut qu’il y ait des erreurs, lors de ces calculs (c’est ce qui arrivait au début d’internet dans les années 1990). Ce sont ces erreurs de calculs que Jacques Perconte exploite pour déformer ses photos, vidéos, afin d’obtenir des textures différentes.
Jacques Perconte ne travaille qu’avec un seul format et un seul type de format de compression : le jpeg
Son rapport à  l’image :

Dans le travail artistique de Jacques Perconte et dans la série Corps numériques (oeuvres disponibles à  l’artothèque), l’image numérique représente son propre moyen de production et le corps n’est plus qu’une information que l’on peut traiter et déformer. La photographie est la trace d’un état du corps dans un contexte, celui de l’image et de ses spécificités. Le corps devient témoin du processus de fabrication d’une image et de toutes ses étapes. Les photos numériques des vidéos fixent non seulement les images du corps, mais aussi le traitement de celles-ci, par le médium technologique. Par exemple les pixels illuminés deviennent distincts, et l’on peut visualiser des effets de moire de l’écran photographié. A cela s’ajoute une déformation de l’image créée par l’angle de vue, qui provoque une ré interprétation partielle ou totale de l’image.

Ces images technologiques incluent le corps humain dans un autre univers, il se retrouve sur plusieurs supports visuels et d’enregistrements. Le corps occupe plusieurs formats, plusieurs tailles. La photographie par son cadrage modifie la perception du corps.

Jacques Perconte et internet :

Il fait ses premières oeuvres internet de 1996-1997. Le site technart.net est la principale interface. En 2006, il ouvre le blog qui concentre (peu à  peu) toutes les archives de ses activités (articles, notes, performances… La toile est gigantesque).
http://www.technart.net
http://blog.technart.fr
http://www.jacquesperconte.com

Jacques Perconte et It’s all about love :

It’s all about love, synthétise les grandes étapes d’un travail pour la préparation du livre 38 degrés.

Avec ce projet de livre, et en prenant pour modèle Isabelle, sa compagne, Jacques Perconte lie son travail photographique à  son histoire d’amour. Il aboutit à  une grande collection d’images, toutes différentes. Dans ce travail la relation entre Jacques Perconte et l’image, s’est développée, agrandie, mais l’artiste s’est éloigné de son modèle Isabelle, et donc de son amour.

Il décide alors de trouver un moyen de quantifier la quantité d’amour qui réside dans l’image, à  chaque fois qu’une image se matérialise. I love you est un oeuvre sur Internet (une pièce de netart) qu’il débute en 2004.

A chaque fois que l’on consulte une image, elle est plus ou moins modifiée avant d’être affichée : le code source de l’image (le code hexadécimal) est altéré par un programme (love writing program) qui remplace une variable, calculée suivant différents paramètres, par le texte ‟ I love you ”. Le code source ainsi modifié, l’image est altérée (pixellisation, déformation, nouvelles couleurs, disparition). Cette méthode absurde d’écriture littérale de l’amour dans l’image, dans le code, donne à  voir chaque fois une nouvelle collection d’images plus ou moins empreintes d’amour. Plus d’amour, moins de représentation.

Voir le site http://itsallaboutlove.38degres.net/ et cliquer sur un programme pour voir ce qui ne se voyait peut-être pas assez

le code hexadécimal : dans la vie de tous les jours, nous comptons en base 10 (0,1,2,3,4,5,6,7,8,9), c’est le système décimal. Les ordinateurs utilisent pour comprendre les données le courant électrique : soit le courant passe (0), soit il passe pas (1) : c’est le système binaire, base 2 (0,1). Cependant ce langage prend beaucoup de place pour stocker toutes les données donc des informaticiens ont inventé un autre système de numération prenant moins de place que le binaire. Ils ont choisi le système hexadécimal qui comme son nom ne l’indique pas est un système en base 16 (0,1,2,3,4,5,6,7,8,9,A,B,C,D,E,F). Il y a une utilisation des lettres.
Le système hexadécimal permet une conversion simplifiée entre le système binaire et le système hexadécimal.

En binaire : zéro s’écrit 0
En hexadécimal : zéro s’écrit 0

En binaire : un s’écrit 1
En hexadécimal : un s’écrit 1

En binaire : deux s’écrit (eh non pas 2 mais) 10
En hexadécimal : deux s’écrit 2
(Là  on a déjà  gagné un peu)

En binaire : dix s’écrit 1010
En hexadécimal : dix s’écrit A
(Là  on gagne beaucoup plus)

En binaire : onze s’écrit 1011
En hexadécimal onze s’écrit B

Quand l’internaute ou l’artiste demande à  l’ordinateur de lui afficher l’image comme l’ordinateur la voit, celui-ci affiche une série de chiffres et de lettres (c’est du code hexadécimal).A ce moment là  le logiciel crée par Jacques Perconte recherche un binôme de chiffres ou de lettres et les remplaces par I LOVE YOU. (Ex : un ensemble comme : 2G peut être remplacé par I LOVE YOU). Une fois cela terminé, le logiciel réinterprète la photo et celle-ci est modifiée par rapport à  l’originale, et plus elle est modifiée plus elle contient de l’amour !

Ces paramètres créent l’oeuvre que l’internaute regarde sur le site. L’artiste ne choisit pas la série de chiffres ou de lettres à  remplacer (que l’on peut nommer « variable ») mais c’est l’ordinateur qui choisit cette variable; il pourrait la choisir aléatoirement mais l’artiste lui demande de choisir cette variable en fonction de divers paramètres comme le nombre pi ou le nombre d’or, l’heure de connexion, la date, l’adresse de l’ordinateur sur internet… là  un calcul est réalisé, on ne peut savoir comment c’est calculé, c’est un mélange de toutes ces données, et ceci donne la fameuse variable qui va être remplacée par ILOVEYOU.
En gros, au lieu de prendre une variable aléatoire, l’ordinateur en calcule une à  partir de données propres au visiteur. Ceci dans le but d’afficher à  l’arrivée une oeuvre différente pour chacun. A chaque fois que l’on regarde la photo sur internet, elle est créée devant l’internaute.

Å’uvres exposées à  l’artothèque :

‟ It’s all about love ” rassemble
des images directement issues des séances avec Isabelle,
des images re-photographiées sur des écrans,
des captures d’écran des I love you numériques issues d’internet,
des photographies d’écrans passées dans I love you,
des photographies d’écran de I love you,

Il y a également des i pod : il y a 3 films, ce sont des images des premières séances de pose avec Isabelle, qu’il a refilmé sur son écran. Le film le plus à  gauche, a été fait avec un appareil photo sur la fonction ‟ vidéo ”, un canon ixus 860is.
Le second au milieu, refilme le premier film de gauche, avec un cadrage plus serré, et des mouvements plus lâchés.
Le troisième film de droite, refilme le second film, il cherche plus la couleur, et accentue les effets de moire crées par l’écran (un ecran apple 24).

Voir plan de l’expo 
Séance avec Isabelle : Photo Isa
Image re-photographiée sur un écran : Photo écran
Capture d’écran d’un I love you numérique issu d’internet: Capture I love you
Photographie d’écran de I love you: Photo I love you
Photographie d’écran passée dans I love you : Photo écran passée dans I love you

continuer à lire Christelle Seguin : Fiche pédagogique sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Ici aussi l’affaire est compliquée. Si incontestablement la Galerie Bordelaise appartient au patrimoine Bordelais, et même si elle est inscrite à  l’inventaire secondaire des Monuments Historiques, elle n’en demeure pas moins un domaine privé. Les subsides publics et autres subventions ne peuvent au mieux qu’accompagner les actions prioritairement financées par les propriétaires.
Un mur de boites à  chaussures qui fait sursauter la belle endormie !

Fort heureusement, dans cette ambiance où le temps semble s’être arrêté depuis 20 ou 30 ans, certains signes encourageants pointent à  l’horizon. Tous les protagonistes ne jouent pas la montre, et une poignée de bonnes volontés, sans d’ailleurs toujours être vraiment récompensée de ses efforts, tente de redresser la barre. Une association ‟ les amis de la Galerie Bordelaise ” a même vu le jour (voir leur site www.galerie-bordelaise.com ). Certains commerçants tentent également de redonner vie au lieu par différentes animations tout au long de l’année, c’est le cas de M. Michard, commerçant spécialisé dans la chaussure haut de gamme dont les vitrines s’ouvrent à  la fois sur la Galerie Bordelaise et sur la très passante rue Sainte Catherine.

En période de Soldes, l’artiste Jacques PERCONTE a eu l’idée d’ériger dans la galerie, un mur de boîtes à  chaussures qui ferme totalement le passage, idée adoptée et soutenue par la boutique MICHARD ARDILLIER. Inutile de dire que les réactions et les commentaires ne se sont pas fait attendre, d’autant plus que tous les médias locaux ont largement relayé l’information. Critiques des uns, approbations des autres, réveil d’un public bordelais découvrant en même temps que l’oeuvre l’urgence d’agir, sans oublier certaines instances officielles avouant lors d’interviews découvrir la nature du problème et son intensité … personne n’aura été indifférent.

Jacques Perconte a participé au festival Ritournelles en 2006 à  la boutique, suite à  cette rencontre, Jacques Perconte à  eu l’idée de se servir des boites de chaussures laissées par les clients pour créer une oeuvre. projet :

 » Nous collectons les boites vides depuis une année. Ce mur est avant tout une installation d’art contemporain qui questionne les relations entre public et privé pour manifester quelles positions l’art et la communication peuvent prendre aujourd’hui. La relation entre cette oeuvre in-situ et la galerie dans le contexte actuel a donc fait partie intégrante du projet …  »

[...]

L’exposition de boîtes à  chaussures aura toutefois dà» être interrompue avant la date de fin initialement prévue. C’est en effet la commission de sécurité de la ville de Bordeaux alertée par une âme que l’on pourra qualifier, non sans humour, de charitable qui a attiré son attention sur les risques que faisaient courir aux visiteurs ce mur de boîte en cas d’incendie. Les initiateurs ont donc sagement déconstruit le mur de boîtes, qu’ils ont remplacé jusqu’à  la date initialement fixée par un panneau explicatif.

Au terme de cette opération, plus personne ne pourra plus dire en parlant de la vétusté de la Galerie Bordelaise ‟ je ne savais pas ”. L’ensemble des parties prenantes pourra t il se retrouver autour d’une table pour qu’enfin un plan d’action soit mis en place (fut il imposé), c’est en tout cas ce que l’on peut espérer.

Plus sur la galerie Bordelaise >Bordeaux : la galerie Bordelaise : La belle endormie en péril !

Photos d’amateur de Bernard Tocheport. ( Que je tiens à  remercier pour les soucis d’exactitude des renseignementsqu’il diffuse).
Soldes d’Hiver : Jacques Perconte & Michard Ardillier’s Soldes d’hiver à  Bordeaux, jusqu’au 19 janvier

continuer à lire Bernard Tocheport : La galerie Bordelaise et le mur de Jacques perconte sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Encoder sa déclaration d’amour dans un programme numérique consacré au corps de son aimée, c’est la carte du tendre selon Jacques Perconte.

Jacques Perconte est amoureux. à‡a peut arriver à  tout le monde. Il a pris mille clichés d’Isabelle, sa bien-aimée, depuis leur rencontre en 2003. à‡a non plus, ce n’est pas très original. Ce qui fait la différence, c’est Jacques Perconte lui-même. Photographe passionné d’image numérique, il a tiré de cette rencontre une pièce contemporaine intitulé ‟ I love you ” qui est exposé pour la première fois à  l’artothèque de Pessac. Il s’agit d’un ensemble de photos qui au premier coup d’oeil ressemblent pas mal à  la peinture abstraite américaine d’un Barnett Newman ou d’un Ellsworth Kelly, avec de grandes surface de couleurs saturées et des formes aléatoires. Le fait que les photographies soient tirées sur un support mat, et que de loin elles puissent facilement être confondues avec de la peinture est bien entendu tout sauf un hasard.

Pour le reste, c’est un ensemble qui est dans la continuité du travail de Perconte, lequel a beaucoup photographié le corps en utilisant un appareil numérique et en s’intéressant à  la manière dont la peau, le modelé et les contours ‟ rencontrent les pixels, les trames, les saturations de l’image numérique, les déformations de la projection d’une image sur un écran, ses défauts ”. C’est là  que pour lui résident la sensualité et la magie.

En 2003, un livre de photos vient de lui être commandé par un éditeur. Après l’irruption d’Isabelle dans sa vie, Perconte a décidé d’en faire son sujet unique, renonçant à  l’utilisation de modèles ou de photographies de films. La manière dont la lumière joue sur ce corps et dont le numérique interprète certains détails devient sa préoccupation première. Les impacts, les imperfections liées à  la compression numérique, il les revendique, et il agrandit les images pour que l’on en perçoive la texture. Progressivement, il surajoute des degrés à  son jeu, notamment en clichant la surface d’un écran pour utiliser les déformations de l’image, l’effet de moirage. Il change souvent d’appareil pour obtenir des textures différentes. Le grain de l’image, la saturation des couleurs deviennent le coeur de son expérience plastique : ‟ une matière se crée, l’image s’enrichit ”.

Mais il ne s’arrête pas en si bon chemin. Constatant que le corps d’Isabelle est de plus en plus absent des images numériques qui tendent vers l’abstraction, il crée un site Internet, entre dans son code mathématique, et change une des variables encodées contre la séquence verbale ‟ I love you ”. L’intégrité de la description numérique s’en trouve brisée et les images deviennent de plus en plus aléatoires ; ce sont ces images, dont certaines n’apparaîtront qu’une fois et sont impossibles à  retrouver, qu’a photographié Perconte pour sa pièce ‟ I love you ”. Son procédé lui a déjà  valu le prix du ‟ meilleur faux virus ” aux Rencontres Internationales des arts numériques à  Évry, il a aussi eu une mention au grand prix du Net Art. Mais cela ne lui fait pas oublier Isabelle. Pour lui, ‟ chaque trace, chaque déformation est une trace d’amour latent. ”

Dominique Godfrey pour Sud Ouest : Amoureux des pixels
‟ It’s all about love ” de Jacques Perconte, jusqu’au 17 avril du mardi au samedi de 14 heures à  18 heures, le dimanche de 10 heures à  13 heures et sur rendez-vous, Les arts au mur Artothèque, 16 bis avenue Jean Jaurès, Pessac ; 05 56 46 38 41
It’s all about love / les images au fil du projet sur flickr : it’s all about the history

continuer à lire Sud Ouest : Dominique Godfrey : Amoureux des pixels sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Choisir quelques images parmi l’infinité qui compose ‟ I Love You ”, de Jacques Perconte, c’est le pari, la performance ou, au choix, une nouvelle version de l’oeuvre Internet qu’accomplit l’artiste à  Pessac.

[...]

Confronté au réseau Internet, son travail sur le corps se démarque des ‟ galeries photos ” ordinaires, s’inspirant de Roland Barthes : ‟ Vouloir écrire l’amour, c’est affronter le gâchis du langage : cette région d’affolement où le langage est à  la fois trop et trop peu, excessif (…) et pauvre (…). ” Cependant, au lieu de donner raison à  ce monument de l’histoire de la photographie, Perconte confronte amour et langage dans un petit programme informatique où les photographies jouent à  ‟ démontrer le contraire ”. Résultat : l’‟ I Love You ” en ligne est un carré de 10 x 10 photographies sur lesquelles on peut cliquer pour les afficher plein écran. Sauf qu’à  chaque clic, la photographie est effectivement toujours présente, alors que son code hexadécimal subit une légère modification, grâce à  un script qui insère dans le code source de l’image un ‟ I Love You ” rose, entre les successions de chiffres et de lettres noires qui permettent à  l’ordinateur de lire l’image et donc de l’afficher. Le programme peut ainsi ‟ quantifier l’amour contenu dans chaque image ”, explique Jacques Perconte. Depuis novembre 2004, plus de 31 millions (ou pour être précis : 31 549 790 au 21 janvier 2008 à  11h38) déclarations d’amour se sont glissées entre les lignes qui codent les fragments du corps d’Isabelle…

[...]

Présentée en 2005 au New Media Arts Festival de Bangkok, à  la Web Biennal d’Istanbul, primé au Netarts Grandprize de Machida, au Japon, ‟ I Love You ” a déjà  fait le tour du monde dans sa version Internet. Jacques Perconte, pionnier discret du net-art français [...], expose à  Pessac les images-traces de cette quête d’amour dans le code, comme un retour aux sources [...].

pour Poptronics Aude Crispel : Jacques a dit ‟ I Love You ”
It’s all about love / les images au fil du projet sur flickr : it’s all about the history

continuer à lire Poptronics : Aude Crispel : Jacques a dit « I Love You» sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

L’artiste parisien Jacques Perconte explore l’image à  travers les supports numériques. Une démarche singulière

‟It’s all about love ”, traduisez : ‟ Il ne s’agit que d’amour ” est une exposition de Jacques Perconte présente à  la médiathèque Les Arts au mur jusqu’au 17 avril prochain. Elle rassemble des images issues des séances photos avec Isabelle, l’être aimée.

‟ Une suite d’infinis photographiés. Une collection qui a commencé en 2003 et qui a vu les images s’accumuler par milliers. Quand le temps est venu de procéder à  une sélection, j’ai écrit un programme informatique pour voir ce qui ne se voyait pas assez, pour révéler ce qui dans ces images touchait ce que je cherchais. Ainsi, les images se sont démultipliées ”, explique Jacques Perconte.

Puis, il poursuit : ‟ Ma démarche comprend trois étapes : tout d’abord, j’ai commencé en photo numérique avec la recherche de couleurs en exploitant le plus possible les défauts visibles. Pour moi, il s’agissait de trouver le lien qui existe entre la chair et la matière. Raconter l’histoire qui existe entre l’image et son support.

Ensuite, j’ai voulu trouver une autre matérialité. J’ai photographié l’écran de l’ordinateur pour capturer une image nouvelle.

Enfin, j’ai voulu raconter la quantité d’amour qu’il y avait dans une image. J’ai conçu une machine à  fabriquer des images. ”

Au plus près de la peau de son aimée, il a pris de nombreux clichés pour quantifier la quantité d’amour qui réside dans une image. Pour cela, il a créé une oeuvre sur Internet nommée ‟ I love you ”. À la suite de l’installation d’un programme spécifique appelé ‟ Love writing program ”, l’image est altérée (pixellisation, déformation, nouvelles couleurs, disparition). Cette méthode absurde d’écriture littérale de l’amour dans l’image, dans le code, donne à  voir une nouvelle collection d’images plus ou moins empreintes d’amour. Plus d’amour, moins de représentation.

Roland Barthes disait : ‟ Vouloir écrire l’amour, c’est affronter le gâchis du langage. ”

‟ J’aimerais bien que ces photographies démontrent le contraire… ”, assure Jacques Perconte.

Artothèque les Arts au mur, 16 bis, avenue Jean-Jaurès à  Pessac. Renseignements au 05 56 46 38 41.

Gironde CUB Rive gauche, lundi, 21 janvier 2008, p. 10 / PESSAC
ill: Jacques Perconte explique sa recherche et sa démarche photo m. S.-L.
© 2008 Sud Ouest. Tous droits réservés.

continuer à lire Sud Ouest : Michel Soulé-Limendoux : L’amour multiplié sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

La Galerie Bordelaise, rue ‘ Sainte-Catherine, sera bientôt assiégée par des hordes de consommateurs frénétiques. Une surprise les attend : les soldes d’hiver, l’oeuvre monumentale de l’artiste Jacques Perconte.

Imaginez un mur de boites à  chaussures démesuré, scindant la Galerie Bordelaise en deux. Un amas de boites en carton arrimées à  un échafaudage ‟ qu’on a envie de casser ” dixit un passant rencontré sur les lieux. Nous avons rencontré le personnage responsable de ce curieux assemblage.
A l’origine, Jacques Perconte s’est interrogé sur l’usage possible de toutes ces boites abandonnées. Les soldes d’hiver de l’an 2008 apparaissent comme une opportunité de retenir l’attention des foules, drainées par les bonnes affaires.

Les enjeux de cette installation in situ sont multiples. C’est une ‟ critique de l’art contemporain ”, explique l’artiste, ouvert et détendu, ‟ ca touche même ceux qui veulent pas être touchés . On peut dire ‟ on s’en fout ”, on peut être emmerdé ou pas. ” Son idée : faire une pièce ‟ très choc ”, sur le gaspillage lié à  la consommation.

L’artiste n’est pas pour autant un obsédé des boites à  chaussures: ‟ Pourquoi j’aime pas les boites à  chaussures ? J’en vois pas l’utilité. ” Pourtant, elles sont bien la base de cette oeuvre. Rien de contradictoire cependant. Amoureux de la photo, il confie : ‟J’aime le carré, le pixel, la couleur. ” Ainsi, le travail d’assemblage est calculé pour donner une tonalité picturale représentative de son émotion esthétique. Quelle sera la vôtre ? De lundi 7 janvier au samedi 19 janvier, forgez vous une opinion sur cette pièce à  controverses.

Bruno Caubet
Soldes d’Hiver : Jacques Perconte & Michard Ardillier’s Soldes d’hiver à  Bordeaux, jusqu’au 19 janvier

 

continuer à lire Bruno Caubet : Un mur de boîtes qui déboîte ! sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Jusqu’au lundi 14 avril, l’artothèque de Pessac invite Jacques Perconte. L’exposition It’s all about love correspond à  l’accrochage d’images numériques donnant à voirdes parcelles du corps d’Isabelle, l’être aimé. Un travail obsessionnel, boulimique, gigantesque, démarré en 2003 autour d’un projet éditorial intitulé 38 degrés. Aujourd’hui, l’artiste dispose d’une oeuvre-collection constituée d’une dizaine de milliers d’images. Choisir quelques idées parmi des milliers d’images…

« Cela peut paraître impossible. Mais finalement. c’est quelque chose de facile. De peur de ne pas avoir été jusqu’au bout, je ne cesse de continuer à  fabriquer de nouvelles images pour mon livre 38degrés. La source semble intarissable. Mais quand il s’agit comme là  de faire une sélection d’images, on pourrait croire que c’est un exercice délicat. Il y a peut-être plus de 10 000 images en tout. Quelle méthode pour choisir ? Aucune. le survole. Je regarde, je prends du temps avec toutes les images. C’est certain que je ne les vois peut-être pas toutes. Certaines s’échappent. Or. c’est justement ça l’idée : celles qui surgissent, celles qui restent ; c’est comme ça que se fait le choix. Le choix est naturel. Et surtout, je fais attention à  ne pas trop réfléchir. En tout cas, dans un premier temps. Parce que c’est quand le doute s’installe que tout devient difficile. le fais des collections. Et, petit à  petit, je choisis celles qui finiront par être imprimées… »

Photographie, vidéo, création interactive, écriture, Jacques Perconte mène depuis plusieurs années un travail explorant l’image à  travers les supports numériques. It’s all about love met à  l’épreuve les sentiments de l’artiste pour Isabelle en confrontant des fragments de corps photographiés, des couleurs et des formes, à  la trame des images digitales, leurs saturations, aux pixels, aux déformations d’une projection sur écran. L’exposition rassemble trois étapes d’un processus d’altération de l’image. La première réunit un ensemble directement issu des séances avec Isabelle, la seconde, des clichés re-photographiées et enfin des I love you numériques, altérés par la création d’un programme qui, à  chaque fois qu’une photographie est convoquée sur un écran d’ordinateur, remplace une variable du code source de cette image par l’encodage du texte I love you. Chaque consultation entraine une modification. Plus le slogan est encodé, plus l’image est défigurée. Si la répétition à  l’infini de ces mots pourrait en épuiser le sens, l’éloignement des images de la représentation fonctionne comme une métaphore sur l’alchimie abstraite des sentiments. La somme de ces reproductions très stylisées – des plus réalistes aux plus abstraites produit une sorte de débordement visuel et charnel, de suintement des couleurs et des formes, dessinant une géographie du corps, fidèle autant qu’infidèle et donnant une oeuvre totale. envahissante, entre beauté et folie.

Spirit n°37 / janvier 2008 : L’oeil en faim
: A la folie par C.B. & C.V
It’s all about love / les images au fil du projet sur flickr

continuer à lire Spirit magazine n°37 : A la folie sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

continuer à lire Annick Rivoire : La Galerie bordelaise au pied du mur sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Je ne sais pas comment mais l’exposition It’s all about love s’est retrouvée annoncée sur le site magazine de fujifilm. Ils font le focus sur quelques expositions pour encadrer les news concernant leur matériel. C’est assez amusant qu’ils aient consacré quelques lignes et annoncé l’évènement parce que c’est vraiment la marque que j’utilise le moins, voire que je n’ai même pas utilisée sur ce travail. En passant en revue : Kodak, Canon, Sony, Nikon, Olympus sont passés dans mes mains mais pas fuji.

« Issue d’une suite de milliers de photos réinterprétées via l’informatique, cette exposition révèle une forme de parcours amoureux. »

Merci.

continuer à lire Fujifilm : E-Magazine : It’s all about love ! sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

David Sepeau qui m’a (nous a) beaucoup aidé à  monter ce mur est resté à  Bordeaux alors que je suis rentré à  Paris. Il continue à  aller quotidiennement aux abords du mur. Il continue à  le photographier, à  croiser les gens qui se confrontent à  cet obstacle, ceux qui rient et les autres. Il est aussi resté pour les soldes…. Vous pouvez voir sa sélection sur son site internet où il a consacré une page à  ce mur des Soldes d’hiver à  Bordeaux….

David Sepeau : http://www.davidsepeau.com
Soldes d’hiver,Galerie Bordelaise, Michard Ardillier, Bordeaux, janvier 2008.

continuer à lire Soldes d’hiver, le mur par David Sepeau sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Non, la Galerie bordelaise et le chausseur Michard Ardiller ne soldent pas toutes leurs godasses. Mais c’est effectivement en grande pompe qu’un joli mur de boîtes a été dressé en travers du passage commercial, la semaine dernière. Une oeuvre de l’artiste Jacques Perconte, qui suscite quand même pas mal d’interrogations et de supputations, à  l’image des oeuvres contemporaines.
…

Metro : La Galerie bordelaise mise en boîtes par Eric Becquet

continuer à lire Metro : Eric Becquet : La Galerie bordelaise mise en boîtes sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

‟ Soldes d’hiver ”. Tel est le titre du mur de boîtes à  chaussures qui bloque depuis lundi matin le passage dans la Galerie bordelaise. Cette installation, signée de l’artiste plasticien Jacques Perconte, a été commandée par Pierre Pascal Michard, propriétaire d’un magasin de chaussures au sein de ce passage.

Economie : Oui au déstockage, mais pas à  tout prix / Les soldes arrivent après des Fêtes qui ont majoritairement satisfait les commerçants bordelais. Par Sophie d’Ambra.

continuer à lire 20minutes : Economie – Soldes d’hiver sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Préparation des soldes : début des soldes d’hiver demain. dans les boutiques on est dans les starting block avant le grand rush.

Le mur a du arriver dans les rédactions ce matin comme un sujet idéal pour l’avant soldes. Je me demande ce que cela sera demain, le premier jour des soldes. Est-ce que l’article de Sud-ouest est le déclencheur ou et-ce simplement le bouche-à -oreille qui a porté le mot ?
M6 est le dernier media que j’ai vu aujourd’hui, je repars à  Paris. Le journaliste est arrivé seul avec ses valises de matériel. Il m’a interviewé du côté de la rue des Piliers de tutelle, je voulais changer un peu, qu’on reconnaisse le mur mais qu’on voit bien que les deux faces sont différentes.
J’ai parlé de la partie artistique, ensuite c’est Colas Michard qui a été interviewé pour revenir sur la partie patrimoine : on ne voit que le mur… mais on voit assez vite l’état de cette galerie…
Le journaliste a tourné pas mal de plans autour du mur… Ce n’est pas forcément quelque chose facile à  filmer surtout si l’on veut que cela bouge….
C’est le meilleur sujet qui est passé dans les medias pour le moment.

M6, 6 minutes : Soldes d’hiver, 8 janvier 2008 / Copyright M6/M6web 2006

continuer à lire M6, 6 minutes : Soldes d’hiver dans la galerie bordelaise sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

La journaliste de tv7 a croisé l’équipe de 20 minutes. Cette chaine locale a un ton assez particulier. Les questions sont vraiment restées en surface. Il n’a pas été question de ce qui pouvait être sous-tendu par ce mur… Pour le ton, la journaliste î très sympathique î essayait de tourner un peu à  la rigolade les choses. De la sorte que le jeu de question réponses devenait réellement un jeu. Mais du coup, on ne peut pas dire grand-chose d’autre que ce qui est purement informatif ou ce qui est évident…

Mais finalement le petit reportage est amusant. Même pas mal. Évidement la caméra bouge un peu. Mais il y a une bonne énergie qui se dégage de ces quelques minutes. Je ne pensais pas qu’ils laisseraient passer la colère de Pierre-Pascal Michard qui a carrément pris à  partie Mr Alain Juppé su les questions de rénovation de la galerie… Mais comme M6 et contrairement à  Sud-ouest, le mur ne passe pas à  la trappe. Cela reste une oeuvre…
Mais ils ont réussi à  mal orthographier mon nom… incroyable quand même…

Le journal du 8 janvier, présenté par Bastien Lauqué, TV7 BORDEAUX – 73, Avenue Thiers – 33100 Bordeaux

continuer à lire Tv7 Bordeaux : Soldes d’hiver à  Bordeaux sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Une interview pour la radio.. Ma première impression c’est que j’ai eu le temps de discuter avec la journaliste. Elle suit ma voix du micro, je pouvais regarder où je voulais et c’est bien plus facile que pour la télévision …

Nous n’avons pas encore mis à  ce jour la main sur un enregistrement de cette interview. J’ai oublié de demander à  la journaliste quand cela allait passer. J’espère qu’on trouvera, je crois que c’était assez bien.

Jacques Perconte & Michard Ardillier’s Soldes d’hiver à  Bordeaux, jusqu’au 19 janvier……
Photographie colas Michard.

continuer à lire France Bleue : soldes d’hiver sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Impossible de le manquer. Au beau milieu de la Galerie bordelaise, il se dresse fièrement depuis hier. Haut de plusieurs mètres, le mur de boîtes à  chaussures bloque le passage et bouche la vue aux chalands habitués à  venir faire quelques emplettes ou pressés de couper par ce raccourci reliant les rues Sainte-Catherine et Piliers-de-Tutelle.
‟ Nous avons monté cette oeuvre ce week-end à  la faveur de la fermeture de la galerie au public, explique Jacques Perconte. L’artiste, déjà  intervenu l’an dernier lors du festival Ritournelle, a eu l’idée de ce happening, en visitant les stocks du magasin Michard Ardillier.
‟ Lorsque je suis tombé sur toutes ces boîtes abandonnées par les clients, je me suis dit qu’il fallait en faire quelque chose. L’idée m’est venue plus tard d’entreprendre une oeuvre monumentale. ” De fil en aiguille, le projet prend forme avec l’appui de Pierre Pascal Michard. [...]

Jean-Michel Petaux, sud-ouest du mardi 8 janvier 2008 / Copyright Sud Ouest 2008

continuer à lire Sud-Ouest : Jean-Michel Petaux – Un Mur de boites sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Ouvrir peu à  peu le corps de l’image selon un parcours de l’extérieur des corps jusqu’aux peaux internes pour découvrir ce que cache la peau écranique, ce qu’enveloppe cet épiderme pour dévoiler les tissus intérieurs, les chairs numériques. Une fente s’ouvre dans le corps de l’image virtuelle pour la dévoiler et la faire devenir objet de sensualité et de sollicitation des sens. La couleur vient ici faire écran au sens où le terme ‟ couleur ” renvoie à  la notion de ‟ couleur-écran ” dans son acception la plus ancienne. En effet, chroa ou chroia, avant de désigner la couleur, désigne originellement la peau. Chromata se rapporte à  la surface des corps, à  la carnation. Ainsi, des effets de grains se répondent entre le pigment pictural, le pixel écranique et le pigment de la peau qu’il soit représenté ou numérisé. Mais alors comment les arts visuels s’emparent-ils aujourd’hui de cette peau chromatique à  travers l’image du corps?

‟ C’est que l’épaisseur de chair entre le voyant et la chose est constitutive de sa visibilité à  elle comme de sa corporéité à  lui; ce n’est pas un obstacle entre lui et elle, c’est leur moyen de communication. (…) La chair n’est pas matière, n’est pas esprit, n’est pas substance. Il faudrait, pour la désigner, le vieux terme d’élément. ”

Maurice Merleau-Ponty, Le visible et l’invisible, Gallimard, Paris, 1964, p. 176.

Cette chair-élément est le médium de la perception tactile permettant les échanges entre le tangible et le visible. Dans la phénoménologie de Merleau-Ponty, la chair n’est pas seulement la substance d’un corps, mais l’élément qui fonde la dimension même du sensible. Pénétrer les strates du visible et du visuel, de la surface vers les profondeurs de l’image, du macroscopique vers le microscopique, pour goà»ter à  la vie intime des éléments dans une micro-analyse ou chirurgie de l’image, dans ce désir de gratter le vernis des peaux visuelles afin d’aller jusqu’au coeur analytique des choses. C’est ainsi que notre réflexion se construit, s’attachant à  la fois à  l’image de la chair en tant que représentation visuelle et artistique du corps humain, mais aussi au corps de l’image, et ce, plus précisément au sein du médium numérique qui permet de multiples retouches d’une image réelle. Les images issues des nouveaux médias se nourrissent de l’humain, de la chair entre l’organique et le numérique au sens où les pixels, les éléments premiers à  l’origine de l’image numérique sont pris en compte tout en soulevant l’idée d’une chair numérique comme épiderme et derme de l’image. Des liens se tissent alors entre l’intérieur du corpsîsubstance et l’extérieur du corps-objet et de façon plus large, à  mi-chemin entre le visible et l’invisible.

En situant notre analyse plastique entre l’organique et le numérique, positionnons-nous sur le fil d’un entre-deux, entre surface et profondeur, entre l’extérieur, la peau et l’intérieur, l’inconnu comme possible virtuel. Le concept même de peau ne cesse d’hésiter entre le tégument, ce qui recouvre, et le derme, le sous-cutané issu des couches profondes de la peau. Dans sa terminologie même, la chair se dote de plusieurs sens. Cette exploration plastique de la chair subit un impossible départage entre la surface des chairs et leur dessous : chair de l’écran et chair du corps, peaux numériques et peaux organiques. La chair du dedans évoque une animation intérieure. Cet aspect cellulaire et vivant rejoint la dimension numérique et pulsationnelle des bits et des pixels contenue dans la matrice mathématique d’un ordinateur. Cette substance numérique quasi organique intéresse les artistes, car elle symbolise la véritable matrice charnelle qui figure un état primitif de l’image, un état de celle-ci avant sa réalisation en tant qu’apparence. Mais cette chair numérique se nourrit d’un paradoxe. Alors, comment faire naître du corporel, de l’organique à  partir du numérique? Qu’est-ce qui est d’essence organique dans une oeuvre numérique? Devient-il possible d’exprimer la sensualité du corps, cette chair sensible au creux des nouvelles images plutôt lisses et parfaites à  priori? Dans ce parcours au travers des différentes couches superposées de l’image, le fait de s’infiltrer et de percer les secrets de son processus de création nous permet de comprendre comment l’image peut-elle à  la fois, se faire chair et représentation de la chair.

L’organique de l’image numérique

La définition technologique d’une image numérique incite à  découvrir ce que cache la peau extérieure de l’image pour mieux percevoir cette notion d’organique. Dès lors, explorons la morphogenèse de l’image numérique. Depuis quelques années, il existe de nouvelles formes d’images. Si parler de l’image, c’est aussi traiter de la représentation, c’est avant tout dans la relation au réel qu’entretiennent les nouveaux traitements numériques de ces images. Dans le domaine des arts plastiques, l’image peut se définir comme un tout composé de formes et de couleurs en un certain ordre assemblées. De même, dans les arts visuels, l’image numérique reste une image composée d’un certain nombre d’éléments discontinus et déterminés numériquement totalement maîtrisables. Depuis le 19e siècle, artistes et techniciens se sont engagés à  la recherche et à  la conquête du plus petit élément constituant de l’image, de même que les scientifiques avec l’atome et l’ADN cherchaient à  reconstituer le processus du vivant. Dans les réseaux de l’ordinateur, des milliers de fils et de cellules se tissent entre eux, à  l’instar de tissus vivants organiques animés par des flux sanguins. Le flux des informations contenues dans les algorithmes va permettre à  l’image de s’accomplir et de s’afficher sur l’écran.

Le pixel ou picture element est le plus petit composant de l’image, il est difficilement perceptible. Ordonné par des coordonnées spatiales et chromatiques, chaque pixel est issu d’un calcul. Il appartient à  la fois à  la matrice numérique virtuelle et à  la face visible et sensible de l’image. Le pixel doit son existence à  un triplet de lumières colorées appelées luminophores auxquels correspondent trois éléments phosphorescents rouge, vert et bleu. Lorsque ces trois luminophores sont activés, ils permettent la composition de millions de nuances selon le principe de la synthèse additive des couleurs. La texture de l’image et la forme des pixels vont dépendre des écrans de visualisation choisis. L’affichage des couleurs sur un écran se fait donc en mode RVB, ce qui peut se percevoir dans des images très fortement agrandies. Les pixels subtilement visibles renferment les potentialités de l’image, ils incarnent les particules élémentaires dont sera faite la chair de l’image. Ces points infimes agissent comme des entités revigorées par la lumière qui appartiennent à  un tout beaucoup plus vaste formant l’image. Symbolisant l’élément géniteur de la couleur tel un grain de lumière, le pixel simule la vie à  l’image. Assimilé à  une cellule de l’organisme, il contient dans son noyau, les germes du génotype qui commande à  la constitution de ce tout-image. Tel un échantillon, ce grain de lumière s’apprête à  se reproduire pour se répandre à  la surface de l’écran.

De fait, avec l’ordinateur, l’image rompt définitivement avec son passé pour changer radicalement de nature, quittant l’ordre de la représentation pour entrer dans celui de la simulation. Elle n’est plus témoin de ‟ ce qui a été ”, elle ne matérialise plus un apparaître immédiat comme nous l’a démontré Roland Barthes pour la photographie analogique, mais l’image numérique renvoie vers une infinité de possibles. L’artiste peut ainsi expérimenter un éventail riche de paradoxes et d’ambiguà¯tés dans sa démarche créatrice. L’image devient alors le terrain fertile à  toutes les alternatives plastiques. Le corps peut alors subir des trucages charnels et des hybridations qui bouleversent les normes habituelles entre le réel et l’imaginaire. Le discours plasticien se déplace alors vers cette nouvelle esthétique de l’image qui pour certains, cristallise une image nette et lisse d’une perfection extrême et pour d’autres, une image rugueuse et sensitive. Il est important de constater que l’image plastique de la chair se retrouve mise en valeur dans sa chair même, au sein de la photographie numérique. De la sorte, après avoir dévoilé les dessous de l’image numérique, il s’ensuit une étude plastique des représentations humaines qui apparaissent à  l’orée de l’image et à  l’extérieur des corps.

[...]

L’artiste Jacques Perconte approche visuellement le corps de sa compagne afin de la photographier dans ses parties les plus intimes jusqu’à  l’abstraction et la sublimation de l’être aimé. Les pigments de la peau et les pixels tendent alors à  se confondre. Dans sa création intitulée 38 degrés, il offre la peau comme écran. Le grain de peau envahit l’image, qui est redoublée par les effets granulaires des pixels grossis. La chair est ici à  son état pur entre l’organique et le numérique. Le processus numérique est visible.Ses photographies numériques ont la particularité de ne pas être retouchées, ce sont des photographies de photographies. Les photographies obtenues depuis un appareil photo numérique sont déplacées et explorées via différents supports de visualisation (moniteur d’ordinateur, écran de téléviseur à  cristaux liquides, etc.) Les supports d’émission de l’image étant de qualités différentes, l’image se dote d’une texture et d’un poids particuliers que l’artiste photographie à  nouveau. L’image originale de départ se retrouve enrichie en matières et en textures visuelles. Il y a une superposition des différentes strates de l’image qui confère à  l’image finale une certaine profondeur. Les corpuscules colorés ou pixels normalement impalpables, redoublent le message de l’artiste qui explore le corps humain dans une approche très sensuelle et intimiste au plus près de la peau et de sa température 38 degrés. Ce qui pourrait apparaître comme une défaillance technique devient ici une richesse, une valeur ajoutée. Le corps se retrouve sublimé à  l’image, en un paysage doux et coloré qui appelle le toucher et les plaisirs de la chair. Perconte approche la chair numérique comme une matière sensible et sensuelle dont il fait valoir le grain numérique, la trame, les failles. Ayant subie différents passages d’un média à  l’autre, l’image du corps résultant de 38 degrés n’est pas lisse et nette. Elle ne rejoint pas la réalité des codes esthétiques sociaux soulevée par les oeuvres explorées précédemment.

Mais Jacques Perconte va encore plus loin dans cette perception de la chair écranique. La série de 38 degrés se poursuit dans sa création intitulée i love you selon un processus d’évolution interactive mis à  l’oeuvre sur le réseau internet. I love you est un travail sur le code informatique de l’image. Au départ, l’artiste propose à  l’internaute des images originales de 38 degrés, représentant artistiquement le corps de la femme aimée. Une application logicielle ouvre à  chaque fois l’image et en décode la source pour y chercher une variable qui est calculée selon certains paramètres. Si cette variable est présente dans le code de l’image, elle est remplacée par l’expression ‟ i love you ”. La configuration du code source de l’image est ainsi déformée. Son modèle ainsi exposé engendre une image nouvelle dont les caractéristiques mêlent la sensualité du corps et celle du support de visualisation plus technologique. L’image est transformée par ce code qui peut aller jusqu’à  l’anéantir totalement avec l’apparition d’artefacts tels que la pixellisation, le crénelage, la réinterprétation partielle ou totale de l’image. Plus ce message d’amour est présent dans le code, moins les images sont visibles, plus elles s’évaporent jusqu’à  devenir imperceptibles pour laisser voir la véritable chair numérique en dévoilant son origine matricielle dans ses dérèglements informatiques. La plupart des images quoique matériellement planes et sans épaisseur, suggèrent des impressions liées au toucher comme l’épaisseur, la densité, la fluidité, la granulosité, etc. Le regard palpe et caresse cette peau visuelle. Le traitement numérique épaissit alors l’image d’une dimension tactile. Le spectateur peut s’immiscer dans les interstices d’une réalité composite mi-image, mi-substance. La texture écranique déstabilise et crée une sorte de passage vers un espace pictural. Après avoir exploré cette facette sensuelle et numérique de la chair à  l’image, il est temps de s’immerger dans tous les états de chair, dans tous les sens du terme, entre le numérique, l’organique et le plastique.

[...]

Cette chair plastique à  l’image attire et agit comme frontière, comme pellicule de peau que l’on effleure des yeux. Et la tentation de la chair se fait sentir vers la transgression qui nous pousse à  pénétrer les couches de ses multiples sens pour s’enfoncer plus loin. Cette caresse visuelle des peaux virtuelles et impalpables ajoute une sorte d’érotisme à  l’image. La chair alimente et entretient notre imaginaire. L’image numérique qui retravaille la chair dans son acception la plus large, ouvre une voie vers l’inconnu de l’ordre du sublime qui fascine et répugne à  la fois. Toutes ces expérimentations plastiques mènent une réflexion sur le visible. Cette voie de la perception rejoint la théorie de la chair propre à  Merleau-Ponty. La chair forme ainsi le lieu où s’entrelacent le corps voyant et le corps visible. Du même tissu et de la même chair que le monde de la vie, nous pénétrons dans la chair du monde qui réciproquement nous pénètre. Il existe un va-et-vient entre notre chair et la chair du monde, dans cette relation en ‟ chiasme ” qui relie et inverse l’âme et le corps, le dedans et le dehors.

Dans leur hétérogénéité, ces images de la chair bouchée, liftée, pixellisée, disséquée ou liquéfiée ont toutes la capacité d’ouvrir sur le monde de nouvelles perspectives pour nous apprendre à  mieux nous connaître. Mais notre réflexion repose aussi sur des concepts propres aux problématiques actuelles liées aux nouvelles technologies. Dans son livre intitulé Images. De l’optique au numérique, Edmond Couchot voit dans ce passage une véritable mutation, car les techniques de l’image portent en elle une nouvelle vision du monde.  Les images lisses et glaciales d’Aziz et Cucher et de Tran Ba Vang dénoncent un avenir aseptisé sous un culte extrême de la perfection tandis que celles de Perconte ou de Cirotteau créent un univers plus sensuel et physique. Mais quitter l’épaisseur de son corps serait quitter la chair du monde, oublier le goà»t des choses. Alors, allons-nous échapper à  notre corps, à  ce tas organique que nous sommes ? Le corps est un brouillon que le monde occidental veut transformer voire même ‟ liquider ”. La fusion entre le numérique et l’organique évacuerait un monde virtuel sans rugosités et sans chair, amputé de la saveur du monde. Entre l’organique et le numérique, la notion de chair reste en mutation au coeur des nouvelles images, mais nous interroge en retour sur la société dans laquelle nous évoluons.

Il est évident de constater que le terme ‟ image” (latin imaginem, imago) se définit, dans son acception la plus large, comme une représentation graphique, picturale ou sculpturale, comme représentation par la pensée, reproduction visuelle d’un objet réel, représentations mentales produites par l’esprit ou l’imagination, en rêve ou éveillé. La notion d’image est chargée d’un sens très large, évoquant toute représentation sensible, fixée, palpable, liée définitivement à  son support, puis soumise à  des influences extérieures.

RVB : système de représentation additive des couleurs à  partir du rouge, vert et bleu, normalisé par la Commission Internationale de l’Eclairage.

Roland Barthes, La chambre claire : notes sur la photographie, Gallimard/Le Seuil, Paris, 1980.

Jacques Perconte est artiste plasticien. Il travaille autour des supports numériques depuis 1995. Son site < http://www.technart.net> présente ses différents projets comme 38 degrés.

I love you est consultable sur le site < http://iloveyou.38degres.net/>

David Le Breton, L’Adieu au corps, Métailié, Paris, 1999.

Sandrine Maurial, La chair entre l’organique et le numérique, décembre 2007, revue archée

continuer à lire Sandrine Maurial, La chair entre l’organique et le numérique sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Il y a quinze jours isabelle recevait l’appel d’une journaliste de France5 qui préparait une émission sur la gestion du stress et qui était intéressée par ses cours de yoga. Elle voulait faire deux reportages, un premier sur un témoignage d’une personne qui aurait des choses à  dire sur le stress et un second sur comment le yoga pouvait apporter une réponse à  la gestion de ce stress.

J’ai eu la journaliste quelques jours après pour coordonner le tes tournages et lui proposer plusieurs personnes qui participent au cours pour le témoignage. Je pensais que cela serait bien que ce soit un homme qui témoigne. J’ai proposé trois hommes et une femme en fait. J’hésitais à  jouer à  ce jeu mais finalement je me suis proposé.

Peut-être par soucis d’efficacité, m’ayant au téléphone, la journaliste a tout de suite préféré travailler avec moi. Ce qui m’a gêné parce que finalement, je ne suis pas très avancé malgré tout dans ce travail personnel î sur moi on dira î et que les autres que j’avais proposé sont plus volontaires dans leur approche du changement. Moi je suis encore entre deux eaux.

Mais jouer à  la télévision me plaisait parce que je pourrais être témoin direct de ce que cela fait de devenir un évènement télévisuel. De devenir le sujet d’une attention portée par un média qui par les rouages qu’il implique allait essayer de construire une image de moi qui ne serait peut-être pas moi. En tout cas qui serait un truc différent. Par contre j’étais ennuyé par l’idée de témoigner, de me livrer de façon efficace. J’étais piégé entre l’envie de faire de ce passage l’occasion d’appuyer le passage d’isabelle pour ses cours et l’envie de bien faire (ou de faire bien), de dire des choses utiles (ce qui après coup est un vrai défi à  la télévision quand on n’est pas professionnel).

Il y avait aussi de compliqué que la journaliste voulait me replacer dans mon espace professionnel. Je travaille chez moi. Dans ma chambre. Cela n’a rien d’exceptionnel. Elle voulait filmer mon travail î mes oeuvres. Je me suis dit : aà¯e. Filmer mes affaires : c’est les dévaloriser ? C’est en faire des images un peu molles : parce qu’elles ne seront plus que des illustrations inertes de la cause vaine de mon activité entrainant le stress dont je dois témoigner… Filmer mes images, c’est faire d’elles des artéfacts d’une activité abstraite quelconque surtout dans une émission qui ne pourra pas parler de mon travail. Je deviens l’artiste, l’artisan, le plombier, la femme de ménage, qui devra faire écho du général par sa singularité… bref plein d’idées me venaient et me faisaient peur. Mais j’ai décidé jouer le jeu. De ne rien dire de ce qu’étaient ces images si ce n’est que ce sont mes images…

L’interview a eu lieu le jeudi 13 décembre. Ce qui est drôle c’est que c’est devenu une des journées les plus chargées de mon mois, certainement à  cause de l’appréhension de cette interview j’ai accepté tout ce qu’on me proposait. je me suis retrouvé à  devoir donner des cours, une conférence et deux interviews dans la même journée. C’était évident qu’il serait question de gestion du stress.

Pour le premier petit reportage, la journaliste et son équipe ont mis en scène mon appartement pour adapter à  leurs besoins l’image à  leur propos : il n’y a pas de chaise ni de table et cela les dérangeait que nous nous mettions directement au sol parce que cela sous entendait déjà  une certaine approche ‟ zen du sujet ”. Je me suis retrouvé assis sur un tabouret dans un coin du salon, face à  trois personnes :la journaliste le caméraman et la preneuse de son. L’éclairage était léger, une mandarine pour ne pas manquer de lumière. Le dispositif était classique pour les interviews : la journaliste décalée à  droite de la caméra face à  moi pour que mon regard ne soit pas direct.

La fatigue et ma gestion du stress ne m’ont pas sauvé de la difficulté à  être naturel dans ce contexte. Je n’ai pas réussi à  ôter la caméra de mon esprit. Je n’étais pas très clair et assez absent de ce
que je disais. La machine se mettait en route et je débitais des choses. Rien de vraiment hors sujet mais difficile de maitriser de contenu ‟ intelligent ”. Je faisais de la surface.

Comme le sujet se focalisait sur mon rapport au stress, mon histoire avec, et mes manière de le gérer, il ne fallait pas que je parle de yoga. C’était l’autre sujet. La journaliste arrivait à  la fois à  s’intéresser réellement à  ce que j’avais à  dire tout en cherchant ce qu’il fallait qu’elle ramène. Elle voulait que j’arrive à  dire naturellement certaines choses qui pouvaient rejoindre la conscience collective et parler à  tout le monde. Il fallait que mon cas, aussi singulier qu’il soit, face entrer en résonance une grande partie des téléspectateurs.

Après il a fallu mettre en scène mon travail. J’ai bougé et j’ai manipulé des images, j’ai déplacé des fenêtres sur mon ordinateur. J’ai mimé mon travail. Est-ce que tous les gens qu’on voit travailler à  la télévision miment ce qu’ils font ? C’est un vrai simulacre. Non seulement je ne travaille pas, je fais semblant mais en plus je n’ai pas la place ni le temps d’aller dans les choses. Et en plus il n’est pas question de le faire : c’est de la télévision il faut que cela soit (reste) simple.

Tout le monde le sait que la télévision façonne un monde où les choses ne se passent pas. C’est le lieu du commentaire. C’est à  dire que ce que je fais n’a aucune influence sur mon travail. Ce que je dis n’a aucune influence sur moi (positive). Comme cela pourrait-il avoir une influence sur le monde qui regarde ?

[rajout : Et quand la télévision film la guerre, quand elle filme quelque chose du monde... cela se passe ? Nous y croyons. Mais est ce que la réalité qui est captée est ce que nous voyons et dans l'image et ce que nous croyons observer. N'est ce pas deux choses différentes. Est-ce que la guerre telle que je la vois est celle qui se passe ? Peut-être n'est-il pas question de réalité mais de croyance, pas de vréité mais tout simplement de foi.]

Pour le second reportage l’équipe est venue au cours de yoga du jeudi soir qu’isabelle donne rue d’Enghien dans le 10ème arrondissement. Ils ont commencé par l’interviewer. Il s’agissait là  dans ce second volet de se pencher sur l’apport du yoga dans la gestion du stress. Ils se sont isolés avec isabelle. Ils l’ont mise en scène comme ils l’ont fait avec moi en scénarisant ses mouvements entre les pièces. Tout cela pour en arriver au cours. Espérant être dégagé de mes responsabilités médiatiques, j’allais m’installer au fond de la salle pour faire mon travail tranquille quand la journaliste m’a appelé… pour me demander de me mettre au premier rang. Je savais qu’ils voulaient poser des questions aux élèves, mais je ne m’étais pas senti concerné pour le coup vu que j’étais déjà  passé sur le gril… Elle m’a dit ‟ c’est de la télévision, il faut que cela soit simple ”. Je me suis donc mis devant, j’ai été à  nouveau interviewé, c’était encore plus difficile que la fois précédente. Mais bon…

Ils ont pris des images pendant les trois premiers quarts d’heure du cours. J’essayais de faire abstraction d’eux. J’essayais de garder les yeux fermés et de me concentrer sur mes exercices. J’essayais de rentrer à  l’intérieur de moi. Ce qui pour la télévision est le contraire d’un événement à  priori. Le Kundalini yoga qu’enseigne Isabelle est tout sauf l’image véhiculée par la conscience collective de ce qu’est le Yoga. Et axer un cours sur la gestion du stress (c’est le thème de l’émission) renforce la position du sérieux : l’image mentale préfabriquée est bien incompatible avec toute réalité. Après avoir ouvert le cours par le mantra traditionnel et deux petits échauffements, nous voilà  assis en tailleur, à  devoir nous pencher vers l’arrière en tirant les bras bien droits au dessus de nos têtes et dans le prolongement de la colonne vertébrale, à  devoir respire profondément et sereinement par la bouche….
Au bout d’une trentaine de secondes, on commence à  sentir la difficulté de l’exercice, les bras commentes à  trembler. Il faut savoir que l’on se renforce activement en lâchant prise pour tenir le temps de l’exercice. Sans le faire contre soi, en échappant à  toute colère, le jeu n’en reste pas moins difficile et les visages écrivent cette difficulté qui peut être douloureuse…

J’ai malgré moi ouvert les yeux une seconde. C’était dur de tenir la position, de garder la concentration et de ne pas penser à  la journaliste assise à  quelques mètres de moi nous regardant. Le cadreur se baladait entre nous. C’est là  que j’ai découvert sa stupéfaction (de la journaliste). Nous renvoyons une image de l’effort. Quelque chose de difficile à  montrer à  télévision. Pas difficile techniquement je veux dire. Théoriquement ! Pour changer il faut vouloir. Il faut être volontaire. Ce n’est pas facile. Pour être beau, il faut souffrir. On n’hésite pas à  montrer de la chirurgie plastique mais on a du mal à  montrer la pratique d’un yoga qui pousse l’engagement assez loin… et encore là  ce n’est rien. Il ne s’agit plus de montrer la réussite ni l’effort conventionnel du sportif ou du commun des mortels. On retombe face au paganisme : ‟ ce n’est pas chrétien tout ça ! ”. La chirurgie plastique, les régimes drastiques, les antidépresseurs sont intimement liés à  la médecine. Ils la figurent. C’est acceptable. Je développerais plus cette idée de la dynamique de l’effort et des medias, sur ce qui est possible ou non de représenter… Mais la medecine et la télévision ont dans la culture des fondements communs.

Une semaine après nous avons découvert les deux reportages. Toute particularité a été réduite à  sa plus simple expression. La télévision m’a momentanément doublement vidé de moi. Je suis devenu une image montée (j’étais conscient de cela déjà  quand j’étais filmé). Cela m’a presque rendu malade. Je ne me souciais pas du passage de l’émission et finalement je n’ai rien digéré de ce que j’ai mangé le jour de la diffusion. Heureusement, mon travail m’a sauvé. La couleur qui m’entourait, toutes les couleurs de mes images ont donné à  ce reportage une aura qui m’a encré dans quelque chose que la télévision ne peut pas réduire. Elle est tellement aveugle qu’elle n’a pas pu déceler ce qu’il y avait là . Elle n’a pas eu les moyens de le synthétiser.
Le Montage de l’émission a su tirer le symbolique de mon discours, tout ce qui répondait aux idées qu’on pouvait se faire des choses a été mis en avant. En gros, j’ai pu redire ce que tout le monde savait. Ce témoignage, témoigne de la normalité culturelle des choses.

Suite à  mes propos, la présentatrice a fait un amalgame d’enchainement, une ellipse transitionnelle, figure de style chère à  la télévision. Elle a réussi à  faire un non-sens en collant deux idées étrangères pour assurer le rythme de l’émission. Sur le reportage de yoga qui a été introduit par un autre journaliste qui a écorché le nom ‟ kun-a …kun-da-lini Yoga ” (pour Kundalini yoga) en haussant les épaules et en baissant la tête comme s’il avait besoin de toutes ses forces… il a été à  mon avis désamorcé. Est-ce qu’ils étaient obligés de le diffuser? Ils ont été pris de cours ? Est-ce que cela n’allait pas ? Mais suite au reportage, le présentateur vedette à  tout de suite par une technique douteuse mis en question la véracité des propos. Il a foudroyé le contenu. Il a manqué de respect. Je me demande alors pourquoi cela a été diffusé… je me rappelle de la tête de la journaliste. Comment comprendre le résultat ? Une analyse brève supporte l’idée du complot pour prendre le maximum de distance avec ce qui était diffusé… Peut-être que cela serait intéressant que je me penche plus sur une analyse de l’émission.

En deux mots : la télévision par tout les processus qu’elle dispose essaie de réduire un maximum la vision du monde que l’on pourrait avoir. Elle ferme à  ce qu’elle capte et ce qu’elle transmet. Et ce par simple autocensure. On le sait, elle ne veut pas se mouiller et donc, surtout pas mouiller les autres. C’est un média imperméable.

Quels retours ? Très peu. Quelle audience ? Je ne sais pas. Est-ce que le jeu des journalistes qui prennent de la distance par rapport au reportage et la critique qu’ils engagent desservent notre image pour les téléspectateurs ou simplement est-ce que cela neutralise tout. C’est-à -dire pas du négatif, pas de positif, juste rien…

Nous avons très peu communiqué sur ce passage télé. Je savais que cela tendrait vers ça. L’idée étant de se servir de l’image de la télévision- image mentale, plus que de son image directe : nous allons citer notre passage télé à  postériori… ‟ Vu à  la télé ”. Voilà  ce qu’a pu faire aujourd’hui la télévision : nous inscrire dans une continuité des choses qu’elle a validée (neutralisées) et qui sont à  priori sans risque dans l’idée : le magazine de la santé.

Le magazine de la santé : Stress : s’en sortir / Emission du 18 décembre

continuer à lire Yoga, stress, santé, couleur et télévision, France5 sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

[...]

Enfin, Jacques Perconte, artiste français contemporain, a développé tout un ensemble de techniques détournant et dépassant les logiciels d’encodage et d’effets spéciaux afin de traiter les images brutes obtenues avec sa caméra DV. Au rebours de l’industrie qui cherche à  réduire le fichier du film tout en conservant une qualité optimale des images de manière à  ce qu’il puisse, par exemple, être lu sur un DVD, J. Perconte cherche au contraire à  pousser au maximum les possibilités des logiciels de compression pour exploiter un type très particulier de flou. Uishet (2005- 2007) en est l’aboutissement. Par compressions successives, il interprète l’image originale (un lent travelling avant sur le courant d’Huchet), en la déstructurant, en faisant surgir d’abord quelques éléments de couleur (carrés, pixels) dans et autour des herbes, des buissons et des arbres longeant les rives de la rivière, puis des formes et des masses compactes et abstraites ; ce paysage proprement numérique, qui était comme latent dans les images brutes, charge,remplace, se superpose ou se glisse au sein des formes originales.

Ces trois catégories de gestes expérimentaux radicaux nous semblent pertinentes dans la mesure où elles permettent de regrouper de manière cohérente des artistes qui ne l’ont encore jamais été et de proposer une autre histoire des formes articulant des réflexions d’ordre techniques et esthétiques. Chaque geste peut aboutir à  la même catégorie de formes plastiques radicales ou au contraire dériver vers d’autres catégories. Si la validité de ces catégories n’est pas encore totale, la fécondité de cette approche du flou comme démarche et phénomène est elle démontrée.

[...]

extrait de 3) signaux numériques et dépassement des limites des logiciels
dans Pour une théorie du flou au cinéma, de Bidhan Jacobs, doctorant en études cinématographiques, Université Paris I î Panthéon Sorbonne.
Texte intégral publié sur prefigurations / Octobre-Novembre 2007

continuer à lire Bidhan Jacobs : Pour une théorie du flou au cinéma sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Une occasion pour découvrir quelques films expérimentaux vendredi 26 à  Paris, au cinéma la clef.
Un de mes derniers films uishet (ill.) y sera projeté. Les détails plus bas…

« Autour des nouveaux dépôts du Collectif Jeune Cinéma, nous nous intéresserons à  la notion de matière filmique : où en sommes-nous de notre rapport physique à  l’image ? Quelles relations entretenons-nous aux techniques, aux supports ? Pour quelle pratique et pour quelle plastique ?

La séance du 26 octobre présentera une série d’expérimentations, actuelles et différentes, sur le « corps du film »

Au programme : Marc Barbé, Raphaà«l Sevet, Olivier Fouchard, Jacques Perconte, Robert Seidel, Dae In Chung

Matières et pratiques du film

‟ Dans le cinéma, une société qui a perdu ses gestes cherche à  se réapproprier ce qu’elle a perdu, et en consigne en même temps la perte. ”
Giorgio Agamben

La diversité des productions portées et défendues par le Collectif Jeune Cinéma m’a conduit à  organiser une séance autour des questions de techniques, de matières et de pratiques. Films en 35mm, 16mm, super8, travaux sur pellicule, en vidéo, transferts d’images d’un support argentique à  un support analogique ou numérique (et inversement), animations en tous genres : l’éventail des expérimentations possibles dans le domaine audiovisuel n’a jamais été aussi grand. Cette coexistence nous confronte-t-elle à  de nouveaux problèmes de création ? de diffusion ? On pourrait ainsi réfléchir aux différentes stratégies (attaques, défenses, alliances) mises en oeuvre par les artistes et les champs même de production (cinéma, arts plastiques, graphisme, etc.). Interroger les pratiques, c’est aussi se poser la question des réceptions, de l’évolution de notre relation physique à  ces images qui seraient en train de perdre toute matérialité, n’étant plus visibles que sous la forme d’un flux ‟ à  l’arrêt ”.
Damien Marguet

Uishet, un de mes derniers films, sera projeté pour la première fois en HD720p. J‘avais fait des premiers essais de versions très définies (non compressées) au festival Côté Court en début d’année. Depuis, j’ai réussi à  trouver des solutions techniques qui permettent de projeter le film dans de très bonnes conditions î selon les matériel dont est équipé la salle.
Je n’ai pas encore fait d’exports du film sur cassette au format HDV, ce qu’il faudrait que je fasse… mais cette recherche suit l’histoire et les projections… Peut-être que cette projection sera la « plus belle » à  ce jour… Ne la manquez pas.

Les vendredis Mensuels du Collectif Jeune Cinéma.
Vendredi 26 octobre 2007 à  20:00 au cinéma la clef
Cinéma la clef :21, Rue de la Clef – 75005 Paris / 08 92 68 03 77/ 5€ (TR 4€)

continuer à lire Matières et pratiques du film sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

publié le Mar Sep 25, 2007 sur Shmul.net forum périlittéraire par tef

Chi Ocsha
Jacques Perconte

Chi Ocsha se présente comme un récit ésotérique à  travers les fragments d’une histoire, celle d’Artemisia Gentileschi, « tueuse professionnelle prisonnière des méandres de son hystérie, des images, de la culture… Elle n’a qu’un seul moyen pour s’en sortir : trouver une voie à  travers toutes ce que lui offre la réalité (ici la fiction) » (ref).

N’attendez pas une histoire toute simple mais une oeuvre qui se joue de sa propre matière, récit ésotérique à  part entière lancé sur les pistes d’un livre non moins ésotérique, « le livre de Chi » rédigé dans une langue aujourd’hui incompréhensible. De là , rien ne sera « évident », à  commencer par l’avant-propos de Piero Miccinari, qui, bien que fictif, nous met en garde :

Et quand on parle de « code », il s’agit bien du code source HTML, truffé de notes, références, prolongements. L’oeuvre devient une matière à  fouiller, interpréter. Cette structure peut paraître complexe et en rebuter plus d’un, mais ça vaut vraiment la peine de s’accrocher. Si l’histoire met un peu de temps à  se décanter, on finit par y prendre ses marques. Et là , si vous aimez ces littératures-là , ça devient un régal.

Et j’oublie complètement de parler de ce qui retint mon attention au départ, avant même de lire : la disposition et le travail graphique des pages. C’est du bel Html, j’ai rarement vu une telle maîtrise, et même jamais, je crois. C’est pas compliqué, on aurait envie de les imprimer et de les afficher en poster.

Je vais m’arrêter là  car, à  continuer, je risque encore de dé-lire-r et je vous conseille ardemment d’aller faire un tour du côté de Chi Ocsha, ne serait-ce que pour voir ce dont est capable ce bon vieux Html.

———–
Nb : l’oeuvre n’est pas finie mais je ne pense pas qu’elle soit faite pour l’être.

continuer à lire Shmul : Chi Ocsha, Jacques Perconte sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

La présentation à  inspirée le designer rodolphe dogniaux qui a fait quelques dessins pendant qu’avec Hugo nous jetions nos idées à  l’institut national d’Histoire de l’art…. A partir de ses notes ‟ à  propos ” de nous il détourne et suit la poésie des formes. Sa démarche est légère, c’est assez rare pour le souligner. .. Et il est question de poils… je me sens touché.

design matin / rodolphe dogniaux / Design Matin est un blog de recherche, d’analyse, d’observation, de réflexion et d’expérimentation utilisant comme outils le design.
les illustrations sont sous le copyright de leur auteur, rodolphe dogniaux, 2007

continuer à lire rodolphe dogniaux : Conférence de cosinus et de compressions sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Bonjour à  tous, bienvenue à  cette ‟ Rencontre tectonique : premier mouvement ” organisée par Les Trois Lumières î Association des chercheurs en études cinématographiques de l’Université Paris I – Panthéon Sorbonne. Nous tenons à  remercier très chaleureusement l’Institut National d’Histoire de l’Art de nous accueillir au sein de son prestigieux Auditorium, Zinaà¯da Schnell de l’Ecole doctorale d’Histoire de l’art de Paris I de son soutien à  la coordination technique de la rencontre et Maxime Gresle, régisseur de l’Auditorium, qui va assurer le suivi technique de la séance. Nous exprimons notre plus vive reconnaissance à  Nicole Brenez, Maître de conférence (HDR) à  Paris I et marraine de cette manifestation, ainsi qu’à  Hugo Verlinde, cinéaste et artiste numérique, et à  Jacques Perconte, artiste numérique, de nous faire l’honneur de leur présence et de leur participation exceptionnelles aujourd’hui. Ces deux artistes possèdent une compréhension intime et aboutie de leur médium, alliée à  une grande maîtrise de leurs outils, leur permettant de renouveler les enjeux de l’abstraction dans les arts audiovisuels des années 90 et 2000 et d’être, aujourd’hui, de véritables figures de proue des arts numériques en France et dans le monde.

Pour commencer, un rapide petit historique de l’élaboration de cette séance : Les Trois Lumières, en collaboration avec le CERHEC, ont organisé ici même un Colloque sur le cinéma expérimental le 18 mai 2007 dernier. Suite au succès de cet événement scientifique et artistique, Les Trois Lumières se sont vu proposer, fin mai, par Hugo Verlinde et Jacques Perconte, d’organiser une rencontre dans un but artistique, scientifique et pédagogique. En effet, les deux artistes venaient de faire connaissance, grâce au critique et journaliste Raphaà«l Bassan, d’entrer en collision, de découvrir la complémentarité de leur recherche sur l’image et de décider d’échanger leurs films afin de travailler chacun sur une oeuvre de l’autre. Nous avons été enchantés d’une telle proposition. Nous pensons, en effet, qu’une des prérogatives du chercheur, outre de pratiquer l’exégèse des oeuvres, est de formuler des manifestations atypiques en vue d’initier peut-être de nouvelles formes d’histoire de l’art, d’inventer des dispositifs expérimentaux qui puissent servir comme document aux étudiants, chercheurs, critiques et artistes d’aujourd’hui. Nous avons été séduits par l’idée d’une interaction entre des chercheurs et des artistes afin de créer un événement à  la croisée de la théorie et de la pratique. Nous avons été très sensibles à  l’acte hautement symbolique à  notre époque et quasi de résistance, qui pourtant parcourt toute l’histoire de l’art, qui consiste à  s’approprier l’oeuvre d’un autre, forme particulière de remploi qui désacralise l’oeuvre d’art et brouille les cartes des droits d’auteur. Une telle manifestation, enfin, contribue également à  élever des passerelles entre le cinéma expérimental et les arts numériques, à  poursuivre le décloisonnement méthodologique nécessaire à  tout discours pertinent sur les arts. Le décloisonnement se manifeste également dans l’acte de pure générosité d’Hugo Verlinde et Jacques Perconte qui consiste à  élever une passerelle vers le public en le transformant en témoin et interlocuteur privilégié d’une histoire en cours.

Ce glissement d’images va s’accomplir en deux mouvements : aujourd’hui, les deux artistes vont expliquer leur démarche, leurs motivations théoriques et pratiques ; le deuxième mouvement, en octobre ou novembre 2007, aura pour objet d’exposer le résultat de leur collaboration au cours d’une séance spéciale de projection dans un ou plusieurs lieux qui restent encore à  définir, par exemple à  l’INHA, dans le cadre d’impaKt, la manifestation audiovisuelle mensuelle des Trois Lumières, mais peut-être aussi dans un autre cadre.

Ainsi, cette rencontre tectonique se présente t-elle comme un non-événement, dans le sens où elle n’est pas issue d’une volonté de créer de l’événementiel, mais de suivre au plus près l’actualité d’un processus de gestation et de création d’oeuvres d’art audiovisuelles qui nous permet d’entrer au coeur même de la démarche de deux artistes.

Le dispositif de la séance d’aujourd’hui, qui est certes un pari, comportant une part de risques et d’aléas, a été conçu de manière méthodique. Il se déclinera en trois parties :
Tout d’abord, Hugo Verlinde présentera son travail, extraits de films à  l’appui. Hugo Verlinde est diplômé de l’Ecole Louis Lumière en 1992, co-fondateur de l’Etna, atelier de cinéma expérimental en 1997 (alors intitulé Le Cinéma Visuel). Il explore, par le biais du langage de programmation, la plasticité de modèles mathématiques, liée aux possibilités d’exposition de l’image et de l’interactivité, lui permettant d’aborder l’image comme une passerelle entre le visible et l’invisible, le matériel et l’immatériel.
Nous enchaînerons sans pause, ni question, dans le souci méthodologique d’obtenir une vraie collision entre les deux oeuvres, avec Jacques Perconte qui opérera une même présentation de sa démarche. Jacques Perconte applique à  des images figuratives (le plus souvent des paysages) toute une palette d’outils numériques simples détournés de leur utilisation première ainsi qu’un traitement complexe en strates, afin de faire émerger leur riche structure interne et de les métamorphoser en un paysage numérique dans la surface et l’épaisseur duquel s’interpénètre une multiplicité de formes plastiques radicales.
Enfin, Hugo Verlinde et Jacques Perconte engageront une discussion très libre sur les motivations de cette rencontre tectonique et sur le travail que chacun voudrait accomplir sur l’oeuvre de l’autre. Les deux artistes ont soigneusement éludé jusqu’à  maintenant toute discussion à  ce sujet afin d’en parler pour la première fois devant vous. Leur collaboration deviendra ainsi effective dès la fin de la séance. Vous êtes, vous public, chaleureusement invité à  intervenir autant que vous le désirez. Imaginez que vous n’êtes plus spectateurs dans un auditorium mais convives lors d’une discussion à  bâtons rompus dans le salon chez l’un ou l’autre de ces artistes.

Au nom des Trois Lumières, je vous souhaite une excellente séance.

Bidhan Jacobs.
Paris, ce 27 juin 2007.

continuer à lire Bidhan Jacobs : tectonique sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Jacques Perconte (qui fut notre invité) et Hugo Verlinde (cinéaste expérimental, artiste numérique, co-fondateur de l’Etna) se donnent rendez-vous à  l’Institut national d’histoire de l’art pour une rencontre en images :
« Hugo Verlinde et Jacques Perconte présenteront en quelques films leurs démarches respectives face à  l’image avant de se plonger avec le public dans l’idée et le projet de l’échange dont il est question : chacun cède à  l’autre un film comme point de départ d’une nouvelle histoire… (…) La rencontre aura pour but d’exposer en détail les motivations théoriques et pratiques de ces deux artistes, de donner à  voir et à  penser aux spectateurs le processus de gestation et de création d’une oeuvre d’art audiovisuelle. Les artistes donneront rendez-vous aux spectateurs de cette conférence, en fin d’année, pour une séance impaKt (manifestation artistique mensuelle des Trois Lumières) au cours de laquelle ils dévoileront les résultats de leur échange d’image ».
Premier mouvement : le mercredi 27 juin à  15 h. C’est dit.

continuer à lire Verlinde et Perconte s’échangent des images sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

par Bidhan Jacobs

Deux artistes démiurgiques possédant une compréhension intime et aboutie de leur médium.
Deux savants techniciens ayant acquis la parfaite maîtrise de leurs outils.
Deux réponses complémentaires à  une interrogation sur l’image et l’abstraction.
Deux continents immenses en collision pour la première fois.
Un échange d’images en mouvement.

Hugo Verlinde, co-fondateur de l’Etna, atelier de cinéma expérimental et plasticien, explore la plasticité de modèles mathématiques par le biais du langage de programmation, lui permettant de retrouver des formes présentes dans la nature et de donner une représentation des lois structurant l’univers par la création d’images constituées d’entités plastiques se déployant en quatre dimensions. Jacques Perconte vient du champ de l’art contemporain ; il applique à  des images figuratives (des paysages) toute une palette d’outils numériques simples détournés de leur utilisation première ainsi qu’un traitement complexe en strates, afin de faire émerger leur riche structure interne et de les métamorphoser en un paysage numérique dans la surface et l’épaisseur duquel s’interpénètrent une multiplicité de formes plastiques radicales. La complémentarité de leurs approches de l’image leur a donné l’envie de travailler chacun à  partir des films de l’autre.

La rencontre aura pour but d’exposer en détail les motivations théoriques et pratiques de ces deux artistes, de donner à  voir et à  penser aux spectateurs le processus de gestation et de création d’une oeuvre d’art audiovisuelle. Les Trois Lumières seront les modérateurs de cette rencontre triangulaire entre Hugo Verlinde, Jacques Perconte et le public. Les artistes donneront rendez-vous aux spectateurs de cette conférence, en fin d’année, pour une séance impaKt (manifestation artistique mensuelle des Trois Lumières) au cours de laquelle ils dévoileront les résultats de leur échange d’image.

TECTONIQUE, premier mouvement
le 27 juin, 15h à  l’Institut National d’Histoire de l’Art

continuer à lire tectonique, premier mouvement sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Compte rendu du festival côté-court Par Raphaà«l Bassan.

[...] Uishet. Le spectacle est saisissant. Un bref trajet géographique nous conduit du lac de Léon à  une traverse annexe : le courant d’Huchet. Les images, d’abord filmées, puis ouvragées avec des logiciels sophistiqués, proposent un travail très rigoureux sur les pixels. Chaque étape du voyage brouille les contours naturels des lieux pour aboutir à  des tableaux d’incrustations visuelles. Perconte se coltine, durant des mois, comme un artisan, au matériau qu’on pourrait croire immatériel (le numérique !), mais qui présente pour l’artiste les mêmes résistances que la toile ou l’argentique. D’ailleurs, Perconte qualifie toujours ses créations de films.[...]

Je remercie sincèrement Raphaà«l pour tout l’intérêt qu’il porte à  mes films. J’en suis très touché.

Sur Objectif Cinéma, par Raphaà«l Bassan, critique de cinéma, cinéaste et écrivain, spécialiste de l’expérimental.
ill. uishet, sans titre n°5, jacques perconte, 2007

continuer à lire Raphaà«l Bassan sur Objectif Cinéma sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Uishet…quelques coups de rames…un courant insaisissable…Jacques Perconte nous emmène dans un voyage improbable…Nous nous laissons guider sur les lignes du paysage, émerveillés par une matière picturales pixellisée en mouvement. Dans ce mirage de lumière et de couleurs, durant quelques minutes, pour nous, le temps s’arrête…halte paisible au coeur d’un univers onirique…

Uishet ? Quel genre ? Un paysage…romantico réaliste, quelques touches d’impressionnisme, le tout filmé…mixé…broyé… Jacques Perconte nous propose un voyage enchanteur, un mirage de lumière et de couleurs dans lequel, petit à  petit, les lignes s’estompent. Nous nous laissons emporter le long du courant pour le plus grand bonheur de nos sens….Pour nous le temps s’est arrêté…

Marie-Josèphe Jasson, Professeur d’arts plastiques, Lycée Notre-Dame de Sion, Paris

continuer à lire Un mirage de lumière et de couleurs sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Depuis quelques années, le grand public se voit doté d’outils informatiques susceptibles de modifier son rapport à  l’espace et au territoire. Après la mise à  disposition d’images satellites de la totalité du globe, les GPS personnels apparaissent aujourd’hui et conseillent l’utilisateur dans ses déplacements. Néanmoins, la raison d’être de ces outils interdit une chose primordiale : la possibilité de se perdre.
Dans une quête informatique utilisant les technologies de positionnement GPS et de cartographie publique, Jacques Perconte va arpenter le territoire de l’Essonne afin d’enrichir sur le terrain l’expérience purement abstraite et plastique de la cartographie à  laquelle nous sommes confrontés dans nos approches contemporaines de l’espace. Inspiré par les oeuvres de land-art de Dennis Oppenheim ou Alan Sonfist, il se lancera dans une course au trésor dont la seule récompense sera l’appropriation (dans tous les sens du terme) d’un territoire inconnu. Finalement, à  force d’efforts, peut-être même réussira-t-il à  s’y perdre…
Afin de suivre toutes les étapes de la création de l’oeuvre, Jacques Perconte a ouvert un site regroupant ses réflexions autour du projet. Ce site accueillera ses notes de travail ainsi que tous les éléments recueillis à  l’occasion des balades dans l’Essonne.

Par Pierre Ménard le mardi 13 mars 2007, 18:30 – DERIVES – Lien permanent /
liminaire : le bloc-notes de Pierre Ménard

continuer à lire Pierre Ménard : Entre le ciel et la terre sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

L’une des plus vieilles et des plus actuelles questions posées à  l’humanité en général et aux artistes en particulier porte sur la relation entre la carte et le territoire. Etre humain, c’est s’orienter (et comme l’ont souligné de nombreux chercheurs, la fameuse mondialisation pose le problème de cette perte d’orient, c’est-à -dire de cette désorientation). Etre humain, c’est s’orienter dans l’espace et dans le temps, et toutes les techniques inventées par les hommes n’ont eu de cesse que de chercher à  nous affranchir de notre appartenance à  un sol et à  une époque uniques, à  un ici et un maintenant auquel nous n’avons de cesse de vouloir échapper, (comme pour échapper à  la mort). Le propre de l’homme est de porter son regard au-delà  des limites prescrites par la contingence et la fatalité de cet ici et maintenant î et l’histoire, comme la géographie, mais plus généralement toutes les techniques de mémoire et d’enregistrement, participent de cette ouverture de l’espace et du temps au-delà  des limites prescrites par la finitude de notre vie humaine (la carte étant l’une de ces techniques). Avec les réseaux, et le processus de déterritorialisation auquel il conduit, c’est ainsi un nouveau sentiment d’appartenance que nous éprouvons : non plus l’appartenance à  un lieu unique î quartier ou ethno culture, mais à  plusieurs. Nous sommes à  la fois citoyens du monde, habitants d’une ville, touristes consommateurs, voisins de palier, voyageurs de commerce, usagers des transports rapides, passagers et passants, surfeurs sur le web, et membres de diverses communautés. Un tel éclatement spatiotemporel est certes une conquête (la conquête de l’ubiquité pour le dire très exactement avec Paul Valéry), mais cette multiplication de nos identités ne va pas sans poser de problèmes, et tels le personnage de Michaux dans ‟ qui je fus ”, il nous arrive de plus en plus souvent de nous demander qui nous sommes, et où nous habitons. De tels questionnements ont contribué à  faire émerger dans le champ artistique les questions du lieu, du territoire, du site comme autant de questions cruciales, s’il est vrai que l’art contemporain, contrairement à  l’art des siècles passés est un art mondialisé, qui s’est libéré lui aussi de tout arrimage à  un sol (et il est vrai, comme le souligne Daniel Bougnoux et pour prendre un exemple déjà  ancien, que le Pop Art est un art qui se trouve partout chez lui î même si la mondialisation de l’art s’effectue sous les auspices d’un marché qui bat majoritairement pavillon américain). Comment articuler lieu et délocalisation, projection cartographique et trajection dans l’espace réel, abstraction et concrétude, mise en forme mathématique d’un monde livré à  notre pure intelligibilité et expérience sensible des forces qui agissent au coeur même des lieux et milieux humains. Telles sont les questions auxquelles les oeuvres de Jacques Perconte tentent d’apporter une réponse originale.

Originale, car cette oeuvre – et singulièrement le travail de commande présenté dans le cadre de la semaine internationale des arts numériques et alternatifs (SIANA) au théâtre de l’agora d’Evry î ne cherche pas à  opposer l’espace concret du territoire à  l’espace mental de la carte. C’est à  une déambulation dans (et entre) l’un et l’autre de ces espaces que nous sommes invités simultanément, à  une expérience qui en appelle indissolublement à  notre vue et à  nos sens. Si le regard cartographique est un regard surplombant qui î comme la perspective de la Renaissance î met en ordre le monde à  travers la suprématie de l’oeil, et de tous les appareils de projection qui s’en suivirent, le nouveau paradigme des sciences et des techniques qui se présente avec et après la cybernétique contribue à  la formation d’un nouveau milieu technique dans le quel l’oeil n’est plus le sens qui domine. Le monde actuel et les prothèses et autres objets nomades qui le composent, relèvent d’un principe de commande qui obéit à  l’oeil et au doigt, qui en appelle au tactile autant qu’au visible, à  l’haptique autant qu’à  l’optique. C’est cette mutation qu’un artiste comme Jacques Perconte, artiste du temps de la programmation, semble avoir saisie, quand ils nous donne des oeuvres à  éprouver autant qu’à  voir, à  toucher et à  sentir î telle la terre de l’Essone – autant qu’à  décoder î contribuant ainsi à  lever la vieille opposition de l’art comme ‟ cosa mentale ” à  la Renaissance, et de l’art comme expérience des sens voulue par les impressionnistes (‟ l’oeil, une main ”, disait Manet à  Mallarmé). C’est dans cet entre deux qu’opère Jacques Perconte, qui a compris (contre ceux qui opposent classicisme et modernité) la leçon de Manet et celle de Vinci î et qui, en un sens, les réinvente en les articulant.

Norbert Hillaire, université de Nice Sophia-Antipolis le 15 mars 2007

Entre le ciel et la terre, du 14 au 31 mars 2007, galerie du théâtre de l’Agora, Evry
Images de l’exposition : Entre le ciel et la terre
Images de l’aventure et du montage : Evry-Essonne
Le blog journal du projet : Evry-Essonne (une partie des posts sont repris ici)

continuer à lire Norbert Hillaire : Entre sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

La semaine internationale des arts numériques et alternatifs (Siana) se tient à  Evry du 14 au 17 mars. L’occasion de découvrir les usages utilitaires mais aussi créatifs des technologies numériques, et de réfléchir aux nouveaux comportements sociaux, politiques et économiques générés par ces nouvelles technologies.

Siana, la semaine internationale des arts numériques et alternatifs, est une manifestation d’un genre peu commun, proposée par la ville d’Evry, l’INT(Institut National de Télécommunications), le Théâtre de l’Agora (Scène Nationale d’Evry et de l’Essonne), et le Conseil général de l’Essonne. Elle a pour objectif de renouer un dialogue entre arts et technologies numériques, et d’être un lieu d’échange et de dialogue entre chercheurs, artistes, ingénieurs et managers. [...]

Côté expositions et performances, de nombreux artistes présenteront leurs travaux : Jacques Perconte, photographe / vidéaste / plasticien, présentera son oeuvre Entre le ciel et la terre. Celle-ci fait intervenir la technologie GPS (Global Positioning System ; système de positionnement mondial) dans une recherche numérique sur le paysage d’Evry et de l’Essonne ; [...]

N’oubliez pas de consulter attentivement le programme. En effet, ces conférences et performances se tiennent dans des lieux différents : théâtre de l’Agora, mairie d’Evry, INT,…
Programme et renseignements : www.siana-evry.fr
Théâtre de l’Agora : 01 60 91 65 65
Service culturel de la ville d’Evry : 01 60 91 07 23

continuer à lire Banque des savoirs : Les arts numériques à  l’honneur sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

numedia-edu site d’éducation aux nouveaux médias et à  la création numérique

Jacques PERCONTE, qui a récemement présenté son travail à  Paris à  la Maison du geste et de l’image (MGI) sera présent du 14 au 31 mars Galerie du Théâtre de l’Agora, Evry avec Entre le ciel et la Terre.

http://www.technart.fr/Evry-Essonne

1,3 tonne de terre d’Etiolles répartie dans 36 boites en bois de 40cmx40cmx30cm
16 carrés d’herbe d’Etiolles découpée de 40cmx40cmx10cm
30 mètres de pointillés rouges
1 film de 25 minutes
18 tirage numériques

continuer à lire numedia-Edu : Entre le ciel et la terre (brève) sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

sur le blog voyageur d’A360 / À 360° vous présente l’actualité du voyage et des voyageurs, qu’ils soient aventuriers, artistes, réalisateurs, photographes, chercheurs, archéologues, journalistes, humanitaires, businessmen ou touristes curieux. Tous voyageurs !

*

Dans le cadre de la semaine internationale des arts numériques et alternatifs (SIANA), Jacques Perconte présente l’installation Entre le ciel et la terre.

Photographe, vidéaste et plasticien, Jacques Perconte a reçu commande d’une oeuvre dans le cadre de sa résidence au Théâtre de l’Agora. Encore en cours d’élaboration, cette oeuvre fera intervenir la technologie GPS dans une recherche numérique sur le paysage d’Evry et de l’Essonne. Sa réflexion se base sur les travaux d’intervention sur le paysage et de ‟cartographie émotionnelle” qui ont déjà  pu être explorés par des artistes de land-art tel que Dennis Oppenheim.

Depuis quelques années, le grand public se voit doté d’outils informatiques susceptibles de modifier son rapport à  l’espace et au territoire.
Après la mise à  disposition d’images satellites de la totalité du globe, les GPS personnels apparaissent aujourd’hui et conseillent l’utilisateur dans ses déplacements. Néanmoins, la raison d’être de ces outils interdit une chose primordiale : la possibilité de se perdre. Dans une quête informatique utilisant les technologies de positionnement GPS et de cartographie publique, Jacques Perconte va arpenter le territoire de l’Essonne afin d’enrichir sur le terrain l’expérience purement abstraite et plastique de la cartographie à  laquelle nous sommes confrontés dans nos approches contemporaines de l’espace.

L’installation ‟Entre le ciel et la terre” est le témoignage d’une quête de plusieurs mois, d’une course au trésor sans trésor, au travers des paysages de l’Essonne. Ces paysages auront d’abord été soigneusement sélectionnés par l’artiste, de chez lui, à  partir de données cartographiques publiques (Google Maps, Yahoo Maps), puis répertoriés et étudiés au cours de promenades in situ équipé d’un appareil GPS.

Une fois que le bon emplacement aura été choisi, l’artiste y prélèvera un volume de terre qu’il transportera dans le lieu d’exposition afin de le mettre en scène au milieu des photographies, vidéos et données cartographiques témoignant de sa démarche.

Exposition du 14 au 31 mars
Galerie du Théâtre de l’Agora, Evry
Pour suivre l’évolution du projet +++

continuer à lire A 360° : Entre le ciel et la terre sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

par Puck sur aeiou / fluctuat.net

Demain débute à  Evry le festival Siana, dévolu aux arts numériques (on vous en reparle asap). C’est l’occasion rêvée pour présenter l’installation work in progress de Jacques Perconte, intitulée Entre ciel et terre et inspirée du land art. Une petite révolution bucolo-artistique, préparée avec Google Map et pilotée via GPS, à  suivre au jour sur le jour sur le superbe blog dédié.

Extrait : « L’installation “Entre le ciel et la terre” est le témoignage d’une quête de plusieurs mois, d’une course au trésor sans trésor, au travers des paysages de l’Essonne. Ces paysages auront d’abord été soigneusement sélectionnés par l’artiste, de chez lui, à  partir de données cartographiques publiques (Google Maps, Yahoo Maps), puis répertoriés et étudiés au cours de promenades in situ équipé d’un appareil GPS.

Une fois que le bon emplacement aura été choisi, l’artiste y prélèvera un volume de terre qu’il transportera dans le lieu d’exposition afin de le mettre en scène au milieu des photographies, vidéos et données cartographiques témoignant de sa démarche. » (+ d’info)

continuer à lire Jacques Perconte : Entre ciel et terre (via GPS) sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Entre le ciel et la terre, de Jacques Perconte

Entre le ciel et la terre est une installation pluri média réalisée à  la galerie du Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne et de sa participation au festival SIANA 2007. Elle y sera visible du 13 mars au 6 avril 2007. Une découverte de quelques points du territoire de l’Essonne au moyen des nouvelles technologies. Un voyage réflexif sur les liens entre l’art et ces nouvelles technologies. Une proposition plastique…

Depuis quelques années, le grand public se voit doté d’outils informatiques susceptibles de modifier son rapport à  l’espace et au territoire. Après la mise à  disposition d’images satellites de la totalité du globe, les GPS personnels apparaissent aujourd’hui et conseillent l’utilisateur dans ses déplacements. Néanmoins, la raison d’être de ces outils interdit une chose primordiale : la possibilité de se perdre.

Dans une quête informatique utilisant les technologies de positionnement GPS et de cartographie publique, Jacques Perconte va arpenter le territoire de l’Essonne afin d’enrichir sur le terrain l’expérience purement abstraite et plastique de la cartographie à  laquelle nous sommes confrontés dans nos approches contemporaines de l’espace. Inspiré par les oeuvres de land-art de Dennis Oppenheim ou Alan Sonfist, il se lancera dans une course au trésor dont la seule récompense sera l’appropriation (dans tous les sens du terme) d’un territoire inconnu. Finalement, à  force d’efforts, peut-être même réussira-t-il à  s’y perdre…

Afin de suivre toutes les étapes de la création de l’oeuvre, Jacques Perconte a ouvert un site regroupant ses réflexions autour du projet. Ce site accueillera ses notes de travail ainsi que tous les éléments recueillis à  l’occasion des balades dans l’Essonne.