Pour mettre en scène leur point de vue sur le monde, nombre de cinéastes nous convient régulièrement à découvrir des modes de représentations, des variations optiques et sonores qui n’appartiennent qu’à eux.
Patrick Bokanowski est l’un de ceux-là. Il poursuit, avec une belle constance depuis les années 1970, une œuvre particulièrement reconnaissable et en constante évolution. À l’occasion de son nouveau film, Un rêve, nous avons voulu rappeler que, pour être unique, son travail fait écho à d’autres expériences, qu’elles se conjuguent au passé (Jonas Mekas, Norman McLaren) ou au présent (Jacques Perconte, François Vogel, Lois Patiño).
Tenter de les enrôler sous une étiquette commune serait faire injure à ce qui justement fait leur force, leur beauté, leur sidération. Le cinéma peut être aussi cela, un jeu avec les matières, des manières inouïes d’agencer les couleurs et les sons, réinventer du sensible, dessiller nos regards.

Jacques Kermabon

Un grand merci au Festival de Clermont-Ferrand et plus particulièrement à Calmin Bore

ÁRVORE DA VIDA (MADEIRA)

de Jacques PERCONTE

2013 / couleur / 11 min / projection numérique

Image : Jacques Perconte • Musique : Jean-Jacques Birgé • Production : Too Many Cowboys et Galerie Charlot.

Voilà un arbre dans la forêt. C’est de là que s’élève la vie éprise de sagesse. L’éveil d’une simple présence pour l’histoire d’une vie. D’un vert à l’autre, c’est tout un cycle qui s’annonce.

NOTES ON THE CIRCUS

de Jonas MEKAS

États-Unis / 1966 / couleur / 12 min / projection numérique

Image et production : Jonas Mekas • Musique : Jim Kweskin, Jug Band.

Couleurs, mouvements et mémoires d’un cirque : le Ringling Bros. Dédié à Kenneth Anger.

RÉBUS

de François VOGEL

2008 / couleur / 5 min / projection numérique

Scénario, animation et effets spéciaux : François Vogel • Son : Bruno Ginestet et François Vogel • Interprétation : Hélène, Simon et François Vogel • Production : Drosofilms.

De la cuisine au jardin, du jardin à la cuisine, les trois protagonistes de Rébus nous emmènent dans les méandres d’un espace distordu à la recherche des mots cachés dans l’image.

CAPRICE EN COULEUR

de Norman MCLAREN et Evelyn LAMBART

Canada / 1949 / 8 min / projection numérique

Scénario, animation et montage : Norman McLaren et Evelyn Lambart • Musique : Trio Oscar Peterson •Production : Office national du film du Canada.

Le trio Oscar Peterson interprète quelques pièces de son répertoire, alors que les cinéastes transcrivent ces sons avec, comme seuls guides, leur talent et leur libre imagination.

Prix spécial au festival de Venise 1950

MONTAÑA EN SOMBRA

de Lois PATIÑO

Espagne / 2013 / 14 min / projection numérique

Scénario, image, montage et production : Lois Patiño • Son : Miguel Calvo “Maiki” et Erik T. Jensen •Musique : Ann Deveria.

Vision poétique de la relation infinie de l’homme avec la nature. Nous observons, de loin, des skieurs qui évoluent sur une montagne enneigée.

Prix spécial du jury Labo au festival de Clermont-Ferrand 2014

UN RÊVE

de Patrick BOKANOWSKI

2014 / couleur et noir et blanc / 30 mn / projection numérique

Scénario, image et montage : Patrick Bokanowski • Effets spéciaux : Olivier Esmein et Patrick Bokanowski •Son : Marie Massiani • Montage : Laure Budin • Musique : Michèle Bokanowski • Interprétation : Vincent July, Laurence Chable, Suleyman Bokanofsky et Bilal Bokanowski • Production : Kira B. M. Films.

Le train des souvenirs s’engouffre dans un rêve.

*

Séance à 20h30

MK2 Quai de Seine
14 Quai de la Seine
75019 Paris
M° Jaurès ou Stalingrad
Tarif : 7,90 € (cartes illimitées acceptées)

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October 1 – December 10

“High-pitched sounds killed everyone on earth known to be an enemy of human freedom.” –from the 1957 sci-fi film, THE 27TH DAY

The global outbreak of revolts in the past decade, from the suburbs of Paris to Tahrir Square and beyond, shows few signs of slackening. This six-part series on the cinema of resistance investigates the deep sources of this continual popular unrest, from an exceptionally wide range of cross-generational and geographical perspectives (18 different countries). Every one of these films has the capacity to re-set an attentive audience’s subjective GPS.

Three programs feature at least one brief, self-contained film from the French compilation project initiated and organized by Nicole Brenez, OUTRAGE AND REBELLION (2009), an impassioned response to police violence against dispossessed youth in the Parisian suburbs. Several programs feature equally brief films, made in the midst of current struggle, by the Syrian film collective Abounaddara, “which borrow heavily from the political films which came out of the ‘Etats-généraux du cinéma’ (the Estates General of French Cinema), after 1968 in France,” according to their spokesperson. At their best, both of these projects expose hitherto underexplored relationships between historical upheaval and cinematic immediacy.

By definition, a political cinema demands engagement, response, and discussion. As the longest continuously running film event on the continent, the Robert Flaherty Film Seminar is distinctively organized to facilitate fully participatory discussion. Thanks to the Flaherty each of the screenings will include at least 45 minutes for discussion, during which audiences are actively encouraged to engage and respond.

Co-curated by Ernest Larsen & Sherry Millner. The curators would like to dedicate this series to the memory of Allan Sekula.

Unless otherwise noted, all works are screening from digital video.

Anthology Film Archives 32 Second Avenue New York, NY 10003

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We consider all moving image art practices, including film, video, performance, installation and new media forms. WNDX is a film festival that was created by filmmakers, in support of filmmakers

Impressions
Jacques Perconte | France
48:00, HD, 2012
●International Premiere
▷JURY PRIZE:BEST INTERNATIONAL WORK
Along the shores of Normandy, on the track of the Impressionist painters, something’s happening:the colours are crashing against the screen …

Do iPhones Dream of Electric People?
Friday, September 28 @ 7:00PM | Cinematheque

Glitch driven investigations of landscapes, this program transforms the cinema into a space to sculpt light, with works that explore an expanded idea of embodied perception. Starting on the doorsteps on Nirvana, descending into a VHS compilation of the creation of the universe. Fantastical data-moshed dreams, tree blurs and blue-screen skies, the screen is transformed
into kinetic paintings.

WNDX Festival of Moving Image Sept 26 – 30, 2012
Winnipeg, Canada · http://www.wndx.org

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Curated by Kika Nicolela & Gabriel Soucheyre

IMAGE EN MOUVEMENT

Le programme inclut des mini-retrospectives de travaux d’artistes pionniers comme Norman McLaren, Nam June Paik, Jan Svankmayer ou Zbigniew Rybczynski, des travaux d’artistes majeurs comme Gunvor Nelson, Bill Viola, Gary Hill et Pipilotti Rist, et une selection de travaux d’artistes contemporains brésiliens et internationaux.

ALTERED LANDSCAPES // running time: 55ʼ43
24/07 // 4pm-5pm // SESC Pinheiros
25/07 // 10am-8pm // Vale do Anhangabaú at downtown São Paulo (Container in looping)
27/07 // 9pm-10pm // SESC Belenzinho

BURACO / Gisela Motta & Leandro Lima / Brazil / 2007 / 8’11
HOME SWEET HOME / Phoebe Man / Hong Kong / 2012 / 2’39
APRÈS LE FEU / Jacques Perconte / France / 2010 / 7′
PUZZLE / Sébastien Loghman / France / 2010 / 3’24
ROGER / FEDERICO LAMAS / Argentina / 2004 / 6’17
WEEKEND / Federico Lamas / Argentina / 2007 / 6’09
FAUX-PLAFOND / François Vogel / France / 1999 / 5’30
TERRAINS GLISSANTS / François Vogel / France / 2010 / 10ʼ12
SHADOW LIFE / Cao Fei / China / 2011 / 10ʼ
LINESCAPES / Giselle Beiguelman / Brazil / 2009 / 2’38

PIXEL MEMORIES
26/07  // SESCTV PROGRAMS

PIXEL MEMORIES / Martha Koumarianou / Greece / 2009 / 2’44
FATE (KNOCKING ON THE DOOR) / Eunjung Hwang / South Korea / 2002 / 5’32
PLUTÃO / Sávio Leite / Brazil / 2004 / 3’05
ROBOT CONTROL UNIT / Gloria Dostal Machnowski / Argentina / 2002 / 5′
INCUBATE / Eva Wijers / Netherlands / 2011 / 1’17
THAW / Shana McDonald / Canada / 2006 / 8ʼ27
MAPPING VAPOR / Jamsen Law / China / 2002 / 10′
1-FV / Chris Unit / France / 2007 / 3’02
WE, SELF-PORTRAIT / Fernando Velazquez / Brazil / 2003 / 3ʼ41
A KNIFE ALL BLADE / Gabriel Menotti / Brazil / 2007 / 1’44
NO CONTENT / Jorge Lozano / Canada / 2012 / 2’27
THE CITY OF MEMORY / Liu Wei / China / 2000 / 1’52
GIUSEPPE, ETC. / Marcus Bastos / Brazil / 2011 / 14’49
PUZZLE / Sébastien Loghman / France / 2010 / 3’24
APRÈS LE FEU / Jacques Perconte / France / 2010 / 7′

http://www.sescsp.org.br/sesc/

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J’ai fait de la compression des images la base de mon travail plastique. Après avoir cherché quelles relations je pouvais tisser entre la caméra et l’écran par le refilmage, après avoir découvert le compositing, je me suis frontalement exposé à la matière même de ces images qui avaient glissé dans un monde de calcul. Et même si j’avais pressenti dès mes travaux de 97-98 qu’il y avait cette question de l’action de la machine dans la fabrication de l’image. Ce n’est que dans le travail de cette série pour le live visuel que je faisais avec Kid606 que cela s’est concrétisé.

Wisz est une série de 17 vidéos de 30 secondes à 8 minutes dont la base est l’exploration de formes synthétiques tridimensionnelles rouges blanches et noires. Elles sont évidemment en basse définition. À l’époque je travaillais sur des vidéos en 320×240.

La question de la conservation résonne si l’on se demande quel est l’avenir de ses images sur les écrans qui se construisent aujourd’hui et dont les définitions ne tarderont pas à être dix fois celles de ces images.

Wisz – early abstractions
2001-2002

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Le vivant et le numérique semblent intimement liés. L’expérience de la nature chez ces artistes est telle que la conçoit Jean-Jacques Rousseau dans sa vie et son oeuvre : poétique, interactive, immersive, voire philosophique et se traduit donc par des approches pluridisciplinaires qui convoquent différents médiums : art vidéo, installations sonores, sculptures 3D, design

Le concept de nature est toujours lié à notre interdépendance à l’environnement dans laquelle les acteurs, à la fois “naturels” et “technologiques”, jouent un rôle déterminant. En ce sens le philosophe américain David Rottenberg affirme que la technologie peut être un moyen de nous “rapprocher de la nature”. A vous de juger de cette affirmation en déambulant au coeur de ces rêveries numériques !

Les œuvres présentées : L’arbre et son ombre de Samuel Rousseau, RockGrowth RG3 et RockFusion large de Arik Levy, Uishet de Jacques Perconte, Phonofolium deScenocosme et Pissenlits de Edmond Couchot & Michel Bret (la photo de l’article).

L’exposition est situé au coeur d’un grand parc paysager à 45mn de Paris. Une sortie idéale pour profiter de la météo clémente de ce week-end.

Exposition du 28/06/2012 au 01/07/2012

1,rue René de Girardin
60950 Ermenonville

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Liquid Metal -> The morphing villain of Terminator 2: Judgment Day provides inspiration for this programme of works which explore new digital effects technologies and the range of sensory (and sensual) textures they can create.

Note

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Séance EXPÉ 5

Dimanche 10 juin à 22h00
Jeudi 14 juin à 20h00 

CINÉ 104
104, avenue Jean Lolive
93500 Pantin

Pour la neuvième année consécutive, cette compétition consacrée au cinéma expérimental, à l’essai ou encore à l’art-vidéo présente 26 films qui ont en commun de questionner, de bousculer et d’enrichir les langages et esthétiques cinématographiques.
Faire bouger les lignes, frémir les frontières, décloisonner et révéler la porosité entre les genres, tels sont les axes que se proposent de suivre les artistes sélectionnés dans cette section.

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Du 4 au 8 juin 2012 ( ). Digitalarti présente l’exposition Natural/digital dans l’happen space d’Accenture du 4 au 8 juin. Cette nouvelle exposition « Immersions Digitales » présente un panorama d’oeuvres numériques autour du thème de la nature. Le vivant et le numérique sont intimement liés. L’expérience est poétique, interactive, immersive. Art vidéo, photographies numériques, paysages interactifs, installations sonores, sculptures 3D, design, intelligence artificielle, bio-art, art des flux en temps réel…

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Séance pensée et présentée par Gabrielle Reiner et Laurence Rebouillon

Impressions fantomatiques, interprétations fantasmagoriques, spectres optiques et sonores en recomposition et décomposition intempestives, diffractions de temps passés, hallucinations sensorielles, expériences mémorielles. Venez vous laisser hanter par ces impressions spectrales !

Kick that habit man ! / François Miron / 2007 / 2mn

Ville Marie / Alexandre Larose / 2010 / 12’30mn

Zentrale / Dietmar Brehm / 2009 / 9mn

Spectral Cycle / Robert Todd /2009 / 5mm

Satyagraha / Jacques Perconte / 2009 / 5mn

Disorient / Florence Aigner et Laurent Van Lancker / 2010 / 36mn

+ EL KINO UP YOUR YEARS ! de Metalking

4€/5€ 
Cinéma La Clef,
34, rue Daubenton, 75005 Paris, M. Censier-Daubenton

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* 15h30 : conférence de Marie Martin, « Paysages après la catastrophe et utopie plastique dans le cinéma expérimental contemporain. Autour de Jacques Perconte et Xavier Christiaens » -> à l’Université de Poitiers, MSHS, salle Guillaume de Troubadour

* 18h : Projection du film « Impressions » (version de travail) de Jacques Perconte, en présence du réalisateur. -> à l’Auditorium de l’École européenne supérieure de l’image

*

Programme de recherche pluri-annuel « Utopies et catastrophes »
dirigé par Jean-Paul Engélibert (TELEM, Université Bordeaux 3) et Raphaëlle Guidée (FoReLL B3, Université de Poitiers)

Journée d’études du 28 mars 2012, Université de Poitiers

Après la catastrophe : images et paysages de l’utopie

Notre époque est définie par la mémoire des catastrophes historiques du siècle dernier autant que par l’attente des catastrophes naturelles qui pourraient mettre en cause l’habitabilité même du monde pour l’homme. Dans le prolongement de la journée d’études du 1er décembre 2011 « Quelles formes pour l’utopie à l’âge des extrêmes ? » (Bordeaux 3), il s’agit dès lors de réfléchir à une forme spécifique de l’imaginaire contemporain de l’utopie, consistant à prendre acte de la dimension catastrophique de l’histoire humaine (passée et à venir) pour refonder l’utopie sans l’humain, ou à partir d’une nature dont l’homme ne serait plus le centre.
Alors que l’utopie de Thomas More fonde sa perfection sur les efforts des hommes pour construire une société harmonieuse ordonnée par la raison, les utopies contemporaines semblent parfois troubler l’opposition classique entre paradis naturel et cité dénaturée, entre libération des désirs et contrôle extrême des affects. Sur les rives de ce qui fut la mer d’Aral ou dans la zone interdite de Pripiat, sur les planètes lointaines de la science-fiction ou dans les décombres de Detroit, artistes, cinéastes, écrivains, vidéastes imaginent un monde rendu à la nature, ou décrivent des formes d’entente nouvelles entre l’homme et son environnement.
La journée du 28 mars s’attachera principalement à la littérature et aux arts de l’image (cinéma, photographie, arts plastiques). Elle permettra de poursuivre l’interrogation des formes renouvelées de l’imaginaire utopique contemporain au temps des catastrophes, mais aussi de relire les utopies classiques, en découvrant que certaines d’entre elles, prenant acte de l’imperfection humaine, ne peuvent déjà penser la perfection utopique qu’en l’absence de l’homme.

Programme :
10h15 : accueil des participants, MSHS, salle Guillaume de Troubadour

10h30-11h15 : Lucie Campos (Littérature comparée, Institut français), « Séjours à la campagne – temps de la nature et temps de l’histoire dans l’oeuvre de Sebald ».
11h-11h45 : Lambert Barthélémy (Littérature comparée, Poitiers), « Place et fonction du récit apocalyptique dans le discours environnemental ».
11h45-12h30 : Raphaëlle Guidée (Littérature comparée, Poitiers), « Entre utopie et catastrophe : Détroit, capitale du XXème siècle »

13h : déjeuner au restaurant Rabelais

14h-14h45 : François-Xavier Molia (Études cinématographiques, Poitiers), « Last Men on Earth : le Nouvel Hollywood après l’Apocalypse ».
14h45-15h30 : Jean-Paul Engélibert, (Littérature comparée, Bordeaux 3), « Paysages de la fin des temps : Le dernier homme de Cousin de Grainville (1805) ».
15h30-16h15 : Marie Martin (Études cinématographiques, Poitiers), « Paysages après la catastrophe et utopie plastique dans le cinéma expérimental contemporain. Autour de Jacques Perconte et Xavier Christiaens ».

18h : Auditorium de l’EESI : Projection du film « Impressions » (version de travail) de Jacques Perconte, en présence du réalisateur.
Projection organisée par Marie Martin avec le soutien de l’association culturelle de l’UFR LL.

Responsable : Jean-Paul Engélibert et Raphaëlle Guidée

Adresse : Maison des Sciences de l’Homme et de la Société5 rue Théodore Lefebvre 86000 POITIERS

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La galerie Charlot accueille plusieurs œuvres numériques de Jacques Perconte. Vidéo projections et installations sur iPAD s’apparentent au même geste fort de l’artiste qui va à rebours des dictats de la matière numérique dans une démarche profondément plastique, picturale.

En octobre 2011, à l’initiative de Nicole Brenez, historienne du cinéma et chargée de la conservation du cinéma d’avant-garde, la Cinémathèque française organisait plusieurs séances autour des oeuvres remarquables de Jacques Perconte. Cet artiste singulier est passé par les cours du soir des Beaux Arts, par l’université, le CNRS, les Arts plastiques, le cinéma, la philosophie, le design interactifs, les systèmes d’information, les stratégies d’innovation … Il mène ses recherches depuis 1995 et son travail sur la vidéo et les différents codecs (compression et décompression) s’affine au fil du temps.

Dans l’obscurité de la salle de cinéma ou dans l’espace tamisé de la galerie, l’emprise des images de Jacques Perconte est saisissante. Il y va d’une densité des formes qui s’auto-génèrent jusqu’à leur disparition. Pulsations et ressacs, pures intensités chromatiques créent une texture épaisse, alors que d’énormes pixels font que les couleurs se diluent, circulent, se rependent d’un plan à l’autre. L’extrême fidélité et la précision mimétique de l’image numérique sont détournées dans un acte radical qui s’attaque à la racine binaire de l’information numérique pour mieux accéder à l’essence vibratoire du réel.

Presque toujours dans les films de Jacques Perconte le geste inaugural est un travelling. Qu’il soit embarqué sur l’eau (Uishet) ou dans un train (Après le feu), qu’il soit dédoublé et renversé dans sa chronologie (Fontainbleau), ce mouvement de cinéma témoigne d’un désir multiple : non pas simplement embrasser le paysage dans une posture fixe, statique, mais s’y immerger, y plonger avec l’espoir de percer le réel, d’aller au delà du voile de l’image, l’abimer à la source pour mieux s’y abimer. Soumise à des traitements numériques, l’image atteint une stase, brille de mille feux avant de sombrer. Le paysage, devenu abstrait, porte encore les traces du monde, trop plein et vidé à la fois, sorti de ses rails : extatique.

Après le feu (2010, 7’, vidéo) est un travail exemplaire de cette démarche. L’image prend la texture des braises, des flammes et des vagues incandescentes. Elle fond, se liquéfie, se délite, attaquée par des couleurs fortes et saturées. Seul le chemin de fer garde son obstination qui nous mène toujours plus loin dans les profondeurs de l’image – paysage. La couleur s’épuise, des aplats, des murs de « non-couleur » obscurcissent le travelling. L’abstraction appelle des formes nées d’elles-mêmes.

Fontainbleau (2012, 24’, vidéo) démultiplie le processus, le plonge dans le miroir, le ralentit également. Le traitement est moins radical, l’artiste joue sur la durée et préserve dans sa composition certains repères du monde réel qui font signe vers la gémellité des deux images installées sur des iPADs. Un indicible trouble nous gagne avant d’acquérir la certitude qu’il s’agit d’un même morceau de paysage. La mise en abime est vertigineuse. Nous avons tout d’un coup accès à un aperçu de ce que peut être, pour Jacques Perconte, la fabrique des images. Son rapport au réel, la captation, l’enregistrement passif est augmenté par des procédées artisanaux qui tiennent de l’alchimie numérique. Une précision est ici capitale : l’artiste se garde d’introduire dans ses œuvres toute information allogène, toute donnée qui n’aurait pas existé dans le fichier source. Ses algorithmes exacerbent les qualités intrinsèques de l’image, mais sa pratique, hautement plastique, reste très attachée au cinéma, car mouvement et montage sont des éléments essentiels de son travail. La frontière devient poreuse, fragile et incertaine entre les plans. Malgré la coupe, ou peut-être grâce à elle, des images clés, avec les couleurs, franchissent les plans. Les mots pénètrent les images amplifiant une incontestable sensation de la matière.

Ainsi, dans Impressions (2011, 42’, vidéo) – film dont une version préparatoire a été montrée par Nicole Brenez à la Cinémathèque et qui n’est pas intégré à l’exposition – il peut arriver, comme dans les toiles des maîtres japonais, qu’un oiseau fasse trembler le paysage saturé. Jacques Perconte nous dévoile les flux d’énergies qui se cachent derrière les images les plus prosaïques une fois poussées dans leurs retranchements. Cet opus à forte charge picturale revisite l’émerveillement des Impressionnistes devant la lumière des paysages normands de bords de mer et son éclat gagne évidemment à être magnifié par la projection sur grand écran.

Avec audace, obstination et patience Jacques Perconte approfondit son art qui adresse cette autre perception dont parle Gilles Deleuze dans ses cours en citant Paul Cézanne ou Stan Brakhage, approche ce monde d’avant l’homme, tente des réponses à une même question : combien de couleurs on peut trouver dans un champs d’herbe ?

continuer à lire Smaranda Olcese : Jacques Perconte, Art numérique à la galerie Charlot sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Par Jean-Jacques Birgé, vendredi 2 mars 2012 à 01:01
Drame.org / Mediapart, mars 2012

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Autour d’une collection de 700 œuvres et plus de 50 expositions depuis 2002, l’artothèque construit, par le biais du prêt, une relation privilégiée entre l’art contemporain et des publics diversifiés – particuliers, scolaires, universités, entreprises, collectivités, hôpitaux, centres sociaux, prisons… La mise en place de résidences artistiques, conférences et actions éducatives complètent ce projet artistique unique en région Aquitaine dans un double objectif de soutien à la création et de sensibilisation des publics.

L’exposition L’espace de l’autre est une invitation du Centre d’art et photographie
de Lectoure à l’artothèque les arts au mur de Pessac.

Vernissage le samedi 3 mars à 11 h, suivi à 14 h 30 d’une présentation de l’Artothèque les arts au mur par Anne Peltriaux et Corinne Veyssière, directrices artistiques, accompagnées d’Isabelle Kraiser, artiste.

en savoir plus
Centre d’art et photographie de Lectoure
Maison Saint-Louis – 8, cours Gambetta – 32 700 Lectoure
05 62 68 83 72
www.centre-photo-lectoure.fr

Télécharger le dossier de presse de l’exposition [Pdf – 3,2 Mo]

Enrichie chaque année par de nouvelles acquisitions, la collection de l’artothèque permet d’appréhender les enjeux qui ont traversé les principales démarches artistiques depuis les années 1970 et de prendre en compte la pluralité des pratiques artistiques contemporaines.

La photographie constitue environ un quart de cette collection. Des entrées thématiques témoignant d’enjeux majeurs contemporains tels que l’espace, l’architecture et l’urbanisme, le corps, le portrait et l’autoportrait y sont largement représentées.

Toute tentative d’exposition autour de collections, privées ou publiques, constituées d’œuvres à priori isolées, présente un défi passionnant : comment faire sens et éviter l’émiettement ?

La présente exposition tente d’éviter cet écueil en s’appuyant sur un parti pris thématique. Ainsi, L’espace de l’autre, sujet politique par excellence, mais tout aussi existentiel, est envisagé ici comme une clé de lecture possible de la collection photographique de l’artothèque de Pessac, qui est la matière de cette exposition. Cet axe se décline en questions liées aux propriétés du médium : les rapports entre l’espace public et l’espace privé, la définition de l’intime, la question de la représentation, l’écart entre le réel et son image, l’image de soi offerte ou confrontée aux autres, le décodage du monde visuel qui nous enveloppe, le quotidien comme source de fiction par le truchement de l’image…

Dans les salles du rez-de-chaussée, c’est par la représentation de l’espace qu’est abordé le thème deL’espace de l’autre, tandis qu’au premier étage, la question est traitée à partir de la figure, celle de l’autre, inscrite dans différent espaces, y compris celle de l’artiste lui-même, qui s’invite en quelque sorte dans l’espace du regardeur, souvent en qualité de sculpture vivante.

L’exposition, qui réunit près de 50 œuvres de 37 artistes, est ponctuée en différents points de son parcours, de photographies d’Isabelle Kraiser. En effet, cette artiste à elle seule aborde L’espace de l’autre dans différentes approches, rejoignant dans chacune les démarches d’autres artistes. Presque toutes les œuvres exposées sont très récentes (moins de dix ans).
Quelques pièces anciennes (1969 à 1999), qui font office de références, donnent à l’exposition sa perspective historique.

François Saint Pierre (CAPL), Anne Peltriaux et Corinne Veyssière (les arts au mur)

Œuvres de : Dove Allouche, Jessica Backhaus, John Baldessari, Katarina Bosse, Bernhard Cella, Cédric Couturier, Nicolas Descottes, Documentation Céline Duval, France Dubois, Maitetxu Etcheverria, Valie Export, Alain Fleisher, Bernhard Fuchs, Jean-Christophe Garcia, Gilbert and George, Laura Henno, Guillaume Hillairet, Isabelle Kraiser, Nino Laisné, Thomas Lanfranchi, Édouard Levé, Lilly Lulay, Charles Mason, Caroline Molusson, Roman Opalka, Lucien Pelen, Giuseppe Penone, Jacques Perconte, Jack Pierson, Chantal Raguet, Arnulf Rainer, Sophie Ristelhueber, Georges Rousse, Djamel Tatah, Patrick Tosani, Jean-Luc Verna, Bruce Wrighton.

continuer à lire Du 3 mars au 15 avril, exposition collective, l’espace de l’autre au Centre d’art et photographie de Lectoure sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

En plein écran, le son fort ! / Full Screen and loud speakers !
L’affiche une fois de plus détournée. Mais cette fois, c’est à vous d’entendre et de voir ce qui s’inscrit. L’avenir nous appartient !

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Au cœur du bois le vent souffle les branches et les feuilles et les couleurs…
Un film fait pour l’espace des grands murs, une ouverture dans la ville…

Disponible en coffret Blu Ray plus DVD.
Chaque Blu Ray à un imprimé unique, est signé et numéroté.
Impressions jet d’encre sur papier mat.

Les moutiers, 2012
18’30, 1080p, couleur, muet
100ex. / 100 € TTC

Galerie CHARLOT
47 Rue Charlot
75003 Paris
06 09 66 76 76

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Vous pourrez découvrir entre autres trois nouvelles pièces.
Un surprenant diptyque vidéo sur la forêt de Fontainebleau, un nouveau film : Les Moutiers et une pièce silencieuse sur la normandie : vague vache….

♥ projection en extérieur de la nuit tombée à minuit de uishet (du mardi au samedi)
La Galerie Charlot sera fermée durant la fashion week du 1er au 6 Mars 2012

Si vous ne pouvez pas venir à la galerie jeudi au vernissage, j’y serais à d’autres moments. Contactez-moi pour prendre rendez-vous.

Galerie CHARLOT
47 Rue Charlot
75003 Paris
06 09 66 76 76

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C’est un lieu où le temps ne passe pas comme ailleurs. Rythmé par la balade du soleil, le parc est le spectacle de milliers de peintures.

% François Mauriac
2007-2012

Installation vidéo temps réel, pièce in situ, 1060 x 700 x 400
Écran de 42‘, cadre en Corian®, dispositif de captation extérieur, ordinateur et programme

1% artistique au Châlet Mauriac à Saint-Symphorien, Gironde
Région Aquitaine / Maître d’œuvre
De Jacques Perconte
Virginie Gravière & Olivier Martin / architectes
Florent Deloison Développement / Processing

PRINCIPES

François Mauriac évoque les souvenirs de son enfance dans le roman « Le Mystère Frontenac ». Il y décrit la maison construite dans le style Arcachonnaise par sa mère où il passe ses vacances, ainsi que le chêne sacré dans le parc de Jouanet et la Hure, principal affluent du Ciron qui traverse la propriété à Saint-Symphorien. C’est un des lieux calmes et reposants qui sont une véritable source d’inspiration dans l’écriture de ses romans.

L’installation relie le monde intérieur de la maison et ses habitants à l’univers par quelques-unes de ses dimensions. Elle installe un rythme en jouant les images avec les images de la nature. Le jardin est filmé et enregistré et a quelques instants près rediffusés dans le salon. L’écran est placé là ou aurait pu être la fenêtre qui aurait donné au sud.

DISPOSITIF

Le dispositif ne donne pas à voir toute sa complexité. Il n’y a pas de moyen de voir tout ce qui est calculé. On peut imaginer.

Le dispositif interagit avec le soleil, avec les saisons, avec les signes astrologiques. Et dans ce cycle qui s’installe au quotidien… Même des mémoires de l’histoire de François Mauriac jouent comme des déclencheurs prévisibles d’événements plastiques.

L’image traduit picturalement toute une quantité d’idées dont il n’est pas nécessaire de connaître le contenu pour apprécier l’œuvre. Elles font partie des conditions qui régulent cet univers pictural. Ce faisant, le spectateur doit se défaire de l’attente et de ces guides conceptuels pour profiter de ce qui lui est proposé. Et comme un rayon de soleil qui percerait le bois à midi, l’événement peut se faire attendre. Mais c’est ce qui fait le monde.

le projet a été documenté depuis 2007 http://flic.kr/s/aHsiDDoZEg

CYCLES

Le fonctionnement de l’oeuvre repose sur une combinaison de calculs astrologiques qui guident au fil des jours l’image dans ses aventures plastiques. Voilà quelques éléments que le programme traite.

% Éphémérides : Nous sommes à Saint-Symphorien. Nous sommes mardi, le jour de mars, le jour du rouge. Il est 8 heures et 56 minutes et il fait jour. Le soleil nous illumine depuis ce matin, 7 heures et 10 minutes. Il disparaîtra à 19 heures et 18 minutes. 12 heures et 8 minutes de soleil !
Pour une heure de jour inégale de 60.66 minutes.  Une heure qui ne fait pas soixante minutes, parce que le jour et la nuit ne sont pas de durées égales. Alors le rythme que nous suivons est adapté à notre journée d’ensoleillement

L’aube était à 7 heures et 10 minutes. Le soleil sera au quart de sa course à 10 heures et 12 minutes. Il sera à son zénith à 13 heures et 14 minutes. Il sera aux trois quarts de sa course à 16 heures et 16 minutes. Il se couchera à 19 heures et 18 minutes.
Et demain, le soleil reviendra à 7 heures et 8 minutes.  

C’est le premier quartier de lune. C’est le temps du taureau

Horaires des évènements d’aujourd’hui :  8:56 | maintenant  7:10 | aube  10:12 | premier quart  13:14 | zénith  16:16 | troisème quart  19:18 | crépuscule 

Le site internet http://www.technart.fr/Francois-Mauriac/ reproduit le calcul d’éphémérides sur lequel l’installation est basée.

MODE D’EMPLOI

Le dispositif est prévu pour être le plus simple possible. Pour fonctionner normalement, l’ordinateur ne doit pas être éteint. Par principe l’écran non plus. Mais cela n’entraîne pas de dysfonctionnement de suspendre son usage. La caméra est constamment sous tension.

L’installation se compose donc de deux éléments qu’il faut mettre sous tension séparément.

Pour lancer l’oeuvre, il suffit de mettre sous tension l’ordinateur (bouton situé à l’avant de la machine ). Et quelques minutes plus tard l’allumer le téléviseur en soulevant le cadre par le bas. Normalement il se cale seul sur le canal adéquat. S’il ne le fait pas, il faut changer de chaine d’entrée du signal et atteindre celle qui s’appelle «Mauriac» (mais normalement il n’y a pas de problème).

Une fois l’ordinateur démarré, le programme se lance automatiquement (une fenêtre avec l’image captée par la caméra s’affiche sur l’écran de l’ordinateur. L’image sur l’écran Tv (situé au Rdc ) apparaît environ une dizaine de minutes après le démarrage de la machine (temps de traitement nécessaire des vidéos à l’initialisation).

En cas de soucis (plantage, message d’erreur), il faut redémarrer la machine : Clic sur la pomme en haut à gauche de l’écran > cliquer sur « redémarrer » . Le programme se lance automatiquement au redémarrage.

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NICOLE BRENEZ
Critic, France

Abel Ferrara in Lucca
Gérard Courant, France/Italy

A simple, modest and faithful record of some moments at the Lucca Film Festival in October 2010, with songs and speeches by Abel Ferrara: trace of the co-presence of two of the greatest contemporary filmmakers, dissident and true sons of Cesare Zavattini’s revolutionary spirit.

The Autobiography of Nicolae Ceaucescu (Autobiografia lui Nicolae Ceausescu)
Andrei Ujica, Romania

How propaganda reverses itself into a devastating critique of any political power.

Far from Afghanistan
John Gianvito, Jon Jost, Minda Martin, Travis Wilkerson, Soon-mi Yoo, Rob Todd, Pacho Velez, USA, in progress

To commemorate the tenth year of the invasion in Afghanistan, a collaborative work analysing the logics and consequences of American imperialism.

Impressions
Jacques Perconte, France
Digital fresco about Normandy landscapes that renews the forms of editing.

Video Letter
Masao Adachi, Japan

Adachi, still a political prisoner in Japan in the sense that he can not travel abroad, sends a video-letter to his audience to explain his ideals, fights and questions.

Highlights:

Book: Radical Light: Alternative Film & Video in the San Francisco Bay Aera, 1945-2000 (Steve Anker, Kathy Geritz, Steve Seid, eds), a scientifically and visually magnificent survey.

Film/Exhibition: ‘Correspondence(s)/The Completed Letters’, curated by Jordi Ballo for the CCCB (Barcelona, Spain): five video-letters exchanges between filmmakers from different parts of the world, including José Luis Guerín and Jonas Mekas, Albert Serra and Lisandro Alonso, Isaki Lacuesta and Noami Kawase, Jaime Rosales and Wang Bing, Fernando Eimbcke and So Yong Kim.

Retrospective: ‘Minding the Gap: The Films of Dick Fontaine’, curated by Michael Chaiken at the Anthology Film Archives, New York. A great British stylist and fighter with a knack for working exactly where the wind of history begins to blow.

Screening: On September 28th, the quality of the screening of John Gianvito’s My Heart Swims in Blood through Vimeo, during the World Cinema Now! Conference in Melbourne, was so excellent we could count the feathers on the Hegelian owl.

Website: livestream.com/globalrevolution. Livestream of the occupation movements all over the world, covered by independent journalists and filmmakers.

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impressions, final on the rails !!

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Cette vidéo est la première version des séquences, il ya deux trois petites choses qui ne me plaisent pas. Il se peut aussi qu’elles ralentissent.

Diptyque vidéo
24’50″ muet (*2 1024.768)

Une avancée vers le coeur de la forêt de fontainebleau.
Une à l’endroit et l’autre à l’envers de l’envers.

iPad / vp

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Impressions
Un film sur la puissance magique de la nature
Un voyage au coeur de la Normandie Impressionniste
Une balade en couleur sur les traces de la lumière et du temps.

un film de Jacques Perconte
musique Simonluca Laitempergher

Film numérique 2K, 43′

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Jacques Perconte, Léonard & Antoine, 2011
Film numérique HD, Couleur, muet, 4’07″

Antoine Schmitt, Le Pixel Blanc, 1996-2000
Ordinateur, pixel blanc, algorithme de comportement. Non interactif.

Leonardo di ser Piero da Vinci, Del Giocondo, 1503-1506
Peinture à l’huile sur panneau de bois de peuplier
77 x 53 cm, Musée du Louvre, Paris.

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« Comme mon travail a été souvent comparée au mouvement impressionniste français, j’ai décidé de suivre leurs traces en Normandie tournage sur les spots même où Monet ou Corot utilisé pour peindre, je vais créer une sorte de l’impressionnisme 2.0″ – Jacques Perconte

Impressions: Voyage en Normandie est la dernière d’une série de films paysages manipulés numériquement faite par Jacques Perconte.

Le «réel» voir (au moins comme on le voit à travers la lentille de la caméra) pixelates progressivement et se transforme en quelque chose de plus étrange. Les films saisir une sorte de «impressionniste» phase où des motifs lumineux et le mouvement subtil dans la nature sont au ralenti et a assisté. Mais les images en mouvement bientôt commencer à ressembler à symbolisme, fauvisme et l’expressionnisme abstrait éventuellement – les arbres transformés en plaques dentelées de couleur comme un Clyfford Still peinture, le scintillement horizon comme une ligne de Barnett Newman zip. «Nous ne voyons plus l’image du paysage, nous voyons le paysage de l’image» Perconte dit.Violaine Boutet de Monvel a écrit d’un moment dans Après le feu, filmé depuis l’arrière d’un train, où un écart semble s’ouvrir sous les voies, transformant la topographie réelle. Perconte est intéressé dans cette ré-imagination du familier – comme il a suivi les traces des impressionnistes, il a senti que leur paysage était toujours présente, malgré le mouvement constant de nuages ​​et de l’activité de la mer agitée. Ce processus tend vers la dissolution des éléments de paysage familier dans une vision de couleur pure. Dans les notes Perconte sur Impressions il cite Rousseau, se perdre dans une rêverie et objectes sentir glisser loin de sorte qu’il ne sent rien, mais l’ensemble: «Alors TOUS LES objets Particuliers Lui échappent; IL NE Voit et NE envoyé rien la DANS Que le Tout. »

L’artiste a posté de nombreux clips Vimeo, photographies, notes de production et des commentaires sur son propre site et son blog technart. Je vais terminer ici avec un film récent, je vais penser à mon voyage prochain train: une vue sur les champs quelconques sous un ciel gris qui disparaît brièvement que le train entre dans une coupe, seulement pour réapparaître partiellement enduite loin, comme Si pour révéler le logiciel derrière ce paysage factice des formes d’arbres et de parcs éoliens, puis change progressivement jusqu’à ce que nous sommes laissés avec seulement quelques vestiges de la couleur déformée avant que l’écran devient blanc.

–

Ce site est sur les paysages et les arts. Il souligne comment les paysages ont été évoqués, illustrés ou transformée en peinture, photographie, littérature, musique et film. J’ai aussi parfois discuté de la création ou la modification des paysages par les architectes, artistes et concepteurs de jardins. [...]

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Festival de courts métrages des pays méditerranéens, organisée par le Cercle du film « Images » de la ville de Sant’Antioco, au sud-ouest de la Sardaigne, qui accueille l’événement depuis sa première édition. Le festival est impliqué dans la diffusion de la culture méditerranéenne à travers le cinéma.

L’édition 2011 comporte une section spéciale dédiée à la tourmente politique qui affectent certains pays d’Afrique du Nord et du Moyen-Orient. Avec entre autres le réalisateur tunisien Nouri Bouzid et de jeunes cinéastes en Syriensdu collectif  Abounaddara t régulièrement diffusées sur le web, chaque vendredi, une journée de prière et de protestation. L’invité d’honneur cette année est la Turquie, un pays de  réelle  médiation entre culture religieuse et laïque où plusieurs contradictions existent encore

La recherche et la sélection de courts métrages est maintenu par le Cercle du film « Images » ont collaboré ECAM (Ecole de Cinéma Audiovisuel y de la Comunidad de Madrid), la Cinémathèque de bain Kimuak, le FEMISE (Ecole Nationale Supérieure des Métiers del’image et du son de Paris), le département Film et Télévision de l’Université de Tel-Aviv, l’Ecole des Arts et du Cinéma à Tunis, IESAV (Institut d’Etudes scéniques, et Cinématographiques Audiovisuelles) à Beyrouth, le Centre Expérimental de Cinématographie de Rome, le Festival du Film d’Environnement CinemAmbiente à Turin, l’Institut régional d’ethnographie de Nuoro.

COL PATROCINIO DELLA PRESIDENTE DEL CONSIGLIO REGIONALE DELLA SARDEGNA	REGIONE AUTONOMA DELLA SARDEGNA

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Dans le cadre de l’exposition (R)évolutions ferroviaires au Manoir de Veygoux (63),
Videoformes présente une sélection vidéo :

move / GaSP / France / 5’44,
Interstices / Michel Pavlou / Belgique / 4′
Passenger / Robert Croma / GB / 5’57
Paris une réalité inachevée /Didier Feldmann aka Videopaper /  France / 8’59
Connection at passy / Robert Croma / GB / 2′
ec 4 kk / GaSP / France / 2′
Après le feu / Jacques Perconte / France / 7′

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La saison des « Amours » en 12 leçons au Musée Paul Dini

Léa Emmélie Adilon, Jean-Philippe Aubanel, Philippe Favier, Mister Helic, Isabelle Jarousse, Marie Morel, Jacques Perconte, Agnès Pétri, Jean-Antoine Raveyre, Pipilotti Rist, Samuel Rousseau et Daniel Tillier. Voilà  les douze artistes qui ont travaillé sur ce thème des « Amours ». Car c’est bien au pluriel qu’il laut mettre ce mot tant les façons de le ressentir et de le vivre sont diverses: amour tendre, passionné, charnel, lié davantage au plaisir qu’aux sentiments. Une chose est sà»re: depuis la nuit des temps, l’Amour reste un thème d’inspiration universel el inépuisable!

Diffusé sur france3 en avril 2011. Découvrez La saison des « Amours » en 12 leçons au Musée Paul Dini sur Culturebox !

*

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Face à  cette généralisation et à  cette banalisation de l’enregistrement des images, certains artistes restituent à  l’acte de voir sa dimension première : être là , faire l’expérience de sa présence au monde.

Pouvons-nous vivre dans un monde que nous n’avons pas commencé à  approcher par l’image, c’est-à  dire, peu ou prou, que nous n’imaginons pas? Et en quoi notre contemporanéité, dans toute sa complexité, requiert-elle de tout un chacun qu’il participe, à  sa façon, et avec ses moyens, d’une entreprise -extraordi naire et terrifiante à  la fois- de numérisation du réel? À vouloir être l’archivage de tout, il semble qu’une telle entreprise ‘détruise la mémoire, cette forme de la pensée humaine qui ne peut précisément aller sans oubli. Ces questions, qui peuvent sembler naives, prennent acte du fait que les appareils de prise de vue aujourd’hui en usage anticipent par avance, d’un point de vue technique et pratique, l’archivage numérique des fichiers. Ces appareils, en un sens, prévoient le mode d’accès aux images en amont de leur existence; ce qui n’est pas sans incidences sur notre représentation du réel et la manière dont nous pouvons l’habiter.

Dans ce contexte, aux implications à  la fois technologiques, économiques et industrielles, plusieurs pra tiques s’efforcent d’ouvrir des chemins qui restituent à  la fabrication des images une dimension active et ‟ expérientielle”, celle d’un regard qui doit redécouvrir sa destination première, qui est précisément de se poser sur le monde pour en éprouver le sens.

[...]

INCENDIER SES PROPRES IMAGES

Jacques Perconte place dans une perspective nouvelle cette approche, simple et minimale, qui doit se traduire dans un processus de transformation du visible afin d’en éprouver, ou d’en révéler, des qualités nouvelles, Après le feu se donne comme un long travelling filmé en plan-séquence, depuis un train qui traverse les terres brà»lées de Corse. Par une série de compressions successives, Jacques Perconte nous fait perdre de vue la réalité pour entrer en contact avec sa puissance plastique, Cette opération technique montre que toute perte est corrélative d’une levée de formes neuves, ce que la simple contemplation d’un feu de bois montre avec évidence. L’image est en elle-même une métamorphose du paysage, qui prend des couleurs et des traits inédits, nés d’outils numériques. Elle se donne à  nous comme une matière qui appartient d’abord au paysage lui-même, que l’artiste entrevoit, et sur laquelle notre propre regard, habité par une foule de soucis quotidiens, ne peut pas se poser,

Pour comprendre ce qu’un feu peut détruire, et retrouver quelque chose de ce qu’il a aboli, il faut incendier ses propres images, et inviter notre regard à  des stances de contemplation que le mouvement des flammes produit nécessairement. La simplicité de l’expérience d’un lieu ou d’un paysage est garante de la profondeur que notre regard peut y chercher, Ce qui est vrai du feu, qui ne peut se fixer dans aucun état définitif et durable sans s’éteindre, l’est aussi, dans ce contexte, de l’image, qui ne peut trouver sa forme qu’en la cherchant toujours, c’est-à -dire en déclinant toutes les variations plastiques dont elle est capable. Après le feu propose mille états d’un seul et unique sujet -une forêt corse traversée par les rails- et rappelle que nous avons besoin de cette unicité pour regarder en vérité ce que propose une image. Car nous n’aurons jamais tout vu de ce qu’il ya à  contempler dans une branche que le vent secoue au-dessus de notre tête. Tout le cinéma de Jacques Perconte en témoigne, après bien d’autres, mais dans une langue qui n’appartient qu’à  lui.

IL N’Y A PAS DE DÉJÀ VU

La pratique de l’image en mouvement ne nous place plus – mais l’a-t-elle jamais fait ?- en situation de pur observateur, détaché des événements que nous voulons filmer. Devenue un outil quotidien d’expression, l’image en mouvement doit aussi nous aider à  ouvrir les yeux sur l’expérience de notre présence au monde et aux êtres. Elle pose cette expérience et nos images du réel dans une dynamique et une temporalité com munes. Dans sa capacité à  accueillir une réalité fragmentée, ou à  produire des instants de perte du monde environnant, elle nous rappelle en acte que nous ne pouvons pas, dans un unique geste, prendre toute la mesure de ce que nous éprouvons, et qu’il n’y a donc pas de déjà  vu. Il nous faut constamment revenir sur ce qui s’est présenté à  nous pour y faire surgir un sens ou des traits qui nous auront échappé, et qui, à  contretemps, peuvent dessiller nos yeux et donner à  notre regard une acuité nouvelle, comme rajeuni de se mettre à  l’épreuve des diverses formes du monde, qu’elles soient historiques et universelles ou qu’elles nous atteignent depuis leur minuscule chatoiement.

*

Diplômé de philosophie, Rodolphe Olcèse collabore régulièrement à  la revue Bref et à  diverses revues littéraires. Depuis 2003, il réalise des films qui se situent à  la frontière du cinéma expérimental, du documentaire et de l’essai. En 2010, il participe à  la création de la société Les productions du lama, et signe Petite, sa première fiction.

*

art press n°21 – mai 2011

Pour des raisons pratiques comme théoriques, on a longtemps opéré des  distinctions entre les films à  partir de critères reposant sur des  différences de supports, de formats et de dispositifs : la pellicule  et la vidéo, l’argentique et le numérique, le narratif et l’expérimental, l’amateur et le professionnel, l’indépendant et le commercial, le documentaire et la fiction et plus récemment encore le  cinéma et l’exposition. Ces oppositions binaires, propres au développement de relations dialectiques ont aussi fourni leur lot de divisions radicales, (entre autres dans la formulation de genres) où les convictions idéologiques allaient de paire avec les enjeux esthétiques.

Ce numéro d’artpress2 ne compte pas revenir sur la pertinence de ces partages, comme sur leurs fondements historiques et théoriques. Plutôt que de rejouer une énième fois leurs découpes en genres et en sous-genres, il propose de faire un pas de côté pour considérer l’ouverture des pratiques filmiques, dans l’espace contemporain, à  de  nouvelles expérimentations. En cela, il compte porter attention aux  arts de faire des films – de les concevoir, de les produire, de les  réaliser, de les mettre en espace, de les diffuser…, sans se satisfaire du constat postmoderne de l’hybridation ou de la combinaison des dispositifs, des supports et des formats, et de son scepticisme latent. Il s’agirait plutôt, à  partir de l’étude de cas précis, de prendre acte des opérations constitutives de ces expérimentations, de ces nouvelles mises en récit et en images et de  comprendre sous quelles conditions et comment elles prennent en écharpe de nouvelles possibilités techniques, investissent de nouveaux supports et lieux de diffusion (web, téléphone portable, DVD, versions…).

En considérant ce qui s’expérimente, aujourd’hui, dans et avec les films, nous souhaitons proposer des concepts critiques pour penser les espaces et les temps rejoués par les images en mouvement.

Liste des contributeurs :

Louis-José Lestocart, Jean-Marc Chapoulie, Erik Bullot, Dominique Paà¯ni, Nicole Brenez, Patrice Blouin, Rodolphe  Olcèse, Aliocha Imhoff, Émile Soulier, Dork Zabunyan,  Emmanuelle André, Anne Marquez.

continuer à lire Rodolphe Olcèse : L’expérience filmique du monde sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

continuer à lire Guillaume Massart : Hypermnésique. sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Impressions of Memory by Jon Gartenberg
Narrative/Documentary 69 min

These talented artists address, in both thematically and stylistically distinct ways, the manner in which images evoke memory. This is achieved through the use of text, the presence of previously filmed « found » footage, a scenic train ride bleeding into digital pixels, single frame printing devices, evocations of 9/11, a tribute to a deceased filmmaker, peripheral vision, recall of sleep via animation, seascape imagery folding back on itself in time, and bittersweet remembrances of now-extinct Kodachrome film stock. 

One Over Wanderlust DIR: Brendon Kingsbury – USA – NYP
The D Train DIR: Jay Rosenblatt – USA – NYP
After the Fire DIR: Jacques Perconte – France – NAP
Garden Roll Bounce Parking Lot DIR: Melissa Friedling – USA – NYP
Current (Reprise) DIR: Brian Doyle – USA – NYP
One Day I Forgot and Used My Hands DIR: Charles Lim – Singapor e – USP
Sleep DIR: Claudius Gentinetta, Frank Braun – Switzerland – USP
Strips DIR: Félix Dufour-Laperrière – Canada – NYP
Paper DIR: Egill Kristbjornsson – U K – WP
Filmpiece for Bartlett DIR: Scott Nyerges – USA – NYP
The Green Wave DIR: Ken Jacobs – USA – NYP
Bye Bye Super 8 DIR: Johan Kramer – Netherlands – IP

Les 4 projections publiques ( rsvp asap si vous souhaitez y assister !)

➡ Thu, Apr 21, 7:30PM @ Clearview Cinemas Chelsea 9
➡ Sun, Apr 24, 10:30PM @ Clearview Cinemas Chelsea 9
➡ Fri, Apr 29, 2:30PM @ Clearview Cinemas Chelsea 4
➡ Sun, May 01, 11:00AM @ Tribeca Cinemas Theater 1

Vous pouvez soutenir le film sur la fan page facebook qui lui est dédiée : après le feu

Entering its 10th season this year, the Tribeca Film Festival has become a signature New York experience with a built-in global reach. With the support of founding sponsor American Express, the Festival has developed into a unique platform for showcasing some of the best new voices, ideas and narratives in cinema today. The Festival’s range, depth and diversity reflect not only the fabric of New York but also the larger world community beyond. Tribeca has continuously redefined the traditional film festival experience while maintaining an integral relationship with its namesake neighborhood. Started by cultural pathfinders Robert De Niro, Jane Rosenthal and Craig Hatkoff in 2001, the Festival was initially organized to promote the revitalization of lower Manhattan through the lens of the arts.

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Le cinéma critique

Au tournant du XXIe siècle, l’art du film a connu des mutations profondes et rapides qui semblaient faire de la technologie le moteur de la créativité. Comment les pratiques artistiques ont-elles affirmé leur autonomie par rapport aux consignes technologiques et aux commandes sociales ? La discussion est ouverte, avec Bidhan Jacobs et Jacques Perconte, auteurs de “ Le cinéma critique. De l’argentique au numérique, voies et formes de l’objection visuelle ”, éditions Presse de la Sorbonne nouvelle, collection HISTO.ART, 2010.

La librairie l’Histoire de l’oeil est présente lors des rencontres.

		Horaires : à  18h30 – entrée libre Où dans la Friche ? au Petit Théâtre Infos : 04 95 04 96 22 / Alphabetville

Le cinéma critique. De l’argentique au numérique, voies et formes de l’objection visuelle ”, sous la direction de Nicole Brenez et Bidhan Jacobs, éditions Presse de la Sorbonne nouvelle, collection HISTO.ART, 2010.

Au tournant du XXIe siècle, l’art du film a connu des mutations profondes et rapides qui semblaient faire de la technologie le moteur de la créativité. Les cinéastes ont vécu une situation nouvelle et passionnante : ils pouvaient puiser à  volonté dans plus d’une centaine d’années de matériel argentique, vidéographique puis numérique, et trouvaient à  leur disposition un nombre croissant d’outils pour transférer, hybrider, tresser les supports d’images. Simultanément, aussi technicide que technophile, la logique industrielle fondée sur un turn-over à  rotation accélérée démantelait des pans entiers de l’arsenal argentique et vidéographique. Comment les pratiques artistiques ont-elles affirmé leur autonomie par rapport aux consignes technologiques et aux commandes sociales ? Comment ont-elles articulé exigence formelle et dynamique d’émancipation ? Cet ouvrage collectif recense les voies et les formes singulières de l’objection visuelle, notion qui renvoie aux différents modes d’actualisation pratique d’une conception du film comme travail critique.

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Bidhan Jacobs
termine un doctorat en études cinématographiques à  l’Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle, tout en enseignant à  l’Université Lyon 2. Spécialisé dans l’avant-garde, il porte ses recherches sur une histoire des techniques (argentique, vidéo, numérique) articulée à  des pratiques émancipatrices libérant des formes nouvelles. Coresponsable avec Nicole Brenez de colloques sur le cinéma expérimental à  l’Institut National d’Histoire de l’Art, critique d’art et programmateur, en 2009 et 2010, il a coordonné avec elle ‟ Le Cinéma critique. De l’argentique au numérique, voies et formes de l’objection visuelle ” paru dans la collection HISTO.ART des Publications de la Sorbonne.

Jacques Perconte
a étudié les arts plastiques et la philosophie et a travaillé quelques années au CNRS. Depuis 96-97, il construit une pratique artistique essentiellement liée aux outils numériques. Comme rien de la machine ne lui est étranger, il la provoque, la pousse à  ses limites, pense à  partir de ses insuffisances et crée en fonction de ses erreurs. De film en photographies, de créations en ligne en installations Jacques Perconte produit une matière picturale numérique vive, questionne l’espace, la couleur, le paysage et la société. Jacques Perconte tourne actuellement un nouveau film : Impressions (lauréat de la commission image/mouvement du CNAP et de la commission images différentes de la région Haute Normandie). Son dernier film Après le feu a reçu le prix du Groupement des Cinémas de Recherche. Sites web : www.jacquesperconte.com, www.technart.net

L’art à  l’essai

Rencontres avec les auteurs, projections, présentations d’oeuvres.

Après le cycle de conférences ‟ Esthétique et société ” qui tentait de configurer les conditions actuelles de l’expérience sensible, puis les rencontres ‟ Art, technologie, culture ” consacrées aux implications culturelles des nouvelles technologies, Alphabetville s’attache cette fois à  interroger les pratiques artistiques contemporaines, avec des points de vue critiques et théoriques concernant les techniques et les arts des XX° et XXI° siècles, cela dans et face à  la culture industrielle.

Par la présentation de publications récentes et sous forme de rencontres avec les auteurs, au travers d’essais sur l’art, ‟ l’art à  l’essai ”, comme son titre l’indique, essaiera d’appréhender l’art, ses techniques, ses medias, selon des parcours, des artistes, des positions, des situations. Grâce à  l’analyse de théoriciens, il s’agira ici de considérer et penser l’art en le contextualisant, afin de pouvoir proposer de nouvelles approches critiques, de projeter de nouvelles théories esthétiques, de reformuler le sens des gestes artistiques et poétiques ou de resituer la production des oeuvres, dans une culture complexe et mouvante.

Les rencontres sont suivies d’un dialogue avec un invité, de projections, lectures, ou présentations d’oeuvres.

continuer à lire Le cinéma critique : de l’argentique au numérique à  Marseille le 7 avril sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Continuité

Ouverture : l’arrivée

Parti en train, j’arrive sur la côte normande. Il faut quelques jours pour me défaire de la pression radioactive urbaine. Je vois le dessin de cette société dont la technologie est à  défaire. Il faut que je me défasse du bruit, de mes pensées, de mes attachements. Il faut que je profite pleinement de la nature et que j’accède à  l’essence de cette envie de faire un film. Pour porter attention à  une pierre, une fleur ou un animal, il ne s’agit pas d’y penser. Bien au contraire. Il faut le percevoir, et l’entretenir dans sa conscience pour qu’une part de son essence nous parvienne.

Déconstruction de la pensée : le repas

La fatigue se dépasse et comme une bouffée boulimique mon histoire avec la nature s’emballe. La falaise est dangereuse. Elles me donnent le vertige. Je ne peux pas échapper à  l’innocence de l’inconscience. Ce père laisse ses enfants jouer à  grimper là  où des tonnes de terres pourraient s’affaisser. Le paysage boucle et entre en résonance. Tout chavire. Une minute intense. Je digère.

Impression : La nature et la quiétude.

C’est une manière extraordinaire de se rendre compte de l’espace. J’y prends du temps avec le silence. Je ne cherche pas le chant des oiseaux ni la surprise d’un animal au coin d’un bois. Je cherche à  me libérer de la connaissance pour observer et profiter de la conscience. C’est le moment de l’histoire où par l’absence d’évènement se tisse le temps. La nature est là , la pensée s’en va. Je ne m’aperçois pas qu’elle s’en est allée. C’est le temps où je profite du vaste pour sentir chacune de mes perceptions. L’immobilité silencieuse de la nature comme je peux maintenant la contempler me rappelle la futilité du mouvement. En m’immobilisant et laissant de côté toutes considérations, en relâchant tout pour en venir à  être là  dans le paysage, dans la quiétude.

Éveil : la couleur

Il faut avoir une certaine présence pour avoir conscience de la beauté, de la majestuosité et du sacré de la nature. Cette dimension magique se manifeste dès lors que j’ai réellement laissé de côté ce corps terrestre. Dès lors, du vert, couleur morte de la vie, s’éveillent les vibrations rouges, couleurs vives du mouvement. Le monde invisible s’agite. Le paysage révèle ses secrets.

L’intériorité et le retour à  l’expérience du calme

Après le feu d’artifice, sans se presser, calmement la couleur reprend sa place et la quiétude du paysage me rappelle que cet espace immense est là . Tout doucement le paysage retrouve ses ontologies et me laisse finir la balade en pleine conscience de la force intérieure que je suis capable de déployer. Dans, le calme, le silence et l’immensité qui s’ouvre quand je ferme les yeux et que j’ouvre le coeur.

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L’amour, comme ‟ désir ”, a inspiré les artistes de toutes les disciplines créatives. Dépeint avec humour ou gravité, ce sentiment d’attachement est un thème de prédilection dans l’histoire de la peinture et de la sculpture, par la représentation de situations amoureuses ou par la symbolique ou l’allégorie, faisant intervenir des personnages mythologiques ou historiques î Salomé, Vénus, en particulier. Il incite l’artiste contemporain à  adopter un comportement, plus ou moins rationnel, l’entraînant principalement à  exprimer la tendresse, la passion, le dépit, vis-à -vis de l’objet sur lequel il porte.

L’exposition présente l’amour dans l’art contemporain sous ses aspects les plus variés (de la lettre d’amour à  la figuration de l’être aimé, en passant par l’image du désir ou du plaisir charnel) et dans des modes d’expression tout aussi éclectiques (installation, peinture, photographie, vidéo…).

Histoires d’amour

Les références historiques, picturales et littéraires ne sont pas le témoignage d’une culture commune, mais dénotent une intention propre d’amener le spectateur à  ouvrir les yeux sur l’Histoire. Le lien avec la littérature, développé chez certains artistes, les conduit à  s’appuyer sur les récits d’amour et les mythes, notamment ceux qui relatent l’expérience de la séduction. Jean-Antoine Raveyre et Agnès Pétri s’attachent à  dépeindre les histoires d’amour, tantôt douces, tantôt cruelles.

‟ Le tableau est pour moi comme une fenêtre. ” C’est ainsi que, en 1435, Leon Battista Alberti introduit son De pictura, une histoire de la peinture qui se confond dans la photographie Coeur, bouche, action et vie (2010), où Jean-Antoine Raveyre reprend l’élément emblématique de la fenêtre comme un paradigme du cadre. L’oeuvre donne la vision d’un mariage dont on ne sait rien excepté l’atmosphère pesante que revêt l’espace clos dans lequel se trouve une femme en robe blanc rosé entachée par les gouttelettes tapissant l’écran d’une vitre.

En outre, dans la fenêtre, cadre dans le cadre renvoyant à  une autre réalité, le sujet apparaît flouté, à  la fois en marge et en dedans de tout scénario. Si l’on considère le contexte d’un événement personnel aussi important dans une vie, on comprend aisément que la mariée soit piégée par son propre bonheur, lui-même travesti par la peur du ‟ grand saut ”, celle d’un engagement préfigurant la naissance à  venir. D’ailleurs, l’oeuvre ne fait-elle pas référence à  la cantate Herz und Mund und Tat und Leben (BWV 147) de Johann Sebastian Bach î signe, également, d’une recherche de rythme et d’harmonie î, créée à  l’occasion de la fête de la Visitation de la Vierge Marie à  Leipzig en 1723 ?

Dans cet art unique et personnel, mais nourri d’influences culturelles, qui découle d’une logique essentielle de composition et de recomposition, Raveyre participe de toute évidence à  une réflexion sur notre propre humanité et, au sens large, sur la création artistique. Le monde enfante en effet sans cesse. De même l’artiste génère-t-il à  la fois l’idée et l’image dans une mise en abîme de sentiments contraires : dans la mélancolie et la joie, l’angoisse et le ravissement.

Dans une deuxième oeuvre, Jean-Antoine Raveyre figure Salomé, faisant de la séductrice l’image même de la femme fatale. L’instigatrice termine sa danse, prête à  demander la tête de Jean-Baptiste. L’étude de la composition, la recherche de l’harmonie colorée, de la lumière et la théâtralisation des modèles suggèrent une volonté picturale.

[...]

Lettres d’amour

[...]

Que penser de la correspondance amoureuse envoyée par mail ou encore des sites de rencontre qui peuvent donner, à  terme, l’illusion d’un bonheur partagé ? Gare au formatage de la missive électronique. Critiquant l’immédiateté de la rencontre sur ces espaces sociaux, les claviers aux touches programmées pour déclarer l’amour ou la haine de Mister Helic sont comme une mise en garde pour la nouvelle génération.

On se souvient également de ‟ I Love you ” comme d’un virus qui contamina près de trois millions d’ordinateurs, à  l’échelle mondiale, en quatre jours. Il circulait sous la forme d’une pièce jointe, se faisant passer pour une lettre d’amour adressée au destinataire du courrier électronique. C’est aussi le titre d’une oeuvre de Jacques Perconte. L’amour virtuel venant altérer le processus de fabrication de l’image traduit un amour réel et bouleversant éprouvé par l’artiste pour une femme.

Absences / Attentes

Face aux sentiments éphémères, surgit l’image du souvenir de l’être disparu ou le fantasme de celui non encore rencontré. Daniel Tillier peint un journal de bord existentiel, montrant les déchirures et les brà»lures ressenties à  la perte de l’être cher. Son souvenir se manifeste comme une présence absorbée par le temps, la vue d’une chaise vide, transcription picturale du disparu et mentalement recomposée.

De même, dans une de ses vidéos, l’artiste suisse Pipilotti Rist traite le thème de l’absence. Debout face à  la caméra, elle fait semblant de jouer de la guitare et chante en play-back You Called me Jacky, de Kevin Coyne (1973). En superposition, les images d’une explosion ou de paysages vus d’un train en mouvement ajoutent une dimension symbolique aux paroles de la chanson qui évoquent l’amour perdu.

‟ Sur une immense toile, elle passait les jours. La nuit, elle venait aux torches la défaire. ” Ces mots d’Homère (L’Odyssée, XXIV) à  propos de Pénélope attendant le retour d’Ulysse conviennent à  Isabelle Jarousse qui, depuis vingt ans, travestit le papier en une étoffe sertie de dessins à  l’encre de Chine. Dans ses productions, le regard s’enfonce dans le noir profond du voile de papier que l’artiste travaille dans l’intimité de l’atelier songeant, peut-être, à  son promis.

Enfin, l’exposition permet de valoriser une des dernières oeuvres acquises par le musée (Le Grand Livre, 2009) de Philippe Favier ainsi que sa série des Betty’s (1989), femme rêvée par l’artiste, à  la fois aimée, désirée, haà¯e et absente. À travers les oeuvres de douze artistes ayant un lien de vie ou de travail avec Rhône-Alpes, le visiteur a la possibilité de découvrir l’amour sous toutes ses coutures.

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Voici sur le papier la continuité que je propose pour la première partie du film. Cette première partie, annoncée comme les autres par un carton portant son titre sera la seule accompagnée d’une voix off (trop naà¯ve, à  voir…). Le film ira en crescendo plastique. Cette séquence durera aux alentours de cinq minutes. Ce ne sont que quelques notes…

/ Ouverture : l’arrivée

Noir. Je suis un citadin. J’ai régulièrement besoin de prendre le large. J’ai envie de voir le ciel. J’ai envie de respirer. De sentir la terre sous mes pieds. Mais difficile d’arrêter cette machine ! Même si je viens là  pour laisser tout ce qui me rattache à  la ville, je n’arrête pas de penser comme si j’y étais.
En face de moi, à  quelques centaines de mètres, un minuscule tracteur fait des aller-retour sur les hauts d’une colline. Le vent balaie doucement l’immense plaine qui me sépare de lui, quelques oiseaux passent.

Et quand je suis ce spectateur de la nature, que j’inspire dans ce paysage. J’essaie de lâcher mes épaules. Et de quitter ces impressions intellectuelles qui me tiraillent. Je ne suis pas venu pour lutter contre une machine infernale !
Deux magnifiques vaches normandes baignées dans un soleil chaleureux broutent sur les hauteurs face à  la mer. On voit au loin quelques maisons qui forment un bourg.

Quand j’ai pensé ce film, je me suis dit que cela ne serait pas un film politique. Seulement malgré moi face à  la magie extraordinaire de la nature, je sème des mots comme des graines, je fais pousser des idées armées. Cette terre, je me demande ce qu’on lui fait ! Tout ce qui se passe aujourd’hui mérite que l’on se révolte ! Mais je déteste la sympathique conversation. Et l’action que nous conduirons doit se faire au travers d’un éveil.

De petites vagues poussent doucement leurs écumes sur les vestiges des fondations d’une maison. Quelques mouettes jouent. Elles se laissent emporter délicatement d’une pièce à  l’autre en profitant de la visite des courants. L’une d’elles saute d’une petite hauteur pour aller se poser dans un bassin.
Derrière un ciel strié des lignes électriques s’élève la fumée blanche d’un des quatre réacteurs de la centrale nucléaire. Les silos sont enterrés devant moi. Ils obstruent la perspective.

De l’autre côté, peut-être à  deux ou trois kilomètres, presque loin de ces machines menaçantes, plusieurs bateaux jouent une régate au milieu d’un océan presque turquoise. Le soleil les découpe d’une façon étrange. Il est si fort qu’on croirait les bateaux découpés dans du papier et posés sur image. Ils glissent doucement. Se rapprochent et s’éloignent. La centrale, au loin derrière se rappelle dans la continuité de son impassibilité et la fumée continue de s’élever. Elle essaie de rester discrète.

L’horizon de la côte est remplacé par l’horizon des plaines. Dans l’immensité des cultures un tracteur surgit accompagné de dizaines des mouettes dansant et tournoyant autour de lui.

Dans un sous-bois le soleil perce les branchages pour m’éblouir. Le vent se balade dans les branchages.
Il y a quelque chose à  trouver. C’est là  en Normandie !
Noir. Titre. Impressions.

Une vague s’écrase sur la falaise. J’essaie de la filmer. La caméra ne bouge pas. Le vent souffle. Je souffle. Je fais quelques pas.
Le vent souffle doucement sur les hautes herbes. Un oiseau nous emmène au dessus de l’océan. L’à -pic de 100 mètres aussi étourdissant soit-il ne se manifeste pas par le danger qu’il représente, mais il fascine. L’oiseau vole et il captive le regard. Étourdis, on l’impression que l’univers se manifeste soudain à  nous en rappelant que tout ce que l’ont voit là  n’est pas réel, mais l’image tangible d’un ailleurs. La plastique du numérique tend l’image du film par les mathématiques. La visualisation dévie et l’image s’emporte quelques secondes pour nous rendre assez vite l’oiseau. Nous vivons un véritable saut quantique. Le temps s’étend. Nous changeons de dimension le temps d’un instant.

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L’amour, comme ‟ désir ”, a inspiré les artistes de toutes les disciplines créatives. Dépeint avec humour ou gravité, ce sentiment d’attachement est un thème de prédilection dans l’histoire de la peinture et de la sculpture, par la représentation de situations amoureuses ou par la symbolique ou l’allégorie, faisant intervenir des personnages mythologiques. Certains thèmes ou personnages mythologiques ou historiques reviennent (Cupidon, Vénus…).

Il pousse l’artiste contemporain à  adopter un comportement, plus ou moins rationnel, les entraînant principalement à  exprimer la tendresse, la passion, le dépit, vis-à -vis de l’objet de cet amour.

L’exposition présente l’amour dans l’art contemporain sous ses aspects les plus variés (de la lettre d’amour à  la représentation de l’être aimé, en passant par l’image du désir ou du plaisir charnel) et dans des modes d’expression tout aussi éclectiques (installations, peinture, photographie…).

Avec les oeuvres de Daniel Tillier, Samuel Rousseau, Pipilotti Rist, Jean-Antoine Raveyre, Agnès Pétri, Marie Morel, Isabelle Jarousse, Mister Helic, Philippe Favier, Jean-Philippe Aubanel, Léa Emmélie Adilon

Musée Paul Dini
2, place Faubert
Villefranche-sur-Saône (69400)
04 74 68 33 70
www.musee-paul-dini.com

MERCREDI :
13 h 30 – 18 h 00

JEUDI & VENDREDI :
10 h 00 – 12 h 30
13 h 30 – 18 h 00

SAMEDI & DIMANCHE :
14 h 30 – 18 h 00

Fermé les lundis, mardis, mercredis matins & jours fériés.

http://www.facebook.com/event.php?eid=153733611354947

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L’ART PROXIME

L’ART PROXIME appelle à  réagir contre l’unicité du point de vue, désire provoquer des questions sur ce qui peut, désormais, se dire art. Proximecar il s’impose pour vivre au-delà  des besoins biologiques… Un tel hapax,
proxime î puisqu’il ne s’agit pas de proximité au sens de territoire restreint î implique que l’art se fait dans la rencontre entre celui qui fait et celui qui reçoit, celui ou ce qui est fait ou se fait devant lui.

Rencontres d’art expérimental, Traverse Vidéo débutera le 16 mars avec ces quatre jours de ‟ Rencontres ” en présence de nombreux artistes et se terminera le 2 avril avec son ‟ Dévernissage ” à  18h à  la Chapelle des Carmélites

MERCREDI 16 MARS ; LYCEE DES ARENES

Programme

13h30 Ouverture des Rencontres
Performance
Ouverture des installations î Vernissage
14h00 Projections Des Vidéos d’Ici et d’Ailleurs
15h30 Performance Nicolas Daubanes et suite Vidéos d’ici et d’Ailleurs
18h Performance Peter Goldsworthy

GOETHE INSTITUT

18h30 Ouverture Programmation 40jahrevideokunst.de

OSTAL OCCITANIA

19h30 Ouverture des installations
20h00 Performance Itzel Palomo
20h30 Vernissage
Projection Nomade Despina Matzakis

JEUDI 17 MARS

ESAV

Projections en présence des artistes

14h00 Georges Schwizgebel, Suisse
16h00 Dania Reymond, Lyon
16h45 Eric Ledune, Belgique
(démonstration et explication de son travail)
18h00 Performance dans la rue, de Lin Htet, départ ESAV

CHAPELLE DES CARMELITES

18h30 Ouverture des installations, rencontres avec les artistes
Projection Nomade Benoit Balfet
Performance Itzel Palomo

VENDREDI 18 MARS

FABRIQUE CULTURELLE î CIAM

12h0 Vernissage et ouverture des installations
13h00 Performance Mehdi Farajpour
13h30 Projection de la Pépinière européenne pour Jeunes Artistes
13h45 Projection Vidéos d’école Ensad Paris, Beaux Arts de Bruxelles et autres dont Toulouse
16h45 Performance, Emilie Franceschin
17h15 Carte Blanche au CJC de Paris

CINEMA GAUMONT WILSON

19h00 Performance Moussa Sarr
19h30 Projection, vidéos en boucle sur les écrans en façade du Gaumont
20h30 Départ vers ELP: Performance Peter Goldsworthe

ELP

21h00 Installation éphémère, Peter Goldsworthy, Vernissage

SAMEDI 19 MARS

LES ABATTOIRS

14h00 Projection Vidéos du Québec
Vidéographe / Groupe Intervention Vidéo
15h00 Le quart d’heure Suisse
Peter Volkart/Christina Benz/Thomas Haemmerli
15h20 Les demi-heures de:
Suzan Vachon/Pascale Sequer/Philippe Rouy/Darrio Lazzaretto

THEà‚TRE GARONNE

19h00 Projections Nomades
Benoit Balfet/Blanche Laviale/Despina Matzakis
19h30 Vernissage des installations

Pour tout renseignement supplémentaire (et consulter la programmation dans sa totalité):
www.traverse-video.org
info@traverse-video.org
05.62.13.10.00

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Retrouvez Après le feu en compétition officielle à  Vidéoformes pour prix de la création vidéo. Vous pourrez voir le film dans le programme 4 de le compétition et en continu durant le festival projeté sur le cube ansi qu’à  la vidéothèque éphémère…

VIDEOFORMES 2011
26e manifestation internationale art vidéo et cultures numériques à  Clermont-Ferrand
projections d’art vidéo, conférences et tables rondes, performances, expositions, et installations dans l’espace public

Prix de la création vidéo
Festival du 16 au 19 mars
La compétition offre une vitrine à  la création vidéo contemporaine. Elle présente un panorama à  travers une sélection de vidéos originales et créatives, très souvent produites de manière indépendante. Jury : / Mona Bentzen, artiste et commissaire de ‟ Art Vidéo Exchange ”, Norvège / Wim Lambrecht, artiste et enseignant à  St Lukas Hogeschool, Gent, Belgique / Martine Markovits, responsable de la programmation vidéo à  l’Ecole Nationale des Beaux Arts de Paris.

Le CUBE
Place Jaude du 17 au 29 mars – Projections nocturnes
Vidéoformes présente une sélection de 48 films en projection nocturne sur l’espace public.

Vidéothèque éphémaire
Ouverture du 17 mars au 3 avril à  l’Espace Victoire
Place de la Victoire 63000 Clermont-Ferrand
Du mardi au samedi de 10h à  12h30 et de 13h30 à  18h / Entrée libre
La Vidéothèque Ephémère propose au public comme aux professionnels une sélection d’environ 150 vidéos consultables sur moniteurs.. Les vidéos du Prix de la Création Vidéo 2011 seront intégrées à  la Vidéothèque Ephémère après leur projection en salle.

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Nicole Brenez has curated two programs of new work from the French avant-garde for this year’s Rendezvous with French Cinema 2011 in New York; below she has offered her program notes in French. Program one (on Saturday) concentrates on filmmakers reappropriating images; program two (Sunday) is the new feature by Ange Leccia, Nuit bleue. [...]

À partir de 1924, au Vieux-Colombier à  Paris (ombilic de la cinéphilie française, site du premier ciné-club), commença une série de conférences sur le cinéma assurées par les auteurs de la première avant-garde et fondées sur la projection de films ou d’extraits de films. Jean Epstein en donna une sur le cinéma d’avant-garde, et montra Coeur fidèle [1]. Il nous reste le montage effectué par Marcel L’Herbier à  cette occasion, Le Cinématographe et l’espace. Causerie financière, prémices des histoires du cinéma par lui-même, qui aboutiront aux fresques de Al Razutis (Visual Essays : Origins of the Film, 1973-1984), Noà«l Burch (La Lucarne du siècle, 1985), Jean-Luc Godard (Histoire(s) du cinéma, 1988-1998) ou Gustav Deutsch (Film ist, 1998-2002). À mesure que s’accumulent les images et que s’en démultiplient les pratiques, les supports, les modes de diffusion, se développent aussi les initiatives analytiques et critiques. Une part d’entre elles se consacre à  l’investigation sur les images de surveillance, instruments du contrôle social par vocation ou par asservissement subreptice : citons à  cet égard Le Géant de Michael Klier (1983) ; les oeuvres essentielles de Guy Debord, Harun Farocki, Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi ; les poèmes critiques de Bruce Conner (Crossroads, 1976) ou de Travis Wilkerson (National Archive V.1, 2001) tous deux à  base d’archives visuelles militaires américaines. Un pan expérimental se consacre à  l’étude plastique ou sémantique de la désinformation dans l’espace public, tel Mounir Fatmi métamorphosant les images télévisuelles que lui ont confié les habitants d’une cité (Dieu me pardonne, 2004), Jayce Salloum retournant sur les images des massacres de Sabra et Chatila ((As if) Beauty never ends, 2003) ou, sur un bord opposé, Peter Emanuel Goldman critiquant pas à  pas le traitement du conflit israélo-palestinien par les médias américains (NBC Lebanon : A Study of Media Misrepresentation, 1983). Un autre grand pan des recherches se confronte au cinéma de façon endogène, sur un mode analytique (Ken Jacobs, Tom Tom the Piper’s Son, 1969-1971), historique (Thom Andersen, Los Angeles Plays Itself, 2003), polémique (Kirk Tougas, The Politics of Perception, 1973, Kali-Film, Wilhelm et Birgit Hein, 1988, les travaux de Yves-Marie Mahé), matériologique (Peter Delpeut, Lyrical Nitrate, 1990), élégiaque (Rose Hobart, Joseph Cornell, 1936), ou tout cela à  la fois (la Trilogie CinémaScope de Peter Tscherkassky, 1996-2001). Notons que la décennie 2000 a commencé à  faire retour sur les images de l’avant-garde elle-même, à  l’instar de Stefani de Loppinot travaillant les images du Blow Job d’Andy Warhol (Blue Job, 2004), ou Peter Tscherkassky remployant Le Retour à  la raison de Man Ray (Dream Work, 2001).

Ces artistes et bien d’autres (pour citer des recherches très différentes : René Viénet, Péter Forgà¡cs, Bill Morrison, Brahim Bachiri, Hartmut Bitomsky, Douglas Gordon, Augustin Gimel, Johanna Vaude…) alimentent par leurs propositions formelles l’affirmation de Pierre Restany : ‟ L’une des caractéristiques de l’avant-garde au XX^e siècle est précisément celle-ci : l’autocritique du fait visuel, par ses inéluctables réactions en chaînes, a été déterminante dans tous les autres secteurs de la création. Les spécialistes du langage visuel ont une responsabilité capitale : ils conditionnent plus ou moins directement l’évolution et le renouveau de l’entière structure du langage contemporain” [2].

[...]

Satyagraha de Jacques Perconte est né de la même circonstance que À la barbe d’Ivan : chacun des deux films est en soi superbe, et leurs différences esthétiques offre spontanément un constat sur l’ampleur des ressources plastiques qui s’offrent aux cinéastes contemporains. “La Satyagraha ou ‘étreinte de la vérité’ (satya = vérité, agraha = saisie) est le principe de non-violence par la désobéissance civile que Mohandas Karamchand Gandhi a instauré. Que sont devenues les valeurs de Gandhi aujourd’hui ? Quel monde voulons-nous construire ? Le film ne donne pas de leçon, il n’explique pas, il ouvre un espace sensible et y glisse la question”, explique Jacques Perconte à  propos de Satyagraha. Artiste du numérique, Jacques Perconte travaille à  infuser des idéaux politiques dans le fonctionnement même de l’image numérique. Comment ? Tout d’abord, par le principe qui structure sa recherche et qu’il résume en une paradoxale formule : ‟ Sculpter l’imprécision née des mathématiques ”, c’est-à -dire créer des programmes qui permettent d’engendrer l’image à  partir d’ ‟ erreurs ” ou de déréglements dans la continuité des calculs de compression et de décompression. C’est le principe du ‟ glitch ” bien connu des musiciens, mais systématisé puisque Jacques Perconte s’en sert pour inventer des programmes entiers de création d’images. Ensuite, par son ancrage esthétique qui, au rebours de la domination du calcul, revendique les puissances de l’impression, au sens phénoménologique mais aussi pictural de ce terme. Je cite Jacques Perconte : ‟ pour la plupart de mes films, avant chaque image, il existe un phénomène vibratoire naturel d’une force magique, une lumière qui m’emporte. Un sentiment qui me déstabilise. Alors j’enregistre, tout en sachant que cela sera différent. Que je ne retrouverai jamais cette brise. Parce que la technologie ne saura pas voir ce que je vois, et qu’avec ses délicats défauts (ses spécificités) elle me permettra peut-être de révéler quelque chose d’où émaneront de nouvelles ondes fondamentalement reliées aux premières ”. Autrement dit, le travail de Jacques Perconte se consacre à  relocaliser, relativiser et réinscrire l’arsenal technologique à  sa juste place dans l’ergonomie humaine. Satyagraha constitue à  ce titre un art poétique, qui voit soudain une syntaxe de pixels symboliser la chute d’un homme en même temps qu’un soulèvement émotionnel.

[...]

***

1. Essais et remplois : how to use classical images to enlighten actual fights

Al Attlal (Ruines) de Zoulikha Bouabdellah, France, 2009, 3’58, vidéo, coul et n&b

À la barbe d’Ivan de Pierre Léon, France, 2010, 10’, vidéo, coul

Satyagraha de Jacques Perconte, France, 2010, 5’, Film HD, coul

The End of the World Begins With One Lie de Lech Kowalski, France, 2010, 62’, DVCAM, coul

2. La fiction enchantée / The enchanted fiction

Nuit bleue de Ange Leccia, France, 2010, 86’, coul, 35mm

“Following a death, a young woman returns to her island of birth, Corsica. She finds herself in a nationalist male world in the impressive and desolate landscape around Cap Corse. The story in this film without dialogue by the artist Ange Leccia is driven by songs such as Ne dis rienby Serge Gainsbourg.

A young woman, Antonia, returns to her island of birth, Corsica, after one of her relatives has disappeared at sea. She is torn back and forth between her old love Ettore and the dumb Alexander. The quest for Antonia’s place in the masculine environment of armed nationalism is an excuse for all kinds of peregrinations in the spectacular landscape of Cap Corse – a landscape that itself becomes a leading character. The plot of this fascinating film, entirely without dialogue, is told in songs such as Ne dis rien by Serge Gainsbourg. With the songs, the maker reveals the psychology of his characters, who seem to be in the grip of an age-old, atavistic melancholy.

Nuit bleue was directed by the Corsican artist Ange Leccia. He has a major oeuvre to his name with photos, films, videos and installations. He has also made films in cooperation with Dominique Gonzales Foerster.”

***

1 Cf le compte-rendu (très négatif) de Paul de La Borie, ‟ La vie corporative : le cinéma d’avant-garde ”, in Cinémagazine, 2 janvier 1925, p. 27-28.

2 Pierre Cabane et Pierre Restany, L’Avant-Garde au XX° siècle, Paris, Balland, 1969, p. 10

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J’ai maquetté quelques plans ensemble. Dans ma technique picturale, je prépare mes plans comme des pigments avant de les combiner. À cette étape-la du travail, je les considère comme des fichiers informatiques. Je les traite comme tels. Sans trop les altérer, j’ai suspendu leur cohérence interne. C’est-à -dire que j’ai déformé leurs structures informationnelles. Pour ce faire j’ai éliminé le principe des images clefs. Les plans ne sont plus que des descriptions de mouvement. Normalement un fichier vidéo numérique, c’est une suite de données décrivant des images (plus ou moins en fait, Philippe Dubois a bien démontré qu’en vidéo, l’image n’existe plus). Pour la plupart des gens, la vidéo, c’est quelque chose comme 25 images par seconde. Là , dans l’ordinateur, on imagine que c’est pareil. En fait, dans le numérique (où, loin de la théorie la notion d’image est techniquement ancrée), ces 25 images sont rarement complètes. La plupart sont partielles. De sont des intermédiaires intelligents entre les images pleines. Cela permet de diminuer le poids (la quantité de données) à  enregistrer pour restituer la vidéo. Plus il y a d’images pleines, plus le fichier est lourd. En général, les formats courants des fichiers vidéo maintiennent le taux de ces images clés entre une pour cinq à  une pour vingt. Certains formats vont jusqu’à  une pour deux cent cinquante… En fait, pour être fidèle a ce qui a été enregistre, il n’est supposé nécessaire que d’avoir une image pleine au tout début et une suite de références jusqu’à  la fin.

Ce principe (un des principes en fait) de compression, je le pousse à  l’extrême puisque j’élimine finalement toutes les images pleines. La vidéo ainsi préparée mise en lecture s’ouvre sur un vide d’information. Le film se lance dans le gris. Il n’y a rien de décrit. Et ainsi jusqu’à  la fin du film, les événements picturaux (la vie interne de l’image) se structurent en référence à  ce qui était. Plus rien n’est borné par le passé. L’image libérée dessine le devenir de ses composantes originelles. L’analogie au monde se fait dans une ontologie digitale.

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Quel film se trame ? Je fais depuis quelques années un chemin intérieur qui dévoile mon attention. Je tends à  m’écarter des choses qui m’éloignent de la lumière. C’est une volonté qui s’affirme. Et, je ne sais pas pour vous, mais c’est souvent un combat quotidien. Je dois me débarrasser de tout ce manque de sobriété, de toutes ces formes d’attachement qui sont les chaines de l’endormissement. Comme j’écrivais un spectacle de danse il y a quatre ans qui s’appelaient l’éveil, je cherche aujourd’hui, a voir quel film je pourrais faire sur la présence au monde.

Quelque part j’aimerais échapper au film qui joue avec la contemplation. Je cherche à  savoir quelle piste suivre pour rompre avec la fascination, pour éviter la séduction. C’est peut-être un chemin impossible aujourd’hui avec le genre que je déploie. Mais c’est bel et bien mon intention.

Je commence a comprendre que lorsque je m’aventure seul dans le pays des arbres, des herbes, des eaux et des cieux, je laisse mes idées derrière moi. Je ne commente pas intérieurement. Je ne me dis pas quoi que ce soit. Et là  la camera a peut être un peu guide les pas. Parce que j’ai décidé pour cette aventure de laisser les choses se faire. Je filme en plans fixes. La calera, l’appareil a enregistre est calé sur son pied. Je vois et je laisse filmer. Pendant ce temps je respire. J’assiste au spectacle. Et plus cela va moins je cherche l’événement. Parce que je capture c’est ce qui fera mon film : un film qui ne commente pas.

Bien sà»r c’est quelque chose de bien difficile à  faire, d’échapper au commentaire. J’ai filmé quantité de choses en voulant les raconter. Mais ces choses sont si intimes, si petites que beaucoup se demanderont quel sens elles portent. Je garantis qu’elles ne portent que le leur. Et que mon effort, déjà , est d’y être présent. L’intensité de mon regard porté sur les choses se veut libéré de la contrainte de la pensée. C’est un film politique qui lutte contre le trop-plein de raison. On apprend à  avoir des avis. Faire un film, c’est construire un regard explicite. Là , je construis un paysage dans sa dimension plastique, dans une certaine perspective que je dois encore découvrir.

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Mar. 03 - Mar. 14

North America’s leading showcase for the best in contemporary French film returns! Works by several of France’s best-known filmmakers–Bertrand Tavernier, Claude Lelouch, Catherine Breillat, Benoît Jacquot–are included alongside outstanding debuts by Katell Quillévéré, Valérie Donzelli, and Angelo Cianci, and two programs of experimental media works. Finally, we are delighted to welcome back Catherine Deneuve, who will be with us to present the delightful Potiche. All films are New York premieres!

FRENCH EXPERIMENTAL CINEMA PROGRAM ONE: REDEPLOYING CLASSICAL IMAGES

Curated by Nicole Brenez, prominent film critic and curator for the experimental cinema programs at the Cinémathèque française in Paris

Saturday Mar 12: 4:15 pm
SERIES: RENDEZ-VOUS WITH FRENCH CINEMA 2011
COUNTRY: FRANCE | FRENCH | RUNNING TIME:81M

An “Oum Kalthoum”/Kama Sutra mash-up, Lech Kowalski on Robert Flaherty’s glorious Louisiana Story, Eisenstein reflecting on the beating of cineaste Joachim Gatti, and more.

The End of the World Begins With One Lie
Lech Kowalski, France, 2010; 62m

Drawing on Internet images related to the 2010 oil spill in the Gulf of Mexico, director Lech Kowalski deconstructs Robert Flaherty’s classic 1948 documentary Louisiana Story (a film originally commissioned by Standard Oil). “I am quite interested in how the Internet is giving us information using images that anyone can produce and the contrast between ‘corporate’ images and nonprofessional images and story constructions,” says Kowalski.

Al Attlal (Ruines)
Zoulikha Bouabdellah, France, 2009; 4m

Music by Philippe Mallier, with text by Ibrahim Naji and music by Riad Sunbati, the cult song by Oum Kalthoum covers a major theme in Arab poetry: recalling a past love. The slideshow’s soundtrack (produced with the composer Philippe Mallier) reinvests the singer’s wailing with new meaning: the original moaning becomes sexually charged sighing, played over an elliptical background of poses from the Kama Sutra, as if to synthesize the act of love-making.

À la barbe d’Ivan
Pierre Léon, France, 2010; 10m

An insightful work from cineaste, critic, musician, and actor Pierre Léon (whose films will be featured in our April series Free Radicals: Serge Bozon and the New French Cinema). Léon uses images from Eisenstein’s Ivan the Terrible to reflect upon the 2010 beating of young cineaste Joachim Gatti by police and the economically vulnerable members of French society.

Satyagraha
Jacques Perconte, France, 2010; 5m

A meditation on the principle of non-violence as employed by Mohandas Karamchand Gandhi in the practice of civil disobedience. What has happened to Gandhi’s values today?

The Film Society of Lincoln Center
70 Lincoln Center Plaza
New York, NY 10023-6595

Walter Reade Theater
Automated schedule line 212 875 5600
Box Office 212 875 5601

*
Support for Rendezvous is provided by the Grand Marnier Foundation and the French Cultural Services.

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« Ceux qui composent de lumières colorées la lumière unique et essentiellement blanche, voilà  les vrais obscurantistes. »
Goethe , Maximes et réflexions

Doucement, étrangement, je glisse vers une nouvelle dimension d’écoute et d’entendement des choses d’ici et là . Fasciné je découvre une continuité à  ma sensibilité. Une continuité portée par des idées qui auraient pu me choquer il y a quelques années. Le paysage est un beau pays pour faire ce voyage initiatique que j’ai entrepris sans le savoir. Et qui au fur et à  mesure des films et des mots se dessine de plus en plus clairement. Je commence à  y voir quelque chose de bien plus lumineux que ce que j’espérais.

« Celui à  qui la nature commence à  dévoiler son secret se sent irrésistiblement attiré par son interprète le plus digne, l’art ».
Goethe cité par Rudolf Steiner dans Nature des couleurs, L’expérience de la couleur, les quatre couleurs-images.  Conférences à  Dornach les 6-7 et 8 mai 1921, éditions TRIADES  / Voir ses deux cours scientifiques donnés peu de temps auparavant : lumière et matière, GA 320 et Chaleur et matière, GA 321

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Le 2 février 2010, trois réalisateurs se penchent sur le berceau de Triptyque Films : Charles H. Drouot, Guillaume Massart & Thomas Mouquet. Une société de production de documentaires d’auteurs, exigeants, neufs, originaux, est en train de naître.

Une année a passé, et Triptyque n’a fait que grandir. Cette soirée anniversaire au cinéma Nouveau Latina, en partenariat avec la Nouveaux Cinémas Partyz n°17, est l’occasion de présenter l’intégralité des films produits en 2010 et de donner un avant-goà»t des projets de Triptyque Films en 2011…

le 2 mars, pour 5 euros, dès 20h :

APRàˆS LE FEU
Jacques Perconte
7 minutes

À quelques kilomètres d’Ajaccio, la terre brà»lée cède sous le poids
de la couleur. Le sol se fend et libère des énergies picturales qui
s’emparent du ciel. Je vois l’horizon disparaître, mais je le fixe. Le
train continue sa route…

POMPEI NOUVELLE COLLECTION
Guillaume Massart
6 minutes

Un visiteur du futur fouille les vestiges de notre société contemporaine,
tel un archéologue les ruines de Pompéi.

QUAND JE SERAI GRANDE
JE SERAI FOOTBALLEUR
Diane Sara
extrait de 10 minutes (sortie en 2011)

Entre Paris, Berlin, Montréal, New York et Paris, une jeune femme tente
de construire un journal filmé à  partir des fragments de sa vie.
Des hommes et une femme, qui disparaît là -bas, de l’autre côté de
l’Atlantique : Britney Spears.

LAISSEZ ICI TOUTE ESPÉRANCE
Charles Habib Drouot
version de travail 35 minutes (sortie en 2011)

Le Chinagora, au confluent de la Seine et de la Marne. Inexplicable
reproduction kitsch de la Cité Interdite, dont seul le luxueux hôtel survit
encore. Est-ce là  que nos âmes finiront, torturées pour l’éternité par
le silence et la solitude ?

LE CRÉPUSCULE
Guillaume Massart
11 minutes

Batman et Spider-Man, James Bond et les cow-boys, attendent patiemment
les vampires de la nuit.

PINGOUINS
Collectif Anonyme
12 minutes première publique

“Les vrais films sur les pingouins ne seront convaincants que le jour
où un pingouin saura se servir d’une caméra.”
(Chris Marker, 2003)

& à  22h30, après les films, les petits fours : Concert Privé !

Nouveau Latina – 20 rue du Temple – 75004 Paris – Métro : Hôtel de Ville
Contact : triptyque.films@gmail.com – Visuel : Erwan Poindron

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➡ Mais avant tout je vous convie à  la soirée organisée à  Paris pour le  premier anniversaire de Triptyque Films, mes producteurs le mercredi 2 mars à  20h, au Nouveau Latina (5€) Paris / 20 Rue du Temple, Paris Joignez-vous à  nous pour ces un an avec une joyeuse salve de courts métrage  suivie d’un cocktail et d’un concert.

Triptyque Films souffle sa première bougie !

Et puis :

➡ Du 3 au 13 mars,  satyargaha sera au rendez-vous with french cinema, The film society of lincoln center, New York
➡ Le samedi 5 mars 2011 à  20h30 Annette entre deux pays, spectacle dont j’ai réalisé le décor vidéo sera joué au Centre culturel de Beauchamp (95)
➡ Vous pourrez me retrouver le lundi 7 mars à  17h pour une rencontre sur l’invitation de Reynald Drouhin à  l’école des Beaux-Arts de Rennes
➡ Le 14 mars, à  l’université Paris X pour le colloque « Créer sans nouveauté : l’art et la politique aujourd’hui » vous pourrez entendre Gabrielle Reiner sur Satyagraha.
➡ Du 16 mars au 19 marsAprès le feu est en compétition à  Vidéoformes, à  Clermont-Ferrand
➡ Du 16 mars au 2 avril, Après le feu sera au festival Traverse Vidéo à  Toulouse
➡ Et du  26 mars au 18 septembre 2011 It’s all about love sera installé dans un nouvel accrochage dans l’exposition Amours. Un été contemporain, au Musée Paul Dini à  Villefranche-sur-Saône

Quand mars bien mouillé sera,
Beaucoup de fruit cueillera!

En avril, peut-être encore New-York, Marseille certainement… à  voir par là , dans le fil de la TimeLine que je remets à  jour.

➡

Seasons, la mailing list : http://seasons.technart.fr

N’hésitez pas à  partager ces informations..

En vous remerciant,
À bientôt.

Jacques Perconte
06 60 61 54 08
http://www.jacquesperconte.com
http://www.technart.net
http://blog.technart.fr

…

* Informatique & Liberté
Les traitements de données à  caractère personnel mis en oeuvre aux seules fins d’expression littéraire et artistique sont dispensés de déclaration auprès de la CNIL (Article 67 de la loi 78-17 modifiée). Conformément À l’article 34 de la loi « Informatique et Libertés », vous disposez d’un droit d’accès, de modification, de rectification et de suppression des données qui vous concernent. Pour exercer ce droit d’accès, adressez-vous à  : Jacques Perconte, 39, rue des Montibeoufs, 75020, Paris

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« Plus un contemplateur a l’âme sensible, plus il se livre — aux extases qu’excite en lui cet accord. Une rêverie douce et profonde s’empare alors de ses sens, et il se perd avec une délicieuse ivresse dans l’immensité de ce beau système avec lequel il se sent identifié. Alors tous les objets particuliers lui échappent; il ne voit et ne sent rien que dans le tout [Rousseau, 1782].  »

Impressions, 2011,

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Jeudi 17 février à  18h, carte blanche au Collectif Jeune Cinéma au Festival Directors Lounge de Berlin.
En présence de Daphné Hérétakis et Orlan Roy.

Clint Enns – Back + Fortth, 2009
Jacques Perconte – Le Passage, 2009
Robert Todd – Seeking Sunlight, 2010
Mark Street – Trailer Trash, 2009
Cécile Ravel – L’eau, l’air et les songes, 2009
Derek Woolfenden – Black’s Back, 2009
Mauro Santini – Notturno, 2009
Gérard Cairaschi – Magia, 2010
Orlan Roy – Turquoise, 2009

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« Au moment où l’argentique est réputé disparaître, fleurissent les poèmes visuels, souvent élégiaques, parfois aussi apocalyptiques, qui se consacrent à  déployer les effets de la lumière sur la pellicule dans un contexte documentaire. S’inscrivant dans une longue tradition qui court des opérateurs Lumière et Kahn à  Hollis Frampton en passant par Rudy Burckhardt et Charles Sheeler, aujourd’hui Peter Hutton, Leigton Pierce, Robert Fenz, Alexandra Cuesta, F. J. Ossang continuent de sculpter des empreintes lumineuses pour en observer les radiations et le bougé, les approximations et les insistances. ‟ Le numérique est une circulation permanente d’électrons î tandis que l’argentique est une élévation hors du noir premier, comme l’icône î 24 images fixes par 24 images fixes… ” (F.J. Ossang, 2004). Derniers feux d’artifice ? Le vocabulaire plastique des intermittences lumineuses semble loin d’être épuisé.[...]

En s’appuyant sur des réflexions de Jean-Luc Godard lors d’un échange privé, Jean-Pierre Beauviala, le créateur d’Aaton, y définit les différences entre le support argentique et la logique numérique, selon un critère principal : la stabilité. Au cours d’une conversation, rapporta Beauviala, Godard lui expliqua qu’au cinéma, chaque photogramme garde une empreinte structurée de manière différente, à  cause du défilement pelliculaire et de la répartition aléatoire des sels d’argent pourtant à  concentration identique. Au contraire, disait Godard, l’image numérique est issue de la traduction par le capteur CCD, petite plaque fixe et invariante portant une grille de cellules, des intensités lumineuses en flux électriques1. Autrement dit (c’est moi qui parle), l’arrivée du numérique permet de ressaisir a posteriori une spécificité constitutive de l’image argentique : son instabilité. [...]

Parmi les artistes qui continuent aujourd’hui de sculpter les empreintes lumineuses pour en observer les radiations et le bougé, les approximations et les insistances, il faut mentionner, parmi beaucoup d’autres, l’allemande Helga Fanderl, l’américain Robert Fenz, le new yorkais Jem Cohen, le thaïlandais Apichatpong Weerasethakul et en particulier ce moment exceptionnel dans l’histoire des images, qui voyait un homme spontanément s’embraser dans la jungle (intallation Primitive, 2009)… De telles initiatives texturelles et temporelles métamorphosent les phénomènes à partir d’eux-mêmes à l’instar des bombes, bouquets, embrasements, cascades ou soleils propres à la pyrotechnie. Mais pour conclure, évoquons un auteur qui inverse la partition décrite par Jean-Luc Godard et Jean- Pierre Beauviala, et travaille à ce paradoxe de conserver et infuser des valeurs argentiques dans le cinéma numérique : Jacques Perconte. Par quelles voies et pour quel dessein inverser les vapeurs de l’histoire technologique ?

Tout d’abord, Jacques Perconte organise sa pratique autour d’un principe structurant : l’imprécision. Il résume celui-ci en une paradoxale formule : « sculpter l’imprécision née des mathématiques ». Cela consiste à expérimenter de nombreux logiciels et choisir ceux qui présentent, selon le terme de Jacques Perconte, une « flexibilité » : « j’essaie et j’apprends énormément d’outils – de logiciels pour trouver ceux dont les limites sont flexibles et que l’on peut pousser. Je cherche ceux qui ne fonctionnent pas très bien et dont les mauvais fonctionnements peuvent être qualitatifs pour moi. » Jacques Perconte détourne alors les programmes qui permettent d’engendrer l’image à partir d’ « erreurs » ou de dérèglements dans la continuité des calculs de compression et de décompression. À ce titre, dès les années 1990, son oeuvre a anticipé les écritures du glitch, aujourd’hui proliférantes en musique comme dans les arts visuels.

Ensuite, l’ancrage esthétique de Jacques Perconte revendique les puissances de l’impression, aux sens à la fois phénoménologique et pictural. « Pour la plupart de mes films, avant chaque image, il existe un phénomène vibratoire naturel d’une force magique, une lumière qui m’emporte. Un sentiment qui me déstabilise. Alors j’enregistre, tout en sachant que cela sera différent. Que je ne retrouverai jamais cette brise. Parce que la technologie ne saura pas voir ce que je vois, et qu’avec ses délicats défauts (ses spécificités) elle me permettra peut-être de révéler quelque chose d’où émaneront de nouvelles ondes fondamentalement reliées aux premières ». Le dernier film à ce jour de Jacques Perconte, Impressions (2011), tourné en Normandie en HD et pour lequel il a inventé un programme spécifique de déréglement et de répétition aléatoire des accidents, revient sur quelques-uns des sites emblématiques de la peinture impressionniste dont la puissance simultanément visuelle et historique, tel un ouragan plastique, oblige à désorganiser et réinvestir les limites des ressources numériques. Impressions créées de nouvelles formes de montage par fragmentation et fondus sylleptiques, qui installent, désinstallent, confrontent et refondent avec systématicité la luminosité de l’image haute définition avec les couches et sous-couches de ses échafaudages de pixels. Il en naît une stupéfiante pâte optique constituée de greffes et de regreffes, une nouvelle palette née in situ, et un rendu du paysage normand sous forme d’une explosive complexité texturelle et chromatique. Le numérique soudain semble lancer une nouvelle asymptote vers le sensible. Enfin, faisant rebasculer le numérique du côté de l’empreinte analogique, l’image figure son engendrement symbolique à partir du motif lui-même (et non de l’outil). Dans son film Après le feu (2010), Jacques Perconte renoue involontairement mais directement avec la littéralité de l’imagerie grâce à laquelle Henri Langlois rattachait les gares Saint-Lazare de Monet à l’impondérable des Lumière : ce qui ne se joue pas seulement dans le choix du motif (un travelling avant en train, comme dans les panoramas de Félix Mesguisch, cette fois en Corse), mais dans le travail effectué à partir des poussières et taches qui recouvrent la vitre de la cabine de pilotage. À partir en effet de cette poussière d’aléa, Jacques Perconte engendre des logiques de propagation « glitchées » par où ruissellent les apparitions chromatiques, travaillées dans leurs capacités à produire des différenciations cinétiques incontrôlables. Le travail de Jacques Perconte rend un hommage flamboyant au génie instable de l’argentique perfusé dans le numérique.»

Poèmes argentiques contemporains, génie de l’instable

Au moment où l’argentique est réputé disparaître, fleurissent les poèmes visuels, souvent élégiaques, parfois aussi apocalyptiques, qui se consacrent à  déployer les effets de la lumière sur la pellicule dans un contexte documentaire. S’inscrivant dans une longue tradition qui court des opérateurs Lumière et Kahn à  Hollis Frampton en passant par Rudy Burckhardt et Charles Sheeler, aujourd’hui Peter Hutton, Leigton Pierce, Robert Fenz, Alexandra Cuesta, F. J. Ossang continuent de sculpter des empreintes lumineuses pour en observer les radiations et le bougé, les approximations et les insistances. ‟ Le numérique est une circulation permanente d’électrons î tandis que l’argentique est une élévation hors du noir premier, comme l’icône î 24 images fixes par 24 images fixes… ” (F.J. Ossang, 2004). Derniers feux d’artifice ? Le vocabulaire plastique des intermittences lumineuses semble loin d’être épuisé.

Colloque LUMIERES DES LUMIERE | Le Fresnoy, Tourcoing
Poèmes argentiques contemporains, génie de l’instable

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EN COLLABORATION AVEC L’UNIVERSITE DU QUEBEC A MONTREAL (UQAM) ET SCHOOL OF IMAGE ARTS, RYERSON UNIVERSITY A TORONTO

La physique moderne nous l’a appris : la lumière, c’est de la matière. Tout corps, vivant ou inerte, n’est visible que parce qu’il émet des particules appelées photons. Mais, à  l’opposé de cette matérialité de la lumière, il y a son immatérialité : les images des projections lumineuses semblent dépourvues de support physique si un écran ne les intercepte pas pour les rendre visibles. La question de la lumière est à  la fois au centre de sciences comme l’astrophysique, et au centre de disciplines artistiques comme la peinture, la photographie, le cinéma, les installations, les arts de la scène. La lumière éclaire aussi bien le théâtre de l’univers que le théâtre humain.

Organisé parallèlement à  la grande exposition que Le Fresnoy consacre à  Michael Snow, ce colloque qui réunira artistes, historiens, philosophes, scientifiques vise à  « faire la lumière sur la lumière » et, en tous cas, de croiser les lumières des spécialistes de diverses disciplines et cultures, en associant trois institutions : l’Université du Québec à  Montréal (UQAM), Ryerson University à  Toronto et Le Fresnoy – Studio national à  Tourcoing.

Les journées du 10 et du 11 février seront clôturées en soirée respectivement par un événement artistique et une projection de films.

LE FRESNOY
Studio national des arts contemporains
22 rue du Fresnoy – BP 179
59202 Tourcoing cedex
Tel : + 33 (0)3 20 28 38 00
Fax : + 33 (0)3 20 28 38 99
communication@lefresnoy.net
www.lefresnoy.net

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Satyagraha (2009) de Jacques Perconte est un film réalisé à  partir d’une pratique du found footage (terme anglais qui signifie littéralement ‟ métrage trouvé ” et désigne la récupération d’images préexistantes dans le but de fabriquer un autre film). L’oeuvre est dédicacée à  Joachim Gatti, à  l’appel immédiat de Nicole Brenez à  la suite de ce qu’on a appelé ‟ les événements de Montreuil ” de 8 juillet 2009. Ce ‟ manifeste visuel ” répond à  un évènement politique. Comment des oeuvres anciennes sont-elles réutilisées pour interroger l’actuel ?L’ancien serait-il une réponse au nouveau ? Comment Jacques Perconte réfléchit-il dans son film au devenir de la notion de création en art et comment cet art ‟ nouveau ” fait-il écho à  des évènements politiques ?

Créer sans nouveauté : l’art et la politique aujourd’hui, lundi 14, 28 mars et 11 avril de 9h00 à  12h30
Université Paris Ouest Nanterre

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Organisation : Florian Gaité (Université Paris Ouest Nanterre, Sophiapol), Pauline Colonna d’Istria (Université de Poitiers, CRHIA)

Créer sans nouveauté : l’art et la politique aujourd’hui

Ces journées d’étude ont pour vocation à  constituer un groupe de réflexion autour du devenir de la notion de création en art et en politique.

Si le mot de création jouit sans conteste d’une actualité dans le débat public, il ne fait pour autant pas signe vers une urgence de créativité, une nécessité pour chaque époque de se créer des formes radicalement nouvelles. La ‟ thématique de la fin ”, devenue lancinante à  la fois en art et en politique, participe d’un sentiment d’épuisement formel qui semble aujourd’hui confronter les projets d’action à  l’aveu de leur impuissance. En ce sens, le diagnostic de la fin des utopies, des idéologies ou des grands récits en politique, et la proclamation de la fin des avant-gardes, et d’une ‟ ère post-historique ” de l’art nous amènent à  repenser le rapport entre création et nouveauté. Au-delà  d’une conception de la fabrication ex nihilo, devenue stérile pour penser les phénomènes contemporains, la création comme moment originel s’évalue à  nouveaux frais. Aussi, qu’est-ce que créer aujourd’hui ?

L’effacement des représentations révolutionnaires et des projets de critique radicale a profondément renouvelé la conception des formes possibles de l’action politique. Et les sociétés démocratiques modernes, complexes et globalisées, posent encore autrement la question des modalités du geste créateur. Si la figure du décideur politique en vient souvent aujourd’hui à  se confondre avec celle d’un gestionnaire avisé du présent, qu’en est-il de la possibilité de créer du nouveau ?

Les ruptures induites par l’art contemporain, la multiplication des pratiques et des lieux, des matériaux et des sujets, ont permis une prolifération de formes auxquelles l’actuel désengagement des artistes dans la recherche du nouveau semble faire écho. Depuis deux décennies s’officialise une pratique du remake et de la parodie, de la reprise et de la référence, qui fait de chaque oeuvre une sorte de postproduction. Il convient d’apprécier la pertinence du critère d’innovation dans l’art actuel. Quelle redéfinition du ‟ créateur ” peut-on en tirer ? Quel est le potentiel plastique de la répétition ?

Une approche généalogique du terme de création et de ses usages contemporains nous semble pouvoir constituer un levier critique intéressant pour interroger les dynamiques à  l’oeuvre en art et en politique. Les deux premières journées seront centrées plus spécifiquement sur un champ d’étude (l’art puis la politique) et la troisième travaillera au croisement de ces deux approches. Il s’agirait en effet de ne pas forcer d’emblée le parallèle ou le passage entre la création politique et la création artistique. Le croisement n’est pas un postulat ni un point de départ à  ces matinées ; l’intérêt étant qu’il se constitue au fil de la réflexion.

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Après le feu à  la séance DINAMO du festival de Rotterdam
le 30/01/2011 à  19h45

Programme :

1. HAMACA – Los Origenes del Marketing | Leon SUMINIANI
2. COLLECTIF JEUNE CINEMA – Apres le feu | Jacques PERCONTE
3. ARSENAL – ‘O Quam Tristis’ (O, How Sad) | Maite Abella
4. LIGHT CONE – Munchen-Berlin Wanderung | Oskar FISCHINGER
5. AV-ARKKI – Travelogue | Jani RUSCICA
6. HEURE EXQUISE! – La Voà»te | Philippe ROUY
7. VIDEO DATA BANK – Route 666 | George KUCHAR
8. SIXPACK – 1. Film ist mehr als Film (Film Is More Than Film) | Gustav Deutsch, 2. Sa, 29. Juni / Arctic Circle (Sa, 29th of June / Arctic Circle) | Gustav Deutsch
9. FILMFORM – Three Poems by Spoon Jackson î part 1 of 3 |Michel Wenzer
10. NIMk – Horizontal Intimacy | Seoungho Cho
11. FILMBANK/EYE – The Boat| Marco Pando
12. EAI – Japan Tapes (selections of 3min excerpts) | Dan Asher [compilation title]
13. V TAPE – First Nations entry

Après le feu @ International Film Festival Rotterdam 2011

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SOIRÉE BREF N°123 / MARDI 11 JANVIER 2011

http://www.brefmagazine.com/pages/soiree_qds.php

invitation aux voyages

Trip, errance, exil, excursion, balade, virée… tant de mots désignent des déplacements plus ou moins volontaires, parfois imposés par l’Histoire ou sa propre histoire. On n’a donc que l’embarras du choix pour nommer les voyages que déclinent ces films, souvent drôles, parfois touchants et qui nous transportent de la Picardie à  la Turquie en passant par le 9-3, la Chine et des contrées imaginaires. Le parcours que chacun d’eux propose se double d’un périple entre modes d’expressions, jeux d’échos et contrepoints à  la croisée de la prise de vues réelles et de l’animation.

Séance à  20h30

MK2 Quai de Seine
14 Quai de la Seine
75019 Paris
M° Jaurès ou Stalingrad

Avec :

LE NAUFRAGÉ
de Guillaume Brac
2009, 35 mm, couleur, 24 mn.
Réalisation et scénario : Guillaume Brac. Image : Claudine Natkin. Montage : Damien Maestraggi. Musique : Emmanuel Bonnat. Son : Emmanuel Bonnat et Vincent Verdoux. Interprétation : Julien Lucas, Vincent Macaigne et Adelaà¯de Leroux. Production : Année zéro.
Luc part rouler à  vélo pour tenter d’oublier ses problèmes. Une succession d’incidents le contraint à  passer la nuit dans une petite ville de Picardie. Il y fait la connaissance de Sylvain, qui s’efforce de l’aider, pour le meilleur et pour le pire…

IL ÉTAIT UNE FOIS L’HUILE
de Vincent Paronnaud
2010, 35 mm, couleur, 14 mn 30.
Réalisation : Vincent Paronnaud. Scénario : Vincent Paronnaud, Lyonel Mathieu et Frédéric Felder. Son : Denis Vautrin. Musique : Olivier Bernet. Voix : Raphaà«l Lamarque. Production : Je suis bien content productions.
Dans le garage d’une maison tranquille, deux enfants fouillent les étagères et renversent par mégarde un bidon d’huile. Une goutte tombe à  terre et se métamorphose en Goutix, la mascotte officielle des huiles Méroll, friture et moteur, emmenant les marmots faire un voyage merveilleux dans l’usine en question.

TREMBLAY-EN-FRANCE
de Vincent Vizioz
2010, 35 mm, couleur, 21 mn 40.
Réalisation : Vincent Vizioz. Scénario : Vincent Vizioz, Marianne Tardieu et Johann Visentini. Image : Benjamin Chartier. Montage : Marie-Pierre Frappier. Musique : Jansen Tertsie. Décors : Sidney Dubois. Son : Antoine Corbin et Mikaà«l Barre. Interprétation : Jamie Sives et Marie Denarnaud. Production : 4 A 4 productions.
James, un Écossais, débarque un soir à  Paris. Il est à  la recherche de Claire Krapazinski. Sans mesurer l’étendue du chemin qui l’attend, il se lance dans une marche obstinée, en quête d’une lointaine ville de banlieue.

APRàˆS LE FEU
de Jacques Perconte
2010, HD, couleur, 7 mn.
Réalisation : Jacques Perconte.
Musique : Arnaud Castagné. Production : Triptyque Films.
À quelques kilomètres d’Ajaccio la terre brà»lée cède sous le poids de la couleur. Le sol se fend et libère des énergies picturales qui s’emparent du ciel. Je vois l’horizon disparaître mais je le fixe. Le train continue sa route…

CHIENNE D’HISTOIRE
de Serge Avédikian
2009, 35 mm, couleur, 15 mn 30.
Réalisation : Serge Avédikian. Scénario : Serge Avédikian et Karine Mazloumian. Image : Thomas Azuelos. Montage : Chantal Reynaud-Quaglio. Musique : Michel Karsky. Animation : Jimmy Audoin et Frédéric Tribolet. Son : Christophe Heral. Production : Sacrebleu productions.
Constantinople 1910. Trop de chiens errants dans les rues de la ville. Le gouvernement en place cherche le moyen de s’en débarrasser.

BABEL
de Hendrick Dusollier
2010, HDV, projeté en 35 mm, couleur, 15 mn.
Réalisation, scénario, image, montage et effets spéciaux : Hendrick Dusollier. Son : Jean-François Viguié, Vincent Pateau et Guillaume Leriche. Musique : Jean-François Viguié. Interprétation : Xiao Peng, Tian Chao et Zhang Chi. Production : Studio HDK Productions et Maria Roche Productions.
Depuis les montagnes célestes jusqu’au sommet des tours de Shanghai, deux jeunes paysans quittent leur village pour rejoindre la mégapole.

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Après le feu est en compétition au 12ème festival des cinémas différents de Paris. Vous pourrez uy apprécier une très belle projection en Haute Définition du film.
Il passe aux Voà»tes, vendredi 10 à  18h et samedi 11 à  20h.

Pour cette 12ème édition le Festival évolue à  nouveau. L’individu, le film et le collectif, la structure.

Pour la première fois le Festival instaure une COMPÉTITION pour offrir au cinéma expérimental, comme pour le documentaire, la fiction ou l’animation un lieu exclusivement dédié aux films travaillant la forme, la recherche, l’essai et le mélange entre les genres et les supports. Un Grand Prix, un Prix Spécial du Jury ainsi qu’un Prix et une Mention du Jury Presse seront décernés à  l’issue du Festival.
33 films retenus sur plus de 700 visionnés; reflets d’un cinéma contemporain que nous vous proposons fait par des cinéastes résistants aux codes dominants qui ne renonceront jamais et qui inventent les formes du cinéma de demain.

Ce cinéma différent est aussi affaire de collectifs et d’associations qui se battent, tout au long de l’année, pour sa diffusion afin d’augmenter sa visibilité. Et, comme Paris n’est pas le centre de la France, quatre structures essentielles : HEURE EXQUISE! de Lille, LES INSTANTS VIDÉO de Marseille, MIRE de Nantes et LES INATTENDUS de Lyon viennent nous présenter leurs coups de coeur et parler de leur travail.
Une séance sur l’AUTO-CENSURE en présence des cinéastes, des installations et des performances ponctueront cette semaine qui se clôturera par un ÉTAT DES LIEUX du cinéma expérimental en présence des associations et des cinéastes.

Bon Festival à  tous et à  toutes.

Bernard Cerf, directeur du Festival

*

12e FESTIVAL DES CINÉMAS DIFFÉRENTS
ET EXPÉRIMENTAUX DE PARIS
du 7 au 12 décembre 2010
aux Voà»tes – 19, rue des Frigos – 75013 Paris

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Combien de fois, enfant, j’ai couru grimper sur des rochers ? Conquérir une haute pierre. Voilà  une belle aventure à  la mesure dominicale d’une après-midi en famille. Quand des Fécampois de souche cauchoise ont vu ses images, ils ont été ébahis (effrayés) par l’insouciance de ce monsieur. Comment jouer la vie de ses enfants ? La nature est là . La falaise attend son moment. Elle va tomber. On la voit rarement, mais on l’entend me disent-ils. Le drame est potentiel. La tension est là .

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L’exposition Illuminations se transporte à  l’hôtel du département de Fort de France (Martinique) du 19 au 30 novembre 2010  : ECM / Cyberbase à  Fort de France.

Avec les oeuvres de :

Catherine Langlade, « Corps complices »
Vincent Lévy, « Fantôme(s) »
Jacques Perconte, « Paysages / landscapes »
Fred Périé, « Est ce ici ? »
Damaris Risch, « A distance »
Antoine Schmitt, « Black Pixel »
Hugo Verlinde, « Vide »
Hsinli Wang, « L’ombre blanche »

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du 16 au 20 novembre
Maison de la Culture de la Province de Namur
14, avenue Golenvaux
5000 NAMUR – BELGIUM

[...] Média 10-10 a introduit en 2009, une catégorie accessible à  tous les pays européens, la catégorie OVNI (Objets Visuels Non Identifiés) qui se veut un espace ouvert aux expérimentations audio-visuelles en tout genre et qui présente des oeuvres récentes échappant aux catégorisations et témoignant d’une approche résolument originale, loin des formatages imposés. Le succès de cette première expérience, nous convainc d’amplifier cette ouverture caractérisée par l’inventivité, l’audace et la liberté d’expression. [...]
Martine Jacques
Présidente de l’asbl Namur Média
Députée provinciale en charge de la Culture.

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La lumière comme fil conducteur d’un festival anniversaire… Le dixième festival accès(s) célèbre la lumière (plurielle) de notre temps. Après dix ans d’existence, ce festival anniversaire réaffirme plus que jamais son engagement pour la création d’aujourd’hui dans un esprit de dialogue avec tous les publics. Ensemble, nous voulons penser et construire le monde de demain, un espace-temps éclaté, métissage de cultures, d’histoires et de technologies. Les arts numériques ne font pas table rase du passé et des richesses culturelles de notre civilisation plurielle. L’aventure de la création à  l’ère du multimédia apporte un éclairage sur le monde. Un regard éclairant sur la société de la communication globale, des réseaux et de l’urgence.

Jeudi 18 novembre

Soirée d’ouverture Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre

19h30 Performance sonore de Mathias Delplanque

20h Vernissage des expositions, en présence des artistes Etienne Rey,Cécile Babiole, Laurent Pernot, Jacques Perconte et Lucas Bigeardel

21h30 Performance sonore de Mathias Delplanque

Vendredi 19 novembre

Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre

19h à  22h Nocturne des expositions

Samedi 20 novembre

Médiathèque d’Este Billère / Entrée libre

15h Rencontre avec Etienne Rey

Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre

19h à  22h Nocturne des expositions / Entrée libre

Ring des abattoirs, Billère / 5€

21h Lecture-performance Hong Kong Police Terrorist Organisation – Pierre-Yves Macé et Mathieu Larnaudie

22h30 Performance audiovisuelle Géo – Solid Matter – Duncan Pinhas et Giorgio Partesana

Dimanche 21 novembre

Cinéma d’art et d’essai Le Méliès, Pau / Tarif à  définir

14h Carte Blanche à  Jacques Perconte

Mardi 23 novembre

Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre

21h à  23h Emission spéciale 10 ans d’accès(s) en direct de Marseille

Vendredi 26 novembre

Ring des abattoirs, Billère / Entrée libre

21h Soirée Corpus, architectures et sonorités Projection de films et rencontre avec le collectif Art of Failure

Samedi 27 novembre

Médiathèque des allées, Pau / Entrée libre

17h Rencontre avec David Fenech

Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre

19h à  22h Nocturne des expositions / Entrée libre

Route du son, Les abattoirs, Billère / 10€

20h45 Soirée de concerts – Noone + Bot’ox + Emine&So

Dimanche 28 novembre

Ring des abattoirs, Billère / Entrée libre

17h Dévernissage - Concert de David Fenech

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Comment ramener mon travail plastique à  une simplicité poético-technique. Les techniques que j’utilise ont elles des noms ? Je construis ce qu’on appelle des composites. Des films faits de couches d’images. Elles sont percées et s’additionnent de manière complexe. Les flux temporels sont travaillés, compressés dans une double approche esthétique (maîtrisée) et technique (détournée). Certaines méthodes pourraient être ramenées au datamoshing, technique récemment proclamée, mais je n’utilise pas les mêmes outils et mon approche est bien plus radicale et moins calculée.

En me réveillant aujourd’hui j’ai construit cette suite : Composites déglacés par réitérations colorées de compressions dansantes de données. Je la trouve amusante, joueuse, francophone, je vais l’éprouver et voir ce qu’elle entraîne.

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Cette année, pour fêter ses 10 ans, le festival Acces(s) va vraiment nous montrer ce qu’il sait faire : accueillir des oeuvres créées à  partir des arts numériques, monumentales, étonnantes et accessibles. Pour l’occasion, Acces(s) se recentre sur son lieu de vie et de gestation, les abattoirs de Billère, soutenue plus que jamais par l’Agglomération Pau-Pyrénées, au même titre que trois autres associations déclarées d’intérêt public : Ampli, Le Méliès et L’Agora. Un seul lieu – même si le réseau de lecture publique va relayer la manifestation – les Abattoirs, ce qui permettra aussi une vraie vie de festival avec des rencontres, des performances…

Cette fois-ci, le directeur artistique d’Accès(s), Nicolas Charlet, a choisi de nous éclairer sur la lumière, cette onde si naturelle qu’on ne remarque même plus. ‟ C’est une thématique très large volontairement. Notre but est de revisiter cette thématique sous le prisme des nouvelles technologies et de la société numérique. Nous verrons comment les artistes peuvent lui donner un côté matériel et symbolique ”, explique Nicolas Charlet.

Le public pourra découvrir huit installations. ‟ Elles prennent toute la mesure des espaces qui se sont adaptés à  ces objets ”, ajoute Florence de Mecquenem, directrice du Bel ordinaire (ex-pôle culturel intercommunal).

Spectaculaire, l’oeuvre d’Etienne Rey ne laissera pas indifférent. Elle représente un jeu géant de miroirs qui varie en fonction de l’espace. La lumière part d’une onde sonore, créée par un autre artiste, Mathias Delplanque, et dessine un son. Etienne Rey a mis dix jours pour installer son oeuvre dans une salle des abattoirs à  Billère. Il a été aidé par des étudiants de l’Esac de Pau. Ce spécialiste de la diffraction, basé à  Marseille, sera présent au vernissage. ‟ Comme les autres artistes invités, Etienne Rey expose dans toute l’Europe. Je veux l’inviter depuis 2005 ”, confie le directeur artistique d’Acces(s). Le public pourra discuter avec Etienne Rey le samedi 20 novembre à  la médiathèque d’Este, à  Billère.

La lumière et le son font souvent bon ménage dans le monde des arts numériques. Cécile Babiole, artiste associée de La Filature à  Mulhouse, manie ce couple depuis longtemps. Pour Pau, l’artiste projette ‟ Control room ”, un mur de lumière qui s’éclaire avec un univers sonore, celui d’une imprimerie, et pas n’importe laquelle puisqu’il s’agit de l’imprimerie du journal ‟ L’Alsace ”. Résultat, le monde industriel s’invite par la lumière dans une sorte de tour de contrôle luminescente.

Laurent Pernod a choisi de montrer quatre installations : ‟ Le Quid ”, un film d’animation numérique qui met en scène un personnage proche du Petit Prince qui éclaire le monde de son regard ; ‟ Chronorama ” est un vaisseau fantôme de lumière qui bouge avec le spectateur ; ‟ N’ayez pas peur ” est une enseigne lumineuse ; enfin, ‟ Incertitude des étoiles ” décrit la chute et l’élévation d’une danseuse, surfant sur le thème de la vision, de l’apparence.

Acce(s) donnera à  voir une sélection des oeuvres de Jacques Perconte, cinéaste expérimental. Il filme les paysages et les retravaille à  l’ordinateur. Il colore chaque pixel à  la manière d’un peintre pointilliste ; les images réelles deviennent peu à  peu des tableaux impressionnistes. Une sélection sera projetée aux abattoirs, tandis que le cinéma Le Méliès lui offrira une carte blanche à  l’intérieur du festival du film international de Pau.

Petit ovni dans ces oeuvres imaginées par des artistes confirmés, la ‟ Table tangible ” de Lucas Bigeardel, jeune ingénieur informatique de Toulouse, choisi par Nicolas Charlet pour sa prouesse technique et sa beauté artistique. En manipulant les objets, le public créé des sons et des lumières. Malheureusement, la ‟ table tangible ” ne sera visible que deux jours au début de la manifestation.

L’exposition sera enrichie de concerts. Le 27 novembre, la scène de la Route du son accueillera trois concerts de Bot’Ox, Noone et Emine & So ; le lendemain, David Fenech fera un live electro. Une rencontre avec le public est organisée samedi 27 novembre, à  17 heures, à  la médiathèque des Allées, à  Pau. Des performances aussi, les 18 et 20 novembre, de Mathias Delplanque, créateur sonore, Hong Kong police terrorist organisation…

Du 18 au 28 novembre, aux anciens abattoirs à  Billère. Programme complet et présentation des artistes sur www.acces-s.org ou 05 59 13 87 44.

// Pau · culture et loisirs · Billère · Pyrénées-Atlantiques / SUD-OUEST, Novembre 2010

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Un film de Jacques Perconte
Musique Arnaud Castagné
2010, Film HD, 7′
Triptyque Films

Prix du Groupement National des Cinémas de Recherche, Festival Côté Court 2010
Sélections au New YorkTribeca Film festival, à l’IFFR Rotterdam, à Vidéoformes, …(toutes)

En DVD avec la petite collection du magazine BREF n°19, aux éditions Chalet Films
En BLURAY+DVD, édition numérotée et signée 100ex, Galerie Charlot, Paris

Après le feu, 2010

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Cinéma, art numérique. L’ordinateur venant à  supplanter totalement la caméra (films réalisés sans caméra, utilisation de caméras dites « numériques », etc.), peut-on encore distinguer, autrement que par une virgule, ces deux champs de création ? Si oui, sur la base de quels critères, et à  quel prix ? L’outil informatique, en transformant radicalement l’espace-temps du film, nous conduit à  repenser entièrement ces catégories, à  ré-interroger la nature et la présence des images contemporaines, leurs modes d’apparition, de diffusion et d’inscription. En compagnie des artistes et cinéastes Jacques Perconte et Hugo Verlinde, nous reviendrons sur cette histoire de l’ordinateur au cinéma, sur les notions même de « cinéma » et de « numérique » à  travers une programmation composée essentiellement de film issus du catalogue du Collectif Jeune Cinéma, des expérimentations des années 60 aux installations les plus récentes.

Cette séance constitue le premier volet d’une série de programmations intitulée « Perspectives », cherchant à  articuler films historiques et travaux récents autour d’un même thème, à  la recherche de résonances mais aussi de ruptures dans le temps. Ces projections sont l’occasion de découvrir et de re-découvrir, par analogies et anachronismes, la collection du CJC et de questionner avec les cinéastes invités les pratiques, les esthétiques, les dynamiques qui la composent.

Visual Logic (and illogic) (1977) de Takahiko Iimura
La Levée du voile (2007) de Hugo Verlinde
Derviches (1992) de Hugo Verlinde
Da Movies (1980) de Sandy Ressler
These words are the data (1980) de Sandy Ressler
The Death of Natural Language (2007) de Clint Enns
Géminga (2003) de Hugo Verlinde
Altair (2004) de Hugo Verlinde
Uishet (2005) de Jacques Perconte
Le Passage (2009) de Jacques Perconte
Satyagraha de Jacques Perconte
Experiments in Motion Graphics de John Whitney

Jeudi 7 octobre à  20H
Centre Culturel la Clef
21 Rue Clef,
75005 Paris
01 42 17 45 55 â€Ž

http://goo.gl/maps/Hs2a

LES SEANCES DU COLLECTIF JEUNE CINEMA

Les séances régulières du CJC cherchent à  créer des moments d’échanges et de réflexion autour des pratiques et des modes de représentation du cinéma expérimental et différent. Cinéma éclectique de grande amplitude, du cinéma structurel au cinéma engagé, les problématiques esthétiques, philosophiques et poétiques, conflits formels et regards militants, politiques et nécessaires, sont l’enjeu de nos programmations. Ce que nous voulons montrer c’est bien cette diversité d’un cinéma sans cesse en recherche, et dans l’envie du monde. Du mono écran au cinéma élargi, de l’argentique au numérique, des monographies aux films de plus de 12 heures, des thématiques autour de motifs plastiques ou charnels, des territoires géographiques réels ou fantastiques, des cartes blanches aux nouveaux dépôts des membres de notre coopérative de diffusion. C’est bien cette profusion et les formes d’émergences au coeur des travaux des cinéastes, vidéastes et performeurs que nous avons hâte, plaisir et enthousiasme à  proposer à  un large public tout au long de l’année au cinéma la Clef.

Laurence Rebouillon

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[...] Envisagé comme ouverture, jusque et y compris du paysage audiovisuel, le cinéma de jacques perconte est à  la fois question et réponse. Question car il nous demande quelle place nous voulons habiter dans le monde, et réponse dans la mesure où il s’adresse à  ce qu’il y a en nous de nécessairement irrésolu, et qui doit à  son tour s’interroger sur la réalité et ce que nous avons à  y faire. La tranquille sobriété avec laquelle cette oeuvre suit son chemin participe assurément de sa forme plastique, qui, comme toute proposition artistique véritable s’est trouvée et vit pourtant de se chercher.

Vous pouvez commander le numéro 94 avec le dvd sur le site internet du magazine.

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La petite collection de films courts du magazine Bref regroupe à  chaque numéro du magazine une sélection de films à  voir.
Profitez de cette édition de très bonne qualité pour découvrir (ou revoir) mon dernier film primé au festival Côté Court à  Pantin.

La fille de l’homme de Manuel Schapira (2010, 10′)
Haà¯ku de Buffalo Corp. (2010, 7′)
Pixels de Patrick Jean (2010, 3′)

La République de Nicolas Parisier (2010, 36′)
Sacrifié(s) de Samuel Doux (2010, 26′)
Après le feu de Jacques Perconte (2010, 7′)

Tours 1959 de Guy Cavagnac (1959, 26′)

Les Animals d’Éric Montachaud (2001, 4′)
Picore de François Bertin (2002, 3′)
Le grand jour de Raphaà«l Chabassol (2003, 3’10 »)
Poteline de Chloé Miller (2004, 4’10 »)
Bouts en train d’Émilie Sengelin (2005, 3’30 »)
Migration assistée de Pauline Pinson (2006, 4’30 »)
La queue de la souris de Benjamin Renner (2007, 4’10 »)
L’abandon de Mathieu Perrier (2008, 3’30 »)
Jeux pluriels de Nicolas Nicola௠Troshinsky (2009, 5’20 »)
Laszlo de Nicolas Lemée (2010, 4′)

Commodore de Jérôme Sevrette (2007, 13′)

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J’ai invité mon ami italien Simonluca Laitempergher à  venir quelques jours en France. C’est lui qui s’occupera de la musique de ce film (impressions) que je prépare doucement. Nous allons aller voir les falaises de juillet…

Avec Simonluca nous avons pris le train ce matin. Tôt nous avons traversé Paris pour la gare d’Austerlitz où nous avons pris le train pour Fécamp. Arrivés nous n’avons eus que quelques minutes à  patienter avant que le bus pour Etretat ne parte. Je me suis demandé dans quel sens nous allions parcourir ces douze kilomètres de cote. Celui que je préfère est celui qui part de Fécamp. Les deux ou trois premiers kilomètres laissent deviner ce qui peut nous attendre plus loin sans trop en dévoiler. Dans ce sens, les efforts sont récompensés. La vue et de plus en plus belle. L’arrivée sur Etretat est magique. Mais pour des raisons pratiques, nous la ferons dans l’autre sens. Il fait très beau. D’Etretat nous grimpons la centaine de mètres de dénivelé pour aller côtoyer les vertigineuses falaises.
Tout le long de la route, les Normandes nous regardent. Je n’avais pas pensé a elles. Ces vaches sont magnifiques. Elles sont si paisibles. Mais je déteste voir leurs cornes coupées qui rappellent plus que tout que ces bêtes sont contraintes à  des situations détestables.

Je les filme. Elles sont fascinantes. Je n’ai emporté qu’un petit appareil numérique. Il filme d’une façon surprenante. Même si le format des fichiers est délicat a manipuler. En plein jour – comme aujourd’hui – il est capable de faire des images impressionnantes. Le stabilisateur est très bon. On peut presque faire de long plans fixes à  main levée.
Simonluca a pris son enregistreur portable.

Nous voilà  tous les deux paris dans une longue balade sur les falaises. Le soleil tape. La lumière vibre. Ce paysage finit toujours par me manquer quand je m’en éloigne trop longtemps. La manche dégage une odeur marine bien particulière. Je suis habitué à  l’océan du sud-ouest. Mais je dois dire que celui-là  me plait plus. Il a aussi une manière bien à  lui de refléter le soleil. Les nuages qui filent laissent passer de rayons plus dont les jaunes et les rouges ne sont pas doux et ronds mais bleus et précis. C’est la nature qui par ses délicates ondulations adoucit les formes. Le vent y sème le désordre. Et juillet accueille mille et une bestioles volantes. Les mouettes dansent. Tout s’agite subtilement.

J’enregistre. Je ne sais pas ce que ne vais faire de tout cela. Surtout la je suis surpris de la quantité d’images de vaches que je fais. C’est sur je ne ferais pas un film sur elles. Non pas que je le sache, mais je ne veux ne pas faire un filme sur tout. Je veux faire un film sur cette prise qu’à  ici la nature sur moi. La lumière est magique certes. Mais la magie s’opère de manière bien plus générale. Il y a ici peut-être plus qu’ailleurs de merveilleuses énergies.

Douze kilomètres sous un soleil de plomb. Douze kilomètres entrecoupés de dizaines de micros détours pour aller capture ça et la une image ou un son. Une marche qui nous pousse petit à  petit dans nos retranchements. Coups de soleil, fatigue des multiples dénivelés. Mais à  aucun moment donné, je n’ai l’impression de faire autre chose que de me balader. Une promenade qui nous prend finalement toute la journée, pour finir par devoir courir jusqu’au train de crainte de le manquer… Et finalement de retour à  Paris, j’emmène Simonluca éreinté au village, à  Parmentier. Vous connaissez ?? C’est un de mes restaurants préféré. Un sénégalais. Joli virage qui nous a permis de discuter pleinement de ce qui pouvait se tramer musicalement dans ce film….

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Une invitation à  la découverte des arts numériques
à  Saint-Nazaire-le-Désert (Drôme)
du jeudi 22 au dimanche 25 juillet 2010

Pendant ces quelques jours précédant la pleine lune, Désert Numérique propose de modifier notre perception du village, de le transformer par tous les moyens artistiques et numériques possibles: des installations sonores et visuelles, des performances et des concerts électro-acoustiques, des lectures de poésie, des projections vidéo, des ateliers ludiques (sur inscription)… et d’en révéler les dimensions poétiques.

Nicolas Frespech / Antoine Schmitt / Luc Dall’Armellina / les élèves de l’école communale de Saint-Nazaire-le-Désert / Victor Vià±a  / Patrice Jeener / Marie-Christine Driesen et Horia Cosmin Samoà¯la / KRN / Art of Failure / Vincent Epplay / Yann Leguay / RYBN / Jacques Perconte / Pierre Bongiovanni / Georges Chich / William Pawelzik / Sébastien Fantini / Igor Bravo / Sébastien Fau / Gilles Elie-dit-Cosaque
INCIDENT.NET / VIDEOSHARING / Upgrade! Dakar
Avec les Étudiants de l’École régionale des Beaux-Arts de Valence (ERBA Valence)
Contact:
Association Désert NumériquePlace du Clédan26340 Saint-Nazaire-Le-DésertTél.: Marika: 06 17 96 83 71Karen: 06 03 69 82 85 desertnumerique@incident.net

Désert Numérique est une initiative pilote portée et organisée par: Karen, Marika et Bernard Dermineur et Michèle Lision.

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http://www.brefmagazine.com/pages/lpl.php?id_rubrique=3&id_film=90

http://www.lesproductionsdulama.com/

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Le 3 juillet, à  l’ETNA (Paris) venez passer 3 heures en compagnie de mes films.

Cette soirée est l’occasion de découvrir autour de projets récents, des réalisations que je n’ai pas montrées depuis un certain temps. De découvrir dans l’expérience de leur durée des films dont on voit de temps en temps des extraits. En trois programmes cette soirée ouvrira une brèche dans votre temps.

Voilà  un voyage à  rebours dans l’histoire de mes films. Trois programmes qui remontent le fil des recherches picturales engagées il y a une douzaine d’années…

0 :: introduction :: 8′ / 20h

Hung Up, 2008, 5′
White altair, 2008, 3′ ( d’après Altaà¯r d’Hugo Verlinde)

*

1 :: Paysages :: 53 ‘ / 20h10

Après le feu, 2010, 7′
Le passage, 2009, 6′
Le soleil de Patiras, 2007, 3′
Annette (extraits), 2009, 5′
uaoen, 2003, 29′
octobre, 2008, 3′

*

2 :: Corps :: 47′ / 21h15

xsz, 2002, 4′
snsz, 2002, 30′
nszra, 2002, 5′
esz, 2002, 4′

*

3 :: Vibrations :: 50′ / 22h30

Phex, 2001, 143′ (extraits 20′)
Tempo e pause, 2001, 60′ (extraits 14′)
Corps Numériques, 1998, 45′ (extraits 16′)

*

4 :: outro :: 17 ‘

isz, 2003, 17′

*

L’ETNA, le 3 juillet à  20h
6 rue de la Corderie, 75003
Paris, France
Merci de prévenir si vous souhaitez passer
Il n’est possible d’accueillir que 40 personnes.
jacques.perconte à  gmail.com

*

En 2007 je rencontre le cinéma expérimental (dont j’étais assez loin) grâce à  Marcel Maze et Raphaà«l Bassan. Ils me conduisent vers le Collectif Jeune Cinéma où je rencontre Damien Marguet. Et vers Hugo Verlinde qui me fait rencontrer Bidhan Jacobs qui lui me fait rencontrer Sun Jung Yeo. Bidhan et Hugo me conduisent vers Nicole Brenez…. Qui me fait rencontrer mon jeune producteur Guillaume Massart… Que de rencontres passionnantes ces dernières années ! Le cinéma est là  plus que jamais. Merci.

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Festival du film court en Seine – Saint – Denis / Pantin
19e édition / Du 9 au 19 juin 2010

Vous aimez les découvertes, vous aimez vous laisser surprendre, attraper, happer… Découvrez à  travers cette sélection un cinéma d’avant-garde. Des films prototypes, essais ou vidéos d’artistes, qui bousculent codes et habitudes !

Après le feu, 2010

Extraits du programme :

Compétition Expérimental – Essai – Art vidéo
Lundi 14 juin à  20h00 *
Mercredi 16 juin à  22h00

Après le feu, Jacques Perconte, 7’
Utopia, le cube et les sandales, Véronique Hubert, 8’
Centipede Sun, Mihai Grecu, 10’
Peine perdue, Guillaume Mazloum, 12’
Polanski et mon père, Pauline Horovitz, 8’
L’Arrière-Pays, Safia Benhaim, 48’

Cinéastes engagés
Vendredi 11 juin à  19h00 *

Silence = Mortes, une collection de 10 films courts sur le thème des femmes et du VIH, initiée par Chaz Productions et Arte France à  l’occasion des 20 ans d’Act Up-Paris, Valérie Mréjen, Rachida Krim, Sandrine Veysset, Karin Albou, Sà³lveig Anspach, Sylvie Ballyot, Lola Frederich, Christine Dory, Catherine Corsini et Brigitte Sy (France, 2009), 30’
Satyagraha, Jacques Perconte (France, 2009), 5’
L’Art délicat de la matraque, Jean-Gabriel Périot (France, 2009), 4’
Pour un seul de tes deux yeux, Abraham Cohen (France, 2010), 12’
Vivre ensemble, sous forme de fictions, de documentaires, d’animations, de créations artistiques, musicales ou chorégraphiques, présenté par Les Poissons volants et SOS Racisme, 10 réalisateurs témoignent en faveur de la tolérance et contre le racisme ordinaire, Sandrine Bonnaire, Rachid Bouchareb, Romain Goupil, Radu Mihaileanu, Axelle Lafont, Les Lascars, Orlan, Kamel Ouali, Abderrahmane Sissako et Sylvain White (France, 2009), 24’
Freedub 2, Stéphane Elmadjian et Christophe Deldebbio (France, 2009), 12’ Présenté en avant-première

Rétrospective 17 : Ciné-vidéastes
Jeudi 17 juin à  18h00 *

13 figures de Sarah Beauchesne au 71, rue Blanche, Véronique Aubouy et Christophe Boutin (France, 1993), 4’
J’enrobe les mains, Côme Mosta-Heirt (France, 1997), 4’
Il a fait beau, Valérie Mréjen (France, 1999), 4’
Rituel dans le vide, Charlemagne Palestine (États-Unis, 2001), 10’
Aurevoiretmerci [Pina Pausch], Arnold Pasquier (France, 2001), 5’
XSZ, Jacques Perconte (France, 2002), 4’
La Méprise, Ninar Esber (Liban, 2003), 11’
An Apparition, Gaà«lle Dill (France, 2003), 5’
Hymen, Carole Arcega (France, 2003), 10’
Boum… Tac, Yasmine Al Massri (France / Palestine, 2005), 5’
Le Sens de la nuit, Cécile Paris (France, 2008), 6’30
Le Lointain des profondeurs, Patrick Dekeyser (France, 2008), 6’30
Succubus (à  venir le monde sera beau), Véronique Hubert (France, 2009), 5’30
Sois sage, ô ma douleur…, Damien Manivel (France, 2008), 10’

‟ Côté court s’emploie avec une infatigable persévérance à  dénicher – et soutenir – de jeunes cinéastes qui ne souscrivent pas aux critères esthétiques dominants. ” Jérôme Provençal, Mouvement

‟ Le festival Côté court prend le pouls d’un pan important de la création cinématographique (…) ; sa programmation permet, à  travers plusieurs horizons et plusieurs formes, un large point de vue sur le court métrage et ses enjeux actuels. ” Camille Pollas, Critikat.com

‟ Le festival Côté court (…), des programmations riches, variées et exigeantes, sans concessions. ” Bref, le magazine du court métrage ‟ Voilà  en perspective de beaux moments pour cinéphiles. ” Dominique Widemann, L’Humanité

Ciné 104
Accessible aux personnes à  mobilité réduite
104, avenue Jean Lolive
93500 Pantin
Métro : Église de Pantin (ligne 5),
RER E : Gare de Pantin
Bus : Porte de Pantin
(bus 75, PC2 et PC3)
Station Vélib’ : Ciné 104
Tél. : 01 48 46 95 08
E-mail : contact@cotecourt.org
Site internet : www.cotecourt.org

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Deux soirées exceptionnelles de films et vidéos rares, sélectionnés et présentés par Bidhan Jacobs, enseignant-chercheur à  l’Université Lyon 2. Le programme est plus bas dans ce message.

1er partie: mercredi 9 juin à  19h30
2ème partie: mercredi 16 juin à  19h30

Le numérique est envisagé avant tout selon des pratiques déclinant une pensée qui s’exprime en nombre î le calcul. Aussi les projections tresseront-elles une multiplicité de supports î de l’argentique au numérique î et feront-elles oeuvre d’archéologie.

L’exploration originale de 5 décennies de création proposée aux spectateurs se décline selon quatre notions prégnantes dans l’art numérique d’aujourd’hui et de demain : “concevoir l’univers”, “synthétiser le vivant”, “coder l’espace”, “programmer le temps”. Cette conception du numérique, dont on peut déjà  déceler les prémisses dans les années 60, l’envisage selon ses puissances qui apparaissent comme infinies.

L’objectif est de montrer la cohérence d’une histoire des pratiques et des formes depuis les films des pionniers de l’art par ordinateur (les frères Whitney) et de leurs suiveurs (Larry Cuba, Pierre Rovere, Malcolm Le Grice) jusqu’aux dernières avancées des jeunes scènes artistiques : française (Régis Cotentin, eriKm, Jacques Perconte,), autrichienne (Lia, M.ASH, reMI, Michaela Schwentner), Norvégienne (HC Gilje) et des Pays-Bas (Telcosystems).

Après le feu

Mercredi 9 juin à  19h30
Concevoir l’univers
Catalog, John Whitney, 1961, USA / 16 mm / coul / sonore / 7′
3/78, Larry Cuba, 1978, USA / 16 mm / n&b / sonore / 6′
Lapis, James Whitney, 1963-1966, USA / 16 mm / coul / sonore / 10′
int.16/54//son01/30×1, Lia, Autriche, 2006 / Beta SP / coul / sonore / 6′
Après le feu, Jacques Perconte, France, 2009 / HD / coul / sonore / 7’
Synthétiser le vivant
Autoportrait, eRikm, 2008, France / Mini DV / coul / sonore / 5′ 38
Jet, Michaela Schwentner, 2003, Autriche / Beta SP / coul / sonore / 6′
Terminal Self, John Jr. Whitney, 1970, USA / 16 mm / coul / sonore / 7′
Strange Boutique, Régis Cotentin, 2008, France / DVD / coul / sonore / 15’

Le passage

Mercredi 16 juin à  19h30
Coder l’espace
Permutations, John Whitney, 1968, USA / 16 mm / coul / sonore / 8′
Black and Light, Pierre Rovere, 1974, France / 16 mm / n&b / sonore / 8′
Calculated Movements, Larry Cuba, 1985, USA / 16 mm / n&b / sonore / 6′
Cubica de M.ASH, 2001, Autriche / Beta SP / n&b / sonore / 4′
Le Passage, Jacques Perconte, 2009, France / HD / coul / sonore / 6’
Programmer le temps
Arbitrary Logic, Malcolm Le Grice, UK, 1989 / DVD / coul / sonore / 5’
ZIJKFIJERGIJOK, reMI, 2002, Autriche / Beta SP / coul / sonore / 3′
Crossings, HC Gilje, 2004, Norvège / DVD/ coul / sonore/ 4’
Scape_Time, Telcosystems, 2006, Pays-Bas / Mini DV / coul / sonore / 8′ 21

Galerie G
23 rue des Lilas
75019 Paris
Téléphone: 0142401510
métro: Place des fêtes (ligne 11 et 7bis)

Entrée 5 euros par soirée.

Réservation vivement conseillée sur
artaugarage@gmail.com

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Actes du Colloque : Ni tout à  fait la même, ni tout à  fait une autre…, École Supérieure d’Art d’Épinal & Musée de l’Image, 2010

À propos de la narration et de la citation en Art Vidéo : le Passage 2009, projet de cadavre exquis vidéo à  partir de citations littéraires (festival codirigé par Violaine Boutet de Monvel & Jeff Stanley); Par faulte d’ung huys de Violaine Boutet de Monvel (François Villon); da-w-n de Vadim Bernard (Héraclite); UFO Dream de Johanna Vaude (John Keel); The Sea de Vincent Ciciliato (Mary Shelley); Le Passage de Jacques Perconte (Guido Cavalcanti)

Le texte en intégralité sur le site de Violaine Boutet de Monvel : Le Passage du texte à  l’image vidéo
L’extrait sur le passage.

Actes d’un colloque sur la citation en art, codirigé par Perin Emel Yavuz & Roselyne Bouvier, avec des essais d’Annabelle Teneze, Camille Debrabant, Ludovic Recchia, Alain George Leduc et Violaine Boutet de Monvel

…

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VERNISSAGE le 4 juin de 18h à  23h

Nous sommes à  l’ère du numérique î nous en sommes les acteurs – nos enfants vivront avec, pleinement – nous parlons de 0 et de 1, de matière et d’antimatière, d’obscurité et de lumière, d’amour et de haine – nous avons une vision, faite de pixels et de sons – des mondes imaginaires s’ouvrent à  nous et nous les offrons à  tous – ces mondes parlent de nous, de notre condition humaine comme un miroir de notre altérité changeante et mouvante – nous voguons sur les flux du temps, dans une mer électronique – nous avons des illuminations et elles se traduisent dans cet outil de la modernité : l’art numérique – ici, c’est ouvert à  tous, c’est accessible à  tous : pas de modes d’emplois, pas de discours explicatifs – chacun peut vivre son expérience personnelle, vibrant avec son corps au diapason de l’oeuvre, l’appréhendant, se l’appropriant et dialoguant avec elle au gré de ses sensations – nous voulons ouvrir une brèche dans le réel et exprimer le flot de nos émotions né de cette illumination – (Vincent Lévy)

Les artistes

Franck Ancel
Hsinli Wang
Antoine Schmitt
Hugo Verlinde
Vincent Lévy
Jacques Perconte
Cécile Babiole
Fred Périé

Commissaire d’exposition : Rebecca Young

Coorganisateurs : Hugo Verlinde, Vincent Lévy,
l’Association L’Art au Garage

Graphismes (affiche, flyer) : Pierre-Jean Canac, photo: Vincent Lévy

Programmation de films : ‟ 50 ans d’art numérique ” 2 programmes conçus et présentés par Bidhan Jacobs, maître de conférence à  l’Université Lyon 2.
Mercredis 9 et 16 juin à  19h30. Entrée 5 euros par soirée. Réservation vivement conseillée artaugarage@gmail.com

Réservez votre copie du DVD ILLUMINATIONS (seulement 100 exemplaires à  10 euros, artaugarage@gmail.com)

Découvrez le café et le bar à  vin de l’art au Garage pendant toute la durée de l’exposition!
Acces WIFI.

Avec la participation de la Cave de Bissey sous Cruchaud, Saone et Loire

Galerie G, 23 rue des Lilas 75019 Paris, M° place des Fêtes.
Téléphone 01 42 40 15 10

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L’artiste français Jacques Perconte initia en 2003 une série de films numériques qui explorent le paysage, et surtout son image, et qui accueillera cette année son sixième rejeton, Impressions de, une référence et révérence aux Impressionnistes  auxquels il a toujours été incidemment rapporté par la critique.

Comment ne pourrait-il pas l’être? Grâce à  un travail méticuleux et artisanal de compressions multiples, de collages et de superpositions, Jacques Perconte raconte l’histoire de la pixellisation structurelle et vibrante qui donne une nouvelle expression formelle à  tout changement simple de la lumière et du vent, qui, entre autres, anime doucement ses paysages vidéo. Comme les Impressionnistes usaient autrefois de coups de pinceau morcelés de couleurs non mélangées pour traduire en termes plastiques la lumière et la chaleur qui ont capté ce paysage d’un instant, Jacques Perconte utilise les imperfections évidentes ou les aberrations – on pourrait dire dans une époque qui fait l’éloge d’une définition de plus en plus déterminée- de ses images qu’il a soumis à  une énorme perte de données. « Un bug n’est pas une erreur pour le programme, il ne devrait pas en être une pour moi ”, dit-il.

Une promenade chanceuse est à  la source de tous les films de la série, car l’artiste se déplace souvent avec une caméra à  portée de main, comme les Impressionnistes avec leurs tubes de peinture et chevalets. Pour Impressions de (2010), Jacques Perconte recueille actuellement des images en Normandie, suivant un sentier de pèlerinage qui suit les peintres de la fin du XIXe siècle. Tous les autres films uaoen (2003), uishet (2007), Pauillac-Margaux (2008), Le Passage (2009) et Après le feu (2010), ont été tournés en transit, à  partir de la fenêtre d’un train, une voiture, ou même en navigant en bateaux. Quelle que soit la connexion spéciale et romantique que Jacques Perconte peut avoir avec la nature qui se déroule sous ses yeux au moment de l’enregistrement, la narration numérique derrière le paysage se dévoile de retour à  son studio, jour après jour, compression après compression, aberration après aberration, couches après couches, jusqu’à  ce que l’instinct de l’artiste et sa sensibilité lui indiquent que l’oeuvre est finie. Qu’y a-t-il?

« Les scénarios de mes films sont dictés par la géographie des paysages, ainsi que l’histoire qui se déroule au cours de leur perception. D’une certaine façon, ils sont des promenades. Le récit s’installe dans les transformations dont l’image souffre. D’abord et à  priori naturaliste, cela met l’accent sur le paysage, sa plasticité ; il devient alors moins objectif, peut-être plus impressionniste. La lumière dessine, la couleur magnifie, la matière l’emporte, et, enfin, le paysage devient peu à  peu abstrait. Familier d’abord, il devient un espace expressif et mental. « (Jacques Perconte)

Ainsi, dans chacun de ses films, le récit est l’histoire d’un changement fantasque et progressif de l’impression initiale du paysage de l’artiste contemplée par son viseur à  son expression numérique sur l’écran de l’ordinateur par le biais des éclats de pixels colorés et fourmillants ; de la surface plane et l’apparence d’une image vidéo à  la richesse organique et plastique qui se cache derrière le voile mince de la haute définition; du Naturalisme à  l’Impressionnisme, et même dans une certaine mesure, le Fauvisme, si nous poursuivions ce jeu de comparaisons contingentes; de la perception et l’enregistrement original à  l’imaginaire infini, l’image peut donc être transmise à  travers les yeux des spectateurs. « Nous ne distinguons plus l’image du paysage, nous voyons le paysage de l’image”, dit l’artiste.

L’abstraction progressive de l’image en elle-même après l’introduction de l’exposition systématique à  son référent originel et naturel, un paysage réel qui donna naissance à  chaque film de la série, est en fait ce qui permet à  l’image même d’être un espace mental: en perdant lentement la prise sur la réalité, le film devient un paysage qui lui est propre et son récit, même si il s’impose magnifiquement, n’est ni dictatorial, ni conceptuel, ni même trop technique (contrairement à  la production de longue haleine). Il est naturel pour le spectateur de prolonger les films de Jacques Perconte avec sa propre mémoire et imagination, car ils ne prétendent pas autre chose que de bercer notre sensibilité, peut-être notre sens de la beauté. Dans une certaine mesure, l’expérience est proche de l’écoute de la musique. Flânerie est peut-être le seul mot d’ordre.

Avec Après le feu (2010), créé lors d’un voyage en Corse après un incendie de forêt, Jacques Perconte a ouvert une nouvelle dimension symbolique à  ses paysages. Comme nous l’avons compris plus tôt, les travaux de l’artiste et ses expériences sont en communion avec les résultats dangereux que les programmes de compression des données peuvent rendre. Pour son dernier film, tout en recueillant avec soin et en combinant des bugs ou des aberrations dans ses images, il a réussi à  créer l’illusion d’une profondeur dans son décor qu’il n’existait tout simplement pas dans le paysage d’origine corse. Sur l’écran, dans une vallée qui semble suivre le cours du train, à  l’arrière de laquelle l’artiste enregistrait des images, succède progressivement un vide immense, vertigineux, pixélisé, sous les voies. En d’autres termes, tout en tournant lentement son attention de l’extérieur à  l’intérieur, du paysage perçu à  son expression numérique, l’image réécrit littéralement et radicalement sa topographie naturelle afin de raconter une histoire entièrement nouvelle. Pourtant, et pour couronner le tout, du début à  la fin, le film ne cesse jamais complètement de dépeindre la nature en dépit de tous les pixels aliénants, restés connectés à  ce qui était autrefois la lumière chatoyante qui frappait les feuilles d’un arbre. Non sens?

Les tours de magie de Jacques Perconte permirent à  l’image de Après le feu non seulement d’être libéré, détrônant Mère Nature pour le Grotesque, mais aussi de devenir folle! Au cours du processus, il a gagné une âme qui est prête à  réinterpréter radicalement notre perception contre nos sens -l’expérience empirique de l’extérieur-, tout en nous jetant dans son corps variable, infini et inépuisable. Il nous emmène sur une chevauchée fantastique qui nous  inspire un sentiment accablant de Sublime. Si la série de paysages de Jacques Perconte peut être proche de l’esthétique des Impressionnistes, en passant ses paysages on ne peut plus romantique, pour leur beauté qui reste toujours « liée à  la forme de l’objet », qui est en fait représenté par une ‟ infinité ”( Emmanuel Kant, Critique du jugement, 1790). Jacques Perconte réussit à  concilier la beauté avec le Sublime dans sa Flânerie numérique contre l’idéal et la compréhension actuelle de la perfection de haute définition. Loin d’être reçu à  nouveau comme froid, conceptuel et trop technique, ses abstractions numériques vibrent, ressentent et nous provoquent.

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Pauillac-Margaux est au japon en compagnie des films de David Kidman et de Frédérique Devaux (en leur présence) et d’ un panorama de quelques films récents  (Philippe Cote, Marcelle Thirache, Drazen Zanchi, Philippe Poirier…)

au JAPON :

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Ce film c’est l’histoire d’une rencontre avec un paysage. Je vous y emmène. C’est la mi-novembre. On arrive dans la campagne normande où au milieu d’immensités vertes les vaches blanches reflètent la lumière humide. Le ciel change à  chaque minute. La pluie et le soleil se croisent et dessinent ça et là  des arcs en ciels. Mais le pays reste immobile. Même s’il est soufflé par le vent, que les vagues frappent de toute leur force les falaises à  pic. Ce n’est qu’à  notre échelle que le sentiment sublime se manifeste. La terre est claire. Le marron légèrement boueux mène aux plages de galets gris. On doit descendre pour suivre le chemin qui mène à  la mer. Elle s’agite en bas. Mais depuis un moment déjà  l’image se manifeste. La normandie filmée se transforme et de nouvelles couleurs se révèlent. C’est un été qui s’annonce. Un été virulent et plastique. Comme il est impossible de rendre ce qu’est ce paysage, l’image se met à  assumer l’interprétation qu’elle en fait. Elle devient le support de ces sentiments qui se manifestent face à  la nature. Ses formes dialoguent avec celles des arbres, des nuages, de la mer. C’est le coeur qui fait place à  la vision. C’est la marée haute. Les vagues de couleur balancent leurs lames de toute part et les écumes bleues et vertes glissent sur les pentes qui se laissent pénétrer par la lumière. Tout se mélange. Terre, mer et ciel communiquent. Voilà  l’agitation des grandes marées. On perd pied. On perd toute notion du temps. Le spectacle nous enlève. Mais tout à  coup je n’entends plus rien. Je me retourne. Et je fixe le chemin qui mène au ciel. Quelque chose vient vers moi en empruntant le chemin qui descend de la falaise. Une petite masse noire nait du magma de couleur. Elle grossit, elle s’approche, c’est une femme. Elle est à  contre-jour. On ne voit plus rien qu’elle. On ne voit plus. Mais de ce noir naissent de nouvelles couleurs extraordinaires qui nous mènent des rouges et roses au blanc merveilleux de la lumière.

Courbet, Monet, Pissaro, Boudin, Seurat, Corot ont passé de nombreuses heures le long de la côte normande à  peindre ces lumières incroyables qui rythment les vents et les marées. La scène de genre a eu sa grande époque. Pourquoi le paysage n’est-il plus un motif créatif contemporain ? La société s’est-elle trop construite sur la séparation entre l’homme et la nature ? J’ai entrepris une série de films sur le paysage en 2003. Ce projet donnera lieu au sixième film.

Je vais suivre quelques-unes des peintures impressionnistes qui ponctuent la côte normande. Poser ma caméra et filmer. Avec le temps j’ai développé de nombreuses techniques propres à  un travail spécifique du film numérique. Cela ne se passe pas vraiment lors de la prise de vue qui même si elle est faite avec des techniques numériques reste classique, mais à  l’atelier. Chaque plan sera travaillé dans le bloc. La matière sera révélée. Et le film tendra ce fil entre le paysage rendu et sa captation, son interprétation, son impression, son expression numérique.

J’explore le motif du paysage depuis plusieurs années. Ce film doit être un point culminant de la série. Pour cela je veux me mettre dans la peau de l’itinérant qui parcourt le pays à  la recherche de la lumière. Je suis nourri de ses histoires et terriblement ému par ses images impressionnistes (et par la peinture américaine abstraite post 50). On m’en rapproche souvent et c’est pour écrire ce lien une fois pour toutes, que ce film sera fait avec dans le coeur l’envie de faire des impressions de.

Les scénarios de mes films sont dictés par la géographie des lieux ainsi que par l’histoire qui s’écrit lors de leurs perceptions. D’une certaine façon ce sont des promenades. La narration s’installe dans les transformations que subit l’image. D’abord et à  priori naturaliste, elle met en valeur le paysage, sa plasticité, puis elle devient moins objective, peut-être plus impressionniste d’ailleurs et la lumière dessine, la couleur s’emporte, la matière se marque et finalement le paysage va devenir peu à  peu abstrait. Ce que je donne à  voir ce sont ces tensions qu’il y a entre le monde tel qu’on le connait et ses images telles qu’elles sont physiquement.
Il est systématiquement question d’un renversement du paysage, d’abord décor familier il va se transformer en espace intériorisé, totalement expressif et souvent abstrait. On pourrait penser aux rapports historiques et référentiels qu’ont certaines images avec la peinture, mais ces références sont innocentes, plus ou moins involontaires, implicites sans jamais être le sujet. Il s’agit de faire des images fortes picturalement où naissent de nombreuses sensibilités que l’on aura avec la peinture.

J’essaie de trouver comment les technologies numériques pourraient acquérir un véritable statut de médium plastique. On critique souvent le numérique parce que les artistes qui l’emploient ne savent souvent pas se défaire de la technique, de leurs envies de démonstrations savantes, de leurs désirs de produire de l’intelligence à  tout pris. On dit la plupart du temps que le numérique n’a pas d’âme, qu’il est froid. Souvent on ne comprend pas ce qui est produit parce qu’il y a une véritable rupture culturelle : l’art numérique ne s’adresse qu’à  ceux qui le connaissent déjà  qui sont baignés dans ses mondes hermétiques. Contre cet égoà¯sme je développe un cinéma simple et merveilleux. Je peins le monde par un bricolage technologique. Je fais de peintures en mouvement. Je cherche à  donner aux spectateurs une place dans cet avenir du cinéma en numérique où la matière change, où les codes changent. Mes films sont très bien accueillis par les publics non initiés. J’en fais un point d’honneur.

Haute définition, dizaines de millions de pixels… les appareils qui nous permettent de filmer aujourd’hui peuvent capturer des images du monde dans des résolutions de plus en plus hautes. Il est question plus que jamais de voir la réalité plus grande qu’elle n’est. La conséquence directe est que les images enregistrées sont de plus en plus difficiles à  stocker. Les innovations qui poussent les capacités de capture doivent être suivies par des ruses qui permettent d’enregistrer ces images sur un support. Pour cela des méthodes de compression permettent de réduire la taille des médias produits. Elles usent de logiques potentielles basées sur la perception humaine. Pour alléger ces fichiers, il n’y a pas de secret, il faut réduire la quantité d’information. Par exemple est-il nécessaire de garder autant de détails dans une zone sombre que dans une zone claire? Est-ce judicieux de décrire à  chaque seconde une zone de l’image qui ne change pas pendant un certain temps? Contre la redondance, dans un souci d’économie draconienne le résultat est fait d’approximations, de moyennes, de réductions. Bien sà»r il est question de maquiller au maximum ces défauts inhérents à  la technique. Mais la qualité de cette dissimulation est fonction du coà»t du matériel. Alors, l’à -peu-près de l’image devient le quotidien de beaucoup. La haute définition marketing fait partie de ces outils qui soutiennent le désir de capturer le monde dans sa totalité contre la fuite du temps. Mais beaucoup n’y voient que ce qu’ils veulent et passent vitre outre ces défauts qui ne sont à  priori pas là . Et les artéfacts numériques glissent dans le flou de l’imagerie approximative de masse.

J’aime ces images pour ce qu’elles sont. Je l’exprime radicalement. Et par cette voie paradoxale, la haute définition reprend sa place. Puisqu’au final c’est chaque pixel qui vibre. Les imperfections de l’interprétation disparaissent. On ne peut pas être plus engagé dans la qualité technique de ce piqué. On ne voit plus l’image du paysage. On voit le paysage de l’image.

Les machines numériques sont des pinceaux, je m’en sers pour jouer avec la lumière et donc la couleur. Je peins. Mais je ne suis pas un peintre numérique qui utiliserait des outils de peinture artificiels. Je filme, je prends du temps avec mon matériel dans un paysage. J’enregistre le son… je laisse la lumière passer d’un endroit à  un autre. Je capte cette histoire de vibration sur l’instant. Et je fais des films.

‟ Je déroule lentement la peinture et tandis que je l’observe, je m’avance dans une étendue sans limites de tous les côtés et qui m’ouvre ce sentiment de l’infini que le ciel inspire en moi.”
Zong Bing (375,443)

Je filme puis je ramène toutes ces prises à  mon atelier pour traiter la matière. je filme un paysage puis je l’encode de diverses façons (3ivx,divx,xvid…) comme beaucoup font pour dupliquer en réduisant leurs poids les films dont ils possèdent des copies commerciales avec parfois l’intention de les diffuser au travers des réseaux de partage… Mais ce qu’ils cherchent à  fuir en tentant de trouver un équilibre entre le poids du fichier à  échanger et le respect de la qualité de la reproduction du film. Je l’affirme en réglant l’image de manière à  faire ressortir les aberrations formelles dues aux compressions. Compressions que je pousse aux extrêmes. Je joue du poids de la couleur.

Dans un film, un oiseau peut laisser une trace de son passage dans le ciel. Si l’on décide d’une qualité faible de compression, on peut arriver à  ce que l’accent soit mit uniquement sur le mouvement de l’oiseau. Avant son passage le ciel est composé de zones rectangulaires bleues. Quand il arrive, ces zones se complexifient et la quantité de détail augmente. Derrière lui il laisse un sillon dans l’image. C’est un peu comme s’il faisait une brasse dans l’eau qu’il déplaçait la matière du ciel autour de lui. Derrière, le ciel ne va pas se recomposer de la même façon et des artéfacts de l’oiseau se mêleront au ciel… Le ciel est une matière, l’oiseau rampe sur du sable bleu…
je fais des dizaines et des dizaines de compressions. On pourrait croire que j’épuise le sujet, mais au contraire, c’est difficile d’imaginer à  quel point il se révèle et se renforce. Je suis encore et toujours surprise de cette intimité et de ces prises entre la technologie et le monde…. Ces dizaines de compressions je les découpe et je les superpose. Toutes ces versions du même film sont alignées les unes au-dessus des autres. Je travaille l’image en compositing (collage et superpositions) pour mettre en relation ces déformations avec l’image originale. Je peins ces formes, le les insère dans le paysage. Elles lui sont liées par essence. Leur mouvement diffère, la plupart du temps, j’ai réduit dans ces zones l’information au minimum pour que les déformations soient importantes. Je travaille un peu comme ces cinéastes expérimentaux qui révèlent la matière du film en développant leur pellicule…

Je cherche à  pousser le paysage dans une dimension plastique magique, merveilleuse. Je filme des voyages. Je fais des films pour faire rêver.

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Soirée en partenariat avec l’Institut de l’image
Tarifs pour la soirée : 6€ plein / 5€ réduit / 3€ institut
Pot offert à  l’issue des projections

HORS CASES #11
OUTRAGE ET REBELLION

Projection 1 > OUTRAGE ET REBELLION – Film(s) collectif
2009 / vidéo / 6 films (voir ci-dessous pour détails) / 32 min

Le contexte : 8 juillet 2009 à  Montreuil (Seine-Saint-Denis), Joachim Gatti, réalisateur de 34 ans, participe à  un rassemblement de soutien aux occupants d’une clinique désaffectée expulsés le matin même. Joachim Gatti perd un oeil suite à  un tir de Flash-Ball par un policier de la BAC (Brigade Anti-Criminalité).
Peu après, Nicole Brenez, enseignante universitaire en cinéma et programmatrice en charge du cinéma d’avant garde à  la cinémathèque française et Nathalie Hubert, monteuse, appellent des cinéastes à  réaliser un film collectif.

« (…) Pas un film sur Joachim Gatti qui ne souhaite pas devenir un symbole, pas un film en provenance de la corporation des cinéastes blessée au travers du corps de l’un des leurs, mais un film sur et contre la situation qui rend possible de telles horreurs. Un film sur cette guerre des classes raciste et spectaculaire qui ne dit pas son nom mais dont la violence s’exerce au quotidien sous des formes plus ou moins violentes, et de plus en plus violentes
Comme dit très bien Hamé (du groupe « La Rumeur »), cela a commencé dans les quartiers, qui servent de laboratoire à  la répression, et ensuite cela s’étend partout.
« Qu’est-ce que la paix sociale, sinon une guerre à  basse intensité ? », demandait Oreste Scalzone.  »

Extrait du texte écrit par N. Brenez & N. Hubert -Juillet 2009

6 FILMS – 32 min – Pause discussion entre les films 3 & 4
1/ L’Etat tire dans le tas de Lionel Soukaz – 6’19.
2/ Flashback de Hugo Verlinde – 3’11
3/ L’ordre présent de Jérome Polidor – Collectif La mare aux canards – 10’46
4/ Article 9. Rappel à  l’ordre de Corinne Thévenon-Grandrieux – 3’29
5/ Satyagraha de Jacques Perconte – 5’16
6/ La disette du corbeau de Hamé – 3’45

Projection 2 > CARLO GIULIANI, RAGAZZO de Francesca Comencini
Documentaire / Italie / 2001-2002 / 63 min / 35mm

Gênes, 20 juillet 2001, Francesca Comencini filme avec d’autres cinéastes italiens, la manifestation contre le sommet du G8 au cours de laquelle Carlo Giuliani, 23 ans, est tué d’une balle au visage par un carabinier. Indignée par la diffamation dont, le jour même de sa mort, le jeune homme fait l’objet, la réalisatrice décide de donner la parole à  sa mère, Haà¯di Giuliani.
Son témoignage bouleversant, contrepoint aux images de la manifestation, retrace les dernières heures de Carlo et apporte un autre éclairage sur les évènements.

Collectif à  360 et même plus

Petition en ligne en soutien à  Joachim Gatti
Site dédié aux films « Outrage et rebellion »
Lionel Soukaz on Dailymotion
Hugo Verlinde
Jérome Polidor – Collectif La mare aux canards
Corinne Thévenon-Grandrieux
Jacques Perconte
Hamé – La rumeur
Lettre de Haidi Giuliani
Association Carlo Giuliani

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Afficher Impressions sur une carte plus grande

// DIEPPE

L’avant-port depuis le Pollet, Albert Lebourg, 1882

Le cadrage est large: vision panoramique à  la fois sur la ville et le port. En revanche, la gamme de couleurs est restreinte à  quelques tons froids. Aujourd’hui, le paysage est demeuré identique.

L’avant-port de Dieppe, Camille Pissaro, 1902

Il affectionne particulièrement les sites où foule affairée et activités maritimes vont de pair; le tableau est traité dans un camaà¯eu de rouge excepté le drapeau français. Aujourd’hui, c’est l’anse d’un port de plaisance.

La plage de Dieppe vue de la falaise Ouest, Eva Gonzalès, vers 1870

Une femme peintre, une vue peu impressionniste avec des contrastes de tons parfois violents, mais cependant une certaine douceur. Les pelouses vertes existent toujours et depuis un complexe de balnéothérapie s’est installé.

Les falaises du Pollet, Eugène Boudin, 1896

Sa maîtrise des ciels est parfaite avec l’utilisation de tons mineurs : ciel gris, falaise blanche teintée d’ocre. Parfois la toile est à  nu, sans peinture comme inachevée donnant un effet d’instantanéité. Le Pallet demeure aujourd’hui le quartier typique des pêcheurs.

// POURVILLE

La plage à  Pourville, Soleil couchant, Claude Monet, 1882

Monet préfère Pourville, lieu calme loin des mondanités de Dieppe devenue station à  la mode. Il utilise un camaà¯eu de bleus et d’orangés pour capter les dernières heures du four. Aujourd’hui, le point de vue est toujours aussi époustouflant de beauté (voir photo ci-contre).

// FECAMP

Crinolines sur la plage, Jules Noà«l, 1871

Peintre spécialisé dans les paysages maritimes, Noà«l travaille aussi sur la lumière, mais il est encore un peintre d’atelier. Le thème de la taule sur la plage est cependant d’une grande modernité. Depuis, les Fécampois ont colonisé la falaise jusqu’à  la ferme de la Chapelle pour un superbe point de vue. Pour y accéder, empruntez la sente à  matelot (balisée t3R21).

Fécamp, bord de mer, Claude Monet, 1881

Les marines, un thème majeur: de Fécamp, Monet rapporte 22 toiles: la composition asymétrique et le cadrage en gros plan ne sont pas sans rappeler la photographie. Le paysage actuel est intact.

// YPORT

Rochers è Yport, Claude-Emile Schuffenecker, 1895

Bien que très doué et ami de nombreux peintres, il préféra leur organiser des expositions. Là  aussi, influence de la photographie avec l’effet zoom sur le rocher et le cadrage serré. Le personnage, le petit garçon, est fondu dans le paysage. Port, station miniature à  découvrir.

// ETRETAT

Porte d’aval, Claude Monet. 1895

Ici e peintre marie à  plaisir les quatre éléments que sont l’eau, a terre, l’air sous l’effet de l’astre solaire, le feu. Il évacue de son tableau tous les détails qui ne servent pas son objectif: les voiles de bateaux ne sont que des petites touches de peinture. Seul, le sens des coups de pinceau anime le paysage.

Bateaux de pêche, Claude Monet, 1885

C’est un tableau structuré selon quatre parties qui se répondent deux à  deux (falaise/ciel bateaux/plage). Bien que peignant sur des sites à  la mode, Monet ne représente jamais de personnages. À Etretat, seul le site naturel grandiose l’intéresse. Le paysage actuel est intact.

// LE HAVRE

La plage à  Ste Adresse. Claude Monet, 1867

peintre de son époque, Monet explore le contraste de deux modes de vie qui coexistent nouvellement sur les plages de Normandie. I a place prépondérante des ciels démontre l’influence d’Eugène Boudin, surnommé le roi des ciels par Corot. Aujourd’hui, la plage de Sainte-Adresse, ‟le saint havrais”, se prolonge par une superbe balade le long de la mer jusqu’au Havre.

Entrée des jetées du Havre par gros temps, Eugene Boudin, 1895

La baie de Seine, avec est un motif qu’affectionne Boudin. La force des éléments (mer houleuse et nuages sombres) est rendue par o juxtaposition de touches de couleur tantôt rugueuses tantôt fondues. Le Havre, inscrite au patrimoine mondial de l’humanité, est à  la fois ville, port et plage.

Impression soleil levant, Claude Monet, 1872

Outre l’anecdote, ce tableau est un premier pas vers l’art abstrait : dissolution des formes, morcellement des coups de pinceau et prédominance de la couleur.

Avant-port du Havre, Camille Pissaro, 1903

Peintre de a vie champêtre Pissarro à  la fin de sa vie se plait à  peindre l’animation marchande des villes portuaires de Normandie : grues fumées de remorqueurs… témoignent de l’activité du Havre. Aujourd’hui, l’activité portuaire containers côtoie les activités nautiques.

Crépuscule sur le bassin du commerce, Eugene Boudin, 1892-1894

Ici, Boudin devient l’égal des impressionnistes par la dissolution des formes, e morcellement des couleurs avec une palette plus réduite de multiples touches de gris, mais égal à  lui même car les 2/3 de la toile sont dédiés au traitement du ciel. Aujourd’hui d’autres artistes tels Oscar Niemeyer ont investi ce quartier.

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Le sentier ou bord de l’eau à  Sahurs le soir, Alfred Sisley, 1894

Sur cette toile, les différents plans sont identiques comme un effet de miroir. Le regard se disperse sur toutes les touches de couleur même si l’oeil du spectateur est attiré un instant par les petites voiles blanches. L’objectif du peintre’ est de transmettre une émotion picturale. Aujourd’hui, prendre le bac entre la Bouille et Sahurs est toujours un moment privilégié.

La Seine à  la Bouille, coup de vent, Alfred Sisley, 1894

Sisley, à  l’invitation du mécène rouennais Français Depeaux quitte Moret-surLoing et répond à  une commande de paysages: La Seine en décor et les reflets de l’eau à  reproduire. Le coup de vent est matérialisé par une touche ‟ en virgule ” orientée de façon à  rendre le frémissement des feuilles et le clapotis de l’eau. Les voiles gonflées du bateau accentuent l’évocation du souffle. Aujourd’hui, les installations portuaires de Rouen se sont déplacées vers la Bouille. De toute évidence, les impressionnistes auraient aimé peindre ces silos, le pont Flaubert, les bacs…

La Seine à  Caudebec-En-Caux, Eugène Boudin, 1889

La composition du tableau est simple : le front de Seine est organisé en 3 bandes horizontales le fleuve, la ville et le ciel. La composition rappelle les estampes japonaises, très en vogue alors. Aujourd’hui, la ville en front de Seine reconstruite après guerre (seul vestige, l’église Notre Dame au gothique flamboyant) incite à  la découverte.

// ROUEN

Vue générale de Rouen, Claude Monet, 1892

De Rouan par la N14, prenez la direction de Bonsecours et empruntez la route de la corniche (895) pour accéder à  la côte Ste-Catherine: contemplez un superbe panorama de la ville, de la Seine et des ponts de Rouen. Monet quant à  lui peint dans une harmonie colorée à  la manière de Turner: les formes incertaines se fondent dans un effet de brume lumineuse où seulement se détachent les tours et les flèches de la Cathédrale et de l’église Saint-Maclou. Vous serez tout de même troublé par la précision entre la toile, la photo et le panorama.

Rue de l’épicerie, Camille Pissaro, 1898

Séduit parle pittoresque du quartier (totalement détruit durant a guerre mondiale), e peintre relate l’animation de la ville : les perspectives des immeubles, la cathédrale ‟ écrasent ” ces nouveaux citadins, traduits en petites touches sombres, venus lors d’un exode rural massif. Perspective actuelle : vue sur le portail de la Calende et placette avec terrasses de café à  proximité.

Cathédrale de Rouen, Monet, 1994

À l’époque Monet disait ‟ Tout change quoique pierre ” En effet, un même sujet se transformait au fil des heures, au fil des jours. À proximité, déambulez dans la rue St-Romain, invitation vers le quartier des antiquaires où maisons à  pans de bois colorés se serrent autour de l’église St-Maclou, joyau de l’art gothique flamboyant. À voir place Saint-Amand : le buste de Monet.

Port de Rouen, Saint-Sever, Camille Pissarro, 1896

Témoin de son époque, Pissaro réalise une douzaine de toiles sur Rouen dont le port : rien de bucolique, mais un ciel clair et changeant, des entrepôts, des cheminées d’usines : paysage industriel du XIXe qui n’a plus de réalité au XXC, la Seine est devenue le décor de la fameuse Armada, un nouveau quartier avec son port de plaisance, mais aussi son escale pour croisiéristes et sa promenade aménagée pour les passionnés de rollers.

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Un écho s’est fait entendre ces derniers mois avec “Outrage & Rébellion”, film collectif et révolté en réaction à  une énième “bavure” policière. Mais, depuis plus de 30 ans, des cinéastes comme Gérard Courant ou Gisèle et Luc Meichler lancent leurs images critiques et expérimentales…

Lundi 29 Mars
Outrage & Rébellion
avec Gautier Dulion, Sebastian Loerscher, Lionel Soukaz, Hugo Verlinde, Alexandre Zeff.

Les cycles de CONFÉRENCES / DÉBATS de la Dionyversité se tiennent à  la Bourse du Travail de St-Denis de 19h00 à  21h00
L’Université Populaire de St-Denis se donne pour mission de contribuer à  l’amélioration de la diffusion populaire de l’esprit critique, des savoirs et de la culture ; mais aussi de favoriser le développement des échanges sociaux dans la cité, en incitant les citoyens à  échanger des points de vue et des arguments raisonnés.
Ce projet d’éducation populaire est mis en oeuvre hors des institutions universitaires traditionnelles, dans un esprit engagé de mixité sociale, de citoyenneté, de laà¯cité, de gratuité et de coopération mutuelle.

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À l’invitation de Traverse Vidéo, le Collectif Jeune Cinéma a retenu neuf courts-métrages récents, panorama témoignant de la diversité des approches filmiques défendues aujourd’hui par la coopérative. Propositions singulières, parfois en désaccord, qui ‟ valent la peine ” d’être vues en salle (occasion si rare) et discutées ensemble, chacun de ces films interroge les notions de ‟ corps ” et de ‟ présence ”. Battu, mis à  l’écart, le corps filmé par Laurence REBOUILLON dans Écart évoque le corps filmant et invisible, présent et absent, du cinéaste. Dans L’écume des choses de Maurice LEMAITRE, On était là  de Rodolphe OLCESE, Back to London de Cécile RAVEL, J. de Solomon NAGLER et Alexandre LAROSE, Face of an Angel d’Anthea KENNEDY et Ian WIBLIN, les corps se dégradent, s’effacent, se souviennent, se retrouvent, se jouent de nous et des dispositifs qui cherchent à  les saisir, à  les contraindre. Et c’est la caméra qui prend corps dans Broken Windows de Richard O’SULLIVAN, dont les images sont générées par un appareil en fin de vie. Jusqu’aux paysages fait de nombres de Notturno et du Passage, composés et ‟ dépliés ” grâce à  l’ordinateur, à  l’intérieur desquels Jacques PERCONTE et Mauro SANTINI cherchent à  nous inscrire.

Traverse Vidéo
13ème édition du 10 au 27 mars 2010
‟à‡a vaut la peine”

Traverse Vidéo

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Ce film c’est l’histoire d’une rencontre avec un paysage. Je vous y emmène. On arrive dans la campagne normande où au milieu d’immensités vertes les vaches blanches reflètent la lumière humide. Le ciel change à  chaque minute. La pluie et le soleil se croisent et dessinent ça et là  des arcs en ciels. Mais le pays reste immobile. Même s’il est soufflé par le vent, que les vagues frappent de toutes leur force les falaises à  pic. Ce n’est qu’à  notre échelle que le sentiment sublime se manifeste. La terre est claire. Le marron légèrement boueux mène aux plages de galets gris. On doit descendre pour suivre le chemin qui mène à  la mer. Elle s’agite en bas. Mais depuis un moment déjà  l’image se manifeste. La normandie filmée se transforme et de nouvelles couleurs se révèlent. C’est un été qui s’annonce. Un été virulent et plastique. Comme il est impossible de rendre ce qu’est ce paysage, l’image se met à  assumer l’interprétation qu’elle en fait. Elle devient le support de ces sentiments qui se manifestent face à  la nature. Ses formes dialoguent avec celles des arbres, des nuages, de la mer. C’est le coeur qui fait place à  la vision. C’est la marée haute. Les vagues de couleur balancent leurs lames de toute part et les écumes bleues et vertes glissent sur les pentes qui se laissent pénétrer par la lumière. Voilà  l’agitation des grandes marées. On perd pied. On perd toute notion du temps. Le spectacle nous enlève. Mais tout à  coup je n’entends plus rien. Je me retourne. Et je fixe le chemin qui mène au ciel. Quelque chose vient vers moi en empruntant le chemin qui descend de la falaise. Une petite masse noire nait du magma de couleur. Elle grossit, elle s’approche, c’est une femme. Elle est à  contre-jour. On ne voit plus rien qu’elle. On ne voit plus. Mais de ce noir naissent de nouvelles couleurs extraordinaires qui nous mènent des rouges et roses au blanc merveilleux de la lumière.

premier synopsis d’impressions
ill. pied de la falaise nord des Petites-Dalles

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J’ai découvert ce qu’on appelle les nouvelles technologies il y a une quinzaine d’années en même temps que la vidéo à  la fac. J’étais plongé dans le dessin et la peinture. Je cherchais un médium. J’ai eu le sentiment que je l’avais trouvé tellement tout cela était nouveau et vertigineux. Je me suis engagé sans hésiter dans le questionnement plastique de ces nouvelles pistes. Je ne jurais que par la réalité virtuelle, que par les réseaux. Mais j’ai vite déchanté. J’ai compris la puissance fascinante de ces technologies qui semblait déplacer le rapport aux choses dans la science-fiction. Le spectacle du dispositif ne me plaisait pas. Je ne voulais pas hypnotiser les gens. On ne parlait que d’informatique, plus d’art. Je ne pouvais pas faire les choses à  la légère. J’ai laissé de côté la synthèse et tout ce qui s’accordait trop aux attentes et aux tendances technologiques. Depuis je travaille à  libérer mes gestes des outils et de leurs usages. Je cite vite fait Ivan Illich et Vilèm Flusser qui traitent merveilleusement de cette question de la relation qui lie l’homme à  l’outil. J’aime l’idée d’un outil convivial dont l’homme n’est plus l’esclave. Je suis fasciné par les rapports que j’entretiens avec le monde. Je suis fasciné par les liens entre les images et leurs sujets.

Et quand je suis invité à  créer par une entreprise, je décide de la considérer comme un médium à  part entière. Et c’est tout ce qui la constitue qui devient un élément de l’oeuvre commandée. Soldes d’hiver dont vous voyez défiler les images est une installation réalisée en 2008 avec Michard Ardillier à  Bordeaux. La pièce inclut dans son dispositif le magasin avec son économie et plus particulièrement les soldes d’hiver. Elle joue avec les relations publiques et politiques au travers de ce mur qui a séparé la galerie bordelaise en deux durant une semaine. En choisissant les soldes et en appelant l’installation de la sorte toute communication pour l’oeuvre l’était pour le magasin et vice versa. Le mur a été érigé clandestinement et la surprise troublante au petit matin pour les bordelais qui se voyaient privés de leur raccourci privilégié a été largement reprise par les médias. Le trouble résidait en grande partie dans le doute sur les intentions qui avaient élevé le mur : une oeuvre d’art ? Une publicité virulente pour les soldes ? Un coup de gueule politique ? Les bordelais étaient ravis qu’il se passe quelque chose d’inattendu. Ceux qui me connaissent ont vu dans ce mur à  deux faces encore une manifestation de ma tendance à  entasser des pixels de couleur et à  collectionner les vibrations chromatiques.

Ma plus belle collection s’appelle ‟ It’s all about love ”. Je l’ai commencée il y a sept ans quand Didier Vergnaud m’a invité pour le second numéro de sa collection de livres de photographie. Quelques semaines auparavant je rencontrais Isabelle. C’est pour elle que j’ai quitté le Sud-Ouest. J’ai eu envie de raconter cette histoire d’amour plus que mon histoire avec les images. J’ai photographié. J’ai déplacé les images d’elle dans différents contextes, sur différents types de moniteurs d’ordinateurs, sur des téléviseurs. À chaque fois, je les ai à  nouveau photographiées. Après l’avoir photographié elle, je photographiais ses images. Et ainsi de suite. Pour toujours en avoir plus. Mais elle se voyait disparaitre. Mon attention se focalisait sur l’image. Pas sur elle. Alors, j’ai compris qu’il fallait que je me serve de ces machines que j’utilisais plus correctement. Un ordinateur, ça sert à  calculer, à  quantifier et à  ordonner des résultats. J’ai fait une application qui peut quantifier ce que ces images ont dans le coeur. C’est-à -dire qui peut connaître exactement quelle quantité d’amour contient une image à  l’instant précis où elle s’affiche sur un écran. L’application s’appelle I love you. Elle est sur internet depuis deux mille quatre.

Dans ‟ I love you ”, à  chaque fois qu’une image d’Isabelle doit être vue par quelqu’un de connecté à  ces collections de photographies, l’image est plus ou moins transformée par un programme. Le code source du fichier est ouvert et modifié avant que l’image ne soit affichée. Une application calcule un nombre variable très précis en prenant en compte certains paramètres du serveur et de la connexion de la personne. Ce nombre est recalculé à  chaque fois qu’une nouvelle image doit s’afficher. Une fois déterminé, l’application cherche le nombre dans le code de l’image. Et si cette variable est présente, elle est remplacée par l’expression ‘I love you’ : ainsi, l’architecture du code est déformée, elle peut l’être à  plusieurs reprises, aussi bien une fois que cinq mille, il n’y a pas d’autre limite que la quantité d’informations contenues dans le fichier de l’image. Le navigateur sollicité pour la consultation interprète le fichier et essaie d’afficher l’image. Mais comme il ne comprend pas l’amour dans le code, plus il y a de i love you, moins il arrive a afficher l’image. Par la poésie et les acrobaties, l’image qui est fabriquée est la représentation de la quantité d’amour qu’elle contient. À ce jour il y en a eu plus de 300Mo d’amour diffusé sur les réseaux. Une preuve d’amour, un I love you équivaut à  dix octets.

Je cherche à  donner du poids au numérique. On dit qu’il est tout le temps froid, j’essaie d’élever sa température. Dans mes films il est question de la gravité de la couleur. Elle pèse sur l’image. Je remercie Sun Jung Yeo qui a mis des mots sur ce phénomène que j’étudie en alchimiste. Vous voyez chronologiquement les étapes de mon dernier film : Après le feu. C’est l’histoire d’un paysage et de son image. En travaillant le poids du fichier informatique qui contient la vidéo, les a priori psychovisuels des ingénieurs qui permettent à  nos ordinateurs de contenir de plus en plus de films en préservant la qualité apparente de l’image s’affirment être des outils extraordinaires pour sculpter la matière numérique. Leurs consignes pour le gain de place réécrivent l’image. Dans ce film la compression creuse les ombres projetées par les arbres sur les rails. Elles se transforment en crevasses menaçantes dont les arêtes sont emportées par la matière de l’image.

Je sculpte et je bricole l’image, l’art et la réalité pour affirmer des idées qui ne peuvent pas s’exprimer ailleurs. Je ne cherche pas, je m’aventure…

Photographies : isabelle S.

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Satyagraha se disperse tranquillement sur les réseaux. Trouvez-le téléchargez-le…

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Oui, c ’est du cinéma. Du cinéma ‟expanded”, sorti de ses formes et de ses cadres. Du cinéma hors la salle, hors les murs, hors ‟le” dispositif.. Démultiplication folle des formes de présence de l’image lumineuse en mouvement. La pellicule n’est plus le critère, ni la salle, ni l’écran unique, ni la projection, ni même les spectateurs. Oui, c est du cinéma. Du cinéma aux mille lieux. Du cinéma hors ‟la Loi”. Sauvage, déréglé, proliférant bien plus que disparaissant. Multiple et multiforme. Il suffit d’ouvrir les yeux: il est partout. A la télévision, depuis longtemps, pour ceux qui veulent encore la regarder. Sur les bonnes vieilles cassettes vidéos, pour les cinéphiles tardifs.
Sur les DVD, les ordinateurs, Internet, pour tout le monde désormais. Jamais on a vu/montré autant de films. Le cinéma est dans les musées, les galeries d’art, au théâtre, à  l’opéra, dans les salles de concert, de plus en plus. A ceux qui font mine de se poser la question ‟est-ce encore du cinéma?” ((et qui pensent que celui-ci ne peut exister que dans sa force ‟propre ”), il faut dire: Oui, c ’est du cinéma! Comme art et comme industrie. Comme création et comme divertissement. Comme image et comme dispositif. Comme histoire et comme technique. Comme oeuvre et comme marché. Comme depuis toujours. Il faut l’admettre et le prendre au sérieux.

Dans cet ouvrage deux textes parlent de mon travail :

Sun Jung Yeo : Pesanteur et Couleur digitale : Uishet et Entre le Ciel et la Terre de Jacques Perconte
Bidhan Jacobs : Taritement des signaux numériuqes et abstraction

OUI, C’EST DU CINEMA / YES, IT’S CINEMA – FORMES ET ESPACES DE L’IMAGE EN MOUVEMENT / FORMS AND SPAC
ISBN: 88-456-1087-5

Dubois, Philippe/Làºcia Ramos Monteiro/Bordina, Alessandro (2009): Qui, c’est du cinéma/Yes, it’s cinema. Formes et espaces de l’image en mouvement/Forms and Spaces of the Moving Image. Pasian di Prato : Campanotto Editore

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Projection du film collectif, Outrage et rébellion, 2009, France, 180’, vidéo, n&b et coul (extraits). En présence de Nicole Brenez, Caroline Deruas, David Faroult, Chaab Mahmoud, Guillaume Massart, Marylène Negro, Jacques Perconte, Francesca Solari

‟ À défaut de nous rendre totalement aveugles voila que l’état policier projette de nous éborgner, de Montreuil à  Villiers. C’est à  la prunelle de nos yeux qu’ils en veulent. Comment ne pas penser aux mots qu’Eluard signait sous l’occupation, où l’on recherchait pour les crever les yeux de ceux qui voyaient clair dans le noir. Sale époque, on dressera ta potence. ” Hamé (la Rumeur)

Un film collectif lancé à  l’occasion d’une agression policière sur des jeunes gens parmi lesquels un cinéaste qui perdit un oeil, à  Montreuil, le 9 juillet 2009. Un film pour les déjà  trop nombreuses victimes de flash ball et plus largement les cibles du néo-libéralisme anachronique qui nous mutile tous d’une façon ou d’une autre au quotidien.
Un film par exemple qu’un blessé peut voir à  l’hôpital et qui lui redonne des forces, du courage et de la joie. Un film qui soit à  la fois un hurlement, un coup, une bordée d’insultes, une analyse lucide, un manifeste, un poème d’amour pour la révolte, une méditation, un baume sur les blessures, un appel à  la mutinerie et encore de l’amour. Un film sur cette guerre des classes raciste et spectaculaire qui ne dit pas son nom mais dont la violence s’exerce au quotidien sous des formes plus ou moins violentes, et de plus en plus violentes. Comme dit très bien Hamé, cela a commencé dans les quartiers, qui servent de laboratoire à  la répression, et ensuite cela s’étend partout.
‟ Qu’est-ce que la paix sociale, sinon une guerre à  basse intensité ? ”, demandait Oreste Scalzone.

L’été 2009, plus de 40 auteurs (cinéastes, vidéastes, plasticiens, chanteurs) se sont mis au travail. Voici une sélection de leurs films, à  destination des élèves de l’Ecole des Beaux-Arts.

Caroline Deruas, cinéaste, actrice, Exercice de double pensée, 5’30’’ î France
David Faroult, Maître de Conférences, cinéaste, Questions et hypothèses sur la répression 2009, 13’29’’ – France
Chaab Mahmoud, ouvrier de l’image, Communiqué de presse, 1’ î France
Guillaume Massart, vidéaste, critique, Pompéi (nouvelle collection), 4’50 – France
Marylène Negro, plasticienne, Répons, 3’20’’ – France
Jacques Perconte, photographe, plasticien, artiste numérique, Satyagraha, 5’12’’ – France
Francesca Solari, cinéaste, Oracolo, 3’ – Suisse

Beaux-arts de Paris l’école nationale supérieure / 14, rue Bonaparte 75272 Paris cedex 06 / www.beauxartsparis.fr / contacts : jany.lauga@ensba.fr, tél 01 47 03 54 58, fax 01 47 50 80 et martine.markovits@ensba.fr, pour la programmation video / tél. 01 47 03 50 45, fax 01 47 03 50 78

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A partir des oeuvres de Jacques Perconte, je me propose de découvrir comment l’épreuve physique de la pesanteur peut intervenir dans la conception de l’oeuvre numérique, et de montrer en particulier comment la question de la couleur nous amène à  penser la physicité des images numériques. Ce que j’appelle la physicité, plutôt que la physicalité, provient du mot grec phusis qui ne désigne pas exactement la nature au sens moderne du terme ni les choses physiques, mais ‟ le processus total de la nature, l’actualisation constante des potentialités de la substance matérielle ”[1]. Est-il possible d’édifier un fondement physique du numérique dont le procédé et le résultat visuel sont immatériels par excellence ? Comment réfléchir sur le numérique qui domine la situation contemporaine de l’art, voire notre rapport au monde ?

Des images numériques aux installations chez Jacques Perconte, la question de la pesanteur me semble fondamentale. En premier lieu il s’agira de réfléchir sur la compression multiple : la pluralité de la pesanteur qui en résulte conditionne l’apparition de la couleur. Cette dernière tombe ou s’élève en répondant à  la force de pesanteur ou en gardant une tension avec elle. En deuxième lieu je m’interrogerai sur sa conception du numérique en tant que tas. À travers une figure de tas géo-chromatique, je mettrai en parallèle notamment la vidéo numérique Uishet (2007) et l’installation via GPS Entre le Ciel et la Terre (2007). En effet la terre et la couleur numérique se trouvent intimement liées par le geste de l’entassement.

La couleur et la pluralité du poids

Pour Perconte, l’image numérique pèse en effet. Bien entendu, ce poids n’est pas matériel, d’autant que l’image ne détient pas de masse î condition primordiale du poids physique (F = mg). Certes les unités d’information, comme le bit ou l’octet, désignent au plus la quantité des données informatiques représentées par un chiffre binaire composé de 0 et de 1, qui occupe la surface du stockage de mémoire (DV, disque dur, etc.), et non le poids. Mais lorsque Perconte écrit que ‟ le film de 8 minutes pèse 3,5 Go ”[2], ce n’est pas une expression d’ordre métaphorique comme on l’exprime souvent dans le langage courant. C’est que le poids résulte toujours d’une causalité. Le poids de l’image est proportionnel au mouvement et à  la taille du détail ainsi qu’au temps et à  l’intensité de la lumière. Selon lui, lors de la rotation des couches qu’il a divisées et multipliées à  partir d’une image, ‟ la valeur sombre s’en va vite et s’évapore, devenant transparente ”. En revanche, ‟ la valeur claire disparaît lentement ”, dit-il, car la valeur claire est plus pesante[3].

En effet le poids de l’image est manifeste dans toutes les étapes de création, notamment dans sa conception plastique de la couleur. Mais si l’image pèse, c’est avant tout dans l’ordre du manque, du masque, de la perte : pour ses oeuvres numériques, Perconte engage le procédé singulier d’une compression multiple qui lui permet d’agir sur le poids de l’image. Par exemple, quand l’artiste compresse une image numérique qu’il a filmée, la zone sombre perd davantage ses données informatiques par rapport à  la zone claire qui maintient sa mesure. Plus la zone est sombre, plus elle allège son poids. Comme le revendique Perconte, ‟ ce travail va se concentrer sur la luminosité, sur le temps, sur les liens entre image/compression/lumière. À savoir que plus une image a de zones sombres, moins elle pèse et plus ces zones sont masquées ”[4]. Mais le but de cette pratique ne consiste pas seulement à  alléger ou alourdir, mais à  convertir la force de pesanteur elle-même.

Prenons comme exemple l’image que l’artiste nous donne en vue de l’illustration pédagogique de ce mécanisme (voir l’image sur http://blog.technart.fr/2005/06/19/quelques-mots-sur-lencodage-et-le-paysage/). Elle a été d’abord compressée en divx à  300k/s puis à  190k/s, et puis recompressée en mp2 à  12mb/s. ‟ Dans cette version, dit-il, l’image est très hachée et les blocs compressés se figent facilement, les traînées de blocs qui ne bougent pas entre deux images clés vont se superposer et se mélanger. De nouvelles couleurs hallucinées vont apparaître lorsqu’une zone foncée devient claire ”[5]. Ces valeurs lumineuses peuvent être renversées par la compression du négatif. Si l’on transforme le fondu au noir en négatif, comme le sont les images au milieu d’Uishet, le résultat chromatique de sa compression sera plus probant.

La conversion de la force de pesanteur exalte ainsi l’apparition de la couleur, ses accidents ou ses aventures plastiques. Il y a donc une force verticale, susceptible d’être altérée, au sein de laquelle la couleur risque de tomber ou au contraire de rebondir. Il s’agit de rendre plurielle la force de pesanteur, déjouant le poids initialement inscrit sur l’image, sur chaque zone dont la quantité d’information diffère selon sa nature complexe, telles que luminosité, mobilité, temporalité, densité des détails (fig. 1-4). Les pratiques de cette conversion varient selon les ordres que l’artiste impose : dilatation de la taille initiale, c’est-à -dire la décompression en vue de compression, compressions zone par zone, du négatif ou à  l’envers, et répétition différentielle variant des taux de compression.

L’espacement et la présence locale

Les forces de pesanteur naissent, pour ainsi dire, de la différence : entre clair et obscur, mouvant et fixe, dense et imprécis. Cette pluralité de pesanteur n’est pas due au changement de la masse matérielle, mais à  ce rapport différentiel, pour ainsi dire l’espacement.

Pour les compressions qui m’intéressent c’est-à -dire les compressions temporelles, cela se passe à  la fois au niveau des images fixes et au niveau du mouvement. C’est-à -dire par exemple que dans une séquence vidéo d’un paysage du type de celui du jardin, les parties très sombres (les troncs à  contre-jour par exemple) vont être uniformisées et ne seront pas affectées par les déplacements des parties éclairées (le bord des branches mues par le vent). Les zones vont être simplifiées selon leur importance. Elles se composeront et décomposeront de façon à  restituer plus ou moins fidèlement l’action selon les intentions que l’on a. Le codec permet de régler la sensibilité. On peut complètement détruire la neutralité naturelle de l’image pour lui donner une nouvelle dimension.[6]

Cette mise en espace aura lieu entre les zones de couleur. La force de pesanteur agit sur la présence locale de ces zones colorées. L’artiste espace l’image zone par zone, dit-il,

en masquant une grande partie des couleurs et en insérant un nouveau calque à  chaque apparition d’une nouvelle zone […]. De nombreux éléments sont traités individuellement, par exemple, pour une branche qui a dans une version du plan très compressée en divx certaines qualités plastiques, en faisant varier les niveaux de blanc et de noir sur cette zone et la saturation des couleurs, je vais révéler les structures abstraites de l’élément. […] La couche suivante mettra en scène des éléments voisins aux premiers avec une compression différente […]. Il n’y pas de travail sur les transparences dans ce film, tout est collage des mêmes images traitées différemment les unes sur les autres.[7]

À partir de ces taches non floues, provenant de compressions individuelles et différentes, Perconte tente d’acquérir la physicité de la couleur, d’actualiser une gravité entre les zones colorées. Il brutalise les pixels immatériels ou les carrés de défaut numérique, un peu plus grands que les pixels, au point d’en faire une substance différentielle sans masse, mais répondant à  la force de pesanteur. Ces zones colorées sont le résultat plastique de l’espacement.

Le numérique en tant que tas lisse et cartographique

L’installation via GPS Entre le Ciel et la Terre expose une pensé singulière de l’oeuvre numérique, ayant un rapport aux Earthworks des années 60 ou 70 comme ceux de Robert Morris, de Robert Smithson ou de Ben. L’entassement n’incarne pas seulement le mode d’exposition de ces derniers, mais aussi le mode de production qui édifie une oeuvre numérique d’après Perconte. Il conçoit en effet le numérique en tant que tas. Un amas de terre occupe ainsi le centre de la galerie du Théâtre qui est le lieu d’exposition d’Entre le Ciel et la Terre. Les terres sont prélevées d’un terrain choisi après l’arpentage auquel l’artiste a procédé via GPS aux alentours d’Evry et de l’Essonne : c’est un ‟ Nonsite ”, tel que le discute Robert Smithson î un fragment cartographique, déplacé et privé de son Site[8]. Entassées sur le sol de la galerie, dans des boîtes en bois qui produisent une structure de forme carré de 2,40 m de côté sur 50 cm de hauteur, les terres pèsent environ 1600 kg. Comme le relate aussi le journal de l’artiste, la question du poids est importante :

L’idée est de déplacer une masse de terre extraite d’un terrain vers une structure qui sera disposée dans la galerie du théâtre. […] Le poids de la terre est difficile à  évaluer sans savoir exactement quelle sera sa nature. Selon différentes sources la terre sèche a un poids de 1200 kg par mètre cube. Si la structure qui fait la même taille que le trou est remplie entièrement on aura pour de la terre sèche une densité de 600 kg/m². Seulement la terre ne sera à  priori pas sèche et si elle est suffisamment sèche, elle sera tamisée, ce qui réduira sa densité. Si le sol de la galerie ne supporte pas une telle charge, il est tout à  fait envisageable de combler une partie de l’intérieur de la structure avec une boîte en bois pour remplir et alléger la pression exercée par la terre au sol. Ce qui est fondamental c’est que vue de l’extérieur la terre remplisse entièrement la structure et qu’il y en ait une quantité suffisante pour dégager de la force.[9]

L’idée d’exposition se fonde avant tout sur la migration de la terre d’un terrain original vers la galerie. Et le poids ne doit pas dépasser des capacités de résistance de ce lieu-limite entre Nonsite et Site. Mais il faut de même imposer une quantité suffisamment visible pour donner de la force. Il faut donc tenir compte des conditions qui peuvent faire varier le poids, telles que l’humidité, la densité, c’est-à -dire la nature physique du composant. Lors de la réalisation de l’exposition, la terre a été tamisée, devenant par conséquent moins dense, moins lourde, mais plus imposante à  la vision.

Ici l’organe sensible de la pesanteur, c’est aussi l’oeil cartographique. Autour de cette masse centrale de terre, qui pèse effectivement et s’impose visiblement au plein coeur de la salle d’exposition, gravitent les images numériques : une vidéo du ciel projetée au plafond au dessus de l’amas de terre, des photographies de paysage qu’il a prises pendant son parcours, des donnés géographiques provenant en majorité de Google Earth. Dans cette installation, la masse cartographique de terre, les ballades et leur résultat visuel (la vidéo du ciel ou le bloc des photos) concourent à  créer ‟ une oeuvre numérique ” qui est d’ailleurs le sujet commandé par le Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne. Ils se superposent les uns les autres sur la figure même du lieu. Le terrain choisi est déjà  un lieu potentiel de temps suspendu dans la mesure où il est celui d’un projet inachevé du musée archéologique d’Etiolles.

Or Entre le Ciel et la Terre de Perconte répond certes au tas exposé des Earthworks, sans pour autant s’assimiler totalement à  leur manière. À vrai dire, la forme du tas nivelé dans une structure carrée ne correspond pas exactement à  la définition du tas, rédigée par l’artiste Ben : ‟ La différence entre un tas et une accumulation est dans l’essence même du tas qui est régi par la loi de la pesanteur et dont la base est toujours plus large que le sommet. ”[10] Le modèle du cube, plutôt que celui de la pyramide, semble inspirer l’oeuvre de Perconte. Cependant la force de pesanteur continue de la régir. Car la force de pesanteur est déplacée dans un alignement vertical entre ciel et terre, c’est-à -dire dans la vue du ciel filmée en contre-plongée, depuis le trou creusé dans le terrain original, et projetée au plafond de la galerie au-dessus de la masse de terres rapportées. Bien que le Nonsite de Perconte soit tamisé, aplani, il figure le tas lisse et cartographique. C’est que d’après Maurice Fréchuret le tas a une parenté avec ‟ une activité dont il est le résultat palpable ”[11]. Et d’après Merleau-Ponty, ‟ le lisse n’est pas une somme de pression semblables, mais la manière dont une surface utilise le temps de notre exploration tactile ou module le mouvement de notre main. ”[12]

Il est significatif que, dans la huitième ballade pour le projet Entre le Ciel et la Terre, l’artiste rencontre un monticule entassé qui est un ouvrage accidentel, sans doute laissé après un chantier, et qu’il imagine alors le lissage. Perconte dit :

J’admire ce que la pluie fait avec le temps et le vent. Elle lisse, elle stabilise, elle finalise le travail, elle l’inscrit dans une temporalité qui donne au lieu son identité. J’imagine plein de choses comme par exemple s’arranger pour trancher horizontalement ces monticules, comme si c’était des arbres. Y faire une coupe nette pour ramener une partie dans un lieu et la confronter avec l’image de la base. Cette idée n’est éloignée de ce que je vais faire avec le trou que je souhaite creuser. Je veux confronter la terre du trou refaçonnée à  l’image de son origine comme la pièce d’un jeu qui en serait extraite. Mettre face à  face un contenant et son contenu. Extirper une masse et l’affirmer comme telle.[13]

Aussi le temps de l’exploration tactile s’inscrit-il dans le lissage cartographique du tas, avec l’idée de l’empreinte digitale qui caractérise essentiellement l’image numérique. Avant tout, c’est dans le lisse que la terre s’approche de la couleur numérique, si la forme du tas est partagée entre deux.

Géo-chromatisme

En effet la terre est pensée en termes de couleur. Les cartographies exposées dans l’installation Entre le Ciel et la Terre ne montrent pas simplement les données géographiques du parcours. Mais ces images satellites fournies par Google Earth, capturant un même lieu, donnent à  voir une sorte de géo-chromatisme, où chaque zone de terre, captée dans la carte, semble dédiée à  la variation de la tonalité et de la teinte.

De même, tandis que les données géographiques ‟ 48° 38’ 02’’ N, 2° 27’ 58’’ E ” restent nettes au milieu de l’image, la vidéo du ciel effectue pendant ses 25 minutes de durée cinq cycles de désintégration par saturation chromatique de sa compression : un passage du géographique au géochromatique (fig. 5-6). Les carrés de couleur s’entassent, comme la terre, dans le tas lisse que constituent les 30-50 couches démultipliées pour saisir la zone de couleur, et qui s’inscrit finalement en une couche sur la surface du stockage de mémoire. La force de pesanteur passe entre ces couches. C’est un montage vertical sans profondeur.

La figure des carrés entassés circule dans d’autres oeuvres numériques : l’exposition It’s all about love, l’installation monumentale Solde d’hiver (2008) dans laquelle Perconte édifie un mur de boîtes de chaussures entassées dans l’ordre chromatique, et de là , bloque complètement un passage couvert dans les rues de Bordeaux, ce passage qui est le lieu engendrant un conflit persistant entre l’espace privé et l’espace public (fig. 7). Pour la photo, la vidéo ou l’installation, il semble que Perconte n’ait jamais cessé de soutenir l’oeuvre numérique comme entassement.

Les carrés de couleur dans l’image numérique ne sont pas simplement accumulés, mais aussi régis par la pesanteur. L’unité et le sujet de l’oeuvre numérique sont pour Perconte soit un pixel, soit une trame comportant des défauts de compression plus grande qu’un pixel. Ces carrés sont féconds si bien qu’ils promettent sans cesse une autre genèse formelle et chromatique, côte à  côte ou mise en abyme. S’attirant l’un vers l’autre, par exemple dans un étirement lors de la compression, ils interagissent en effet. Ils exercent ainsi une force d’attraction qui n’est autre que la force de pesanteur. Le numérique se trouve dans cet entassement de carrés tenus par la force d’attraction.

La couleur digitale en tant qu’exposition

Qu’est-ce qui résulte de cet entassement de carrés ? L’entassement, dont précèdent toujours le creusement et le tassement, met en évidence le fondement sculptural de la couleur qui peut être creusée, tassée, entassée ou touchée, allant plus loin que l’optique ou le pictural. Perconte dit :

J’essaie de mettre en avant des percées dans l’image. Je troue le paysage pour qu’on y voie des choses à  travers. Le jeu est très pictural. Et finalement, ces empilements de calques et de rajouts finissent par donner l’impression contraire non pas d’une image qui se déploie dans la hauteur mais au contraire qui se creuse. […] le but n’est pas qu’elle ressemble à  de la peinture mais qu’elle vienne se poser sur le paysage et faire vibrer certaines couleurs et certaines lumières d’une autre façon.[14]

Ainsi la couleur digitale se donne-t-elle en tant qu’exposition et non en tant qu’image visible disposée devant nous. La figure sculpturale du tas dans ses oeuvres numériques, ainsi que les équivalences récurrentes entre la terre et la couleur, nous permettent d’établir la structure muséale de cette dernière.

Ce qui est donné à  voir dans le film, ce n’est pas une vibration impressionniste. Les ‟ mouvements de luminance et de chrominance ” sont plutôt les moyens créés ‟ afin de pouvoir entraîner des déformations colorées ”[15].  Ce qui s’expose avec l’entassement de Perconte, c’est une sensation plus catastrophique que la ‟ sensation colorante ” de Cézanne. La compression est une épreuve du devenir périlleuse, un espacement glissant constamment entre naître et mourir :

Vivre dans le devenir, écrit Jeanneret, c’est être toujours en train de naître ou, ce qui revient au même, de mourir. […] cette pensée de l’inchoatif, que nous retrouverons souvent, fonde une philosophie du naître, qui s’oppose à  celle de l’être : naître et naître encore, c’est exister dans la précarité du rebondissement, c’est n’être.[16]

‟ N’être ” c’est aussi neutre, ne-utre : la compression sollicite l’expérience neutre au sens du terme employé par Maurice Blanchot dans son livre L’espace littéraire : ni l’être ni l’autre mais l’expérience de limites confuses entre la mort et la vie, le défaut et l’excès, le visible et la nature non vue.

La compression n’est pas seulement la négation qui bouscule la forme et la couleur jusqu’à  les faire tomber dans l’obscure informe, mais aussi le devenir qui couve le germe d’une couleur inattendue, renaissant sans fin dans cette déchéance. A travers ce ‟ n’être ” permanent de la pesanteur, les couleurs risquent de choir dans le néant, mais peuvent aussi rebondir à  nouveau. Elles vont naître et naître encore, dans une remise en cause de la pesanteur, interminable en principe, donc capable de rendre multiple la force gravitationnelle. Si nous plaçons Perconte dans la filiation de Smithson, Ben, Duchamp, et non dans celle des impressionnistes, cela est dà» à  cette introduction de la pesanteur. La gravitation de compression dont la logique se fonde sur une causalité remaniable à  l’infini, de mouvement, de temps, de densité des détails ou d’intensité lumineuse, cette manière de faire du pesable donne lieu à  l’avènement de couleurs inattendues en remettant en question leur manière d’être. Ainsi sommes-nous exposés ensemble dans une substantialisation de la couleur numérique. C’est un espacement de la physicité dans l’immatériel : la physicité ‟ vient de phusis, qui suggère la croissance ; phuein, de produire/mettre au monde, phunai, de naître. Ta phusika se réfère à  des choses croissant qui sont assujetties à  la génération (et donc, dégénérescence) ”[17]. Phusis, le processus total de la nature, intervient ainsi dans le régime principalement immatériel de l’image numérique, en actualisant sans repos les potentialités physiques de la substance. La couleur digitale à  proprement parler résulte de cet élan de la pesanteur entre le naître et le n’être, de ce contact persistant du visible et du pesable.

[2] Jacques Perconte, ‟ Encodages… ”, note de son journal, le 1 février 2006.

[3] Propos inédit de Jacques Perconte, in ‟ Entretien avec Sun Jung YEO ”, le 20 novembre 2007.

[4] Jacques Perconte, ‟ page 2. Au fil de temps et de la lumière ”, note de son journal, le 11 février 2007.

[5] Jacques Perconte, ‟ Quelques mots sur l’encodage et le paysage ”, note de son journal sur Uishet, le 19 juin 2005.

[6] Jacques Perconte, ‟ Sculpter l’image ”, note de son journal, le 23 janvier 2007.

[7] Jacques Perconte, ‟ Composites et trous ”, note de son journal, le 20 mars 2006.

[8] ‟ J’ai imaginé le Nonsite contenant de façon effective le chaos du Site. En un sens, le conteneur n’est lui-même qu’un fragment qui pourrait s’appeler une carte en trois dimensions. Sans faire appel à  des notions telles que “gestalt” ou “anti-forme”, il existe bien en tant que fragment d’une plus grande fragmentation. Il est une perspective tridimensionnelle qui s’est détachée du tout, tout en contenant le manque de sa propre limitation (containment). Il n’y a pas de mystères dans ces vestiges, pas de traces d’une fin ou d’un commencement. ” Robert Smithson, ‟ Une sédimentation de l’esprit : Earth Projects ”, dans Artforum, septembre 1968. Repris dans Robert Smithson. Une rétrospective : le paysage entropique 1960-1973, MAC, Galeries contemporaines des Musées de Marseille, Marseille , 1994, p. 196 (ouvrage réalisé à  l’occasion de l’exposition ‟ Robert Smithson. Une rétrospective : le paysage entropique 1960-1973 ”).

[9] Jacques Perconte, ‟ Au sujet du trou et des 300kg/m² ”, note de son journal, le 2 mars 2007.

[10] Benjamin Vautier, ‟ Les Tas ” (6 aoà»t 1962), dans Benjamin Vautier, Moi Ben je signe, Lebeer Hossmann, Bruxelles Hamburg, 1975.

[11] Maurice Fréchuret, Le mou et ses formes. Essai sur quelques catégories de la sculpture du XX^e siècle,  Editions Jacqueline Chambon, Nîmes, 2004 (1993), p. 127.

[12] Maurice Merleau-Ponty, Phénoménologie de la perception, Gallimard, Paris, 1981, p. 364.

[13] Jacques Perconte, ‟ Huitième ballade, vers la Ferté ”, note de son journal sur Entre le Ciel et la Terre, le 15 février 2007.

[14] Jacques Perconte, ‟ Composites et trous ”, note de son journal, le 20 mars 2006.

[15] ‟ Je vais chercher à  plusieurs taux de compression à  développer des artéfacts dans les éléments. [...] Ensuite, dit-il, je vais reprendre ces séquences [compressé à  des taux variés] et faire varier les niveaux de blanc dans le temps, créer des mouvements de luminance et ensuite de chrominance afin de pouvoir, en compressant à  nouveau le film entraîner des déformations colorées. ” Jacques Perconte, ‟ premier encodages ”, note de son journal sur Uishet, le 2 juin 2005.

[16] Michel Jeanneret, Perpetuum mobile. Métamorphoses des corps et des oeuvres de Vinci à  Montaigne, Macula, Paris, 1997, p. 39.

[17] Charles E. Scott, The Lives of Things, Indiana University Press, Bloomington, 2002, p. 17.

// (c) Sun Jung Yeo / Pasian di Prato : Campanotto Editore, 2009

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PROJECTION DU FILM COLLECTIF OUTRAGE & RÉBELLION
suivie d’une discussion avec les cinéastes, ainsi que Nicole Brenez et Nathalie Hubert (sous réserve).

Samedi 27 février / 16h / Salle 200 / 5€, 3€*, 0€**

OUTRAGE & RÉBELLION
Film collectif, France, 2009, n&b et couleur, 180 min

« À défaut de nous rendre totalement aveugles voila que l’état policier projette de nous éborgner, de Montreuil à  Villiers. C’est à  la prunelle de nos yeux qu’ils en veulent. Comment ne pas penser aux mots qu’Eluard signait sous l’occupation, où l’on recherchait pour les crever les yeux de ceux qui voyaient clair dans le noir. Sale époque, on dressera ta potence. »
Hamé (la Rumeur)

« Un film collectif pour Joachim Gatti, ses camarades et ce que leur cas révèle de la répression en France aujourd’hui.
Un film pour les déjà  trop nombreuses victimes de flash ball et plus largement les cibles du néo-libéralisme anachronique qui nous mutile tous d’une façon ou d’une autre au quotidien.
Un film par exemple qu’un blessé peut voir à  l’hôpital et qui lui redonne des forces, du courage et de la joie. Ce n’est pas si facile. Un film qui soit à  la fois un hurlement, un coup, une bordée d’insultes, une analyse lucide, un manifeste extra-lucide, un poème d’amour pour la révolte, une méditation, un baume sur les blessures, un appel à  la mutinerie et encore de l’amour.
Pas un film sur Joachim Gatti qui ne souhaite pas devenir un symbole, pas un film en provenance de la corporation des cinéastes blessée au travers du corps de l’un des leurs, mais un film sur et contre la situation qui rend possible de telles horreurs.
Un film sur cette guerre des classes raciste et spectaculaire qui ne dit pas son nom mais dont la violence s’exerce au quotidien sous des formes plus ou moins violentes, et de plus en plus violentes.
Comme dit très bien Hamé, cela a commencé dans les quartiers, qui servent de laboratoire à  la répression, et ensuite cela s’étend partout
« Qu’est-ce que la paix sociale, sinon une guerre à  basse intensité ? », demandait Oreste Scalzone.
45 auteurs (cinéastes, vidéastes, plasticiens, chanteurs) se sont mis au travail. »

Nicole Brenez & Nathalie Hubert

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[...]

Les films que je préfère sont ceux qui ont emprunté des chemins de traverse, qui ont décidé de ne pas aborder directement le cas de Joachim Gatti mais ont préféré élargir le champ, répondre à  la commande par une vraie proposition de cinéma. Je pense à  Pierre Léon, à  Marc Hurtado, à  Sylvain George…

Le film sur Gandhi, Satyagraha de Jacques Perconte, se démarque, par exemple. Parce qu’il s’est écarté de toute facilité de commande, ne serait-ce que pour cela, pour son projet esthétique et son mystère. Et puis, maintenant que les films vont circuler sur le net, j’imagine bien les internautes se demandant si leur connexion ne buggue pas…

Propos recueillis par Ludovic Lamant
et retranscrits par Pierre Lascar

continuer à lire Ludovic Lamant à  Guillaume Massart : Un film du collectif qui vous ait plu ? sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Editorial de Rodolphe Olcèse

Peaux / pellicules. Un lien élémentaire. Viviane Vagh, en évoquant comment elle a conçu son dernier film, rappelle cette équivalence que nous faisons spontanément entre ces deux membranes. C’est cette même correspondance qui sert de point de départ à  Raphaà«l Bassan pour explorer un film de Morgan Fischer ou que Daphné Le Sergent déploie dans un beau texte sur des travaux de Christian Lebrat. Sous toutes ces figures, ce qui nous est donné à  penser, c’est que le cinéma expérimental, qui se plait à  manipuler ses matériaux et son histoire, prend la peau pour ce qu’elle est : ce qui, d’une personne ou d’une oeuvre, s’expose aux blessures et cicatrices, voire, comme dans le texte de Violeta Salvatierra sur Smooth de Catherine Corringer, peut devenir le recouvrement d’une transformation des corps engloutis dans la compénétration.

Pour autant, la pellicule suffit-elle à  donner à  nos films un accès à  la peau, et par elle, au réel ? Didier Kiner interroge les mutations que connaît l’industrie cinématographique aujourd’hui pour questionner, en évoquant le travail troublant d’Alain Della Negra et Kaori Kinoshita, notre rapport à  la réalité, qui, de facto, et à  chaque instant, passe par la peau. C’est une même inquiétude qui anime les questions de Raphaà«l Soatto, dans une autre direction : de quoi notre peau est-elle la trace ? De quoi nos échanges silencieux avec la réalité et ses images nous enrichissent-ils ? Jacques Perconte nous rappelle que la poésie numérique n’abolit pas nécessairement ces dimensions de l’expérience du monde et des images, mais peut au contraire être l’espace même de leur renouvellement. Et c’est heureux.

Si notre ambition était d’interroger la peau comme surface, substrat ou support, nous voulions également, et plus décisivement, la penser comme lieu pour le monde. C’est de manière providentielle que La peau de Thierry Kuntzel est venue à  notre rencontre. C’est grâce à  la peau et par elle que les sentiments les plus profond peuvent venir à  portée de regard et de main. Dans l’oeuvre de Thierry Kuntzel, bien plus radicalement, c’est le monde lui même, son histoire et ses saisons qui semblent pouvoir frayer et se livrer, tout un, à  notre regard. Rares sont les oeuvres qui nous rappellent avec une telle adresse que si nous avons reçu vêtements de peaux, c’est parce que, du monde, nous avons la garde.

Sommaire :

Paradoxes de la surface une et unique : le désarroi, le sublime par Paul-Emmanuel Odin / Philippe Duciel / Du found footage, de la mémoire, du film… De la peau de mon film par Viviane Vagh / Petites peaux entrevues par Rodolphe Olcèse / Le sensible de surfaces par Raphaà«l Soatto / I Love You par Jacques Perconte / Saw VI par Francine Flandrin /Contact digital par Didier Kiner / Détressage de formats (Notes sur Standard Gauge de Morgan Fischer) par Raphaà«l Bassan / Les rubans photographiques de Christian Lebrat par Daphné Le Sergent / Le cinéma dans les mains de Catherine Corringer (A propos de Smooth) par Violeta Salvatierra / Paysages par Smaranda Olcèse-Trifan /

I LOVE YOU

“4. Vouloir écrire l’amour, c’est affronter le gâchis du langage : cette région d’affolement où le langage est à  la fois trop et trop peu, excessif […] et pauvre […]” Roland Barthes, fragments d’un discours amoureux.

Trente-huit degrés, c’est la température qu’il doit faire à  quelques centimètres de sa peau, de ces photographies et de leurs images, c’est une chaleur qui ne se perd pas. J’ai rencontré Isabelle en mai deux mille trois. Je l’ai photographiée (pour ce livre) de décembre deux mille trois à  mars deux mille cinq…

Quand je pense à  son corps, je rêve de paysages si grands que l’on se perd complètement. Il y a tellement de choses à  reconnaître. Des kilomètres de peau où règne le chaud. Un doux désert presque vide. Beauté, immensité où chaque vibration de la lumière pousse les couleurs à  se montrer autrement. Les variations de sa ‘nature en pose’ sont infinies. Je joue.

‘Trente-huit degrés’. Une série où chaque image de son corps devient la pièce maîtresse d’une collection.  Chaque jour m’offre quelque chose de nouveau à  voir. Par réflexe de peintre, de photographe ou de vidéaste, je fais des images… Ce que j’essaye d’écrire dans ce livre, c’est une collection de ces impressions et de ces moments qui ne me quittent pas. Chaque fois que je recommence à  les photographier, je me plonge dans un état d’attention extrême, à  la recherche d’un point de vue magique, pour voir un je ne sais quoi. Je l’aperçois, je le sens, mais il m’est bien sà»r impossible de l’écrire où que ce soit. Peut-être parce que ce que j’ai envie de voir est bien loin au-delà  de l’image, de l’autre côté de cette surface pleine de couleurs, mais mon regard percute la surface de l’écran et c’est à  travers elle que je défie l’infiniment grand.

L’histoire continue et à  chaque chapitre naissent de nouvelles formes. Chaque partie, sans titre, sera l’occasion d’une nouvelle déambulation fragmentée le long de son corps. C’est un carnet de voyage. Je vous raconte. Tout a commencé il y a fort longtemps. À l’époque, j’enquêtais sur l’image et plus particulièrement sur cette nouvelle image informatisée. Je l’expérimentais dans tous les sens par une approche plus théorique que sensible. Du moins, c’est ce que j’entendais. Saoul des lectures qui me passionnaient, je cherchais à  mettre en évidence une nouvelle dimension perceptible liée à  son aventure technologique. Chaque étape de fabrication laissait quelques stigmates visibles. Le sujet était confronté à  l’histoire de sa représentation… Chaque passage d’un état à  un autre, chaque captation laissaient une trace forte dans la matière. Je voulais l’expliquer. C’est très compliqué. La théorie a fini par devenir lassante. Ce n’était certainement qu’un prétexte dans cette recherche plastique. Je cherchais l’équilibre entre l’image et son support, entre le désir que m’inspire le sujet, l’image du corps et ce support qui lui donne un temps et une texture.

J’ai rencontré Isabelle. Il y a eu ce projet de livre. Je n’ai plus réfléchi.  Le livre allait raconter notre histoire amoureuse au travers de mon aventure avec son image. J’ai photographié. Plusieurs lieux. Plusieurs époques. J’ai déplacé les images d’elle dans différents contextes : sur différents types de moniteurs d’ordinateurs, sur des téléviseurs. À chaque fois, je les ai à  nouveau photographiées. Après l’avoir photographié elle, je photographiais ses images. Et ainsi de suite. Pour toujours en avoir plus. Mais elle se voyait disparaitre. Mon attention se focalisait sur l’image. Pas sur elle. Alors, j’ai compris qu’il fallait que je me serve de ces machines que j’utilisais plus correctement. Un ordinateur, ça sert à  calculer, à  quantifier et à  ordonner des résultats. Je me suis mis dans la tête de faire une application qui pourrait quantifier ce que ces images avaient dans le coeur. C’est-à -dire pouvoir connaître exactement quelle quantité d’amour contenait une image à  l’instant précis où elle s’affichait sur un écran. L’application s’appelle I love you. Elle est sur internet depuis deux mille quatre.

Dans ‟ I love you ”, à  chaque fois qu’une image d’Isabelle doit être vue par quelqu’un de connecté à  ces collections de photographies, l’image est plus ou moins transformée par un programme (love writing program).

> love story : isabelle

$first = 14*07*2003;
$tim = $tim*sin($or)*$pi;
$tim = $tim*$first;
$tim = $tim*($_SERVER['REMOTE_PORT']*$_SERVER['REMOTE_ADDR']);

Le code source du fichier est ouvert et modifié avant que l’image ne soit affichée : une application calcule un nombre variable très précis en prenant en compte certains paramètres du serveur et de la connexion de la personne. Ce nombre est recalculé à  chaque fois qu’une nouvelle image doit s’afficher. Une fois déterminé, l’application cherche le nombre dans le code de l’image. Et si cette variable est présente, elle est remplacée par l’expression ‘I love you’ : ainsi, l’architecture du code est déformée, elle peut l’être à  plusieurs reprises, aussi bien une fois que cinq mille, il n’y a pas d’autre limite que la quantité d’informations contenues dans le fichier de l’image. Le navigateur sollicité pour la consultation interprète le fichier et essaie d’afficher l’image. Mais les transformations de la source peuvent modifier son apparence en entraînant l’apparition d’artefacts tels que la pixellisation, la déformation, l’addition de nouvelles couleurs, la réinterprétation partielle ou totale de l’image, la disparition du sujet et voire même l’impossibilité absolue au navigateur d’afficher l’image : apparition d’une icône brisée.

Le code source du fichier est ouvert et modifié avant que l’image ne soit affichée : une application calcule un nombre variable très

[...]sBcbcIHLQ9ZfQ90pd3NpdA5aEZATVUfbf5KKXDYz7gexk2f1nuALjsIzAioFg947KurFw9rZEQXVNOWnLFcB7pt5YvNs3Tb
Kl2xbKbZUrgA3Ta0sfRi/DF5tl2LESxUqX1m+bEFxs8FDu0PUO+h7pWpe8A2kKRVcbCTcHRBsNLeTxugHo9vNses9QDc3xn
vAiqnE0tWHscuKTc3xzfLEFUvcxsL3MmLB7mxITSxtbJixVpebZuYsytL8TcBDJipTF5abpblixdSpYPdNs3zYnTw+XBQ661dQ7
6bMqu2bmNrI05GnBsmK0IzpBQqxfObSg9/180jI/rPeCUSbZNbYS4qNzGe5oaGzmxi7LXabZQplsdpZNM27NCaeGyAguiPS
XAxbJo59GloAy1bJsW9dtUDk+J6ytdpR6AZaupNRHxnulwMGztKbGfcAxIQGYHxnrS931nvYo9rG9sKhIGQ7C93Etu2DTLti2
WqDvNrZWwVNwGLSxZcti08Jlw068tDJvRpbFsmxPc2K4K51KBy1PVa7cER0qfEhAZaETSJbDcOmwb5B28T7gHxnqAbvrPeAj
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124PR8tWW2nIpm3A9wC03aKhAB9wfrPVjeP I love you Mj2D9mhQGf I love you MtQM2xITZabNB6bDtaWR6bDomXDSO
3lkU068gQiPTnjZsdmjn01XOpMvOuzIjF8gYq6bDtTZHs5pd/rPfSCrcCPk4q6AH3APjPUU5t8ewRGDfJqyFOf I love you LUd7
YFNk2B7lw2VuLSyaGy1QpCIhsgMfThpbFpaPQhNLYtk2PLQQrR6cFAzoevOu1yPbsOnBGY7SUCbtOaXub42yEF8PsY2noH9x
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you CNB6bjs5aWxPdwgMtT3MuGFwGJEgBNDB9doZMH4YXa8w3MekXFrYvxWryOuvIM68rjZ8SnyHayANzYVdQDd9b5S+m
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Cette méthode absurde d’écriture littérale de l’amour dans l’image directement dans le code donne à  voir chaque fois une nouvelle collection d’images plus ou moins empreintes d’amour. Plus il est présent moins les images sont visibles.

Et puis j’ai photographié ces images produites par l’ordinateur. Et je les ai fait imprimer en travaillant à  chaque fois au plus près de la réalité de la transformation technique. Quand une image doit être imprimée ce qui compte c’est l’histoire entre le support, la photographie et la machine. L’aventure se tient dans l’expression détournée des spécificités industrielles. L’amour, c’est ce qui fait vibrer n’importe quoi.

38degres.net / iloveyou.38degres.net / itsallaboutlove.38degres.net

L’appel était le suivant :

“Membrane dense, épaisse, qui enveloppe et couvre extérieurement toutes les parties du corps de l’homme” (Littré), la peau est aussi, et peut-être en premier lieu, ce sans quoi l’air le plus calme autour de nous nous deviendrait vite insupportable. Notre peau est ce qui fait que nous sommes constamment, et par toute la surface de notre corps, en contact, en communication, et finalement en accord, sensitif à  tout le moins, avec le monde.

De la peau au film, le lien semble se faire de lui-même, par la pellicule, qui est pareillement, et par le même Littré, qualifiée de membrane. La pellicule peut-elle être pensée comme la peau du film qui se loge sur chacun des photogrammes ? Sans doute, mais à  ceci près que c’est une peau qui n’est pas seulement en contact avec le monde, mais nous y ouvre un accès. Peut-être est-ce vrai de toutes peaux ?

Il est beau que le cinéma n’ait d’abord accès à  la singularité des personnes qu’en prêtant attention à  leur corps, et donc, fut-elle dissimulée sous d’épais vêtements d’hiver, à  leur(s) peau(x). Il est beau également que nos peaux puissent elles-mêmes devenir écran, accueillir des images, et dans ce mouvement même, les transformer. Les relations entre peaux et cinéma sont sans doute plus complexes. Nous attendons vos textes pour creuser avec vous ces questions.

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Courbet, Monet, Pissaro, Boudin, Seurat, Corot ont passé de nombreuses heures le long de la côte normande à  peindre ces lumières incroyables qui rythment les vents et les marées.

La scène de genre a eu sa grande époque. Pourquoi le paysage n’est-il plus un motif créatif contemporain ? La société s’est-elle trop construite sur la séparation entre l’homme et la nature ?

J’ai entrepris une série de films sur le paysage en 2003. Chaque film donne à  voir l’histoire de mon rapport pictural à  un lieu, à  un temps.

Dans mon prochain film, je vais suivre quelques-unes des peintures impressionnistes qui ponctuent la côte normande. Poser ma caméra et filmer. Comme à  l’habitude, chaque plan sera traité de retour à  mon atelier. La matière sera exprimée. Et le film tendra ce fil entre le paysage et sa captation, son interprétation, son impression numérique.

J’aimerais pour ce film donner une dimension très forte au son. Et le son est un vrai défi puisque j’imagine profiter des marées puissantes de janvier et de février.

J’aimerais que le son devienne un projet à  part entière.

Qu’il donne à  imaginer le tournage et le paysage, la mer et le vent. Que de plans en plans, on se mette à  côté de cette situation, que l’on trouve sa place en haut de la falaise ou sur la plage de graviers. Que l’on profite de ce temps important si difficile à  partager où l’on est devant la scène, que la machine enregistre et où la nature et ses éléments s’enfoncent profondément en nous.

Le film donnera du pictural. Son son répondra à  la perspective. Mais j’aimerais essayer de détacher le son de l’image dans une alternative au film et construire quelque chose de plus abstrait, de peut-être plus intime. Qui raconterait l’histoire sensitive d’un film.

Je vous fais cette proposition aussi parce que l’idée de construire du paysage à  la radio me plait. Diffuser un espace physique, étaler une plage, des falaises et les connecter aux espaces urbains fermés soutient ma politique plastique. Je cherche à  renouer le temps de l’homme à  celui de la nature.

ill. falaise Nord de la grande plage à  Etretat.

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Le 8 juillet 2009, Joachim Gatti, réalisateur de 34 ans, petit-fils du poète et cinéaste Armand Gatti, a été la cible d’un tir de flashball lors d’une manifestation à  laquelle il participait à  Montreuil-sous-bois (93). Blessé à  l’oeil, il en a définitivement perdu l’usage. Joachim Gatti n’est pas la première victime de ces « armes à  létalité réduite », dont l’usage se développe de manière inquiétante ces dernières années chez les policiers. Mais il a cristallisé une ample mobilisation, notamment dans le milieu du cinéma, contre l’usage de ces armes, et plus largement, contre la politique répressive du gouvernement actuel.
[...]
Pensé comme une « constellation », ouverte aujourd’hui encore à  ceux qui souhaiteraient y apporter leur contri- bution, Outrage et Rébellion a été diffusé à  partir du 10 décembre 2009, à  raison d’un film par jour, sur le site mediapart.fr, en accès libre et gratuit. Les films peuvent aussi être montrés « par grappes », au gré de program- mations festivalières par exemple. Une dizaine d’entre eux fut ainsi projetée à  l’Institut pour l’image d’Aix-en-Provence dans le cadre d’une thématique de films sur la police. ‟ Ce qui résume l’esprit du projet, explique Nicole Brenez, c’est que cette constellation constitue un arsenal d’images avec plein d’utilisations possibles. Il y a des essais, des clips, des coups de poing, des poèmes, toutes sortes de propositions qui nous ont été transmises sous tous les formats possibles : clé USB, DVD, pellicule 16 mm, et même du 35… ce qui correspond pleinement à  ce qu’est le cinéma aujourd’hui! C’est une configuration qui m’a beaucoup intéressée en tant que cinéphile. Nous allons créer une page internet pour Outrage et Rébellion, et chacun pourra piocher ce qu’il veut ”.
Une forme film est par ailleurs en projet, qui prendra la forme d’un « assemblage linéaire ».

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TGV Paris-Bordeaux, mardi 6 janvier 2009 : l’aube… Du noir aux marrons puis au blanc, au rouge et au jaune, la lumière de cette aube enneigée était étonnante. J’avais cette phrase de Guido Cavalcanti en tête. Je voulais la mettre en couleur. Je voulais filmer un paysage en mouvement, un paysage déplié, un paysage qui passerait dans notre coeur par le jeu de la matière fragile de la poésie picturale. L’ensemble du film collectif Le Passage 2009 fonctionne comme une sorte de cadavre exquis. Chaque auteur ayant reçu une citation et le titre d’un acte doit essayer de s’inscrire dans une continuité dont il ne connaît rien. Je ne me suis pas posé la question d’une potentielle continuité. Je suis parti sur le fait que j’ouvrais et fermais une fenêtre. J’ai décidé d’aborder ce projet le plus simplement possible ne me laissant guider que par l’inspiration. Je n’ai rien couché sur le papier à  part la citation. Il fallait que j’ai une relation avec elle et que de là  découle une histoire. Je ne voulais pas faire un film qui raconte la citation. Je voulais que le film soit un sentiment et une histoire associés à  la citation. Qu’ensemble ils construisent quelque chose. Le film ne va pas sans le texte. Il ne le remplace pas. Il va avec. À ce moment, j’ai fait plusieurs voyages en train. J’aime voyager tôt le matin. Et j’ai eu ces aubes enneigées. Je les ai filmées. Et j’ai senti comment le film allait se dessiner. Je sentais dans le texte quelque chose de tourné vers le féminin. Quelque chose lié à  une certaine nostalgie. Un sentiment amoureux soumis au manque, à  la distance. Peut-être était-ce tout simplement ce que j’éprouvais en m’éloignant de chez moi et de ma chère amie. Peut-être est-elle à  la source de ce film. Quoi qu’il en soit, ces émotions m’ont mis sur la piste des fils. Je voyais à  partir de là  le film comme un paysage se transformant en un flot de cheveux. Je voyais les branches horizontales et les troncs verticaux se mélanger dans une chevelure. Des aubes que j’ai filmées une m’a retenue. J’étais épris. Elle était dorée. Le film tend vers ce jaune. Il raconte la nature qui m’emporte, qui m’éblouit et qui noue des sentiments entre eux. Et cette histoire qui s’écrit, là  où le vent ne plie pas, c’est quand le film se termine. C’est quand l’absence se tient bel et bien là  et qu’elle ne se mêle plus à  la poésie du paysage, au plaisir des yeux, à  la sympathie de la situation. Trop loin entre ses cheveux et la nature qui se fondent si lentement, l’image s’efface et le son sature. Tout brà»le. Il faut laisser un peu de place au silence et au calme. J’ai passé quelques heures à  essayer de caler un ralenti sur la séquence de cette aube. Je travaille avec after-effects. À partir de chaque image, la machine recrée des images intermédiaires pour nourrir le changement de régime. Bien sà»r recréer des images comme cela est facilement hasardeux. Alors, je me suis bagarré avec les réglages pour essayer d’obtenir quelque chose de décent, car j’ai filmé avec mon appareil photo sans préparation. Il y a des défauts assez amusants dans l’image. Finalement, les vagues d’erreurs qui surgissent dans les ralentis sont la véritable expression de cette extension du film qui ne peut pas naturellement s’étendre. Comme la compression exprime une lecture du monde, ici le ralenti exprime une idée du mouvement. Le bug n’est pas une erreur pour le logiciel. Cela ne devrait pas en être une pour moi.

http://www.technart.fr/LePassage/
http://www.cjcinema.org/pages/fiche.php?film=1116

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Jacques Perconte est l’auteur de Satyagraha, au sein du film collectif ‟Outrage & Rebellion”.

Pourquoi Gandhi?
L’idée est venue de mon amie qui est professeure de yoga. Les principes de Gandhi et la non-violence me sont apparus pertinents. Gandhi a su donner aux hommes qui l’attendaient une force inouà¯e. Une force telle qu’il leur a été possible d’aller affronter pacifiquement l’armée britannique pour sauver leur avenir parce que leur vie n’était plus possible dans les conditions imposées par le régime colonial.

Un affrontement pacifique?
Les Indiens marchaient impassiblement, droit vers les militaires qui barraient le passage. Ils avançaient et s’exposaient sans aucune résistance aux violences démesurées de la force à  laquelle ils s’opposaient. Gandhi, lors de son procès à  Ahmedabad, demande au juge de peser son choix. Soit il l’estime innocent et il démissionne et ce faisant refuse le système qu’il sert. Soit il le reconnaît coupable et le condamne. Et Gandhi demande que cette condamnation soit sévère parce qu’elle est l’expression du mal et qu’elle doit être exemplaire à  ce titre. Gandhi prône la non-coopération avec le mal pour la coopération avec le bien.

Extrait du discours de Gandhi à  Ahmedabad, en mars 1922 : ‟A mon humble avis, la non-coopération avec le mal est un devoir tout autant que la coopération avec le bien. Seulement, autrefois, la non-coopération consistait délibérément à  user de violence envers celui qui faisait le mal. J’ai voulu montrer que la non-coopération violente ne faisait qu’augmenter le mal et, le mal ne se maintenant que par la violence, qu’il fallait, si nous ne voulions pas encourager le mal, nous abstenir de toute violence.”
‟La non-violence demande qu’on se soumette volontairement à  la peine encourue pour ne pas avoir coopéré avec le mal. Je suis donc ici prêt à  me soumettre d’un coeur joyeux au châtiment le plus sévère qui puisse m’être infligé pour ce qui est selon la loi un crime délibéré et qui me paraît à  moi le premier devoir du citoyen. Juge, vous n’avez pas le droit, il vous faut démissionner et cesser ainsi de vous associer au mal si vous considérez que la loi que vous êtes chargé d’administrer est mauvaise et qu’en réalité je suis innocent, ou m’infliger la peine la plus sévère si vous croyez que le système et la loi que vous devez appliquer sont bons pour le peuple et que mon activité par conséquent est pernicieuse pour le bien public.”

J’ai trouvé dans la figure de Gandhi de nombreux liens avec les événements de Montreuil. La manifestation, la violence, la répression, l’injustice, l’engagement résistant et l’engagement du corps… J’ai eu envie d’écrire cela dans un film sans opposer l’Inde de Gandhi et le mode de mobilisation contemporaine.

D’où viennent les images et les voix?
J’étais en Corse lorsque j’ai commencé à  travailler sur le sujet. Je me suis rendu à  plusieurs reprises dans un cybercafé pour récupérer des sources sur internet. Toutes les images proviennent des archives de la Gandhi Serve Foundation. Elles sont toutes à  l’origine des images tournées en pellicule en noir et blanc. Quant aux voix, elles viennent d’un documentaire de Lalit Vachani, Sur les traces de Gandhi, qui s’interroge sur la place des idées de Gandhi dans l’Inde d’aujourd’hui. On y entend que dans le contexte actuel, Gandhi brandirait une arme. Beaucoup d’Indiens y disent que la bonté ne vaut plus le coup, que les idéaux de Gandhi n’ont plus cours aujourd’hui et qu’il faut adapter la vérité à  son profit. Et répondre à  la violence par la violence.

Je ne voulais surtout pas faire un film qui dise ‟Voilà  comment est le monde et voilà  comment j’y réponds”. Je voulais laisser chacun face à  ses responsabilités. Mais peut-être la vraie résistance est-elle dans une modulation de nos relations à  l’autre. On ne sait pas trop si je dis ‟Révoltez-vous!” ou ‟Engagez-vous dans la non-violence”. Gandhi dit ‟Soyez le changement que vous voulez voir dans le monde”…

Et le traitement des images?
La dimension picturale est très importante dans mon cinéma. Je ne voulais pas d’un ton documentaire. Mais plutôt de l’évocation d’un passé sous la forme d’un rêve, d’un souvenir. Un souvenir où les images se fondent les unes dans les autres. Les plans ne sont pas séparés les uns des autres. J’ai cassé les séparations physiques entre les images et les ai mises bout à  bout.

Le mouvement des pixels que l’on voit tout au long du film est obtenu en forçant l’erreur numérique, ce qui produit un déchirement des images les unes entre elles, une interpénétration d’images. Les scènes n’étant plus contenues dans les plans (les séparations ont disparu), elles se déversent les unes dans les suivantes. On peut y voir le symbole de la blessure. Il me semble qu’il existe un rapport fort entre les hommes, les mouvements et la matière symbolisée par les artefacts numériques. La forme du film a un rapport direct avec l’idée de violence, de mouvement, de masses, de foules.

L’idée d’un film collectif renoue avec la tradition d’un certain cinéma engagé. Mais c’est aussi un film de commande. L’auriez-vous tourné seul?
Je ne sais pas si j’aurais fait un film s’il n’y avait pas eu l’impulsion de Nicole Brenez. D’un autre côté, j’avais envie depuis un moment de faire avancer mes films et de trouver comment m’exprimer sur cette société.

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