Pour mettre en scène leur point de vue sur le monde, nombre de cinéastes nous convient régulièrement à découvrir des modes de représentations, des variations optiques et sonores qui n’appartiennent qu’à eux.
Patrick Bokanowski est l’un de ceux-là. Il poursuit, avec une belle constance depuis les années 1970, une œuvre particulièrement reconnaissable et en constante évolution. À l’occasion de son nouveau film, Un rêve, nous avons voulu rappeler que, pour être unique, son travail fait écho à d’autres expériences, qu’elles se conjuguent au passé (Jonas Mekas, Norman McLaren) ou au présent (Jacques Perconte, François Vogel, Lois Patiño).
Tenter de les enrôler sous une étiquette commune serait faire injure à ce qui justement fait leur force, leur beauté, leur sidération. Le cinéma peut être aussi cela, un jeu avec les matières, des manières inouïes d’agencer les couleurs et les sons, réinventer du sensible, dessiller nos regards.

Jacques Kermabon

Un grand merci au Festival de Clermont-Ferrand et plus particulièrement à Calmin Bore

ÁRVORE DA VIDA (MADEIRA)

de Jacques PERCONTE

2013 / couleur / 11 min / projection numérique

Image : Jacques Perconte • Musique : Jean-Jacques Birgé • Production : Too Many Cowboys et Galerie Charlot.

Voilà un arbre dans la forêt. C’est de là que s’élève la vie éprise de sagesse. L’éveil d’une simple présence pour l’histoire d’une vie. D’un vert à l’autre, c’est tout un cycle qui s’annonce.

NOTES ON THE CIRCUS

de Jonas MEKAS

États-Unis / 1966 / couleur / 12 min / projection numérique

Image et production : Jonas Mekas • Musique : Jim Kweskin, Jug Band.

Couleurs, mouvements et mémoires d’un cirque : le Ringling Bros. Dédié à Kenneth Anger.

RÉBUS

de François VOGEL

2008 / couleur / 5 min / projection numérique

Scénario, animation et effets spéciaux : François Vogel • Son : Bruno Ginestet et François Vogel • Interprétation : Hélène, Simon et François Vogel • Production : Drosofilms.

De la cuisine au jardin, du jardin à la cuisine, les trois protagonistes de Rébus nous emmènent dans les méandres d’un espace distordu à la recherche des mots cachés dans l’image.

CAPRICE EN COULEUR

de Norman MCLAREN et Evelyn LAMBART

Canada / 1949 / 8 min / projection numérique

Scénario, animation et montage : Norman McLaren et Evelyn Lambart • Musique : Trio Oscar Peterson •Production : Office national du film du Canada.

Le trio Oscar Peterson interprète quelques pièces de son répertoire, alors que les cinéastes transcrivent ces sons avec, comme seuls guides, leur talent et leur libre imagination.

Prix spécial au festival de Venise 1950

MONTAÑA EN SOMBRA

de Lois PATIÑO

Espagne / 2013 / 14 min / projection numérique

Scénario, image, montage et production : Lois Patiño • Son : Miguel Calvo “Maiki” et Erik T. Jensen •Musique : Ann Deveria.

Vision poétique de la relation infinie de l’homme avec la nature. Nous observons, de loin, des skieurs qui évoluent sur une montagne enneigée.

Prix spécial du jury Labo au festival de Clermont-Ferrand 2014

UN RÊVE

de Patrick BOKANOWSKI

2014 / couleur et noir et blanc / 30 mn / projection numérique

Scénario, image et montage : Patrick Bokanowski • Effets spéciaux : Olivier Esmein et Patrick Bokanowski •Son : Marie Massiani • Montage : Laure Budin • Musique : Michèle Bokanowski • Interprétation : Vincent July, Laurence Chable, Suleyman Bokanofsky et Bilal Bokanowski • Production : Kira B. M. Films.

Le train des souvenirs s’engouffre dans un rêve.

*

Séance à 20h30

MK2 Quai de Seine
14 Quai de la Seine
75019 Paris
M° Jaurès ou Stalingrad
Tarif : 7,90 € (cartes illimitées acceptées)

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October 1 – December 10

“High-pitched sounds killed everyone on earth known to be an enemy of human freedom.” –from the 1957 sci-fi film, THE 27TH DAY

The global outbreak of revolts in the past decade, from the suburbs of Paris to Tahrir Square and beyond, shows few signs of slackening. This six-part series on the cinema of resistance investigates the deep sources of this continual popular unrest, from an exceptionally wide range of cross-generational and geographical perspectives (18 different countries). Every one of these films has the capacity to re-set an attentive audience’s subjective GPS.

Three programs feature at least one brief, self-contained film from the French compilation project initiated and organized by Nicole Brenez, OUTRAGE AND REBELLION (2009), an impassioned response to police violence against dispossessed youth in the Parisian suburbs. Several programs feature equally brief films, made in the midst of current struggle, by the Syrian film collective Abounaddara, “which borrow heavily from the political films which came out of the ‘Etats-généraux du cinéma’ (the Estates General of French Cinema), after 1968 in France,” according to their spokesperson. At their best, both of these projects expose hitherto underexplored relationships between historical upheaval and cinematic immediacy.

By definition, a political cinema demands engagement, response, and discussion. As the longest continuously running film event on the continent, the Robert Flaherty Film Seminar is distinctively organized to facilitate fully participatory discussion. Thanks to the Flaherty each of the screenings will include at least 45 minutes for discussion, during which audiences are actively encouraged to engage and respond.

Co-curated by Ernest Larsen & Sherry Millner. The curators would like to dedicate this series to the memory of Allan Sekula.

Unless otherwise noted, all works are screening from digital video.

Anthology Film Archives 32 Second Avenue New York, NY 10003

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Quand je pense à la fixité vide du regard que l’écran induit chez son utilisateur, je ne puis entendre dire sans révolte qu’il y a «interaction» [interface] entre l’oeil et la machine. Il n’y avait pas de terme pour désigner cela lorsque Merleau-Ponty a écrit son essai, en 1961. Il n’a été forgé que dix ans plus tard par McLuhan, et il ne fallut pas plus d’une année pour que le verbe to interface ait cours en psychologie, en ingénierie, en photographie, en linguistique.

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A Natural Law is an unchangeable law. When you break the Natural Law, you shall go through a reaction. There are certain laws which are manmade, and by breaking those you will be punished by man. But there are some laws which are Natural Laws. If you break them, you will be very sorry for it.

Yogi Bhajan

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Se déplacer, s’ouvrir, être prêt à ce qu’il se passe quelque chose, le voir, travailler avec, le pousser… Cette aventure plastique que nous allons vivre pose la question du sens de la fabrication des images en mouvement, vidéos, films, ou toutes autres formes à inventer.

L’opération, l’histoire, ne doit pas être conduite par les outils, ce n’est pas la caméra qui fait l’image, pas la station de montage ou de postproduction qui fait le film, pas le vidéoprojecteur qui donne à voir… technique, technologie, culture… : autant d’écueils que de pistes.

Le film argentique opère par la magie chimique une réaction à l’univers. Chaque photogramme est une empreinte lumineuse du monde fixée sur une concentration identique de sels d’argent répartis dans le plus naturel des chaos. L’impact de la lumière au travers du défilement pelliculaire soutient à chaque nouvelle image la création d’un écho matériel unique du fragment de temps.

L’arrivée des capteurs photoélectriques puis numériques, l’informatisation des appareils d’enregistrement à finalisé le projet de déconnexion entre l’homme et la nature. Les images, les sons ne sont plus que des synthèses mathématiques de l’univers. Et l’infini des formes se retrouve contraint dans les limites physiques de la résolution des capteurs.

« Nous atteignons la fin de l’ère de la vision optique »
Bill Viola

Dans ce paradoxe du numérique, l’acte de création ne va plus de soi. L’effort de l’action doit être de plus en plus grand. L’intention de plus en plus forte. La relation avec les outils de plus en plus vive. Contre l’idée que le geste politique se résume à la manifestation, l’acte de création doit puiser ses forces dans le monde. Cette semaine il sera question de capter cette énergie, de la puiser dans la nature.

«Je déroule lentement la peinture et tandis que je l’observe,
je m’avance dans une étendue sans limites de tous les côtés
et qui m’ouvre ce sentiment de l’infini que le ciel inspire en moi.»
Zong Bing (375,443)

—–

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En voici un, par exemple. Asseyez-vous et concentrez-vous sur ce centre situé entre les deux yeux que les hindous appellent Ajna chakra. Tâchez de ne penser à rien, respirez seulement et laissez-vous flotter comme sur un océan de lumière. Peu à peu, dans cet état de passivité qui est en réalité une autre forme d’activité, vous allez sentir la paix et l’harmonie se répandre en vous. Grâce à cette paix et à cette harmonie, vous attirerez de l’atmosphère des énergies, des fluides très subtils, et vous serez à nouveau rechargé.

Omraam Mikhaël Aïvanhov

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We consider all moving image art practices, including film, video, performance, installation and new media forms. WNDX is a film festival that was created by filmmakers, in support of filmmakers

Impressions
Jacques Perconte | France
48:00, HD, 2012
●International Premiere
▷JURY PRIZE:BEST INTERNATIONAL WORK
Along the shores of Normandy, on the track of the Impressionist painters, something’s happening:the colours are crashing against the screen …

Do iPhones Dream of Electric People?
Friday, September 28 @ 7:00PM | Cinematheque

Glitch driven investigations of landscapes, this program transforms the cinema into a space to sculpt light, with works that explore an expanded idea of embodied perception. Starting on the doorsteps on Nirvana, descending into a VHS compilation of the creation of the universe. Fantastical data-moshed dreams, tree blurs and blue-screen skies, the screen is transformed
into kinetic paintings.

WNDX Festival of Moving Image Sept 26 – 30, 2012
Winnipeg, Canada · http://www.wndx.org

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Curated by Kika Nicolela & Gabriel Soucheyre

IMAGE EN MOUVEMENT

Le programme inclut des mini-retrospectives de travaux d’artistes pionniers comme Norman McLaren, Nam June Paik, Jan Svankmayer ou Zbigniew Rybczynski, des travaux d’artistes majeurs comme Gunvor Nelson, Bill Viola, Gary Hill et Pipilotti Rist, et une selection de travaux d’artistes contemporains brésiliens et internationaux.

ALTERED LANDSCAPES // running time: 55ʼ43
24/07 // 4pm-5pm // SESC Pinheiros
25/07 // 10am-8pm // Vale do Anhangabaú at downtown São Paulo (Container in looping)
27/07 // 9pm-10pm // SESC Belenzinho

BURACO / Gisela Motta & Leandro Lima / Brazil / 2007 / 8’11
HOME SWEET HOME / Phoebe Man / Hong Kong / 2012 / 2’39
APRÈS LE FEU / Jacques Perconte / France / 2010 / 7′
PUZZLE / Sébastien Loghman / France / 2010 / 3’24
ROGER / FEDERICO LAMAS / Argentina / 2004 / 6’17
WEEKEND / Federico Lamas / Argentina / 2007 / 6’09
FAUX-PLAFOND / François Vogel / France / 1999 / 5’30
TERRAINS GLISSANTS / François Vogel / France / 2010 / 10ʼ12
SHADOW LIFE / Cao Fei / China / 2011 / 10ʼ
LINESCAPES / Giselle Beiguelman / Brazil / 2009 / 2’38

PIXEL MEMORIES
26/07  // SESCTV PROGRAMS

PIXEL MEMORIES / Martha Koumarianou / Greece / 2009 / 2’44
FATE (KNOCKING ON THE DOOR) / Eunjung Hwang / South Korea / 2002 / 5’32
PLUTÃO / Sávio Leite / Brazil / 2004 / 3’05
ROBOT CONTROL UNIT / Gloria Dostal Machnowski / Argentina / 2002 / 5′
INCUBATE / Eva Wijers / Netherlands / 2011 / 1’17
THAW / Shana McDonald / Canada / 2006 / 8ʼ27
MAPPING VAPOR / Jamsen Law / China / 2002 / 10′
1-FV / Chris Unit / France / 2007 / 3’02
WE, SELF-PORTRAIT / Fernando Velazquez / Brazil / 2003 / 3ʼ41
A KNIFE ALL BLADE / Gabriel Menotti / Brazil / 2007 / 1’44
NO CONTENT / Jorge Lozano / Canada / 2012 / 2’27
THE CITY OF MEMORY / Liu Wei / China / 2000 / 1’52
GIUSEPPE, ETC. / Marcus Bastos / Brazil / 2011 / 14’49
PUZZLE / Sébastien Loghman / France / 2010 / 3’24
APRÈS LE FEU / Jacques Perconte / France / 2010 / 7′

http://www.sescsp.org.br/sesc/

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[...]Les plus sensibles à la propagande (et à la publicité) ce sont les « intellectuels », les plus difficiles à atteindre et à faire bouger, ce sont ceux qui sont enracinés dans des traditions, les idées bien arrêtées et toutes faites qui vivent dans un milieu relativement stable (le modèle, c’est le paysan jusqu’aux années 1950) ou encore qui est inséré dans une structure associative très complète (les syndicats). Ceux-ci non plus ne sont pas exactement fascinés par la modernité technicienne. Un travail récent, très intéressant, a montré le des gens appartenant à un milieu populaire ou middle-class, sont certes attentifs à la télévision, mais sitôt qu’on les amène à en parler, ils savent remarquablement garder leur «quant-à-soi », et ne sont que très peu influencés. Ceci avait posé de gros problèmes d’interprétation à l’enquêteur .( D. Brethenoux, Etude de la réception télévisuelle: sémiologie T.Vet réception T.V., thèse déposée à Bordeaux, 1985.)

[...] En réalité les fascinés par la technologie, ce sont les intellectuels, les techniciens évidemment, les scientifiques, les cadres supérieurs, les journalistes et leaders d’opinion divers, les artistes, les prêtres et pasteurs (quand ils veulent que l’Église change et se mette au goût du jour), les hommes politiques (tous, sans exception), les responsables économiques (banquiers, P.-D.G., \ etc.), les professeurs (qui ont trop souffert de s’entendre dire que leur enseignement ne sert à rien), les administratifs de haut niveau… tels sont les fascinés, ne manifestant aucun esprit critique. Ou, quand ils croient (ce que pensent beaucoup d’artistes) procéder à une critique virulente de notre société, ne se rendent pas compte qu’ils se bornent à reproduire, de façon parodique, le monde technicien lui-même dans sa perversité. Ils augmentent les effets pervers et de ce fait renforcent le mythe.

Ellul, Jacques. 2012. Le Bluff Technologique: Préface De Jean-Luc Porquet. Fayard/Pluriel.

Ill. L’évolution du Web 1990 – 2012 / evolutionofweb.appspot.com

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Si nous n’accédons pas à un nouveau degré de conscience, qui nous permette de retrouver la fonction conviviale du langage, nous ne parviendrons jamais à inverser ce processus d’industrialisation de l’homme.

Mais si chacun se sert du langage pour revendiquer son droit à l’action sociale plutôt qu’à la consommation, le langage deviendra le moyen de rendre sa transparence à la relation de l’homme avec l’outil.

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J’ai fait de la compression des images la base de mon travail plastique. Après avoir cherché quelles relations je pouvais tisser entre la caméra et l’écran par le refilmage, après avoir découvert le compositing, je me suis frontalement exposé à la matière même de ces images qui avaient glissé dans un monde de calcul. Et même si j’avais pressenti dès mes travaux de 97-98 qu’il y avait cette question de l’action de la machine dans la fabrication de l’image. Ce n’est que dans le travail de cette série pour le live visuel que je faisais avec Kid606 que cela s’est concrétisé.

Wisz est une série de 17 vidéos de 30 secondes à 8 minutes dont la base est l’exploration de formes synthétiques tridimensionnelles rouges blanches et noires. Elles sont évidemment en basse définition. À l’époque je travaillais sur des vidéos en 320×240.

La question de la conservation résonne si l’on se demande quel est l’avenir de ses images sur les écrans qui se construisent aujourd’hui et dont les définitions ne tarderont pas à être dix fois celles de ces images.

Wisz – early abstractions
2001-2002

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Le vivant et le numérique semblent intimement liés. L’expérience de la nature chez ces artistes est telle que la conçoit Jean-Jacques Rousseau dans sa vie et son oeuvre : poétique, interactive, immersive, voire philosophique et se traduit donc par des approches pluridisciplinaires qui convoquent différents médiums : art vidéo, installations sonores, sculptures 3D, design

Le concept de nature est toujours lié à notre interdépendance à l’environnement dans laquelle les acteurs, à la fois “naturels” et “technologiques”, jouent un rôle déterminant. En ce sens le philosophe américain David Rottenberg affirme que la technologie peut être un moyen de nous “rapprocher de la nature”. A vous de juger de cette affirmation en déambulant au coeur de ces rêveries numériques !

Les œuvres présentées : L’arbre et son ombre de Samuel Rousseau, RockGrowth RG3 et RockFusion large de Arik Levy, Uishet de Jacques Perconte, Phonofolium deScenocosme et Pissenlits de Edmond Couchot & Michel Bret (la photo de l’article).

L’exposition est situé au coeur d’un grand parc paysager à 45mn de Paris. Une sortie idéale pour profiter de la météo clémente de ce week-end.

Exposition du 28/06/2012 au 01/07/2012

1,rue René de Girardin
60950 Ermenonville

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Liquid Metal -> The morphing villain of Terminator 2: Judgment Day provides inspiration for this programme of works which explore new digital effects technologies and the range of sensory (and sensual) textures they can create.

Note

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Créer des dispositifs d’interactions sociales avec la nature dans la ville  pour veiller à ce qu’elle survive…

Passionnant – la passion de la technologie sert l’inspiration tellement frustrée qu’elle devient le sujet là où elle aurait du être le prétexte.  On va voir fleurir des capteurs à tout va parce que c’est excitant. L’internet des objets s’éprend de la nature. On considère la nature comme un objet avec des besoins rationnels. Je réagis parce qu’il faut faire attention à notre manière d’envisager ce qui peut être pratique. Qu’est-ce qui séduit ? Où se situe l’intention ? Je n’arrive pas à la voir dirigée vers la nature. Nous fabriquons des prothèses pour pallier notre incapacité à interagir en tant qu’hommes parce que la réalité nous échappe. Nous n’avons pas besoin de machines pour interagir avec la nature. L’internet des objets va certainement dessiner de belles opportunités citoyennes, mais va certainement surqualifier notre espace le polluant encore plus….

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Tant que l’on considère l’art numérique comme quelque chose d’étranger à l’art , il faudra trouver comment le communiquer, comment le vendre, comment le définir et comment en faire….

Si on le marginalise, c’est qu’on ne le reconnait pas comme de l’art à part entière.

Finalement est- ce qu’il y a un art numérique ?

Je ne suis pas un scientifique. Et même si j’écris et réfléchis beaucoup je reste quelqu’un de pratique.

Aujourd’hui je fais principalement des films. J’ai un pied dans le cinéma, un pied dans les arts plastiques et l’art contemporain et un pied dans le numérique… ce qui n’est pas pratique.

Mon histoire avec l’art numérique 

Je suis venu aux nouvelles technologies par curiosité. J’étais étudiant en art — à la recherche de ma pratique: perdu en dessin, perdu en peinture. Je me suis essayé à la vidéo et à l’infographie. On m’a enseigné ce qu’était l’art vidéo. Par contre on ne m’a rien dit des pratiques artistiques liées à l’électricité, à l’électronique et aux ordinateurs… Je n’y pensais même pas. Et puis j’ai trouvé un trésor. Parce que j’étais agité et assidu, on m’a confié les clefs d’une petite salle dans laquelle dormait une silicon graphics. Le mode d’emploi de Softimage était trop redoutable et personne ne s’y aventurait. On m’a proposé de m’y coller. Et effectivement cela ne m’a pas plus. Par contre derrière la machine il y avait une petite prise jaune qui laissait croire qu’on pouvait y brancher de la vidéo et en cherchant comment mélanger la vidéo que je découvrais et l’informatique j’ai découvert internet. Un truc dont je n’avais jamais entendu parler… en 95. Il y avait des gens à l’autre bout de la planète ! ils m’ont raconté plein de choses. Ils publiaient pleins de choses. J’ai moi aussi commencé à voir ce que je pouvais faire. J’ai commencé à rendre des travaux de pratique plastique en ligne à l’université et cela a été accepté … Je ne me suis pas posé beaucoup de questions théoriques au début. Mais on m’a demandé de creuser. Alors je l’ai fait. Et c’est comme cela que j’ai construit les bases de mon travail actuel. En questionnant la pratique au travers de la théorie. Je cherchais la vérité. Je cherchais à savoir ce que je faisais. Je cherchais à comprendre ce qu’il fallait que je fasse.

Un jour, je m’en souviens bien — en 2001 — lors d’une discussion effrénée j’ai senti que quelque chose basculait. Comme si la boucle théorique avait fait sa dernière révolution et que le cycle était fini. Tout était clair. Tout ce qu’on racontait ne me servait plus à rien.

Je n’avais plus besoin de construire de dispositif théorique pour me sentir légitime dans ma pratique ni pour reconnaître ma place dans celle des autres. Je n’avais plus besoin d’outil pour ça. Et j’ai compris la place de cette théorie dans mon rapport à l’art. j’ai compris l’importance de l’outil en général…

J’en avais eu l’intuition en fondant en 99 avec Stéphane Pouyllau et Marie Perez le collectif de recherche qui s’appelait metamorph. Notre objectif était de comprendre la place de l’outil dans les démarches de production en comparant le travail d’historiens, d’archéologues, de géographes et de plasticiens. Ce que nous avons pu voir c’est que contrairement aux autres chercheurs, les plasticiens faisaient de l’outil le sujet alors que les autres s’en servaient à leurs fins. À la fin les plasticiens ne parlaient plus que de choses seulement compréhensibles par eux rappelant l’argumentaire trop souvent autoréférentiel de l’art dit contemporain qui ne s’occupe que de sa légitimité à être de l’art…

Depuis je n’ai pas enseigné autre chose que la prise de conscience de la place de l’outil dans la pratique — quelle qu’elle soit.

On me demande tout le temps de venir poser une étiquette à côté de mon nom ou à côté de mes oeuvres. Je laisse la plupart du temps mes interlocuteurs décider. Je n’y accorde vraiment pas d’importance. Si cela me choque, je le dis. Mais je laisse la plupart du temps passer.

Pourquoi je ne défends par l’art numérique ? Parce que je n’y trouve pas de sens. Pour moi il y a l’art et puis c’est tout. Qu’une oeuvre soit peinte ou pas, j’estime que ce qui compte  en premier lieu c’est la relation que je vais construire avec elle, que chacun va pouvoir construire indépendamment de ce qu’on lui imposerait.

Je me dresse contre les ghettos intellectuels. Enfermer des oeuvres dans une vision labellisée ne même à mon sens à rien (si ce n’est à la catastrophe). Si c’est la forme que cela doit prendre pour qu’une csp daigne y porter attention, c’est que le problème dépasse le champ de l’art.

Pour parler de la catastrophe quand même voilà quelques mots. Je reparle encore dans mon expérience. J’ai fait des choses avec internet. J’ai développé des projets d’expression plastique et conceptuelle. Il y a peut-être des oeuvres parmi ce que j’ai fait. Donc ce sont des choses avec internet… de l’art peut-être. Alors est-ce que de l’art fait avec internet c’est forcement du netart ? Le netart est venu défini par vuk Cosic dans un espace très précis. Je ne sais pas si c’était sérieux ou si c’était une boutade. Mais en tout cas l’apparition de ce terme qui n’était pas un mouvement dans tous les cas a déclenché des foudres de passions. Les oeuvres qui utilisaient internet en étaient-elles ou pas ? Quelle définition? Quel cadre? Quelles contraintes, quel programme…. etc.. Pour faire du netart est-ce que les oeuvres doivent rentrer dans un cahier des charges ? Est-ce que c’est le moyen d’être reconnu ?

Je m’échappe du champ numérique pour aller vers le cinéma. Rappelez-vous Lars Von Trier quand il lançait son Dogme en 1995. Il bouleversait des dizaines des cinéastes. Il semblait redonner du sens au geste de cinéma. Mais quand on le prenait au sérieux, lui mettait un coup de pied dans le panier. Ces règles étaient là pour être transgressées. Il n’était aucunement possible de faire des films meilleurs simplement en se contraignant au cahier des charges.

Et c’est une des plus belles leçons sur l’usage créatif de l’outil que de manifester son programme dans la perspective de le détourner, de le forcer, pour faire vivre quelque chose au-delà de ce qui est fait que l’on puisse faire.

L’outil 

Nous, occidentaux avons élaboré siècle après siècle une stratégie de vie cadrée sur les idées que nous avons sur le monde et la foi dans les concepts qui les sous-tendent.

Au lieu de cette philosophie spéculative qu’on enseigne dans les écoles, on en peut trouver une pratique par laquelle, connaissant la force et les actions du feu, de l’eau, de l’air, des astres, des cieux et de tous les autres corps qui nous environnent aussi distinctement que nous connaissons les divers métiers de nos artisans, nous les pourrions employer en même façon à tous les usages auxquels ils sont propres, et ainsi nous rendre comme maîtres et possesseurs de la nature. 

René Descartes, Discours de la méthode (Dezobry, 1863). Page 70.  

L’appareil photo est programmé à produire des photographies, et chaque photographie réalise une des possibilités qu’offre le programme de l’appareil. Le nombre de ces possibilités est élevé, mais fini : c’est le nombre de toutes les photographies qui peuvent être prises par un appareil. Certes, en principe, on peut toujours reprendre une photographie de la même manière ou d’une manière très analogue ; mais pour ce qui est de photographier, voilà qui n’a aucun intérêt.

Vilèm Flusser, pour une philosophie de la photographie / circe, 2004

L’homme limite son activité au contrôle du fonctionnement de la machine.
Il est à son service. La prise de l’homme sur l’outil s’est transformée en prise de l’outil sur l’homme. Ici il faut savoir reconnaître l’échec. Cela fait une centaine d’années que nous essayons de faire travailler la machine pour l’homme et d’éduquer l’homme à servir la machine. [•••] Durant un siècle, l’humanité s’est livrée à une expérience fondée sur l’hypothèse suivante : l’outil peut remplacer l’esclave. Or il est manifeste qu’employé à de tels desseins, c’est l’outil qui de l’homme fait son esclave.  [•••] L’homme a besoin d’un outil avec lequel travailler, non d’un outillage qui travaille à sa place. Il a besoin d’une technologie qui tire le meilleur parti de l’énergie et de l’imagination personnelles, non d’une technologie qui l’asservisse et le programme.

Ivan Illich, la convivialité

Les ordinateurs sont des machines incroyablement puissantes. Elles sont le résultat d’une somme inimaginable de synthèses.

L’histoire dont nous avons besoin

Pensons un instant aux marins pécheurs qui du 16e siècle jusqu’à après la Seconde Guerre mondiale on bravé les océans pour de campagnes de cinq à six mois. Pensons à ces hommes qui travaillaient dans des conditions extrêmes la pendue à un fil, l’alcool comme seule voie, qui dormaient, mangeaient dans une puanteur difficilement imaginable. Ces homes qui haïssaient leur travail au plus profond d’eux, mais qui revenaient fiers. J’aime cette idée de la nécessité vertu.

Si l’on fait le choix — aussi peu conscient que l’on puisse croire-  de la manière dont on conçoit l’être que l’on est par nécessité, c’est pour souligner ce sentiment d’exister dont on a besoin.

Je parle de la nécessité de faire corps avec l’objet. De l’impossibilité à vivre le travail hors de cette symbiose. Est-ce que l’art ce n’est pas quelque chose dans lequel on s’engage complètement ? Quelque chose de magique qui fait vibrer toutes les cordes de l’âme ? Comment l’art peut-il devenir un problème intellectuel ? Quand revient-on à un questionnement ? L’art à mon sens est fait d’action. C’est quelque chose qui se joue au présent.

Le menuisier dit que le bois travaille.
Le marin dit que le bateau travaille.

Qu’y a-t-il de compliqué à dire de l’ordinateur qu’il travaille ? Et bien c’est que ce n’est pas une expression, ce n’est pas quelque chose qui relève de la foi, ce n’est pas une idée-outil : l’ordinateur travaille effectivement. Il travaille à la place de l’homme et de temps à autre celui-là sait qu’il y a quelque chose qui lui donne une force qui n’est pas la sienne….

Il y a une réelle difficulté pour discerner ce qui est fait par l’artiste de ce qui est fait par l’ordinateur. Et ce dans le champ de la culture des logiciels : on sait qu’il y a des logiciels de retouche de photo et de vidéo, des logiciels de sons, mais pas tellement qu’il y a des logiciels pour développer l’interactivé. Alors on suspecte moins l’interactivité d’être simplement produite par l’ordinateur… La machine devient magique.

Mais qu’est-ce qui est important ? Le résultat ? L’histoire qu’on va se raconter ?

Abondance des images, abondance de l’art

Où va la mémoire ?

De jour en jour le besoin s’impose de façon plus impérieuse de posséder l’objet d’aussi près que possible, dans l’image ou, plutôt, dans son reflet, dans sa reproduction. […]

Sortir de son halo l’objet, détruire son aura, c’est la marque d’une perception dont le « sens de l’identique dans le monde » s’est aiguisé au point que, moyennant la reproduction, elle parvient à standardiser l’unique. […]

L’alignement de la réalité sur les masses et des masses sur la réalité est un processus d’immense portée, tant pour la pensée que pour l’intuition.

Walter Benjamin, L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique / 1935

Il y a quatre ou cinq ans, deux graphistes plutôt célèbres et habitués des beaux contrats ont vu apparaitre sur des canettes de Perrier quelque chose qu’ils ont reconnu comme le plagiat de leur travail.  Un graphiste espagnol avait répondu à l’appel d’une agence, etc. Mais il ne les connaissait pas.

Avait-il vu leur travail quelque part ? Des reproductions, des copies…. C’est possible.  Mais leur travail aussi brillant soit-il, aussi singulier soit-il vit au travers d’un dessin très attaché à ce que fait le logiciel illustrator. Leur vocabulaire repose sur celui du logiciel. Je dirais même qu’ils ont le style illsutrator. C’est-à-dire qu’en explorant les motifs floraux et les branchages (qu’ils utilisent à foison) il est possible que sans les connaitre on les plagie.

Qui est l’auteur? Ce lui qui a produit la forme ou celui qui a écrit le potentiel ?

Golan Levin crée des interfaces qui permettent à partir de l’enregistrement du geste de rentrer en création et de produire par interaction des images, de la musique, etc. Mais qu’est ce que cela signifie que de construire et considérer des machines a potentiels comme oeuvre ?

Démocratisation

Si les hommes créent ou fantasment des machines intelligentes, c’est qu’ils désespèrent secrètement de leur intelligence, ou qu’ils succombent sous le poids d’une intelligence monstrueuse et inutile : ils l’exorcisent alors dans des machines pour pouvoir en jouer et en rire. Confier cette intelligence à des machines nous délivre en quelque sorte de toute prétention au savoir exhaustif comme de confier le pouvoir à des hommes politiques nous permet de rire de toute prétention à gouverner les hommes.
Si les hommes rêvent, contre toute évidence, de machines originales et géniales, c’est qu’ils désespèrent de leur originalité, ou qu’ils préfèrent s’en dessaisir et en jouir par machines interposées. Car ce qu’offrent ces machines, c’est d’abord le spectacle de la pensée, et les hommes, en les manipulant, s’adonnent au spectacle de la pensée plus qu’à la pensée même. […]

Jean Baudrillard, Le Xerox et l’infini / Traverses 44-45, Machines Virtuelles, Revue du centre Pompidou, 1988

Cf frank  -> munch et la fenêtre du montage -> voir ->  La fenêtre peinte

 

Expérimentations & avant-garde : écrire l’invisible

La relation entre le public et les films d’avant-garde a toujours été difficile, plus que celle entre le public et d’autres formes d’art. C’est lié au fait que la cinématographie a été inventée pour enregistrer la réalité et la reproduire. Tout le langage cinématographique s’est construit autour de cette attente du public de voir la réalité. Toutes les règles du langage cinématographique de Hollywood sont basées sur l’illusion de voir la réalité. Quand je regarde une peinture, je suis totalement conscient qu’elle a été peinte par quelqu’un d’autre. Quand je regarde un film, j’ai inconsciemment l’impression que l’image est en quelque sorte produite par moi-même. Cela veut dire que l’auteur se cache derrière ces images, l’auteur qui est à  l’origine de ces images. En revanche, quand je présente des images cinématographiques qui ne donnent pas l’illusion d’être la réalité – ce que le film d’avant-garde fait de manière exemplaire – je provoque chez le public une réaction beaucoup plus virulente que quand il regarde une peinture. Quand je regarde un tableau, je peux me dire :  » Ca ne me plait pas, c’est abstrait, je ne m’y reconnais pas, aucune idée de ce que le peintre a voulu dire. » Quand je vois un film avant-gardiste qui contredit fortement les perceptions codées de la réalité, c’est comme une attaque de ma propre perception. De là  vient ce grand refus du film avant-gardiste par le public, ce qui vaut pour toute l’histoire de ce genre.

Peter Tscherkassky, réalisateur, entretient extrait, Magazine Court-Circuit, arte, 2000

Il n’est pas question d’essayer de déceler une nouvelle avant-garde… Mais est-ce que toutes les pratiques multimédias qui donnent lieu à de l’art ? N’y a t’il pas du cirque, de la foire, des jeux ? N’est-ce pas aussi noble ?

Prisonnier de l’idéologie scolaire, l’être humain renonce à la responsabilité de sa propre croissance et, par cette abdication, l’école le conduit à une sorte de suicide intellectuel.

Ivan llich, Une société sans école / p. 106, Éd. du Seuil, coll. Points n° 117

Communiquer l’invisible

Organisées par le Laboratoire Communication et Solidarité (UFR LACC) et l’Axe Dynamique Interculturelle de la Maison des Sciences de l’Homme de Clermont-Ferrand.

14h-17h : Après-midi organisée et animée par Elise Aspord, Historienne des Arts Médias

Dans l’art contemporain français, il est un continent, sans routes, celui de l’art numérique. Ce dernier est-il un média, au sens où il est accessible au plus grand nombre ? Le fait est que peu d’auteurs du numérique sont connus du grand public, notamment en province.
D’aucuns objecteraient que les choses évoluent, que de nombreux essais critiques voient le jour (DICCAN), que des incubateurs mêlant art, technique et industrie… éclosent un peu partout sur notre territoire (Le Cube (2000), la Gaité Lyrique (2010) ; Imaginarium de Tourcoing et Roubaix (2012) ; Astu’Sciences, Auvergne (2010)). Or c’est justement de ces questions – art numérique visible ou invisible ? – que cette journée se veut l’écho.
L’art numérique, l’art informatique, l’art des technosciences…, fait appel à l’utilisation, par les artistes, des technologies les plus avancées (réalité virtuelle, réalité augmentée, interactivité, multimédia, robotique…). Les oeuvres ainsi créées appartiennent alors au monde invisible du calcul, de la matière…
La table ronde s’articulera autour de deux parties, la première interrogeant la visibilité de l’art numérique dans l’espace institutionnel, public ; la deuxième consacrée à l’identité de l’artiste, à ses stratégies de communication et à sa redéfinition face aux avancées technologiques et à l’outil ordinateur.

Interventions

• Elise Aspord, Historienne des Arts Médias
  >> Art numérique, 2000-2010 : une décade entre savoir-faire et faire-savoir
• Franck Ancel, Zerographe
  >>25 ans d’art à l’état digital
• Jacques Perconte, Artiste plasticien
  >> Y-a-t-il un art numérique ? Est-ce une bonne question ?

Maison des Sciences de l’Homme
rue Ledru à Clermont-Ferrand.

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Séance EXPÉ 5

Dimanche 10 juin à 22h00
Jeudi 14 juin à 20h00 

CINÉ 104
104, avenue Jean Lolive
93500 Pantin

Pour la neuvième année consécutive, cette compétition consacrée au cinéma expérimental, à l’essai ou encore à l’art-vidéo présente 26 films qui ont en commun de questionner, de bousculer et d’enrichir les langages et esthétiques cinématographiques.
Faire bouger les lignes, frémir les frontières, décloisonner et révéler la porosité entre les genres, tels sont les axes que se proposent de suivre les artistes sélectionnés dans cette section.

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Du 4 au 8 juin 2012 ( ). Digitalarti présente l’exposition Natural/digital dans l’happen space d’Accenture du 4 au 8 juin. Cette nouvelle exposition « Immersions Digitales » présente un panorama d’oeuvres numériques autour du thème de la nature. Le vivant et le numérique sont intimement liés. L’expérience est poétique, interactive, immersive. Art vidéo, photographies numériques, paysages interactifs, installations sonores, sculptures 3D, design, intelligence artificielle, bio-art, art des flux en temps réel…

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Séance pensée et présentée par Gabrielle Reiner et Laurence Rebouillon

Impressions fantomatiques, interprétations fantasmagoriques, spectres optiques et sonores en recomposition et décomposition intempestives, diffractions de temps passés, hallucinations sensorielles, expériences mémorielles. Venez vous laisser hanter par ces impressions spectrales !

Kick that habit man ! / François Miron / 2007 / 2mn

Ville Marie / Alexandre Larose / 2010 / 12’30mn

Zentrale / Dietmar Brehm / 2009 / 9mn

Spectral Cycle / Robert Todd /2009 / 5mm

Satyagraha / Jacques Perconte / 2009 / 5mn

Disorient / Florence Aigner et Laurent Van Lancker / 2010 / 36mn

+ EL KINO UP YOUR YEARS ! de Metalking

4€/5€ 
Cinéma La Clef,
34, rue Daubenton, 75005 Paris, M. Censier-Daubenton

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On dit que je fais du datamoshing – technique de manipulation de l’image – et c’est comme cela que je suis crédité au générique. Mais mon travail dépasse cette pratique et même si elle s’y apparente j’ai essayé de lui trouver un nom qui lui conviendrait mieux. Pour l’instant je n’en ai pas vraiment : j’ai appelé cela composites déglacés par réitérations colorées de compressions dansantes de données mais c’est bien trop compliqué…

HOLY MOTORS
Un film de Léos Carax
Pierre Grise Productions
Date de sortie : 4 juillet 2012

Quelques images du projet sur flickr / Collaboration Holy Motors /

Dossier de presse de Holy Motors

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Je vais commencer à travailler des séries. Je ne sais pas tellement encore comment. Mais je le sens. J’ai quelque chose à y découvrir.

Pour cela j’aimerais explorer deux dimensions : celle du plan et celle de la séquence. J’y travaillerais le motif.

C’est comme si ce faisant, la question de la différenciation entre le film et la vidéo se résolvait toute seule. Il y a quelque chose de manifeste.

Les séries de Monet m’inspirent profondément. Je n’imagine pas autre chose.

J’ai envie de questionner le paysage comme ça. De l’exposer à contrario des tendances éphémères et amnésiques du numérique. J’ai envie de revenir sur le même lieu et de le filmer encore et encore. J’ai envie de travailler dans une cellule de temps. C’est la dimension du plan.

Ensuite j’ai envie de travailler des motifs. Le paysan au travail sera le premier. Je le ferais à l’échelle de la séquence.

ill. Les Moutiers, 2012

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Yogi Bhajan

/ pic. Yogi Bhajan, Winter Solstice, 1974

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* 15h30 : conférence de Marie Martin, « Paysages après la catastrophe et utopie plastique dans le cinéma expérimental contemporain. Autour de Jacques Perconte et Xavier Christiaens » -> à l’Université de Poitiers, MSHS, salle Guillaume de Troubadour

* 18h : Projection du film « Impressions » (version de travail) de Jacques Perconte, en présence du réalisateur. -> à l’Auditorium de l’École européenne supérieure de l’image

*

Programme de recherche pluri-annuel « Utopies et catastrophes »
dirigé par Jean-Paul Engélibert (TELEM, Université Bordeaux 3) et Raphaëlle Guidée (FoReLL B3, Université de Poitiers)

Journée d’études du 28 mars 2012, Université de Poitiers

Après la catastrophe : images et paysages de l’utopie

Notre époque est définie par la mémoire des catastrophes historiques du siècle dernier autant que par l’attente des catastrophes naturelles qui pourraient mettre en cause l’habitabilité même du monde pour l’homme. Dans le prolongement de la journée d’études du 1er décembre 2011 « Quelles formes pour l’utopie à l’âge des extrêmes ? » (Bordeaux 3), il s’agit dès lors de réfléchir à une forme spécifique de l’imaginaire contemporain de l’utopie, consistant à prendre acte de la dimension catastrophique de l’histoire humaine (passée et à venir) pour refonder l’utopie sans l’humain, ou à partir d’une nature dont l’homme ne serait plus le centre.
Alors que l’utopie de Thomas More fonde sa perfection sur les efforts des hommes pour construire une société harmonieuse ordonnée par la raison, les utopies contemporaines semblent parfois troubler l’opposition classique entre paradis naturel et cité dénaturée, entre libération des désirs et contrôle extrême des affects. Sur les rives de ce qui fut la mer d’Aral ou dans la zone interdite de Pripiat, sur les planètes lointaines de la science-fiction ou dans les décombres de Detroit, artistes, cinéastes, écrivains, vidéastes imaginent un monde rendu à la nature, ou décrivent des formes d’entente nouvelles entre l’homme et son environnement.
La journée du 28 mars s’attachera principalement à la littérature et aux arts de l’image (cinéma, photographie, arts plastiques). Elle permettra de poursuivre l’interrogation des formes renouvelées de l’imaginaire utopique contemporain au temps des catastrophes, mais aussi de relire les utopies classiques, en découvrant que certaines d’entre elles, prenant acte de l’imperfection humaine, ne peuvent déjà penser la perfection utopique qu’en l’absence de l’homme.

Programme :
10h15 : accueil des participants, MSHS, salle Guillaume de Troubadour

10h30-11h15 : Lucie Campos (Littérature comparée, Institut français), « Séjours à la campagne – temps de la nature et temps de l’histoire dans l’oeuvre de Sebald ».
11h-11h45 : Lambert Barthélémy (Littérature comparée, Poitiers), « Place et fonction du récit apocalyptique dans le discours environnemental ».
11h45-12h30 : Raphaëlle Guidée (Littérature comparée, Poitiers), « Entre utopie et catastrophe : Détroit, capitale du XXème siècle »

13h : déjeuner au restaurant Rabelais

14h-14h45 : François-Xavier Molia (Études cinématographiques, Poitiers), « Last Men on Earth : le Nouvel Hollywood après l’Apocalypse ».
14h45-15h30 : Jean-Paul Engélibert, (Littérature comparée, Bordeaux 3), « Paysages de la fin des temps : Le dernier homme de Cousin de Grainville (1805) ».
15h30-16h15 : Marie Martin (Études cinématographiques, Poitiers), « Paysages après la catastrophe et utopie plastique dans le cinéma expérimental contemporain. Autour de Jacques Perconte et Xavier Christiaens ».

18h : Auditorium de l’EESI : Projection du film « Impressions » (version de travail) de Jacques Perconte, en présence du réalisateur.
Projection organisée par Marie Martin avec le soutien de l’association culturelle de l’UFR LL.

Responsable : Jean-Paul Engélibert et Raphaëlle Guidée

Adresse : Maison des Sciences de l’Homme et de la Société5 rue Théodore Lefebvre 86000 POITIERS

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Et quelque chose d’étrange se produit quand vous percevez le silence, ce qui signifie prêter attention au silence. Une chose étrange vous traverse à ce moment là qui est : dans cet acte de perception du silence, l’activité mentale, c’est-à-dire le flot des pensées, cesse durant ce moment où votre attention se porte sur le silence. Pour un moment le flot des pensées s’arrête, pendant que vous écoutez le silence. Cette écoute constitue l’accès à une nouvelle dimension de la conscience, à laquelle la plupart des gens ne sont pas attentifs. L’arrêt du flot des pensées devient possible sans aucune perte de conscience. Et durant ce moment de perception, d’écoute de cette dimension du silence, vous êtes entièrement présent dans ce moment, vous habitez entièrement ce moment, étant en lui totalement.

C’est la raison pour laquelle nous sommes ici, pour accéder à cette dimension intérieure, pour aller au delà du flot continu des pensées avec lesquelles la plupart des gens s’identifient complètement en tant qu’eux même : « moi, le moi ». Le soi est dans chaque pensée, sans distanciation et ceci constitue l’état d’absence. Mais ici nous entrons dans l’état de présence.

Autrement, vous êtes entièrement piégé par le conditionnement du mental, avec tous ses schémas, ses connaissances accumulées, ses expériences et son passé. Quand vous êtes totalement confondu avec cela, vous mimez le récit que vous vous faites dans le mental. Il n’y a aucune liberté en cela.

Transcription de la Conférence de Eckhart Tollé à Hambourg, le 13 avril 2002.

Eckhart Tolle est né en Allemagne et y a passé les treize premières années de sa vie. Après des études universitaires à Londres, il s’orienta vers la recherche et, dans ce cadre, dirigea même un groupe à l’université de Cambridge. À l’âge de 29 ans, il connut une profonde évolution spirituelle qui le transfigura et changea radicalement le cours de son existence. Il consacra les quelques années suivantes à comprendre, intégrer et approfondir cette transformation qui marqua chez lui le début d’un intense cheminement intérieur. Au cours des dix dernières années, il fut conseiller et enseignant spirituel auprès d’individus et de petits groupes en Europe et en Amérique du Nord. Depuis 1996, il vit à Vancouver, (Colombie-Britannique). Grâce à ses livres, un plus grand auditoire pourra enfin profiter de ses enseignements. Il est l’auteur du Pouvoir du moment présent paru en 1999 qui est devenu un best seller international, traduit en 33 langues. Son ouvrage, Nouvelle Terre, était déjà vendu à 3,5 millions d’exemplaires deux mois après son lancement en janvier 2005.

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« Après avoir terminé North on Evers, j’ai décidé que deux critères me suffiraient pour  continuer à travailler. Le premier, faire des films qui m’emmènent dans des endroits où je veux être. Le second, faire une oeuvre qui met ma vie dans un contexte plus large. Deux raisons plutôt égoïstes mais très réalisables. »
James Benning

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La galerie Charlot accueille plusieurs œuvres numériques de Jacques Perconte. Vidéo projections et installations sur iPAD s’apparentent au même geste fort de l’artiste qui va à rebours des dictats de la matière numérique dans une démarche profondément plastique, picturale.

En octobre 2011, à l’initiative de Nicole Brenez, historienne du cinéma et chargée de la conservation du cinéma d’avant-garde, la Cinémathèque française organisait plusieurs séances autour des oeuvres remarquables de Jacques Perconte. Cet artiste singulier est passé par les cours du soir des Beaux Arts, par l’université, le CNRS, les Arts plastiques, le cinéma, la philosophie, le design interactifs, les systèmes d’information, les stratégies d’innovation … Il mène ses recherches depuis 1995 et son travail sur la vidéo et les différents codecs (compression et décompression) s’affine au fil du temps.

Dans l’obscurité de la salle de cinéma ou dans l’espace tamisé de la galerie, l’emprise des images de Jacques Perconte est saisissante. Il y va d’une densité des formes qui s’auto-génèrent jusqu’à leur disparition. Pulsations et ressacs, pures intensités chromatiques créent une texture épaisse, alors que d’énormes pixels font que les couleurs se diluent, circulent, se rependent d’un plan à l’autre. L’extrême fidélité et la précision mimétique de l’image numérique sont détournées dans un acte radical qui s’attaque à la racine binaire de l’information numérique pour mieux accéder à l’essence vibratoire du réel.

Presque toujours dans les films de Jacques Perconte le geste inaugural est un travelling. Qu’il soit embarqué sur l’eau (Uishet) ou dans un train (Après le feu), qu’il soit dédoublé et renversé dans sa chronologie (Fontainbleau), ce mouvement de cinéma témoigne d’un désir multiple : non pas simplement embrasser le paysage dans une posture fixe, statique, mais s’y immerger, y plonger avec l’espoir de percer le réel, d’aller au delà du voile de l’image, l’abimer à la source pour mieux s’y abimer. Soumise à des traitements numériques, l’image atteint une stase, brille de mille feux avant de sombrer. Le paysage, devenu abstrait, porte encore les traces du monde, trop plein et vidé à la fois, sorti de ses rails : extatique.

Après le feu (2010, 7’, vidéo) est un travail exemplaire de cette démarche. L’image prend la texture des braises, des flammes et des vagues incandescentes. Elle fond, se liquéfie, se délite, attaquée par des couleurs fortes et saturées. Seul le chemin de fer garde son obstination qui nous mène toujours plus loin dans les profondeurs de l’image – paysage. La couleur s’épuise, des aplats, des murs de « non-couleur » obscurcissent le travelling. L’abstraction appelle des formes nées d’elles-mêmes.

Fontainbleau (2012, 24’, vidéo) démultiplie le processus, le plonge dans le miroir, le ralentit également. Le traitement est moins radical, l’artiste joue sur la durée et préserve dans sa composition certains repères du monde réel qui font signe vers la gémellité des deux images installées sur des iPADs. Un indicible trouble nous gagne avant d’acquérir la certitude qu’il s’agit d’un même morceau de paysage. La mise en abime est vertigineuse. Nous avons tout d’un coup accès à un aperçu de ce que peut être, pour Jacques Perconte, la fabrique des images. Son rapport au réel, la captation, l’enregistrement passif est augmenté par des procédées artisanaux qui tiennent de l’alchimie numérique. Une précision est ici capitale : l’artiste se garde d’introduire dans ses œuvres toute information allogène, toute donnée qui n’aurait pas existé dans le fichier source. Ses algorithmes exacerbent les qualités intrinsèques de l’image, mais sa pratique, hautement plastique, reste très attachée au cinéma, car mouvement et montage sont des éléments essentiels de son travail. La frontière devient poreuse, fragile et incertaine entre les plans. Malgré la coupe, ou peut-être grâce à elle, des images clés, avec les couleurs, franchissent les plans. Les mots pénètrent les images amplifiant une incontestable sensation de la matière.

Ainsi, dans Impressions (2011, 42’, vidéo) – film dont une version préparatoire a été montrée par Nicole Brenez à la Cinémathèque et qui n’est pas intégré à l’exposition – il peut arriver, comme dans les toiles des maîtres japonais, qu’un oiseau fasse trembler le paysage saturé. Jacques Perconte nous dévoile les flux d’énergies qui se cachent derrière les images les plus prosaïques une fois poussées dans leurs retranchements. Cet opus à forte charge picturale revisite l’émerveillement des Impressionnistes devant la lumière des paysages normands de bords de mer et son éclat gagne évidemment à être magnifié par la projection sur grand écran.

Avec audace, obstination et patience Jacques Perconte approfondit son art qui adresse cette autre perception dont parle Gilles Deleuze dans ses cours en citant Paul Cézanne ou Stan Brakhage, approche ce monde d’avant l’homme, tente des réponses à une même question : combien de couleurs on peut trouver dans un champs d’herbe ?

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Par Jean-Jacques Birgé, vendredi 2 mars 2012 à 01:01
Drame.org / Mediapart, mars 2012

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Autour d’une collection de 700 œuvres et plus de 50 expositions depuis 2002, l’artothèque construit, par le biais du prêt, une relation privilégiée entre l’art contemporain et des publics diversifiés – particuliers, scolaires, universités, entreprises, collectivités, hôpitaux, centres sociaux, prisons… La mise en place de résidences artistiques, conférences et actions éducatives complètent ce projet artistique unique en région Aquitaine dans un double objectif de soutien à la création et de sensibilisation des publics.

L’exposition L’espace de l’autre est une invitation du Centre d’art et photographie
de Lectoure à l’artothèque les arts au mur de Pessac.

Vernissage le samedi 3 mars à 11 h, suivi à 14 h 30 d’une présentation de l’Artothèque les arts au mur par Anne Peltriaux et Corinne Veyssière, directrices artistiques, accompagnées d’Isabelle Kraiser, artiste.

en savoir plus
Centre d’art et photographie de Lectoure
Maison Saint-Louis – 8, cours Gambetta – 32 700 Lectoure
05 62 68 83 72
www.centre-photo-lectoure.fr

Télécharger le dossier de presse de l’exposition [Pdf – 3,2 Mo]

Enrichie chaque année par de nouvelles acquisitions, la collection de l’artothèque permet d’appréhender les enjeux qui ont traversé les principales démarches artistiques depuis les années 1970 et de prendre en compte la pluralité des pratiques artistiques contemporaines.

La photographie constitue environ un quart de cette collection. Des entrées thématiques témoignant d’enjeux majeurs contemporains tels que l’espace, l’architecture et l’urbanisme, le corps, le portrait et l’autoportrait y sont largement représentées.

Toute tentative d’exposition autour de collections, privées ou publiques, constituées d’œuvres à priori isolées, présente un défi passionnant : comment faire sens et éviter l’émiettement ?

La présente exposition tente d’éviter cet écueil en s’appuyant sur un parti pris thématique. Ainsi, L’espace de l’autre, sujet politique par excellence, mais tout aussi existentiel, est envisagé ici comme une clé de lecture possible de la collection photographique de l’artothèque de Pessac, qui est la matière de cette exposition. Cet axe se décline en questions liées aux propriétés du médium : les rapports entre l’espace public et l’espace privé, la définition de l’intime, la question de la représentation, l’écart entre le réel et son image, l’image de soi offerte ou confrontée aux autres, le décodage du monde visuel qui nous enveloppe, le quotidien comme source de fiction par le truchement de l’image…

Dans les salles du rez-de-chaussée, c’est par la représentation de l’espace qu’est abordé le thème deL’espace de l’autre, tandis qu’au premier étage, la question est traitée à partir de la figure, celle de l’autre, inscrite dans différent espaces, y compris celle de l’artiste lui-même, qui s’invite en quelque sorte dans l’espace du regardeur, souvent en qualité de sculpture vivante.

L’exposition, qui réunit près de 50 œuvres de 37 artistes, est ponctuée en différents points de son parcours, de photographies d’Isabelle Kraiser. En effet, cette artiste à elle seule aborde L’espace de l’autre dans différentes approches, rejoignant dans chacune les démarches d’autres artistes. Presque toutes les œuvres exposées sont très récentes (moins de dix ans).
Quelques pièces anciennes (1969 à 1999), qui font office de références, donnent à l’exposition sa perspective historique.

François Saint Pierre (CAPL), Anne Peltriaux et Corinne Veyssière (les arts au mur)

Œuvres de : Dove Allouche, Jessica Backhaus, John Baldessari, Katarina Bosse, Bernhard Cella, Cédric Couturier, Nicolas Descottes, Documentation Céline Duval, France Dubois, Maitetxu Etcheverria, Valie Export, Alain Fleisher, Bernhard Fuchs, Jean-Christophe Garcia, Gilbert and George, Laura Henno, Guillaume Hillairet, Isabelle Kraiser, Nino Laisné, Thomas Lanfranchi, Édouard Levé, Lilly Lulay, Charles Mason, Caroline Molusson, Roman Opalka, Lucien Pelen, Giuseppe Penone, Jacques Perconte, Jack Pierson, Chantal Raguet, Arnulf Rainer, Sophie Ristelhueber, Georges Rousse, Djamel Tatah, Patrick Tosani, Jean-Luc Verna, Bruce Wrighton.

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En plein écran, le son fort ! / Full Screen and loud speakers !
L’affiche une fois de plus détournée. Mais cette fois, c’est à vous d’entendre et de voir ce qui s’inscrit. L’avenir nous appartient !

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La façon la plus intime et la plus forte de vous relier à la nature consiste à prendre conscience de votre respiration et à apprendre à y maintenir votre attention. […] La conscience passe alors du monde conceptuel de la pensée au domaine au domaine intérieur de la conscience inconditionnée.

Eckhart Tolle, L’art du calme intérieur
J’ai Lu + Collection J’ai Lu Bien-Etre, numéro 9705
ISBN 2290036757 / EAN 978-2290036754

à lire, vraiment…

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Au cœur du bois le vent souffle les branches et les feuilles et les couleurs…
Un film fait pour l’espace des grands murs, une ouverture dans la ville…

Disponible en coffret Blu Ray plus DVD.
Chaque Blu Ray à un imprimé unique, est signé et numéroté.
Impressions jet d’encre sur papier mat.

Les moutiers, 2012
18’30, 1080p, couleur, muet
100ex. / 100 € TTC

Galerie CHARLOT
47 Rue Charlot
75003 Paris
06 09 66 76 76

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Vous pourrez découvrir entre autres trois nouvelles pièces.
Un surprenant diptyque vidéo sur la forêt de Fontainebleau, un nouveau film : Les Moutiers et une pièce silencieuse sur la normandie : vague vache….

♥ projection en extérieur de la nuit tombée à minuit de uishet (du mardi au samedi)
La Galerie Charlot sera fermée durant la fashion week du 1er au 6 Mars 2012

Si vous ne pouvez pas venir à la galerie jeudi au vernissage, j’y serais à d’autres moments. Contactez-moi pour prendre rendez-vous.

Galerie CHARLOT
47 Rue Charlot
75003 Paris
06 09 66 76 76

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[...]

Les modalités de commercialisation de mes films me travaillent beaucoup. Il y a quelque chose qui coince dans la formalisation de la rareté. Mais surtout, je ne vois pas comment la maitriser avec la vie des films en festival. C’est impossible de garantir qu’ils ne soient pas copiés. Des films comme uishet, le passage, etc. ont déjà des copies en circulation. Et à quoi bon ? Les films doivent être libres.

Cette rareté, elle peut se produire sur des productions comme la série de Fontainebleau. Ce n’est pas vraiment un film. C’est un diptyque. les écrans font partie de l’œuvre. C’est un objet. Je crois que je commence à comprendre la différence entre un film est une vidéo. Ce qu’on peut vendre dans ces dispositions de marché, ce sont des vidéos, des installations : des formes dont ont peut légitimement maîtriser la circulation. des objets dont le médium n’est pas artificiellement scénarisé ni la circulation contrainte exprès. Les films répondent à une autre économie de vie.

Dans ce travail de diffusion de l’image numérique il y a un paramètre compte fortement c’est celui de l’édition. Je travaille depuis un moment à trouver quels moyens mettre en oeuvre pour avoir la meilleure expression d’un film comme après le feu sur un Blu-Ray. Les Blu-Ray que je vais fabriquer pour cette exposition n’ont rien avoir avec ceux qui ont été fait précédemment, et ce pour chaque film. Ce sont des éditions. Et c’est ce qui fait leur rareté, ces éditions sont différentes les unes des autres, ce sont les mêmes films, mais pas exactement avec les mêmes qualités. Alors peut-être que peu voient réellement les différences, mais elles sont bien concrètes. Et dans tous les cas ces versions sont des copies du film original, qui aujourd’hui n’a pas de support de diffusion facile.

Je me vois bien proposer les films en Blu-ray pas trop chers. Pour cette édition. Avec peut-être un tirage de format moyen. Le tout signé.

[...]

Uishet sur un iPad n’a rien à avoir avec le film lui-même. C’est une version recadrée, dans une résolution et une compression différente. C’est comme si on avait un tirage avec deux formats. Un grand et un petit sur deux papiers très différents, etc.

[...]

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C’est un lieu où le temps ne passe pas comme ailleurs. Rythmé par la balade du soleil, le parc est le spectacle de milliers de peintures.

% François Mauriac
2007-2012

Installation vidéo temps réel, pièce in situ, 1060 x 700 x 400
Écran de 42‘, cadre en Corian®, dispositif de captation extérieur, ordinateur et programme

1% artistique au Châlet Mauriac à Saint-Symphorien, Gironde
Région Aquitaine / Maître d’œuvre
De Jacques Perconte
Virginie Gravière & Olivier Martin / architectes
Florent Deloison Développement / Processing

PRINCIPES

François Mauriac évoque les souvenirs de son enfance dans le roman « Le Mystère Frontenac ». Il y décrit la maison construite dans le style Arcachonnaise par sa mère où il passe ses vacances, ainsi que le chêne sacré dans le parc de Jouanet et la Hure, principal affluent du Ciron qui traverse la propriété à Saint-Symphorien. C’est un des lieux calmes et reposants qui sont une véritable source d’inspiration dans l’écriture de ses romans.

L’installation relie le monde intérieur de la maison et ses habitants à l’univers par quelques-unes de ses dimensions. Elle installe un rythme en jouant les images avec les images de la nature. Le jardin est filmé et enregistré et a quelques instants près rediffusés dans le salon. L’écran est placé là ou aurait pu être la fenêtre qui aurait donné au sud.

DISPOSITIF

Le dispositif ne donne pas à voir toute sa complexité. Il n’y a pas de moyen de voir tout ce qui est calculé. On peut imaginer.

Le dispositif interagit avec le soleil, avec les saisons, avec les signes astrologiques. Et dans ce cycle qui s’installe au quotidien… Même des mémoires de l’histoire de François Mauriac jouent comme des déclencheurs prévisibles d’événements plastiques.

L’image traduit picturalement toute une quantité d’idées dont il n’est pas nécessaire de connaître le contenu pour apprécier l’œuvre. Elles font partie des conditions qui régulent cet univers pictural. Ce faisant, le spectateur doit se défaire de l’attente et de ces guides conceptuels pour profiter de ce qui lui est proposé. Et comme un rayon de soleil qui percerait le bois à midi, l’événement peut se faire attendre. Mais c’est ce qui fait le monde.

le projet a été documenté depuis 2007 http://flic.kr/s/aHsiDDoZEg

CYCLES

Le fonctionnement de l’oeuvre repose sur une combinaison de calculs astrologiques qui guident au fil des jours l’image dans ses aventures plastiques. Voilà quelques éléments que le programme traite.

% Éphémérides : Nous sommes à Saint-Symphorien. Nous sommes mardi, le jour de mars, le jour du rouge. Il est 8 heures et 56 minutes et il fait jour. Le soleil nous illumine depuis ce matin, 7 heures et 10 minutes. Il disparaîtra à 19 heures et 18 minutes. 12 heures et 8 minutes de soleil !
Pour une heure de jour inégale de 60.66 minutes.  Une heure qui ne fait pas soixante minutes, parce que le jour et la nuit ne sont pas de durées égales. Alors le rythme que nous suivons est adapté à notre journée d’ensoleillement

L’aube était à 7 heures et 10 minutes. Le soleil sera au quart de sa course à 10 heures et 12 minutes. Il sera à son zénith à 13 heures et 14 minutes. Il sera aux trois quarts de sa course à 16 heures et 16 minutes. Il se couchera à 19 heures et 18 minutes.
Et demain, le soleil reviendra à 7 heures et 8 minutes.  

C’est le premier quartier de lune. C’est le temps du taureau

Horaires des évènements d’aujourd’hui :  8:56 | maintenant  7:10 | aube  10:12 | premier quart  13:14 | zénith  16:16 | troisème quart  19:18 | crépuscule 

Le site internet http://www.technart.fr/Francois-Mauriac/ reproduit le calcul d’éphémérides sur lequel l’installation est basée.

MODE D’EMPLOI

Le dispositif est prévu pour être le plus simple possible. Pour fonctionner normalement, l’ordinateur ne doit pas être éteint. Par principe l’écran non plus. Mais cela n’entraîne pas de dysfonctionnement de suspendre son usage. La caméra est constamment sous tension.

L’installation se compose donc de deux éléments qu’il faut mettre sous tension séparément.

Pour lancer l’oeuvre, il suffit de mettre sous tension l’ordinateur (bouton situé à l’avant de la machine ). Et quelques minutes plus tard l’allumer le téléviseur en soulevant le cadre par le bas. Normalement il se cale seul sur le canal adéquat. S’il ne le fait pas, il faut changer de chaine d’entrée du signal et atteindre celle qui s’appelle «Mauriac» (mais normalement il n’y a pas de problème).

Une fois l’ordinateur démarré, le programme se lance automatiquement (une fenêtre avec l’image captée par la caméra s’affiche sur l’écran de l’ordinateur. L’image sur l’écran Tv (situé au Rdc ) apparaît environ une dizaine de minutes après le démarrage de la machine (temps de traitement nécessaire des vidéos à l’initialisation).

En cas de soucis (plantage, message d’erreur), il faut redémarrer la machine : Clic sur la pomme en haut à gauche de l’écran > cliquer sur « redémarrer » . Le programme se lance automatiquement au redémarrage.

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Jacques __ On ne fait pas un chef d’œuvre. On fait quelque chose et des fois ça plaît, des fois ça rate….

Denis Hovart __ Je ne sais pas trop si je suis d’accord avec cette remarque. Je trouve qu’elle laisse entendre un certain nombre de choses qu’il faudrait définir. Est-ce une chose saine que de créer une œuvre avec en premier lieu l’idée de plaire ? Si une œuvre ne plaît pas, est-ce qu’elle « rate » pour autant (et qu’est ce qui rate exactement) ?

Jacques __ Justement non, je ne dis pas ça. Je ne pense pas ça. Il y en a qui le pensent. Il y en a qui se débattent avec cette pensée. Mais dans tous les cas, il ne faut jamais oublier que cela ne marche pas toujours. Dans mon regard il y a des pièces que je fais que je trouve réussies – pas qu’elles soient complètes, mais elles me plaisent, elles résonnent. Elles sont finies en un certain sens, il ne leur manque pas quelque chose. D’autres pour autant ne fonctionnent pas de la même façon, et elles sont d’une certaine manière ratées. Comme mon film silence lurks par exemple. Je l’aime bien, mais sans plus. [...] Ensuite, rater, ce n’est pas négatif. J’expérimente beaucoup, et il ya pas mal de choses qui ratent. Tu ne peux pas imaginer le nombre de vidéos que je détruis. Parce que dans la recherche il y a quantité de solution qui ne fonctionnent pas comme j’aimerais. Un autre ne ferait pas le s memes choix. Tu dois faire pareil.  [...] Pour ceux qui expérimentent dans le regard ce c’est plus ou moins pareil. Il ya des choses qui plaisent et des choses qui ratent.

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NICOLE BRENEZ
Critic, France

Abel Ferrara in Lucca
Gérard Courant, France/Italy

A simple, modest and faithful record of some moments at the Lucca Film Festival in October 2010, with songs and speeches by Abel Ferrara: trace of the co-presence of two of the greatest contemporary filmmakers, dissident and true sons of Cesare Zavattini’s revolutionary spirit.

The Autobiography of Nicolae Ceaucescu (Autobiografia lui Nicolae Ceausescu)
Andrei Ujica, Romania

How propaganda reverses itself into a devastating critique of any political power.

Far from Afghanistan
John Gianvito, Jon Jost, Minda Martin, Travis Wilkerson, Soon-mi Yoo, Rob Todd, Pacho Velez, USA, in progress

To commemorate the tenth year of the invasion in Afghanistan, a collaborative work analysing the logics and consequences of American imperialism.

Impressions
Jacques Perconte, France
Digital fresco about Normandy landscapes that renews the forms of editing.

Video Letter
Masao Adachi, Japan

Adachi, still a political prisoner in Japan in the sense that he can not travel abroad, sends a video-letter to his audience to explain his ideals, fights and questions.

Highlights:

Book: Radical Light: Alternative Film & Video in the San Francisco Bay Aera, 1945-2000 (Steve Anker, Kathy Geritz, Steve Seid, eds), a scientifically and visually magnificent survey.

Film/Exhibition: ‘Correspondence(s)/The Completed Letters’, curated by Jordi Ballo for the CCCB (Barcelona, Spain): five video-letters exchanges between filmmakers from different parts of the world, including José Luis Guerín and Jonas Mekas, Albert Serra and Lisandro Alonso, Isaki Lacuesta and Noami Kawase, Jaime Rosales and Wang Bing, Fernando Eimbcke and So Yong Kim.

Retrospective: ‘Minding the Gap: The Films of Dick Fontaine’, curated by Michael Chaiken at the Anthology Film Archives, New York. A great British stylist and fighter with a knack for working exactly where the wind of history begins to blow.

Screening: On September 28th, the quality of the screening of John Gianvito’s My Heart Swims in Blood through Vimeo, during the World Cinema Now! Conference in Melbourne, was so excellent we could count the feathers on the Hegelian owl.

Website: livestream.com/globalrevolution. Livestream of the occupation movements all over the world, covered by independent journalists and filmmakers.

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impressions, final on the rails !!

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Cette vidéo est la première version des séquences, il ya deux trois petites choses qui ne me plaisent pas. Il se peut aussi qu’elles ralentissent.

Diptyque vidéo
24’50″ muet (*2 1024.768)

Une avancée vers le coeur de la forêt de fontainebleau.
Une à l’endroit et l’autre à l’envers de l’envers.

iPad / vp

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Impressions
Un film sur la puissance magique de la nature
Un voyage au coeur de la Normandie Impressionniste
Une balade en couleur sur les traces de la lumière et du temps.

un film de Jacques Perconte
musique Simonluca Laitempergher

Film numérique 2K, 43′

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Jacques Perconte, Léonard & Antoine, 2011
Film numérique HD, Couleur, muet, 4’07″

Antoine Schmitt, Le Pixel Blanc, 1996-2000
Ordinateur, pixel blanc, algorithme de comportement. Non interactif.

Leonardo di ser Piero da Vinci, Del Giocondo, 1503-1506
Peinture à l’huile sur panneau de bois de peuplier
77 x 53 cm, Musée du Louvre, Paris.

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« Comme mon travail a été souvent comparée au mouvement impressionniste français, j’ai décidé de suivre leurs traces en Normandie tournage sur les spots même où Monet ou Corot utilisé pour peindre, je vais créer une sorte de l’impressionnisme 2.0″ – Jacques Perconte

Impressions: Voyage en Normandie est la dernière d’une série de films paysages manipulés numériquement faite par Jacques Perconte.

Le «réel» voir (au moins comme on le voit à travers la lentille de la caméra) pixelates progressivement et se transforme en quelque chose de plus étrange. Les films saisir une sorte de «impressionniste» phase où des motifs lumineux et le mouvement subtil dans la nature sont au ralenti et a assisté. Mais les images en mouvement bientôt commencer à ressembler à symbolisme, fauvisme et l’expressionnisme abstrait éventuellement – les arbres transformés en plaques dentelées de couleur comme un Clyfford Still peinture, le scintillement horizon comme une ligne de Barnett Newman zip. «Nous ne voyons plus l’image du paysage, nous voyons le paysage de l’image» Perconte dit.Violaine Boutet de Monvel a écrit d’un moment dans Après le feu, filmé depuis l’arrière d’un train, où un écart semble s’ouvrir sous les voies, transformant la topographie réelle. Perconte est intéressé dans cette ré-imagination du familier – comme il a suivi les traces des impressionnistes, il a senti que leur paysage était toujours présente, malgré le mouvement constant de nuages ​​et de l’activité de la mer agitée. Ce processus tend vers la dissolution des éléments de paysage familier dans une vision de couleur pure. Dans les notes Perconte sur Impressions il cite Rousseau, se perdre dans une rêverie et objectes sentir glisser loin de sorte qu’il ne sent rien, mais l’ensemble: «Alors TOUS LES objets Particuliers Lui échappent; IL NE Voit et NE envoyé rien la DANS Que le Tout. »

L’artiste a posté de nombreux clips Vimeo, photographies, notes de production et des commentaires sur son propre site et son blog technart. Je vais terminer ici avec un film récent, je vais penser à mon voyage prochain train: une vue sur les champs quelconques sous un ciel gris qui disparaît brièvement que le train entre dans une coupe, seulement pour réapparaître partiellement enduite loin, comme Si pour révéler le logiciel derrière ce paysage factice des formes d’arbres et de parcs éoliens, puis change progressivement jusqu’à ce que nous sommes laissés avec seulement quelques vestiges de la couleur déformée avant que l’écran devient blanc.

–

Ce site est sur les paysages et les arts. Il souligne comment les paysages ont été évoqués, illustrés ou transformée en peinture, photographie, littérature, musique et film. J’ai aussi parfois discuté de la création ou la modification des paysages par les architectes, artistes et concepteurs de jardins. [...]

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Festival de courts métrages des pays méditerranéens, organisée par le Cercle du film « Images » de la ville de Sant’Antioco, au sud-ouest de la Sardaigne, qui accueille l’événement depuis sa première édition. Le festival est impliqué dans la diffusion de la culture méditerranéenne à travers le cinéma.

L’édition 2011 comporte une section spéciale dédiée à la tourmente politique qui affectent certains pays d’Afrique du Nord et du Moyen-Orient. Avec entre autres le réalisateur tunisien Nouri Bouzid et de jeunes cinéastes en Syriensdu collectif  Abounaddara t régulièrement diffusées sur le web, chaque vendredi, une journée de prière et de protestation. L’invité d’honneur cette année est la Turquie, un pays de  réelle  médiation entre culture religieuse et laïque où plusieurs contradictions existent encore

La recherche et la sélection de courts métrages est maintenu par le Cercle du film « Images » ont collaboré ECAM (Ecole de Cinéma Audiovisuel y de la Comunidad de Madrid), la Cinémathèque de bain Kimuak, le FEMISE (Ecole Nationale Supérieure des Métiers del’image et du son de Paris), le département Film et Télévision de l’Université de Tel-Aviv, l’Ecole des Arts et du Cinéma à Tunis, IESAV (Institut d’Etudes scéniques, et Cinématographiques Audiovisuelles) à Beyrouth, le Centre Expérimental de Cinématographie de Rome, le Festival du Film d’Environnement CinemAmbiente à Turin, l’Institut régional d’ethnographie de Nuoro.

COL PATROCINIO DELLA PRESIDENTE DEL CONSIGLIO REGIONALE DELLA SARDEGNA	REGIONE AUTONOMA DELLA SARDEGNA

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« Le véritable ennemi, c’est l’esprit réduit à  l’état de gramophone, et cela reste vrai que l’on soit d’accord ou non avec le disque qui passe à  un certain moment. » (George Orwell, 1945). Comment et à  quel point les images agissent-elles, par où et pourquoi le symbolique devient-il performatif ? On peut nommer cette dimension l’offensivité des images, pour indiquer leurs propriétés à  la fois de pénétration psychique, d’intervention active dans les phénomènes et de rebond sur les noumènes. Trois auteurs travaillent aujourd’hui de façon simultanément pratique, historique et théorique sur des chantiers connexes en matière de performativité des images : Frédéric Tachou sur l’obscénité (images offensantes/images polémiques/images de guerre) ; Jacques Perconte sur la programmation (aux sens technologique et politique) ; Pascale Cassagnau sur la guerre des images (entre elles et à  l’assaut de la doxa) ‟ à  l’ère de la reproductibilité électronique de l’information ”.

Dans ses films comme dans sa monumentale Thèse Aux origines d’une industrie : photographie ‘obscène’ et cinéma pornographique primitif (1850-1950), soutenue en 2010 sous la direction de Marc Jimenez, Frédéric Tachou, grand styliste du questionnement, analyse des corpus de représentations souvent structurés par un imaginaire martial. Artiste exigeant, il écrit : ‟ Le mouvement extatique que Sergue௠M. Eisenstein voulait provoquer avec ses films dans les années trente indique déjà  par son nom même comment il s’agissait d’ébranler et de transformer la conscience du spectateur bien au-delà  de ce à  quoi il pouvait s’attendre. Il n’y a pas de raison que le cinéma expérimental se situe en-deça de cette ligne générale. ” Sa présence permet aussi de célébrer l’anniversaire des 40 ans du Collectif Jeune Cinéma, coopérative dont Frédéric Tachou est un membre actif et qui depuis 1971, sous la généreuse égide de Marcel Mazé, fédère les énergies expérimentales.

Jacques Perconte, plasticien expert des technologies contemporaines, propose une histoire de l’émergence des styles numériques, la première du genre, conçue avec l’analyste Bidhan Jacobs. Au corps à  corps avec les machines, Jacques Perconte réinjecte de l’aléa, des gestes créateurs, de la culture picturale et du désir dans les algorithmes et entre les lignes de code, il exige et obtient du numérique ce qu’en principe celui-ci ne devrait pas donner, de l’hapticité. Son oeuvre jaillit comme le clinamen capable de faire dévier l’abstraction numérique pour la transformer en matière et en énergie.

La curatrice et créatrice d’organisations Pascale Cassagnau a publié deux traités qui conjuguent l’élégance de l’astrolabe et l’acuité du satellite : Future amnesia (2007) et Un pays supplémentaire : la création contemporaine dans l’architecture des médias (2010). Elle cartographie pour nous l’histoire des utopies et des conflits nés à  l’intersection de la télévision et des arts sur le terrain des représentations de la guerre. Ce que Pascale Cassagnau écrit de Gunther Anders vaut aussi bien pour elle, qui ‟ n’a cessé d’interroger le monde des médias sous l’angle de l’obsolescence des différentes et successives versions du monde délivrées par celui-ci, au gré des mutations technologiques les plus avancées, au gré des formes de dominations renouvelées ”.

Nicole Brenez.

*

Vendredi 23 septembre 19h30 : Frédéric Tachou 1 : œuvres

« J’ai abordé le cinéma par son côté le plus classique (films à  scénarios, équipes techniques, production et distribution dans les circuits classiques du court métrage), pour arriver à  ses marges, où les enjeux tiennent constamment dans le débordement des cadres. Dans mon travail de recherche universitaire, j’ai placé la naissance de la production de masse d’images pornographiques sous les faisceaux croisés d’analyses historiques, techniques, phénoménologiques, sociologiques et psychologiques. Sont progressivement apparus les contours d’un phénomène culturel emblématique de la modernité, phénomène par lequel les différences entre sujet et objet, qualité et quantité, êtres et choses, se brouillent. Entre ma pratique et mes recherches théoriques, il n’y a pas de lien, sinon le souci de préserver dans la première la spontanéité et l’intuition que les secondes pourraient tuer parfois. ” (Frédéric Tachou)

Totem
de Frédéric Tachou
France/1999/7′/Super8/coul/Vidéo num
Textes et réalisation : F. Tachou
Images : F. Tachou et Pierre Parmentier
Montage : Eric Eloy : Pierre Parmentier
Composition sonore : F. Tachou
‟ Totem désigne ici tout ce qui représente le phallus et sa puissance. Depuis l’origine de la conscience jusqu’aux formes les plus développées de civilisation, l’idée de puissance associée à  l’image du phallus est une donnée constante. Je me suis plongé dans les méandres de ces représentations pour témoigner de leur importance et de leur intérêt. Film réalisé pour l’exposition collective Dildo Show à  Paris en 1999. ” (F.T.)

J’aime la guerre
de Frederic Tachou
France/2000/15′/Super8/coul/Video num
Texte et realisation : F. Tachou
Images : F. Tachou, B. Radic
Composition sonore : C. Chazelas
Montage : C. Krassowsky, A. Sourriau
Assistants animation : G. & M. Stibio
‟ Comment les jeux de guerre enfantins et l’imagination alimentee par les images et les recits de guerre, evoluent dans ma conscience adulte. ” (F.T.)

Petit matin
de Frédéric Tachou
France/2002/30′/Vidéo num
Texte, réalisation et conception sonore : F. Tachou
‟ Film politique expérimental conçu dans le cadre d’un programme de films politiques intitulé Réactions au 21 avril. Programme diffusé par Les Productions Aléatoires. ” (F.T.)

J’ai fait un beau voyage, je vais vous le montrer Chapitre II
de Frédéric Tachou
France/2002/20′/Super8/16 mm/Vidéo num
Images : F. Tachou
Montage : E. Mittet
Conseiller composition sonore : C. Chazelas
‟ Je voyage dans l’ex-Yougoslavie et je filme à  travers les fenêtres de l’autobus ou de la voiture. Une vieille chanson qu’entonnent les deux tziganes du film de Slobodan Sijan Qui chante là -bas ? résonne dans ma tête. Comme les personnages du film de Sijan, je vais à  Belgrade en traversant la Bosnie. Je rencontre des gens en cours de route, m’arrête dans des lieux où l’on me montre des choses. ” (F.T.)

Reste-Là  !
de Frédéric Tachou
France/2006/10′/16 mm/35 mm
Images et montage : F. Tachou
Composition sonore : C. Chazelas
Mixage : B. Laurent
‟ Film expérimental utilisant la technique de multi-exposition. Une nuit, j’ai rêvé de mon père. Je voyais une maison familière dont l’unité architecturale était disloquée au profit d’un assemblage discontinu de pièces, d’ouvertures et d’espaces. Le film montre ces ‘espaces du dedans’ hantés par la présence de celui qui venait de mourir. ” (F.T.)

Vendredi 23 septembre 21h30
Frédéric Tachou 2 : Une histoire des films pornographiques primitifs

‟ Ce programme sera constitué de bandes pornographiques anonymes, sauf une, appartenant à  des collections institutionnelles ou privées. Elles ont été recopiées sur des supports vidéo. J’ai dénommé ‘films pornographiques primitifs’ un corpus de films caractérisés par le fait d’être en noir et blanc, muet et de durée courte. Ils ont été réalisés jusqu’aux environs de 1955. ” (Frédéric Tachou)

Filmmuseum n°1
Anonyme/Origine inconnue/circa 1910/2’20 »/nb/35mm/vidéo
‟ Film qui, selon moi, est l’un des plus anciens conservés. Provient de la Cinémathèque d’Amsterdam. ” (F.T.)

On The Beach/The Goat
Anonyme/Etats-Unis/circa 1915/7′/nb/35mm/vidéo
‟ Film dont le scénario contient une morale. Il a faisait partie du premier programme pornographique officiel intitulé History of the Blue Movie, sorti en salles aux Etats-Unis en 1970. Le montage de ce programme avait été assuré par un exploitant de San Francisco : Alex de Renzy. ” (F.T.)

El Ministro
de Ricardo et Ramon de Baà±os
Espagne/1926/40′/nb/35mm/vidéo
‟ Film particulièrement intéressant parce que l’on connaît ses auteurs ainsi que son commanditaire : le Roi d’Espagne Alphonse XIII. Conservé à  la Cinémathèque de Valence. ” (F.T.)

Unschuld vom Lande
Anonyme/Allemagne ?circa 1935/3′/nb/35mm/vidéo
‟ Film intéressant par sa composition évoquant indiscutablement le style soviétique. ” (F.T.)

Avec ses pieds
Anonyme/France ?/circa 1940/9’06 »/nb/35mm/vidéo
‟ L’un des rares films où la recherche esthétique prime sur la visualisation. ” (F.T.)

La femme au portrait
Anonyme/France/circa 1950/11’42 »
‟ Un grand classique de la production française. ” (F.T.)

Vendredi 28 octobre 19h30 : Jacques Perconte 1 : émergence des styles numériques, une approche physique

‟ Jacques Perconte, artiste et plasticien français de 36 ans, fait l’expérience précoce des technologies numériques et du réseau au milieu des années 90, en étant l’un des premiers à  explorer l’espace naissant d’Internet (au CNRS) qu’il découvre avec quelques pionniers disposant de connexions et des outils informatiques les plus adéquats en France. Bien que manipulant des hautes technologies, Jacques Perconte se revendique comme un bricoleur. Dans la lignée des pionniers de l’art par ordinateur des années 60 qui avaient détourné les origines militaires de la technologie numérique, ainsi que l’authentifie le terme ‟ cybernétique ” (Michael Noll, John et James Whitney, Stan Vanderbeek, Lillian Schwartz, Nicolas Schà¶ffer, Pierre Rovere, Vera Molnar etc.), son travail ne participe ni du refus de la machine, ni de l’engouement, ni du compromis, ni de la négociation avec elle, mais d’une quatrième attitude, le dialogue : la machine comme moyen, l’usage de l’outil dont l’homme demeure le responsable, y compris des pouvoirs que la machine lui rend au centuple, surtout lorsqu’il lui confie des opérations mentales (le calcul). Dans la lignée des programmes d’investigation d’ensemble sur les propriétés et les puissances du cinéma des années 70 (Malcolm Le Grice, Peter Gidal, Paul Sharits, Anthony MacCall), Jacques Perconte appréhende le numérique selon une approche physique permettant une emprise plus grande de la pensée sur les paramètres du sensible, du visible, de l’audible, entendus comme vibrations et sensations. Cette approche physique se décline à  partir de la compréhension et de la critique de la nature, des propriétés intrinsèques et des processus du numérique – des potentialités aux défaillances – et en déploie les puissances selon une reprogrammation de la captation, une libération des signaux et un décodage de la visualisation. L’oeuvre de Jacques Perconte est ici mise en regard avec un éventail d’initiatives radicales internationales qui toutes accusent/récusent le numérique comme machine à  gouverner, et le réinventent comme machine à  libérer formes, beauté et êtres humains. ” (Bidhan Jacobs)

Bits
de Gary Hill
1977/USA/2’59 »/ coul/ vidéo/vidéo 1 pouce NTSC

Datamatics
de Ryoji Ikeda
2006/Japon/coul/fichier numérique (extrait sous réserve)

Le silence est en marche
de Pierre-Yves Cruaud
France/2001/3’30 »/coul/mini-DV/Bétacam SP

ZIJKFIJERGIJOK
de reMi
Autriche/2002/3′/coul/fichiers numériques/mini-DV

Fig.4
de Augustin Gimel
France/2004/5′/coul/images multiformats numériques/mini-DV

Principle 1
de BOTBORG (Scott Sainclair, John Musgrove)
Australie/2005/3′/coul/ video, fichier numérique/DVD

Volto Telato
de Paolo Gioli
Italie/2002/2′/n&b/ photographie argentique, mini-DV/ DVD

Repeat Until Love and Loss Overload
de Roxane Billamboz
France/2007/2’20/coul/mini-DV/mini-DV

Retrograde Premonition
de Leighton Pierce
USA/2010/5′/coul/ JPEG/ fichier numérique

Artcode Bar (Colorcalm)
de Irma Boom
Hollande/2005/5′/DVD

Mercurius (Luna Series #1)
de Bret Battey
GB/2007/6′/coul/fichier numérique/fichier numérique

Ephèse
de Hugo Verlinde
France/2004/8′/coul/fichier numérique/mini-DV

Brilliant Noise
de Semiconductor (Ruth Jarman, Joe Gerhardt)
USA/2006/6′/coul/fichiers numériques/DVD

Energie !
de Thorsten Fleisch
Allemagne/2007/5′/coul/photographies argentiques/fichier numérique

UFO Dreams
de Johanna Vaude
France/2011/6′/coul/3D, Mpeg4/mini-DV

Vendredi 28 octobre 21h30 : Jacques Perconte 2 : émergence des styles numériques, une approche physique

Night Music
de Stan Brakhage
USA/1986/31″/coul/16mm

The Garden Of Earthly Delights
de Stan Brakhage/USA/1981/1’44″/coul/16mm

Le Soleil de Patiras
de Jacques Perconte,
France/2007/3’16″/coul/ appareil photographique numérique/ fichier numérique

Lapis
de James Whitney
USA/1966/9’15″/coul/16mm

Satyagraha
de Jacques Perconte
France/2008/6′/coul/ archives numériques, appareil photographique numérique/ fichier numérique

snsz (the devil)
de Jacques Perconte
France/2002/7’40″/coul/ s-vhs, fichier numérique/fichier numérique (extrait)

isz
de Jacques Perconte
France/2003/17′/coul/ images numériques/ fichier numérique

Uishet
de Jacques Perconte
France/2007/13′/coul/ mini-DV, fichier numérique/fichier numérique

Après le feu
de Jacques Perconte
France/2010/7′/coul/ appareil photographique numérique/ fichier numérique

Impressions
de Jacques Perconte
France/2011/26′/coul/ multiformat numérique/ fichier numérique

Vendredi 25 novembre 19h30 : Pascale Cassagnau 1 : De la guerre / les images

 » Television is not an object. It is a live communication media. (Aldo Tambellini, Black TV, 1969). Les histoires de la modernité artistique du XXe siècle racontées par Nick Toshes ou Greil Marcus accordent une grande place au dialogue permanent entre l’expression artistique et les dispositifs machiniques, dans la littérature et la musique notamment. Si l’histoire politique de la télévision évoque la rupture du pacte social et les soubresauts de la communication, la télévision comme espace public dialogique confirme la vidéo en tant que medium impur, faisant de l’autonomie de l’art contemporain un concept impossible. C’est ainsi qu’un grand nombre d’artistes ont choisi d’explorer les potentialités conceptuelles de la télévision et de la vidéo pour faire de l’espace de la communication un lieu critique. Dès 1969, l’exposition » Television as a creative medium  » organisée par Howard Wise dans sa galerie de New York réunit des artistes travaillant aux frontières des nouvelles technologies, de la vidéo et de la télévision. En outre, Howard Wise conçoit l’espace de sa galerie comme un centre  » d’information « , portant à  la connaissance d’un large public des informations provenant de la guerre du Vietnam. De nombreux artistes et des cinéastes contemporains font du champ des medias le territoire d’une utopie possible, pour en faire le lieu d’une critique des images, pour y concevoir de réels projets alternatifs, pour représenter à  leur tour les représentations de la guerre et des territoires en crise.L’attention portée aux registres diversifiés des images et de leurs espaces-temps, voire de leur dessin, construit pour le spectateur l’exigence d’un espace de lecture attentive.

Les oeuvres de Dora Garcia, de Bouchra Khalili, de Tariq Teguia, de Robert Enrico déclinent ici quatre modes de constructions d’espaces narratifs qui « exposent » des géographies humaines en crise. ” (Pascale Cassagnau).

M*A*S*H (Adaptation: a Korean- Brechtian version)
de Dora Garcia
Espagne/2008/40′/coul/vidéo HD
« De nature performative, le cinéma de Dora Garcia fait de la reprise son motif principal. Tourné en Corée, M*A*S*H* met en abyme le scénario du film de Robert Altman pour en redoubler la force subversive. » (P.C.)

Straight Stories 2: Ahmad
de Bouchra Khalili
France/2008/9′/coul/vidéo
« Les films de Bouchra Khalili sont autant de portraits à  la première personne portant le témoignage de subjectivités déconstruites, élaborés dans des géographies en conflit. » (P.C.)

Musa
de Bouchra Khalili
France/2008/11′/coul/vidéo
Mapping Journey #3
de Bouchra Khalili
France/2009/3’30 »/coul/vidéo

Ferrailles d’attente
de Tariq Teguia
Algérie/1998/13′/coul/vidéo
« Dans ses films, le cinéaste algérien s’attache à  mettre en exergue la composition et la décomposition de paysages ou, comme l’écrit Jacques Rancière, une confrontation d’espaces qui est « un système d’écarts entre les manières de constituer un territoire ». » (P.C.)

La clôture
de Tariq Teguia
Algérie/200/23’50 »/coul/vidéo

Vendredi 25 novembre 21h30 : Pascale Cassagnau 2 : De la guerre / les images

Chickamauga/ L’Oiseau moqueur/ La rivière du hibou
de Robert Enrico
France/1962/98′/coul/35mm
« Adaptation d’une nouvelle d’Ambrose Bierce, La rivière du hibou est une évocation des mises à  mort de la guerre de Sécession à  travers les figures de la syncope, de l’ellipse, du vide. » (P.C.)

Nous remercions chaleureusement les auteurs et ayants-droits.

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Dans le cadre de l’exposition (R)évolutions ferroviaires au Manoir de Veygoux (63),
Videoformes présente une sélection vidéo :

move / GaSP / France / 5’44,
Interstices / Michel Pavlou / Belgique / 4′
Passenger / Robert Croma / GB / 5’57
Paris une réalité inachevée /Didier Feldmann aka Videopaper /  France / 8’59
Connection at passy / Robert Croma / GB / 2′
ec 4 kk / GaSP / France / 2′
Après le feu / Jacques Perconte / France / 7′

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La saison des « Amours » en 12 leçons au Musée Paul Dini

Léa Emmélie Adilon, Jean-Philippe Aubanel, Philippe Favier, Mister Helic, Isabelle Jarousse, Marie Morel, Jacques Perconte, Agnès Pétri, Jean-Antoine Raveyre, Pipilotti Rist, Samuel Rousseau et Daniel Tillier. Voilà  les douze artistes qui ont travaillé sur ce thème des « Amours ». Car c’est bien au pluriel qu’il laut mettre ce mot tant les façons de le ressentir et de le vivre sont diverses: amour tendre, passionné, charnel, lié davantage au plaisir qu’aux sentiments. Une chose est sà»re: depuis la nuit des temps, l’Amour reste un thème d’inspiration universel el inépuisable!

Diffusé sur france3 en avril 2011. Découvrez La saison des « Amours » en 12 leçons au Musée Paul Dini sur Culturebox !

*

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Face à  cette généralisation et à  cette banalisation de l’enregistrement des images, certains artistes restituent à  l’acte de voir sa dimension première : être là , faire l’expérience de sa présence au monde.

Pouvons-nous vivre dans un monde que nous n’avons pas commencé à  approcher par l’image, c’est-à  dire, peu ou prou, que nous n’imaginons pas? Et en quoi notre contemporanéité, dans toute sa complexité, requiert-elle de tout un chacun qu’il participe, à  sa façon, et avec ses moyens, d’une entreprise -extraordi naire et terrifiante à  la fois- de numérisation du réel? À vouloir être l’archivage de tout, il semble qu’une telle entreprise ‘détruise la mémoire, cette forme de la pensée humaine qui ne peut précisément aller sans oubli. Ces questions, qui peuvent sembler naives, prennent acte du fait que les appareils de prise de vue aujourd’hui en usage anticipent par avance, d’un point de vue technique et pratique, l’archivage numérique des fichiers. Ces appareils, en un sens, prévoient le mode d’accès aux images en amont de leur existence; ce qui n’est pas sans incidences sur notre représentation du réel et la manière dont nous pouvons l’habiter.

Dans ce contexte, aux implications à  la fois technologiques, économiques et industrielles, plusieurs pra tiques s’efforcent d’ouvrir des chemins qui restituent à  la fabrication des images une dimension active et ‟ expérientielle”, celle d’un regard qui doit redécouvrir sa destination première, qui est précisément de se poser sur le monde pour en éprouver le sens.

[...]

INCENDIER SES PROPRES IMAGES

Jacques Perconte place dans une perspective nouvelle cette approche, simple et minimale, qui doit se traduire dans un processus de transformation du visible afin d’en éprouver, ou d’en révéler, des qualités nouvelles, Après le feu se donne comme un long travelling filmé en plan-séquence, depuis un train qui traverse les terres brà»lées de Corse. Par une série de compressions successives, Jacques Perconte nous fait perdre de vue la réalité pour entrer en contact avec sa puissance plastique, Cette opération technique montre que toute perte est corrélative d’une levée de formes neuves, ce que la simple contemplation d’un feu de bois montre avec évidence. L’image est en elle-même une métamorphose du paysage, qui prend des couleurs et des traits inédits, nés d’outils numériques. Elle se donne à  nous comme une matière qui appartient d’abord au paysage lui-même, que l’artiste entrevoit, et sur laquelle notre propre regard, habité par une foule de soucis quotidiens, ne peut pas se poser,

Pour comprendre ce qu’un feu peut détruire, et retrouver quelque chose de ce qu’il a aboli, il faut incendier ses propres images, et inviter notre regard à  des stances de contemplation que le mouvement des flammes produit nécessairement. La simplicité de l’expérience d’un lieu ou d’un paysage est garante de la profondeur que notre regard peut y chercher, Ce qui est vrai du feu, qui ne peut se fixer dans aucun état définitif et durable sans s’éteindre, l’est aussi, dans ce contexte, de l’image, qui ne peut trouver sa forme qu’en la cherchant toujours, c’est-à -dire en déclinant toutes les variations plastiques dont elle est capable. Après le feu propose mille états d’un seul et unique sujet -une forêt corse traversée par les rails- et rappelle que nous avons besoin de cette unicité pour regarder en vérité ce que propose une image. Car nous n’aurons jamais tout vu de ce qu’il ya à  contempler dans une branche que le vent secoue au-dessus de notre tête. Tout le cinéma de Jacques Perconte en témoigne, après bien d’autres, mais dans une langue qui n’appartient qu’à  lui.

IL N’Y A PAS DE DÉJÀ VU

La pratique de l’image en mouvement ne nous place plus – mais l’a-t-elle jamais fait ?- en situation de pur observateur, détaché des événements que nous voulons filmer. Devenue un outil quotidien d’expression, l’image en mouvement doit aussi nous aider à  ouvrir les yeux sur l’expérience de notre présence au monde et aux êtres. Elle pose cette expérience et nos images du réel dans une dynamique et une temporalité com munes. Dans sa capacité à  accueillir une réalité fragmentée, ou à  produire des instants de perte du monde environnant, elle nous rappelle en acte que nous ne pouvons pas, dans un unique geste, prendre toute la mesure de ce que nous éprouvons, et qu’il n’y a donc pas de déjà  vu. Il nous faut constamment revenir sur ce qui s’est présenté à  nous pour y faire surgir un sens ou des traits qui nous auront échappé, et qui, à  contretemps, peuvent dessiller nos yeux et donner à  notre regard une acuité nouvelle, comme rajeuni de se mettre à  l’épreuve des diverses formes du monde, qu’elles soient historiques et universelles ou qu’elles nous atteignent depuis leur minuscule chatoiement.

*

Diplômé de philosophie, Rodolphe Olcèse collabore régulièrement à  la revue Bref et à  diverses revues littéraires. Depuis 2003, il réalise des films qui se situent à  la frontière du cinéma expérimental, du documentaire et de l’essai. En 2010, il participe à  la création de la société Les productions du lama, et signe Petite, sa première fiction.

*

art press n°21 – mai 2011

Pour des raisons pratiques comme théoriques, on a longtemps opéré des  distinctions entre les films à  partir de critères reposant sur des  différences de supports, de formats et de dispositifs : la pellicule  et la vidéo, l’argentique et le numérique, le narratif et l’expérimental, l’amateur et le professionnel, l’indépendant et le commercial, le documentaire et la fiction et plus récemment encore le  cinéma et l’exposition. Ces oppositions binaires, propres au développement de relations dialectiques ont aussi fourni leur lot de divisions radicales, (entre autres dans la formulation de genres) où les convictions idéologiques allaient de paire avec les enjeux esthétiques.

Ce numéro d’artpress2 ne compte pas revenir sur la pertinence de ces partages, comme sur leurs fondements historiques et théoriques. Plutôt que de rejouer une énième fois leurs découpes en genres et en sous-genres, il propose de faire un pas de côté pour considérer l’ouverture des pratiques filmiques, dans l’espace contemporain, à  de  nouvelles expérimentations. En cela, il compte porter attention aux  arts de faire des films – de les concevoir, de les produire, de les  réaliser, de les mettre en espace, de les diffuser…, sans se satisfaire du constat postmoderne de l’hybridation ou de la combinaison des dispositifs, des supports et des formats, et de son scepticisme latent. Il s’agirait plutôt, à  partir de l’étude de cas précis, de prendre acte des opérations constitutives de ces expérimentations, de ces nouvelles mises en récit et en images et de  comprendre sous quelles conditions et comment elles prennent en écharpe de nouvelles possibilités techniques, investissent de nouveaux supports et lieux de diffusion (web, téléphone portable, DVD, versions…).

En considérant ce qui s’expérimente, aujourd’hui, dans et avec les films, nous souhaitons proposer des concepts critiques pour penser les espaces et les temps rejoués par les images en mouvement.

Liste des contributeurs :

Louis-José Lestocart, Jean-Marc Chapoulie, Erik Bullot, Dominique Paà¯ni, Nicole Brenez, Patrice Blouin, Rodolphe  Olcèse, Aliocha Imhoff, Émile Soulier, Dork Zabunyan,  Emmanuelle André, Anne Marquez.

continuer à lire Rodolphe Olcèse : L’expérience filmique du monde sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

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Impressions of Memory by Jon Gartenberg
Narrative/Documentary 69 min

These talented artists address, in both thematically and stylistically distinct ways, the manner in which images evoke memory. This is achieved through the use of text, the presence of previously filmed « found » footage, a scenic train ride bleeding into digital pixels, single frame printing devices, evocations of 9/11, a tribute to a deceased filmmaker, peripheral vision, recall of sleep via animation, seascape imagery folding back on itself in time, and bittersweet remembrances of now-extinct Kodachrome film stock. 

One Over Wanderlust DIR: Brendon Kingsbury – USA – NYP
The D Train DIR: Jay Rosenblatt – USA – NYP
After the Fire DIR: Jacques Perconte – France – NAP
Garden Roll Bounce Parking Lot DIR: Melissa Friedling – USA – NYP
Current (Reprise) DIR: Brian Doyle – USA – NYP
One Day I Forgot and Used My Hands DIR: Charles Lim – Singapor e – USP
Sleep DIR: Claudius Gentinetta, Frank Braun – Switzerland – USP
Strips DIR: Félix Dufour-Laperrière – Canada – NYP
Paper DIR: Egill Kristbjornsson – U K – WP
Filmpiece for Bartlett DIR: Scott Nyerges – USA – NYP
The Green Wave DIR: Ken Jacobs – USA – NYP
Bye Bye Super 8 DIR: Johan Kramer – Netherlands – IP

Les 4 projections publiques ( rsvp asap si vous souhaitez y assister !)

➡ Thu, Apr 21, 7:30PM @ Clearview Cinemas Chelsea 9
➡ Sun, Apr 24, 10:30PM @ Clearview Cinemas Chelsea 9
➡ Fri, Apr 29, 2:30PM @ Clearview Cinemas Chelsea 4
➡ Sun, May 01, 11:00AM @ Tribeca Cinemas Theater 1

Vous pouvez soutenir le film sur la fan page facebook qui lui est dédiée : après le feu

Entering its 10th season this year, the Tribeca Film Festival has become a signature New York experience with a built-in global reach. With the support of founding sponsor American Express, the Festival has developed into a unique platform for showcasing some of the best new voices, ideas and narratives in cinema today. The Festival’s range, depth and diversity reflect not only the fabric of New York but also the larger world community beyond. Tribeca has continuously redefined the traditional film festival experience while maintaining an integral relationship with its namesake neighborhood. Started by cultural pathfinders Robert De Niro, Jane Rosenthal and Craig Hatkoff in 2001, the Festival was initially organized to promote the revitalization of lower Manhattan through the lens of the arts.

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Un de mes projets artistiques s’est récemment vu refuser une subvention publique parce qu’il ne semblait pas être porteur d’innovation (je précise que c’était une subvention artistique). Bien sà»r, je ne me demande pas si l’art doit innover. Je sais que non. Il peut, mais il ne doit pas. L’art peut être porteur d’innovation si on ne l’y contraint pas. Est-ce que quand il innove, cette innovation peut servir de modèle ?

Raphaà«le Bidault-Waddington quand elle réfléchit au rôle de l’art dans les territoires souligne bien qu’il faut être attentif à  ce que les initiatives artistiques quelles qu’elles soient peuvent par leurs expérimentations dessiner de nouvelles structures modales aussi bien sociales qu’économiques. Elle rappelle l’importance du rôle des politiques publiques. Elle appelle à  la mise en place de dispositifs favorisant l’innovation artistique et permettant la capitalisation de l’innovation.

Je défends ici l’art d’une dérive utilitariste. S’il y a des choses qu’il peut faire émerger, ce n’est que dans la plus belle des libertés : celle de l’entreprise intime. En art cette entreprise est la manifestation d’une nécessité profonde. Elle vient du coeur. Et sans forcément être explicite, elle est à  la source de toutes les énergies créatrices. Son dessein est l’oeuvre. Rendre intelligibles et lisibles tous ses liens internes peut la mettre en danger. Ce qu’il y a à  entendre et à  comprendre de l’art c’est sa libre entreprise, son autonomie, sa place au sein de l’individu. L’art quand il vient peut libérer comme il peut enfermer. Et j’ai l’impression qu’il y a de grandes confusions. Oublions le mot artiste, laissons-le de côté pour parler de quelqu’un dont le domaine sensible est l’art et non pas l’économie.

Je défends ici une valorisation de la créativité, de l’expérience créative, du travail du terrain de la liberté. Parce que ce qu’il y a à  trouver en soi la plupart du temps, ce n’est pas l’art, mais la nécessité. Et comme en art, en n’importe quoi, c’est la raison d’être de l’idée qui porte l’énergie du résultat. Gilles Deleuze l’a merveilleusement raconté. On ne peut pas avoir tout le temps des idées. Une idée c’est une fête. Et une idée c’est une manifestation exceptionnelle engagée sur un terrain particulier. Est-ce qu’un peintre peut avoir une idée géniale en économie ?

Nous sommes dans une situation qui semble bien compliquée. Il y a une crise. Les entreprises sont très vite confrontées à  une concurrence mondiale. Les politiques essaient d’aider les initiatives locales mises à  mal par ce régime dangereux. Là  où beaucoup pensent que l’innovation et la singularisation des produits et des services soutenus par la créativité et l’innovation sont les solutions, je rappelle la sobriété et la convivialité. Je ne vois pas de solution viable ailleurs que dans la réécriture de notre rapport aux choses et donc de la place de l’entreprise dans le paysage social. Je crois en une innovation, celle que chacun doit conduire pour ajuster son comportement et redonner un sens à  ses gestes.

Comment peut-on encore dire que la course à  l’innovation est la solution ? Qu’elle est déterminante pour l’avenir des économies nationales ? Quand je parcours le texte de Philippe Durance ‟ Innovations et territoire : quel modèle pour sortir de la crise ? ”, je tombe à  la renverse. ‟ Avec l’avènement de la société de la connaissance, les États reprennent à  leur compte l’impératif d’innovation auparavant réservé aux entreprises. Pour rester compétitif, en évitant les confrontations directes et intenables sur les prix, il faut innover sans cesse : améliorer les produits, inventer de nouveaux services, modifier les modèles. La crise a encore amplifié cette tendance, en mettant la nécessité d’innover au coeur des discours relatifs à  de nombreuses politiques publiques, avec l’objectif de donner aux territoires une chance d’en sortir. Mais tous les territoires peuvent-ils prétendre participer à  la société de l’innovation ? ”

Philippe Durance a raison quand il souligne que l’état doit donner (rendre) la liberté et le pouvoir réel (concret) aux territoires d’agir localement. Mais il oublie qu’il doit garantir cette double histoire dans laquelle notre société l’a enfermé. D’une part, tenir sa place au sein de la société des états. D’autre part, protéger ses habitants. Mais est-ce que nous protéger c’est nous endormir ?

Innover localement pour retenir la consommation locale face à  la concurrence nationale ou mondiale ? N’est-ce pas continuer à  déresponsabiliser les individus ? Ma responsabilité est de soutenir l’économie locale. Économie dont je devrais dépendre. Mais la mondialisation défait l’espace local dans son malicieux jeu d’échelles. Comme beaucoup j’en prends facilement conscience quand il s’agit de choisir ce que je mange. Et encore faut-il que je puisse faire confiance à  ceux à  qui j’achète. Parce que je pourrais croire qu’il dessinent une stratégie locale pour s’accorder à  mes désirs. Leur responsabilité est la qualité…

Il ne faut pas chercher comment expérimenter afin de découvrir encore de nouvelles choses en pensant que là  est potentiellement la solution du sortir de la crise. D’abord parce que ces solutions seront à  court terme. Et puis parce que l’expérimentation doit se faire contrainte par la nécessité, pas cadrée par la contrainte de trouver. Hier je discutais avec un chef d’entreprise. Il défendait qu’un projet devait porter du neuf pour qu’il puisse trouver une place sur le marché aujourd’hui. Je lui demandais comment c’était faisable s’il n’y avait pas de besoins. Et il me répondait qu’il y a toujours de nouveaux besoins à  identifier en soulignant la difficulté de les identifier… Est-ce que l’art peut aider ? Comment l’encadrer ?

Même si je trouve séduisantes la plupart des idées de Raphaà«le Bidault-Waddington. Je ne suis pas pour la création de laboratoires d’innovation sociétale ni de pépinières d’innovation artistique, ni encore de laboratoires de recherche en art.

Si l’art peut innover, lui donner cette perspective c’est le mettre au service de quelque chose qui n’est pas lui. C’est quelque part l’empêcher d’être. Je vous rappelle l’une des plus belles interventions de Gilles Deleuze : qu’est-ce que l’acte de création ? : ‟ [...]Donc, je reparle de, du fait que je fais de la philosophie, vous faites du cinéma. Alors, ce serait trop facile de dire ben oui, la philosophie tout le monde sait qu’elle est prête à  réfléchir sur n’importe quoi. Donc, pourquoi elle réfléchirait pas sur le cinéma ? Or, c’est une idée indigne ; la philosophie n’est pas faite pour réfléchir sur n’importe quoi. Elle n’est pas faite pour réfléchir sur autre chose. Je veux dire, en traitant la philosophie comme une puissance de réfléchir sur, on a l’air de lui donner beaucoup et en fait, on lui retire tout.

Car personne n’a besoin de la philosophie pour réfléchir. Je veux dire, les seuls gens capables, effectivement, de réfléchir sur le cinéma, se sont les cinéastes, ou les critiques de cinéma, ou ceux qui aiment le cinéma. Ils n’ont absolument pas besoin de la philosophie pour réfléchir sur le cinéma. [...] »

Je défends que pour innover, être porteur de changement l’art doit être libre, l’expérience artistique, la ‟ bonne volonté créative ” doit naître dans la nécessité de l’individu. Parce qu’il est créatif, il peut la conduire et changer le monde… Gandhi a laissé ses mots : ‟ Soyez le changement que vous voulez voir dans le monde ”.

Il faut comprendre que l’art peut inventer. Mais il ne le fait pas systématiquement. C’est en garantissant cette liberté qu’il n’a pas la contrainte de le faire qu’il pourra survivre. L’art n’est pas un outil. Il ne sert pas. Et cela, il faut faire l’effort de le comprendre. Car ce n’est réellement que comme cela qu’il pourra être utile. Parce que là  et seulement là , il pourra apporter ce qu’on n’aura pas attendu de lui et peut-être il pourra innover.

Il faut abandonner cette terminologie utilitariste. Et entendre la place de l’art ou de la créativité au sens plus général dans notre société. Soutenir l’art comme moteur d’innovation c’est comprendre sa diversité et soutenir cette liberté. Il a sa place partout. Et partout où il peut être, on doit enfin comprendre qu’on ne peut communiquer avec lui que dans les dimensions de son expression. Cette responsabilité incombe à  chacun, à  l’état, aux privés, etc. Il n’est pas question de théoriser et de papillonner dans les sphères de l’égo, mais de se connecter à  la vie !

Tout n’est pas art, mais ce n’est pas important. Ce qu’il est c’est que tout peut être créatif. Le véritable amour est créatif. Il faut être créatif pour sauver le monde. Être créatif ce n’est pas forcément faire du neuf. C’est avant tout faire du nécessaire. Tant que nous répandrons cette nécessité à  la surface égotique des choses, nous entretiendrons le malheur loin de la beauté et de l’amour, volontairement, parce que nous en sommes conscients !

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Le cinéma critique

Au tournant du XXIe siècle, l’art du film a connu des mutations profondes et rapides qui semblaient faire de la technologie le moteur de la créativité. Comment les pratiques artistiques ont-elles affirmé leur autonomie par rapport aux consignes technologiques et aux commandes sociales ? La discussion est ouverte, avec Bidhan Jacobs et Jacques Perconte, auteurs de “ Le cinéma critique. De l’argentique au numérique, voies et formes de l’objection visuelle ”, éditions Presse de la Sorbonne nouvelle, collection HISTO.ART, 2010.

La librairie l’Histoire de l’oeil est présente lors des rencontres.

		Horaires : à  18h30 – entrée libre Où dans la Friche ? au Petit Théâtre Infos : 04 95 04 96 22 / Alphabetville

Le cinéma critique. De l’argentique au numérique, voies et formes de l’objection visuelle ”, sous la direction de Nicole Brenez et Bidhan Jacobs, éditions Presse de la Sorbonne nouvelle, collection HISTO.ART, 2010.

Au tournant du XXIe siècle, l’art du film a connu des mutations profondes et rapides qui semblaient faire de la technologie le moteur de la créativité. Les cinéastes ont vécu une situation nouvelle et passionnante : ils pouvaient puiser à  volonté dans plus d’une centaine d’années de matériel argentique, vidéographique puis numérique, et trouvaient à  leur disposition un nombre croissant d’outils pour transférer, hybrider, tresser les supports d’images. Simultanément, aussi technicide que technophile, la logique industrielle fondée sur un turn-over à  rotation accélérée démantelait des pans entiers de l’arsenal argentique et vidéographique. Comment les pratiques artistiques ont-elles affirmé leur autonomie par rapport aux consignes technologiques et aux commandes sociales ? Comment ont-elles articulé exigence formelle et dynamique d’émancipation ? Cet ouvrage collectif recense les voies et les formes singulières de l’objection visuelle, notion qui renvoie aux différents modes d’actualisation pratique d’une conception du film comme travail critique.

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Bidhan Jacobs
termine un doctorat en études cinématographiques à  l’Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle, tout en enseignant à  l’Université Lyon 2. Spécialisé dans l’avant-garde, il porte ses recherches sur une histoire des techniques (argentique, vidéo, numérique) articulée à  des pratiques émancipatrices libérant des formes nouvelles. Coresponsable avec Nicole Brenez de colloques sur le cinéma expérimental à  l’Institut National d’Histoire de l’Art, critique d’art et programmateur, en 2009 et 2010, il a coordonné avec elle ‟ Le Cinéma critique. De l’argentique au numérique, voies et formes de l’objection visuelle ” paru dans la collection HISTO.ART des Publications de la Sorbonne.

Jacques Perconte
a étudié les arts plastiques et la philosophie et a travaillé quelques années au CNRS. Depuis 96-97, il construit une pratique artistique essentiellement liée aux outils numériques. Comme rien de la machine ne lui est étranger, il la provoque, la pousse à  ses limites, pense à  partir de ses insuffisances et crée en fonction de ses erreurs. De film en photographies, de créations en ligne en installations Jacques Perconte produit une matière picturale numérique vive, questionne l’espace, la couleur, le paysage et la société. Jacques Perconte tourne actuellement un nouveau film : Impressions (lauréat de la commission image/mouvement du CNAP et de la commission images différentes de la région Haute Normandie). Son dernier film Après le feu a reçu le prix du Groupement des Cinémas de Recherche. Sites web : www.jacquesperconte.com, www.technart.net

L’art à  l’essai

Rencontres avec les auteurs, projections, présentations d’oeuvres.

Après le cycle de conférences ‟ Esthétique et société ” qui tentait de configurer les conditions actuelles de l’expérience sensible, puis les rencontres ‟ Art, technologie, culture ” consacrées aux implications culturelles des nouvelles technologies, Alphabetville s’attache cette fois à  interroger les pratiques artistiques contemporaines, avec des points de vue critiques et théoriques concernant les techniques et les arts des XX° et XXI° siècles, cela dans et face à  la culture industrielle.

Par la présentation de publications récentes et sous forme de rencontres avec les auteurs, au travers d’essais sur l’art, ‟ l’art à  l’essai ”, comme son titre l’indique, essaiera d’appréhender l’art, ses techniques, ses medias, selon des parcours, des artistes, des positions, des situations. Grâce à  l’analyse de théoriciens, il s’agira ici de considérer et penser l’art en le contextualisant, afin de pouvoir proposer de nouvelles approches critiques, de projeter de nouvelles théories esthétiques, de reformuler le sens des gestes artistiques et poétiques ou de resituer la production des oeuvres, dans une culture complexe et mouvante.

Les rencontres sont suivies d’un dialogue avec un invité, de projections, lectures, ou présentations d’oeuvres.

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Continuité

Ouverture : l’arrivée

Parti en train, j’arrive sur la côte normande. Il faut quelques jours pour me défaire de la pression radioactive urbaine. Je vois le dessin de cette société dont la technologie est à  défaire. Il faut que je me défasse du bruit, de mes pensées, de mes attachements. Il faut que je profite pleinement de la nature et que j’accède à  l’essence de cette envie de faire un film. Pour porter attention à  une pierre, une fleur ou un animal, il ne s’agit pas d’y penser. Bien au contraire. Il faut le percevoir, et l’entretenir dans sa conscience pour qu’une part de son essence nous parvienne.

Déconstruction de la pensée : le repas

La fatigue se dépasse et comme une bouffée boulimique mon histoire avec la nature s’emballe. La falaise est dangereuse. Elles me donnent le vertige. Je ne peux pas échapper à  l’innocence de l’inconscience. Ce père laisse ses enfants jouer à  grimper là  où des tonnes de terres pourraient s’affaisser. Le paysage boucle et entre en résonance. Tout chavire. Une minute intense. Je digère.

Impression : La nature et la quiétude.

C’est une manière extraordinaire de se rendre compte de l’espace. J’y prends du temps avec le silence. Je ne cherche pas le chant des oiseaux ni la surprise d’un animal au coin d’un bois. Je cherche à  me libérer de la connaissance pour observer et profiter de la conscience. C’est le moment de l’histoire où par l’absence d’évènement se tisse le temps. La nature est là , la pensée s’en va. Je ne m’aperçois pas qu’elle s’en est allée. C’est le temps où je profite du vaste pour sentir chacune de mes perceptions. L’immobilité silencieuse de la nature comme je peux maintenant la contempler me rappelle la futilité du mouvement. En m’immobilisant et laissant de côté toutes considérations, en relâchant tout pour en venir à  être là  dans le paysage, dans la quiétude.

Éveil : la couleur

Il faut avoir une certaine présence pour avoir conscience de la beauté, de la majestuosité et du sacré de la nature. Cette dimension magique se manifeste dès lors que j’ai réellement laissé de côté ce corps terrestre. Dès lors, du vert, couleur morte de la vie, s’éveillent les vibrations rouges, couleurs vives du mouvement. Le monde invisible s’agite. Le paysage révèle ses secrets.

L’intériorité et le retour à  l’expérience du calme

Après le feu d’artifice, sans se presser, calmement la couleur reprend sa place et la quiétude du paysage me rappelle que cet espace immense est là . Tout doucement le paysage retrouve ses ontologies et me laisse finir la balade en pleine conscience de la force intérieure que je suis capable de déployer. Dans, le calme, le silence et l’immensité qui s’ouvre quand je ferme les yeux et que j’ouvre le coeur.

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L’amour, comme ‟ désir ”, a inspiré les artistes de toutes les disciplines créatives. Dépeint avec humour ou gravité, ce sentiment d’attachement est un thème de prédilection dans l’histoire de la peinture et de la sculpture, par la représentation de situations amoureuses ou par la symbolique ou l’allégorie, faisant intervenir des personnages mythologiques ou historiques î Salomé, Vénus, en particulier. Il incite l’artiste contemporain à  adopter un comportement, plus ou moins rationnel, l’entraînant principalement à  exprimer la tendresse, la passion, le dépit, vis-à -vis de l’objet sur lequel il porte.

L’exposition présente l’amour dans l’art contemporain sous ses aspects les plus variés (de la lettre d’amour à  la figuration de l’être aimé, en passant par l’image du désir ou du plaisir charnel) et dans des modes d’expression tout aussi éclectiques (installation, peinture, photographie, vidéo…).

Histoires d’amour

Les références historiques, picturales et littéraires ne sont pas le témoignage d’une culture commune, mais dénotent une intention propre d’amener le spectateur à  ouvrir les yeux sur l’Histoire. Le lien avec la littérature, développé chez certains artistes, les conduit à  s’appuyer sur les récits d’amour et les mythes, notamment ceux qui relatent l’expérience de la séduction. Jean-Antoine Raveyre et Agnès Pétri s’attachent à  dépeindre les histoires d’amour, tantôt douces, tantôt cruelles.

‟ Le tableau est pour moi comme une fenêtre. ” C’est ainsi que, en 1435, Leon Battista Alberti introduit son De pictura, une histoire de la peinture qui se confond dans la photographie Coeur, bouche, action et vie (2010), où Jean-Antoine Raveyre reprend l’élément emblématique de la fenêtre comme un paradigme du cadre. L’oeuvre donne la vision d’un mariage dont on ne sait rien excepté l’atmosphère pesante que revêt l’espace clos dans lequel se trouve une femme en robe blanc rosé entachée par les gouttelettes tapissant l’écran d’une vitre.

En outre, dans la fenêtre, cadre dans le cadre renvoyant à  une autre réalité, le sujet apparaît flouté, à  la fois en marge et en dedans de tout scénario. Si l’on considère le contexte d’un événement personnel aussi important dans une vie, on comprend aisément que la mariée soit piégée par son propre bonheur, lui-même travesti par la peur du ‟ grand saut ”, celle d’un engagement préfigurant la naissance à  venir. D’ailleurs, l’oeuvre ne fait-elle pas référence à  la cantate Herz und Mund und Tat und Leben (BWV 147) de Johann Sebastian Bach î signe, également, d’une recherche de rythme et d’harmonie î, créée à  l’occasion de la fête de la Visitation de la Vierge Marie à  Leipzig en 1723 ?

Dans cet art unique et personnel, mais nourri d’influences culturelles, qui découle d’une logique essentielle de composition et de recomposition, Raveyre participe de toute évidence à  une réflexion sur notre propre humanité et, au sens large, sur la création artistique. Le monde enfante en effet sans cesse. De même l’artiste génère-t-il à  la fois l’idée et l’image dans une mise en abîme de sentiments contraires : dans la mélancolie et la joie, l’angoisse et le ravissement.

Dans une deuxième oeuvre, Jean-Antoine Raveyre figure Salomé, faisant de la séductrice l’image même de la femme fatale. L’instigatrice termine sa danse, prête à  demander la tête de Jean-Baptiste. L’étude de la composition, la recherche de l’harmonie colorée, de la lumière et la théâtralisation des modèles suggèrent une volonté picturale.

[...]

Lettres d’amour

[...]

Que penser de la correspondance amoureuse envoyée par mail ou encore des sites de rencontre qui peuvent donner, à  terme, l’illusion d’un bonheur partagé ? Gare au formatage de la missive électronique. Critiquant l’immédiateté de la rencontre sur ces espaces sociaux, les claviers aux touches programmées pour déclarer l’amour ou la haine de Mister Helic sont comme une mise en garde pour la nouvelle génération.

On se souvient également de ‟ I Love you ” comme d’un virus qui contamina près de trois millions d’ordinateurs, à  l’échelle mondiale, en quatre jours. Il circulait sous la forme d’une pièce jointe, se faisant passer pour une lettre d’amour adressée au destinataire du courrier électronique. C’est aussi le titre d’une oeuvre de Jacques Perconte. L’amour virtuel venant altérer le processus de fabrication de l’image traduit un amour réel et bouleversant éprouvé par l’artiste pour une femme.

Absences / Attentes

Face aux sentiments éphémères, surgit l’image du souvenir de l’être disparu ou le fantasme de celui non encore rencontré. Daniel Tillier peint un journal de bord existentiel, montrant les déchirures et les brà»lures ressenties à  la perte de l’être cher. Son souvenir se manifeste comme une présence absorbée par le temps, la vue d’une chaise vide, transcription picturale du disparu et mentalement recomposée.

De même, dans une de ses vidéos, l’artiste suisse Pipilotti Rist traite le thème de l’absence. Debout face à  la caméra, elle fait semblant de jouer de la guitare et chante en play-back You Called me Jacky, de Kevin Coyne (1973). En superposition, les images d’une explosion ou de paysages vus d’un train en mouvement ajoutent une dimension symbolique aux paroles de la chanson qui évoquent l’amour perdu.

‟ Sur une immense toile, elle passait les jours. La nuit, elle venait aux torches la défaire. ” Ces mots d’Homère (L’Odyssée, XXIV) à  propos de Pénélope attendant le retour d’Ulysse conviennent à  Isabelle Jarousse qui, depuis vingt ans, travestit le papier en une étoffe sertie de dessins à  l’encre de Chine. Dans ses productions, le regard s’enfonce dans le noir profond du voile de papier que l’artiste travaille dans l’intimité de l’atelier songeant, peut-être, à  son promis.

Enfin, l’exposition permet de valoriser une des dernières oeuvres acquises par le musée (Le Grand Livre, 2009) de Philippe Favier ainsi que sa série des Betty’s (1989), femme rêvée par l’artiste, à  la fois aimée, désirée, haà¯e et absente. À travers les oeuvres de douze artistes ayant un lien de vie ou de travail avec Rhône-Alpes, le visiteur a la possibilité de découvrir l’amour sous toutes ses coutures.

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Le Monde titre : « Fukushima : un nuage radioactif aux retombées « négligeables » attendu dans le ciel européen ». Les média tentent le jeu de la vérité. Les faits montrent qu’on n’y croit plus (ou qu’on s’en moque). Mais pourquoi ne reviennent-ils pas sur les précautions qu’il faut prendre ? Parce qu’il y aura une quantité négligeable de conséquences ?

Voilà  des informations sur l’alimentation : en cas de radiation l’alimentation préconisée est très proche du régime yoguique. Voici deux liens : se protéger des radiations par l’alimentation,  kit pour contamination radioactive (à  avoir chez soi), sur ce qu’il faut faire en cas d’accident nucléaire avec nuage radioactif… Il y a quantité de choses à  lire. À chacun de sentir comment il doit agir.

Il faut sentir qu’il est temps de ne plus se considérer seulement dans ses dimensions visibles. Pour protéger notre corps physique, nous devons renforcer nos corps énergétiques.  Voilà  un travail de méditation donné par Yogi Bhajan dans son manuel de la survie pour bloquer ou atténuer les agressions extérieures. La méditation pour lutter contre les radiations vous aidera et aidera ceux à  qui vous la destinerez.

Une pensée à  tous.

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Voici sur le papier la continuité que je propose pour la première partie du film. Cette première partie, annoncée comme les autres par un carton portant son titre sera la seule accompagnée d’une voix off (trop naà¯ve, à  voir…). Le film ira en crescendo plastique. Cette séquence durera aux alentours de cinq minutes. Ce ne sont que quelques notes…

/ Ouverture : l’arrivée

Noir. Je suis un citadin. J’ai régulièrement besoin de prendre le large. J’ai envie de voir le ciel. J’ai envie de respirer. De sentir la terre sous mes pieds. Mais difficile d’arrêter cette machine ! Même si je viens là  pour laisser tout ce qui me rattache à  la ville, je n’arrête pas de penser comme si j’y étais.
En face de moi, à  quelques centaines de mètres, un minuscule tracteur fait des aller-retour sur les hauts d’une colline. Le vent balaie doucement l’immense plaine qui me sépare de lui, quelques oiseaux passent.

Et quand je suis ce spectateur de la nature, que j’inspire dans ce paysage. J’essaie de lâcher mes épaules. Et de quitter ces impressions intellectuelles qui me tiraillent. Je ne suis pas venu pour lutter contre une machine infernale !
Deux magnifiques vaches normandes baignées dans un soleil chaleureux broutent sur les hauteurs face à  la mer. On voit au loin quelques maisons qui forment un bourg.

Quand j’ai pensé ce film, je me suis dit que cela ne serait pas un film politique. Seulement malgré moi face à  la magie extraordinaire de la nature, je sème des mots comme des graines, je fais pousser des idées armées. Cette terre, je me demande ce qu’on lui fait ! Tout ce qui se passe aujourd’hui mérite que l’on se révolte ! Mais je déteste la sympathique conversation. Et l’action que nous conduirons doit se faire au travers d’un éveil.

De petites vagues poussent doucement leurs écumes sur les vestiges des fondations d’une maison. Quelques mouettes jouent. Elles se laissent emporter délicatement d’une pièce à  l’autre en profitant de la visite des courants. L’une d’elles saute d’une petite hauteur pour aller se poser dans un bassin.
Derrière un ciel strié des lignes électriques s’élève la fumée blanche d’un des quatre réacteurs de la centrale nucléaire. Les silos sont enterrés devant moi. Ils obstruent la perspective.

De l’autre côté, peut-être à  deux ou trois kilomètres, presque loin de ces machines menaçantes, plusieurs bateaux jouent une régate au milieu d’un océan presque turquoise. Le soleil les découpe d’une façon étrange. Il est si fort qu’on croirait les bateaux découpés dans du papier et posés sur image. Ils glissent doucement. Se rapprochent et s’éloignent. La centrale, au loin derrière se rappelle dans la continuité de son impassibilité et la fumée continue de s’élever. Elle essaie de rester discrète.

L’horizon de la côte est remplacé par l’horizon des plaines. Dans l’immensité des cultures un tracteur surgit accompagné de dizaines des mouettes dansant et tournoyant autour de lui.

Dans un sous-bois le soleil perce les branchages pour m’éblouir. Le vent se balade dans les branchages.
Il y a quelque chose à  trouver. C’est là  en Normandie !
Noir. Titre. Impressions.

Une vague s’écrase sur la falaise. J’essaie de la filmer. La caméra ne bouge pas. Le vent souffle. Je souffle. Je fais quelques pas.
Le vent souffle doucement sur les hautes herbes. Un oiseau nous emmène au dessus de l’océan. L’à -pic de 100 mètres aussi étourdissant soit-il ne se manifeste pas par le danger qu’il représente, mais il fascine. L’oiseau vole et il captive le regard. Étourdis, on l’impression que l’univers se manifeste soudain à  nous en rappelant que tout ce que l’ont voit là  n’est pas réel, mais l’image tangible d’un ailleurs. La plastique du numérique tend l’image du film par les mathématiques. La visualisation dévie et l’image s’emporte quelques secondes pour nous rendre assez vite l’oiseau. Nous vivons un véritable saut quantique. Le temps s’étend. Nous changeons de dimension le temps d’un instant.

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L’amour, comme ‟ désir ”, a inspiré les artistes de toutes les disciplines créatives. Dépeint avec humour ou gravité, ce sentiment d’attachement est un thème de prédilection dans l’histoire de la peinture et de la sculpture, par la représentation de situations amoureuses ou par la symbolique ou l’allégorie, faisant intervenir des personnages mythologiques. Certains thèmes ou personnages mythologiques ou historiques reviennent (Cupidon, Vénus…).

Il pousse l’artiste contemporain à  adopter un comportement, plus ou moins rationnel, les entraînant principalement à  exprimer la tendresse, la passion, le dépit, vis-à -vis de l’objet de cet amour.

L’exposition présente l’amour dans l’art contemporain sous ses aspects les plus variés (de la lettre d’amour à  la représentation de l’être aimé, en passant par l’image du désir ou du plaisir charnel) et dans des modes d’expression tout aussi éclectiques (installations, peinture, photographie…).

Avec les oeuvres de Daniel Tillier, Samuel Rousseau, Pipilotti Rist, Jean-Antoine Raveyre, Agnès Pétri, Marie Morel, Isabelle Jarousse, Mister Helic, Philippe Favier, Jean-Philippe Aubanel, Léa Emmélie Adilon

Musée Paul Dini
2, place Faubert
Villefranche-sur-Saône (69400)
04 74 68 33 70
www.musee-paul-dini.com

MERCREDI :
13 h 30 – 18 h 00

JEUDI & VENDREDI :
10 h 00 – 12 h 30
13 h 30 – 18 h 00

SAMEDI & DIMANCHE :
14 h 30 – 18 h 00

Fermé les lundis, mardis, mercredis matins & jours fériés.

http://www.facebook.com/event.php?eid=153733611354947

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Le marketing nous conduit à  penser que le rapport de la marque à  son consommateur est plus consensuel aujourd’hui que jamais. Si ces derniers (nous) ne s’imposent pas une conduite responsable, alors les marques ne le seront jamais ! La responsabilité ne serait plus jamais dans les mains de chacun d’entre nous. Nous avons les moyens de faire plier ceux qui abusent en leur imposant d’être respectueux des valeurs que nous voulons défendre.
Dans cette perspective si nous décidons de laisser aller la surconsommation aveugle nous laisserons les industriels détruire le monde. Bien sà»r je suis partisan de leur responsabilisation. Pourquoi le consommateur serait le seul à  devoir être responsable ? Je crois que l’entreprise doit donner l’exemple. N’est-elle pas l’action productrice d’hommes qui se rassemblent pour conduire un projet dans les meilleures conditions qu’il soit ? Une marque, une industrie, un service ne devraient jamais avoir quoi que ce soit à  se reprocher. Ils ne devraient pas craindre l’avis des consommateurs. Les consommateurs ne devraient pas être vus comme des portes-monnaies ayant un pouvoir, mais comme des hommes et des femmes avec qui l’on entretiendrait une relation de confiance. Les gens finissent par en être malades. Parce qu’entre les petites périodes d’épanouissement superficiel où la consommation va et où les produits nourrissent l’âme, le coeur tremble face à  l’aspiration dévastatrice portée par le malheur des uns (la plupart) et l’extraordinaire bonheur des autres (un petit nombre d’élus) que les médias nous rappellent sans cesse.

« La différenciation par la consommation n’est souvent que le moyen d’affirmer la hiérarchie sociale. » André Gorz

Est-ce que la consommation telle que nous la vivons est une maladie ? Y remédie-ton par un marketing allopathique qui soigne ses crises douloureuses en dépit de tout ? Ne doit-on pas (comme en médecine) apprendre à  ne pas avoir à  soigner ? Mais à  entretenir un terrain sain et comprendre ce qui ne va pas ans un respect absolu de la personne (Ayurveda) ?

Je crois en une décroissance, je crois qu’il faut faire des efforts et se rapprocher pour laisser de moins en moins de place à  ces richesses superficielles qui construisent de vrais riches et les laissent s’enfermer dans leur confort bien égoà¯ste. L’altruisme n’est pas à  confondre avec l’écriture aussi visionnaire qu’elle soit d’un service ou d’un produit qui tombe à  pic dans le mood !

Le Charaka samhita (Devanagari:चरक संहिता) un des textes fondateurs de la mèdecine ayurvédique rapelle que la vie vécue normalement est un état de bonheur. L’hygiène de vie permet de restaurer l’harmonie de l’homme avec son environnement. L’alimentation, la digestion et l’assimilation sont des questions essentielles pour la santé. La parole comme méthode de soin est associée à  ces médicaments (Rasayana). La médecine est plus préventive que curative. La maladie est considérée comme la conséquence d’une erreur alimentaire et d’une mauvaise compréhension de l’univers, ainsi que d’une mauvaise harmonie entre le corps et l’esprit.*

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LE MONDE CRÉATEUR DE LA COULEUR
Dornach, 26 juillet 1914
Le rapport de l’homme avec la couleur. De l’océan ondoyant des couleurs, il s’est élevé à  la perception pure par le Moi. L’à‚me animale et l’océan ondoyant des couleurs. Le cheminement futur vers le monde fluctuant des couleurs en liaison avec la spiritualisation du corps astral. L’expérience vivante de la couleur : le rouge vient à  notre rencontre, le bleu s’éloigne; forme et couleur; repos et mouvement. L’ondoiement des couleurs cache dans l’organisme humain. La tache future de l’art : plonger dans la vie des éléments. Le ‟ Bau” -:- l’art : plonger dans la vie des éléments. Le ‟ Bau” nouvelle aspiration artistique.

Rudolf Steiner dans Nature des couleurs, L’expérience de la couleur, les quatre couleurs-images. Conférences à  Dornach les 6-7 et 8 mai 1921, éditions TRIADE

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L’ART PROXIME

L’ART PROXIME appelle à  réagir contre l’unicité du point de vue, désire provoquer des questions sur ce qui peut, désormais, se dire art. Proximecar il s’impose pour vivre au-delà  des besoins biologiques… Un tel hapax,
proxime î puisqu’il ne s’agit pas de proximité au sens de territoire restreint î implique que l’art se fait dans la rencontre entre celui qui fait et celui qui reçoit, celui ou ce qui est fait ou se fait devant lui.

Rencontres d’art expérimental, Traverse Vidéo débutera le 16 mars avec ces quatre jours de ‟ Rencontres ” en présence de nombreux artistes et se terminera le 2 avril avec son ‟ Dévernissage ” à  18h à  la Chapelle des Carmélites

MERCREDI 16 MARS ; LYCEE DES ARENES

Programme

13h30 Ouverture des Rencontres
Performance
Ouverture des installations î Vernissage
14h00 Projections Des Vidéos d’Ici et d’Ailleurs
15h30 Performance Nicolas Daubanes et suite Vidéos d’ici et d’Ailleurs
18h Performance Peter Goldsworthy

GOETHE INSTITUT

18h30 Ouverture Programmation 40jahrevideokunst.de

OSTAL OCCITANIA

19h30 Ouverture des installations
20h00 Performance Itzel Palomo
20h30 Vernissage
Projection Nomade Despina Matzakis

JEUDI 17 MARS

ESAV

Projections en présence des artistes

14h00 Georges Schwizgebel, Suisse
16h00 Dania Reymond, Lyon
16h45 Eric Ledune, Belgique
(démonstration et explication de son travail)
18h00 Performance dans la rue, de Lin Htet, départ ESAV

CHAPELLE DES CARMELITES

18h30 Ouverture des installations, rencontres avec les artistes
Projection Nomade Benoit Balfet
Performance Itzel Palomo

VENDREDI 18 MARS

FABRIQUE CULTURELLE î CIAM

12h0 Vernissage et ouverture des installations
13h00 Performance Mehdi Farajpour
13h30 Projection de la Pépinière européenne pour Jeunes Artistes
13h45 Projection Vidéos d’école Ensad Paris, Beaux Arts de Bruxelles et autres dont Toulouse
16h45 Performance, Emilie Franceschin
17h15 Carte Blanche au CJC de Paris

CINEMA GAUMONT WILSON

19h00 Performance Moussa Sarr
19h30 Projection, vidéos en boucle sur les écrans en façade du Gaumont
20h30 Départ vers ELP: Performance Peter Goldsworthe

ELP

21h00 Installation éphémère, Peter Goldsworthy, Vernissage

SAMEDI 19 MARS

LES ABATTOIRS

14h00 Projection Vidéos du Québec
Vidéographe / Groupe Intervention Vidéo
15h00 Le quart d’heure Suisse
Peter Volkart/Christina Benz/Thomas Haemmerli
15h20 Les demi-heures de:
Suzan Vachon/Pascale Sequer/Philippe Rouy/Darrio Lazzaretto

THEà‚TRE GARONNE

19h00 Projections Nomades
Benoit Balfet/Blanche Laviale/Despina Matzakis
19h30 Vernissage des installations

Pour tout renseignement supplémentaire (et consulter la programmation dans sa totalité):
www.traverse-video.org
info@traverse-video.org
05.62.13.10.00

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Retrouvez Après le feu en compétition officielle à  Vidéoformes pour prix de la création vidéo. Vous pourrez voir le film dans le programme 4 de le compétition et en continu durant le festival projeté sur le cube ansi qu’à  la vidéothèque éphémère…

VIDEOFORMES 2011
26e manifestation internationale art vidéo et cultures numériques à  Clermont-Ferrand
projections d’art vidéo, conférences et tables rondes, performances, expositions, et installations dans l’espace public

Prix de la création vidéo
Festival du 16 au 19 mars
La compétition offre une vitrine à  la création vidéo contemporaine. Elle présente un panorama à  travers une sélection de vidéos originales et créatives, très souvent produites de manière indépendante. Jury : / Mona Bentzen, artiste et commissaire de ‟ Art Vidéo Exchange ”, Norvège / Wim Lambrecht, artiste et enseignant à  St Lukas Hogeschool, Gent, Belgique / Martine Markovits, responsable de la programmation vidéo à  l’Ecole Nationale des Beaux Arts de Paris.

Le CUBE
Place Jaude du 17 au 29 mars – Projections nocturnes
Vidéoformes présente une sélection de 48 films en projection nocturne sur l’espace public.

Vidéothèque éphémaire
Ouverture du 17 mars au 3 avril à  l’Espace Victoire
Place de la Victoire 63000 Clermont-Ferrand
Du mardi au samedi de 10h à  12h30 et de 13h30 à  18h / Entrée libre
La Vidéothèque Ephémère propose au public comme aux professionnels une sélection d’environ 150 vidéos consultables sur moniteurs.. Les vidéos du Prix de la Création Vidéo 2011 seront intégrées à  la Vidéothèque Ephémère après leur projection en salle.

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Tous ces cadres sémantiques sont vite caducs. Le cinéma peut bien sà»r se libérer de la salle. l’expanded cinéma interroge le film ! La vidéo peut être le support d’un film, etc. Toutes ces questions n’ont pas de raison qui doive entraîner la perplexité ! Je rencontre cela trop régulièrement dans les écoles. On ne peut pas être blasé. Vous ne devez pas l’être ! Manifestez-le ! Il y a tout à  construire.
Et si vous voulez faire du cinéma, de la vidéo, vous n’avez pas besoin d’en connaître la définition. J’ai moi aussi passé des heures à  lire pour comprendre ce qu’il fallait faire. Pour voir où je pouvais faire. Mais j’ai compris que cela était de mon ressort. Il ne faut pas confondre la culture avec des règles. Elle n’est pas un cadre ni une contrainte. La connaissance n’apporte pas souvent de solution. L’action vous conduira. Faites ! Montrez ! Discutez ! Fêtez vos envies créatives en donnant la plus belle place possible à  vos coeurs ! Lâchez la tête, comprenez ce que vous avez en vous. C’est dans le ventre que s’enfouissent toutes nos émotions ! Faites avec les tripes !

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Rappelez-vous que la connaissance intellectuelle ne vous soutient pas et ne vous nourrit pas. La connaissance devient la sagesse seulement quand vous l’expérimentez avec votre propre coeur et votre être. Yogi Bhajan

Quelques lignes pour souligner des idées qui me tiennent. Quantité de luttes m’éveillent. Je n’exprime pas toujours très bien ce que j’ai à  dire. Je peux être confus. Mais j’écris pour ne pas laisser s’échapper le fil.

Je suis de plus en plus souvent confronté à  la question de la responsabilité que ce soit dans le monde de l’apprentissage avec les élèves, avec les professeurs moins qu’avec les administratifs, dans le monde professionnel, même de l’art, et plus généralement dans la vie de tous les jours.
L’école, la fac, le reste…. J’ai été un étudiant assez désorganisé. J’ai jonglé des années durant avec le cadre qui m’était imposé. Mais jamais je n’ai pensé devoir construire de position pour le contrecarrer. J’ai toujours entendu la contrainte comme une règle. Et quand je me loupais, je l’acceptais. J’ai toujours compris quelles responsabilités j’avais dans ces ratés. Je sais combien j’ai pu essayer de jouer avec les limites, quelles tensions il y avait quand je passais au raz des pâquerettes et que l’accident me guettait. Mais c’était le jeu. J’ai eu de nombreux succès, j’ai eu quelques ratés. Mais j’ai compris avec les années que l’implication par l’énergie et le travail m’avaient servi bien au-delà  du temps de l’exercice. Tout ce que j’ai conduit avec le coeur s’est ancré et a participé à  la construction de l’outil que j’ai fabriqué en étudiant.
J’ai compris que c’était d’une certaine manière la position responsable que j’avais qui m’avait conduit à  réussir. Je ne me suis jamais attaché à  corps défendant à  vouloir me faire croire quoi que ce soit. J’ai pris soin de faire attention à  mes ratés, à  mes manques et de les comprendre pour ne jamais construire de formes en réaction, pour ne jamais faire contre. L’attaque frontale est vouée à  l’échec si son objectif est de contrer (détruire) et non pas de construire. Là  se tisse la question créative de la responsabilité. La responsabilité telle que je l’entends n’a rien d’administratif ni de citoyenne. Elle est magique. Et la magie n’a rien d’une illusion. Je profite encore de l’énergie de ces lignes immatérielles que j’ai tendues dans le temps. Cette magie naît dans l’honnêteté, dans l’amour, dans la perspective de l’action. Elle ne s’opère que dans la construction. Et il ne faut jamais oublier que chacun des pas que nous faisons construit notre monde.
Dans l’art, chez les professionnels… Ce monde que nous construisons souffre des manques de responsabilité. Cela paraîtra aisément grave dans les secteurs sensibles, en politique, en sciences, mais cela l’est tout autant en art. Tout résonne.
Et comme partout ailleurs… Se construire ce n’est pas accumuler. Être responsable c’est construire pour préserver la mobilité et ouvrir à  la lumière. Nous sommes responsables de limites de notre univers.

La seule chose que vous devez faire dans la vie est de
propager la lumière. Soyez un phare.
Yogi Bhajan, 5 octobre 1988

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Nicole Brenez has curated two programs of new work from the French avant-garde for this year’s Rendezvous with French Cinema 2011 in New York; below she has offered her program notes in French. Program one (on Saturday) concentrates on filmmakers reappropriating images; program two (Sunday) is the new feature by Ange Leccia, Nuit bleue. [...]

À partir de 1924, au Vieux-Colombier à  Paris (ombilic de la cinéphilie française, site du premier ciné-club), commença une série de conférences sur le cinéma assurées par les auteurs de la première avant-garde et fondées sur la projection de films ou d’extraits de films. Jean Epstein en donna une sur le cinéma d’avant-garde, et montra Coeur fidèle [1]. Il nous reste le montage effectué par Marcel L’Herbier à  cette occasion, Le Cinématographe et l’espace. Causerie financière, prémices des histoires du cinéma par lui-même, qui aboutiront aux fresques de Al Razutis (Visual Essays : Origins of the Film, 1973-1984), Noà«l Burch (La Lucarne du siècle, 1985), Jean-Luc Godard (Histoire(s) du cinéma, 1988-1998) ou Gustav Deutsch (Film ist, 1998-2002). À mesure que s’accumulent les images et que s’en démultiplient les pratiques, les supports, les modes de diffusion, se développent aussi les initiatives analytiques et critiques. Une part d’entre elles se consacre à  l’investigation sur les images de surveillance, instruments du contrôle social par vocation ou par asservissement subreptice : citons à  cet égard Le Géant de Michael Klier (1983) ; les oeuvres essentielles de Guy Debord, Harun Farocki, Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi ; les poèmes critiques de Bruce Conner (Crossroads, 1976) ou de Travis Wilkerson (National Archive V.1, 2001) tous deux à  base d’archives visuelles militaires américaines. Un pan expérimental se consacre à  l’étude plastique ou sémantique de la désinformation dans l’espace public, tel Mounir Fatmi métamorphosant les images télévisuelles que lui ont confié les habitants d’une cité (Dieu me pardonne, 2004), Jayce Salloum retournant sur les images des massacres de Sabra et Chatila ((As if) Beauty never ends, 2003) ou, sur un bord opposé, Peter Emanuel Goldman critiquant pas à  pas le traitement du conflit israélo-palestinien par les médias américains (NBC Lebanon : A Study of Media Misrepresentation, 1983). Un autre grand pan des recherches se confronte au cinéma de façon endogène, sur un mode analytique (Ken Jacobs, Tom Tom the Piper’s Son, 1969-1971), historique (Thom Andersen, Los Angeles Plays Itself, 2003), polémique (Kirk Tougas, The Politics of Perception, 1973, Kali-Film, Wilhelm et Birgit Hein, 1988, les travaux de Yves-Marie Mahé), matériologique (Peter Delpeut, Lyrical Nitrate, 1990), élégiaque (Rose Hobart, Joseph Cornell, 1936), ou tout cela à  la fois (la Trilogie CinémaScope de Peter Tscherkassky, 1996-2001). Notons que la décennie 2000 a commencé à  faire retour sur les images de l’avant-garde elle-même, à  l’instar de Stefani de Loppinot travaillant les images du Blow Job d’Andy Warhol (Blue Job, 2004), ou Peter Tscherkassky remployant Le Retour à  la raison de Man Ray (Dream Work, 2001).

Ces artistes et bien d’autres (pour citer des recherches très différentes : René Viénet, Péter Forgà¡cs, Bill Morrison, Brahim Bachiri, Hartmut Bitomsky, Douglas Gordon, Augustin Gimel, Johanna Vaude…) alimentent par leurs propositions formelles l’affirmation de Pierre Restany : ‟ L’une des caractéristiques de l’avant-garde au XX^e siècle est précisément celle-ci : l’autocritique du fait visuel, par ses inéluctables réactions en chaînes, a été déterminante dans tous les autres secteurs de la création. Les spécialistes du langage visuel ont une responsabilité capitale : ils conditionnent plus ou moins directement l’évolution et le renouveau de l’entière structure du langage contemporain” [2].

[...]

Satyagraha de Jacques Perconte est né de la même circonstance que À la barbe d’Ivan : chacun des deux films est en soi superbe, et leurs différences esthétiques offre spontanément un constat sur l’ampleur des ressources plastiques qui s’offrent aux cinéastes contemporains. “La Satyagraha ou ‘étreinte de la vérité’ (satya = vérité, agraha = saisie) est le principe de non-violence par la désobéissance civile que Mohandas Karamchand Gandhi a instauré. Que sont devenues les valeurs de Gandhi aujourd’hui ? Quel monde voulons-nous construire ? Le film ne donne pas de leçon, il n’explique pas, il ouvre un espace sensible et y glisse la question”, explique Jacques Perconte à  propos de Satyagraha. Artiste du numérique, Jacques Perconte travaille à  infuser des idéaux politiques dans le fonctionnement même de l’image numérique. Comment ? Tout d’abord, par le principe qui structure sa recherche et qu’il résume en une paradoxale formule : ‟ Sculpter l’imprécision née des mathématiques ”, c’est-à -dire créer des programmes qui permettent d’engendrer l’image à  partir d’ ‟ erreurs ” ou de déréglements dans la continuité des calculs de compression et de décompression. C’est le principe du ‟ glitch ” bien connu des musiciens, mais systématisé puisque Jacques Perconte s’en sert pour inventer des programmes entiers de création d’images. Ensuite, par son ancrage esthétique qui, au rebours de la domination du calcul, revendique les puissances de l’impression, au sens phénoménologique mais aussi pictural de ce terme. Je cite Jacques Perconte : ‟ pour la plupart de mes films, avant chaque image, il existe un phénomène vibratoire naturel d’une force magique, une lumière qui m’emporte. Un sentiment qui me déstabilise. Alors j’enregistre, tout en sachant que cela sera différent. Que je ne retrouverai jamais cette brise. Parce que la technologie ne saura pas voir ce que je vois, et qu’avec ses délicats défauts (ses spécificités) elle me permettra peut-être de révéler quelque chose d’où émaneront de nouvelles ondes fondamentalement reliées aux premières ”. Autrement dit, le travail de Jacques Perconte se consacre à  relocaliser, relativiser et réinscrire l’arsenal technologique à  sa juste place dans l’ergonomie humaine. Satyagraha constitue à  ce titre un art poétique, qui voit soudain une syntaxe de pixels symboliser la chute d’un homme en même temps qu’un soulèvement émotionnel.

[...]

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1. Essais et remplois : how to use classical images to enlighten actual fights

Al Attlal (Ruines) de Zoulikha Bouabdellah, France, 2009, 3’58, vidéo, coul et n&b

À la barbe d’Ivan de Pierre Léon, France, 2010, 10’, vidéo, coul

Satyagraha de Jacques Perconte, France, 2010, 5’, Film HD, coul

The End of the World Begins With One Lie de Lech Kowalski, France, 2010, 62’, DVCAM, coul

2. La fiction enchantée / The enchanted fiction

Nuit bleue de Ange Leccia, France, 2010, 86’, coul, 35mm

“Following a death, a young woman returns to her island of birth, Corsica. She finds herself in a nationalist male world in the impressive and desolate landscape around Cap Corse. The story in this film without dialogue by the artist Ange Leccia is driven by songs such as Ne dis rienby Serge Gainsbourg.

A young woman, Antonia, returns to her island of birth, Corsica, after one of her relatives has disappeared at sea. She is torn back and forth between her old love Ettore and the dumb Alexander. The quest for Antonia’s place in the masculine environment of armed nationalism is an excuse for all kinds of peregrinations in the spectacular landscape of Cap Corse – a landscape that itself becomes a leading character. The plot of this fascinating film, entirely without dialogue, is told in songs such as Ne dis rien by Serge Gainsbourg. With the songs, the maker reveals the psychology of his characters, who seem to be in the grip of an age-old, atavistic melancholy.

Nuit bleue was directed by the Corsican artist Ange Leccia. He has a major oeuvre to his name with photos, films, videos and installations. He has also made films in cooperation with Dominique Gonzales Foerster.”

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1 Cf le compte-rendu (très négatif) de Paul de La Borie, ‟ La vie corporative : le cinéma d’avant-garde ”, in Cinémagazine, 2 janvier 1925, p. 27-28.

2 Pierre Cabane et Pierre Restany, L’Avant-Garde au XX° siècle, Paris, Balland, 1969, p. 10

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J’ai maquetté quelques plans ensemble. Dans ma technique picturale, je prépare mes plans comme des pigments avant de les combiner. À cette étape-la du travail, je les considère comme des fichiers informatiques. Je les traite comme tels. Sans trop les altérer, j’ai suspendu leur cohérence interne. C’est-à -dire que j’ai déformé leurs structures informationnelles. Pour ce faire j’ai éliminé le principe des images clefs. Les plans ne sont plus que des descriptions de mouvement. Normalement un fichier vidéo numérique, c’est une suite de données décrivant des images (plus ou moins en fait, Philippe Dubois a bien démontré qu’en vidéo, l’image n’existe plus). Pour la plupart des gens, la vidéo, c’est quelque chose comme 25 images par seconde. Là , dans l’ordinateur, on imagine que c’est pareil. En fait, dans le numérique (où, loin de la théorie la notion d’image est techniquement ancrée), ces 25 images sont rarement complètes. La plupart sont partielles. De sont des intermédiaires intelligents entre les images pleines. Cela permet de diminuer le poids (la quantité de données) à  enregistrer pour restituer la vidéo. Plus il y a d’images pleines, plus le fichier est lourd. En général, les formats courants des fichiers vidéo maintiennent le taux de ces images clés entre une pour cinq à  une pour vingt. Certains formats vont jusqu’à  une pour deux cent cinquante… En fait, pour être fidèle a ce qui a été enregistre, il n’est supposé nécessaire que d’avoir une image pleine au tout début et une suite de références jusqu’à  la fin.

Ce principe (un des principes en fait) de compression, je le pousse à  l’extrême puisque j’élimine finalement toutes les images pleines. La vidéo ainsi préparée mise en lecture s’ouvre sur un vide d’information. Le film se lance dans le gris. Il n’y a rien de décrit. Et ainsi jusqu’à  la fin du film, les événements picturaux (la vie interne de l’image) se structurent en référence à  ce qui était. Plus rien n’est borné par le passé. L’image libérée dessine le devenir de ses composantes originelles. L’analogie au monde se fait dans une ontologie digitale.

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Quel film se trame ? Je fais depuis quelques années un chemin intérieur qui dévoile mon attention. Je tends à  m’écarter des choses qui m’éloignent de la lumière. C’est une volonté qui s’affirme. Et, je ne sais pas pour vous, mais c’est souvent un combat quotidien. Je dois me débarrasser de tout ce manque de sobriété, de toutes ces formes d’attachement qui sont les chaines de l’endormissement. Comme j’écrivais un spectacle de danse il y a quatre ans qui s’appelaient l’éveil, je cherche aujourd’hui, a voir quel film je pourrais faire sur la présence au monde.

Quelque part j’aimerais échapper au film qui joue avec la contemplation. Je cherche à  savoir quelle piste suivre pour rompre avec la fascination, pour éviter la séduction. C’est peut-être un chemin impossible aujourd’hui avec le genre que je déploie. Mais c’est bel et bien mon intention.

Je commence a comprendre que lorsque je m’aventure seul dans le pays des arbres, des herbes, des eaux et des cieux, je laisse mes idées derrière moi. Je ne commente pas intérieurement. Je ne me dis pas quoi que ce soit. Et là  la camera a peut être un peu guide les pas. Parce que j’ai décidé pour cette aventure de laisser les choses se faire. Je filme en plans fixes. La calera, l’appareil a enregistre est calé sur son pied. Je vois et je laisse filmer. Pendant ce temps je respire. J’assiste au spectacle. Et plus cela va moins je cherche l’événement. Parce que je capture c’est ce qui fera mon film : un film qui ne commente pas.

Bien sà»r c’est quelque chose de bien difficile à  faire, d’échapper au commentaire. J’ai filmé quantité de choses en voulant les raconter. Mais ces choses sont si intimes, si petites que beaucoup se demanderont quel sens elles portent. Je garantis qu’elles ne portent que le leur. Et que mon effort, déjà , est d’y être présent. L’intensité de mon regard porté sur les choses se veut libéré de la contrainte de la pensée. C’est un film politique qui lutte contre le trop-plein de raison. On apprend à  avoir des avis. Faire un film, c’est construire un regard explicite. Là , je construis un paysage dans sa dimension plastique, dans une certaine perspective que je dois encore découvrir.

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Je lis Farbrice Nicolino depuis presque deux ans, au rythme de ses publications. J’ai découvert son blog en faisant des recherches sur les tigres. Je les trouve si extraordinaires que je nourris depuis longtemps de faire un film. Et le texte que j’ai trouvé m’a donné la matière d’un geste de cinéma qu’il me tarde de mettre en forme. Ce qu’il m’a donné c’est l’intention politique. Ce qui se trame depuis que je le lis c’est une modulation de mon écriture. La rencontre avec Nicole Brenez joue aussi un rôle important dans ce virage. Mais est-ce réellement un virage ? Mais ce n’est pas de ça dont j’ai envie de vous parler là .

L’écologie que j’estime devoir être globale – notre environnement étant l’univers – est devenue un fourre-tout. J’y vois même dans certaines de ses formes une dérive de la société de consommation. Et il faut arrêter. Il faut arrêter d’être des imbéciles et de donner autant de place à  l’égoà¯sme pour un soi-disant bien-être. Baurdillard résonne. J’entends sa critique de l’homme face à  la machine, ‟ fasciné par le spectacle de sa propre pensée ”. Il faut échapper la mise en scène de notre quotidien. Et trouver les armes progressives qui nous sauveront de cette fin d’ère. Fin que nous programmons par notre volonté qu’elle se tienne. Alors sans concession, la politique doit redevenir un souci quotidien, pas un sujet de conversation, mais le moteur de l’action.

Gaz de schiste : non merci !
Une pétition de combat (sur les gaz de schistes)

Comment une catastrophe comme celle liée à  l’exploitation des gaz de schiste peut -elle être aussi profondément ancrée dans une conduite publique? Comment accepter ce que des hommes d’état, des hommes d’affaire, des scientifiques préfèrent le profit personnel, un supposé mieux au détriment de tous ? Comment les laisser seuls faire ce qu’ils veulent ? Qui ne prend pas ses responsabilités ? Qui ne porte pas la voix ?

L’endormissement de l’endoctrinement par le bonheur porte merveilleusement ses fruits. Combien d’entre nous ne font pas ce qu’ils devraient ? Ne refusent pas des situations, dont les conséquences sont bien graves, parce que ces refus les conduiraient peut-être vers des soucis d’ordre matériel ? Qu’est ce que c’est que la solidarité ? Évidemment cela demande des sacrifices.

L’isociété doit s’effondrer. Je ne me suis pas assez mis en colère contre la surconsommation. Et c’est certain quand le souci quotidien est d’aiguiller ses connaissances vers la consommation. Contre la fatigue et le malheur imposés par nos rythmes urbains, comment faire pour se porter bien ? Est-ce que changer de téléphone change la donne ?

Il faut se remettre à  la politique, il faut comprendre ce que c’est que d’être des citoyens. Il faut redécouvrir la solidarité. Il faut arrêter de jouer aux cons et de se cacher derrière la dure vie que nous croyions avoir. Il faut comprendre, mais ne pas s’endormir sur la fascination de cette compréhension et entendre que l’on a déjà  compris, mais que l’on a oublié. L’écologie n’est pas un mode de conversation. C’est une politique qu’il ne faut pas déléguer. Je dois prendre mes responsabilités. Nous le devons.

Fabrice Nicolino publie le 16 mars un livre intitulé Qui a tué l’écologie ? (éditions LLL). Lisez-le, lisez de temps en temps son blog, planète sans visa. Mais méfiez-vous du plaisir d’être informé. Et voyez ce que vous voulez faire !

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Mar. 03 - Mar. 14

North America’s leading showcase for the best in contemporary French film returns! Works by several of France’s best-known filmmakers–Bertrand Tavernier, Claude Lelouch, Catherine Breillat, Benoît Jacquot–are included alongside outstanding debuts by Katell Quillévéré, Valérie Donzelli, and Angelo Cianci, and two programs of experimental media works. Finally, we are delighted to welcome back Catherine Deneuve, who will be with us to present the delightful Potiche. All films are New York premieres!

FRENCH EXPERIMENTAL CINEMA PROGRAM ONE: REDEPLOYING CLASSICAL IMAGES

Curated by Nicole Brenez, prominent film critic and curator for the experimental cinema programs at the Cinémathèque française in Paris

Saturday Mar 12: 4:15 pm
SERIES: RENDEZ-VOUS WITH FRENCH CINEMA 2011
COUNTRY: FRANCE | FRENCH | RUNNING TIME:81M

An “Oum Kalthoum”/Kama Sutra mash-up, Lech Kowalski on Robert Flaherty’s glorious Louisiana Story, Eisenstein reflecting on the beating of cineaste Joachim Gatti, and more.

The End of the World Begins With One Lie
Lech Kowalski, France, 2010; 62m

Drawing on Internet images related to the 2010 oil spill in the Gulf of Mexico, director Lech Kowalski deconstructs Robert Flaherty’s classic 1948 documentary Louisiana Story (a film originally commissioned by Standard Oil). “I am quite interested in how the Internet is giving us information using images that anyone can produce and the contrast between ‘corporate’ images and nonprofessional images and story constructions,” says Kowalski.

Al Attlal (Ruines)
Zoulikha Bouabdellah, France, 2009; 4m

Music by Philippe Mallier, with text by Ibrahim Naji and music by Riad Sunbati, the cult song by Oum Kalthoum covers a major theme in Arab poetry: recalling a past love. The slideshow’s soundtrack (produced with the composer Philippe Mallier) reinvests the singer’s wailing with new meaning: the original moaning becomes sexually charged sighing, played over an elliptical background of poses from the Kama Sutra, as if to synthesize the act of love-making.

À la barbe d’Ivan
Pierre Léon, France, 2010; 10m

An insightful work from cineaste, critic, musician, and actor Pierre Léon (whose films will be featured in our April series Free Radicals: Serge Bozon and the New French Cinema). Léon uses images from Eisenstein’s Ivan the Terrible to reflect upon the 2010 beating of young cineaste Joachim Gatti by police and the economically vulnerable members of French society.

Satyagraha
Jacques Perconte, France, 2010; 5m

A meditation on the principle of non-violence as employed by Mohandas Karamchand Gandhi in the practice of civil disobedience. What has happened to Gandhi’s values today?

The Film Society of Lincoln Center
70 Lincoln Center Plaza
New York, NY 10023-6595

Walter Reade Theater
Automated schedule line 212 875 5600
Box Office 212 875 5601

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Support for Rendezvous is provided by the Grand Marnier Foundation and the French Cultural Services.

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W.Benjamin, « Objets de Chine » Sens Unique.

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« Ceux qui composent de lumières colorées la lumière unique et essentiellement blanche, voilà  les vrais obscurantistes. »
Goethe , Maximes et réflexions

Doucement, étrangement, je glisse vers une nouvelle dimension d’écoute et d’entendement des choses d’ici et là . Fasciné je découvre une continuité à  ma sensibilité. Une continuité portée par des idées qui auraient pu me choquer il y a quelques années. Le paysage est un beau pays pour faire ce voyage initiatique que j’ai entrepris sans le savoir. Et qui au fur et à  mesure des films et des mots se dessine de plus en plus clairement. Je commence à  y voir quelque chose de bien plus lumineux que ce que j’espérais.

« Celui à  qui la nature commence à  dévoiler son secret se sent irrésistiblement attiré par son interprète le plus digne, l’art ».
Goethe cité par Rudolf Steiner dans Nature des couleurs, L’expérience de la couleur, les quatre couleurs-images.  Conférences à  Dornach les 6-7 et 8 mai 1921, éditions TRIADES  / Voir ses deux cours scientifiques donnés peu de temps auparavant : lumière et matière, GA 320 et Chaleur et matière, GA 321

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