Oui, c ’est du cinéma. Du cinéma ‟expanded”, sorti de ses formes et de ses cadres. Du cinéma hors la salle, hors les murs, hors ‟le” dispositif.. Démultiplication folle des formes de présence de l’image lumineuse en mouvement. La pellicule n’est plus le critère, ni la salle, ni l’écran unique, ni la projection, ni même les spectateurs. Oui, c est du cinéma. Du cinéma aux mille lieux. Du cinéma hors ‟la Loi”. Sauvage, déréglé, proliférant bien plus que disparaissant. Multiple et multiforme. Il suffit d’ouvrir les yeux: il est partout. A la télévision, depuis longtemps, pour ceux qui veulent encore la regarder. Sur les bonnes vieilles cassettes vidéos, pour les cinéphiles tardifs.
Sur les DVD, les ordinateurs, Internet, pour tout le monde désormais. Jamais on a vu/montré autant de films. Le cinéma est dans les musées, les galeries d’art, au théâtre, à  l’opéra, dans les salles de concert, de plus en plus. A ceux qui font mine de se poser la question ‟est-ce encore du cinéma?” ((et qui pensent que celui-ci ne peut exister que dans sa force ‟propre ”), il faut dire: Oui, c ’est du cinéma! Comme art et comme industrie. Comme création et comme divertissement. Comme image et comme dispositif. Comme histoire et comme technique. Comme oeuvre et comme marché. Comme depuis toujours. Il faut l’admettre et le prendre au sérieux.

Dans cet ouvrage deux textes parlent de mon travail :

Sun Jung Yeo : Pesanteur et Couleur digitale : Uishet et Entre le Ciel et la Terre de Jacques Perconte
Bidhan Jacobs : Taritement des signaux numériuqes et abstraction

OUI, C’EST DU CINEMA / YES, IT’S CINEMA – FORMES ET ESPACES DE L’IMAGE EN MOUVEMENT / FORMS AND SPAC
ISBN: 88-456-1087-5

Dubois, Philippe/Làºcia Ramos Monteiro/Bordina, Alessandro (2009): Qui, c’est du cinéma/Yes, it’s cinema. Formes et espaces de l’image en mouvement/Forms and Spaces of the Moving Image. Pasian di Prato : Campanotto Editore

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A partir des oeuvres de Jacques Perconte, je me propose de découvrir comment l’épreuve physique de la pesanteur peut intervenir dans la conception de l’oeuvre numérique, et de montrer en particulier comment la question de la couleur nous amène à  penser la physicité des images numériques. Ce que j’appelle la physicité, plutôt que la physicalité, provient du mot grec phusis qui ne désigne pas exactement la nature au sens moderne du terme ni les choses physiques, mais ‟ le processus total de la nature, l’actualisation constante des potentialités de la substance matérielle ”[1]. Est-il possible d’édifier un fondement physique du numérique dont le procédé et le résultat visuel sont immatériels par excellence ? Comment réfléchir sur le numérique qui domine la situation contemporaine de l’art, voire notre rapport au monde ?

Des images numériques aux installations chez Jacques Perconte, la question de la pesanteur me semble fondamentale. En premier lieu il s’agira de réfléchir sur la compression multiple : la pluralité de la pesanteur qui en résulte conditionne l’apparition de la couleur. Cette dernière tombe ou s’élève en répondant à  la force de pesanteur ou en gardant une tension avec elle. En deuxième lieu je m’interrogerai sur sa conception du numérique en tant que tas. À travers une figure de tas géo-chromatique, je mettrai en parallèle notamment la vidéo numérique Uishet (2007) et l’installation via GPS Entre le Ciel et la Terre (2007). En effet la terre et la couleur numérique se trouvent intimement liées par le geste de l’entassement.

La couleur et la pluralité du poids

Pour Perconte, l’image numérique pèse en effet. Bien entendu, ce poids n’est pas matériel, d’autant que l’image ne détient pas de masse î condition primordiale du poids physique (F = mg). Certes les unités d’information, comme le bit ou l’octet, désignent au plus la quantité des données informatiques représentées par un chiffre binaire composé de 0 et de 1, qui occupe la surface du stockage de mémoire (DV, disque dur, etc.), et non le poids. Mais lorsque Perconte écrit que ‟ le film de 8 minutes pèse 3,5 Go ”[2], ce n’est pas une expression d’ordre métaphorique comme on l’exprime souvent dans le langage courant. C’est que le poids résulte toujours d’une causalité. Le poids de l’image est proportionnel au mouvement et à  la taille du détail ainsi qu’au temps et à  l’intensité de la lumière. Selon lui, lors de la rotation des couches qu’il a divisées et multipliées à  partir d’une image, ‟ la valeur sombre s’en va vite et s’évapore, devenant transparente ”. En revanche, ‟ la valeur claire disparaît lentement ”, dit-il, car la valeur claire est plus pesante[3].

En effet le poids de l’image est manifeste dans toutes les étapes de création, notamment dans sa conception plastique de la couleur. Mais si l’image pèse, c’est avant tout dans l’ordre du manque, du masque, de la perte : pour ses oeuvres numériques, Perconte engage le procédé singulier d’une compression multiple qui lui permet d’agir sur le poids de l’image. Par exemple, quand l’artiste compresse une image numérique qu’il a filmée, la zone sombre perd davantage ses données informatiques par rapport à  la zone claire qui maintient sa mesure. Plus la zone est sombre, plus elle allège son poids. Comme le revendique Perconte, ‟ ce travail va se concentrer sur la luminosité, sur le temps, sur les liens entre image/compression/lumière. À savoir que plus une image a de zones sombres, moins elle pèse et plus ces zones sont masquées ”[4]. Mais le but de cette pratique ne consiste pas seulement à  alléger ou alourdir, mais à  convertir la force de pesanteur elle-même.

Prenons comme exemple l’image que l’artiste nous donne en vue de l’illustration pédagogique de ce mécanisme (voir l’image sur http://blog.technart.fr/2005/06/19/quelques-mots-sur-lencodage-et-le-paysage/). Elle a été d’abord compressée en divx à  300k/s puis à  190k/s, et puis recompressée en mp2 à  12mb/s. ‟ Dans cette version, dit-il, l’image est très hachée et les blocs compressés se figent facilement, les traînées de blocs qui ne bougent pas entre deux images clés vont se superposer et se mélanger. De nouvelles couleurs hallucinées vont apparaître lorsqu’une zone foncée devient claire ”[5]. Ces valeurs lumineuses peuvent être renversées par la compression du négatif. Si l’on transforme le fondu au noir en négatif, comme le sont les images au milieu d’Uishet, le résultat chromatique de sa compression sera plus probant.

La conversion de la force de pesanteur exalte ainsi l’apparition de la couleur, ses accidents ou ses aventures plastiques. Il y a donc une force verticale, susceptible d’être altérée, au sein de laquelle la couleur risque de tomber ou au contraire de rebondir. Il s’agit de rendre plurielle la force de pesanteur, déjouant le poids initialement inscrit sur l’image, sur chaque zone dont la quantité d’information diffère selon sa nature complexe, telles que luminosité, mobilité, temporalité, densité des détails (fig. 1-4). Les pratiques de cette conversion varient selon les ordres que l’artiste impose : dilatation de la taille initiale, c’est-à -dire la décompression en vue de compression, compressions zone par zone, du négatif ou à  l’envers, et répétition différentielle variant des taux de compression.

L’espacement et la présence locale

Les forces de pesanteur naissent, pour ainsi dire, de la différence : entre clair et obscur, mouvant et fixe, dense et imprécis. Cette pluralité de pesanteur n’est pas due au changement de la masse matérielle, mais à  ce rapport différentiel, pour ainsi dire l’espacement.

Pour les compressions qui m’intéressent c’est-à -dire les compressions temporelles, cela se passe à  la fois au niveau des images fixes et au niveau du mouvement. C’est-à -dire par exemple que dans une séquence vidéo d’un paysage du type de celui du jardin, les parties très sombres (les troncs à  contre-jour par exemple) vont être uniformisées et ne seront pas affectées par les déplacements des parties éclairées (le bord des branches mues par le vent). Les zones vont être simplifiées selon leur importance. Elles se composeront et décomposeront de façon à  restituer plus ou moins fidèlement l’action selon les intentions que l’on a. Le codec permet de régler la sensibilité. On peut complètement détruire la neutralité naturelle de l’image pour lui donner une nouvelle dimension.[6]

Cette mise en espace aura lieu entre les zones de couleur. La force de pesanteur agit sur la présence locale de ces zones colorées. L’artiste espace l’image zone par zone, dit-il,

en masquant une grande partie des couleurs et en insérant un nouveau calque à  chaque apparition d’une nouvelle zone […]. De nombreux éléments sont traités individuellement, par exemple, pour une branche qui a dans une version du plan très compressée en divx certaines qualités plastiques, en faisant varier les niveaux de blanc et de noir sur cette zone et la saturation des couleurs, je vais révéler les structures abstraites de l’élément. […] La couche suivante mettra en scène des éléments voisins aux premiers avec une compression différente […]. Il n’y pas de travail sur les transparences dans ce film, tout est collage des mêmes images traitées différemment les unes sur les autres.[7]

À partir de ces taches non floues, provenant de compressions individuelles et différentes, Perconte tente d’acquérir la physicité de la couleur, d’actualiser une gravité entre les zones colorées. Il brutalise les pixels immatériels ou les carrés de défaut numérique, un peu plus grands que les pixels, au point d’en faire une substance différentielle sans masse, mais répondant à  la force de pesanteur. Ces zones colorées sont le résultat plastique de l’espacement.

Le numérique en tant que tas lisse et cartographique

L’installation via GPS Entre le Ciel et la Terre expose une pensé singulière de l’oeuvre numérique, ayant un rapport aux Earthworks des années 60 ou 70 comme ceux de Robert Morris, de Robert Smithson ou de Ben. L’entassement n’incarne pas seulement le mode d’exposition de ces derniers, mais aussi le mode de production qui édifie une oeuvre numérique d’après Perconte. Il conçoit en effet le numérique en tant que tas. Un amas de terre occupe ainsi le centre de la galerie du Théâtre qui est le lieu d’exposition d’Entre le Ciel et la Terre. Les terres sont prélevées d’un terrain choisi après l’arpentage auquel l’artiste a procédé via GPS aux alentours d’Evry et de l’Essonne : c’est un ‟ Nonsite ”, tel que le discute Robert Smithson î un fragment cartographique, déplacé et privé de son Site[8]. Entassées sur le sol de la galerie, dans des boîtes en bois qui produisent une structure de forme carré de 2,40 m de côté sur 50 cm de hauteur, les terres pèsent environ 1600 kg. Comme le relate aussi le journal de l’artiste, la question du poids est importante :

L’idée est de déplacer une masse de terre extraite d’un terrain vers une structure qui sera disposée dans la galerie du théâtre. […] Le poids de la terre est difficile à  évaluer sans savoir exactement quelle sera sa nature. Selon différentes sources la terre sèche a un poids de 1200 kg par mètre cube. Si la structure qui fait la même taille que le trou est remplie entièrement on aura pour de la terre sèche une densité de 600 kg/m². Seulement la terre ne sera à  priori pas sèche et si elle est suffisamment sèche, elle sera tamisée, ce qui réduira sa densité. Si le sol de la galerie ne supporte pas une telle charge, il est tout à  fait envisageable de combler une partie de l’intérieur de la structure avec une boîte en bois pour remplir et alléger la pression exercée par la terre au sol. Ce qui est fondamental c’est que vue de l’extérieur la terre remplisse entièrement la structure et qu’il y en ait une quantité suffisante pour dégager de la force.[9]

L’idée d’exposition se fonde avant tout sur la migration de la terre d’un terrain original vers la galerie. Et le poids ne doit pas dépasser des capacités de résistance de ce lieu-limite entre Nonsite et Site. Mais il faut de même imposer une quantité suffisamment visible pour donner de la force. Il faut donc tenir compte des conditions qui peuvent faire varier le poids, telles que l’humidité, la densité, c’est-à -dire la nature physique du composant. Lors de la réalisation de l’exposition, la terre a été tamisée, devenant par conséquent moins dense, moins lourde, mais plus imposante à  la vision.

Ici l’organe sensible de la pesanteur, c’est aussi l’oeil cartographique. Autour de cette masse centrale de terre, qui pèse effectivement et s’impose visiblement au plein coeur de la salle d’exposition, gravitent les images numériques : une vidéo du ciel projetée au plafond au dessus de l’amas de terre, des photographies de paysage qu’il a prises pendant son parcours, des donnés géographiques provenant en majorité de Google Earth. Dans cette installation, la masse cartographique de terre, les ballades et leur résultat visuel (la vidéo du ciel ou le bloc des photos) concourent à  créer ‟ une oeuvre numérique ” qui est d’ailleurs le sujet commandé par le Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne. Ils se superposent les uns les autres sur la figure même du lieu. Le terrain choisi est déjà  un lieu potentiel de temps suspendu dans la mesure où il est celui d’un projet inachevé du musée archéologique d’Etiolles.

Or Entre le Ciel et la Terre de Perconte répond certes au tas exposé des Earthworks, sans pour autant s’assimiler totalement à  leur manière. À vrai dire, la forme du tas nivelé dans une structure carrée ne correspond pas exactement à  la définition du tas, rédigée par l’artiste Ben : ‟ La différence entre un tas et une accumulation est dans l’essence même du tas qui est régi par la loi de la pesanteur et dont la base est toujours plus large que le sommet. ”[10] Le modèle du cube, plutôt que celui de la pyramide, semble inspirer l’oeuvre de Perconte. Cependant la force de pesanteur continue de la régir. Car la force de pesanteur est déplacée dans un alignement vertical entre ciel et terre, c’est-à -dire dans la vue du ciel filmée en contre-plongée, depuis le trou creusé dans le terrain original, et projetée au plafond de la galerie au-dessus de la masse de terres rapportées. Bien que le Nonsite de Perconte soit tamisé, aplani, il figure le tas lisse et cartographique. C’est que d’après Maurice Fréchuret le tas a une parenté avec ‟ une activité dont il est le résultat palpable ”[11]. Et d’après Merleau-Ponty, ‟ le lisse n’est pas une somme de pression semblables, mais la manière dont une surface utilise le temps de notre exploration tactile ou module le mouvement de notre main. ”[12]

Il est significatif que, dans la huitième ballade pour le projet Entre le Ciel et la Terre, l’artiste rencontre un monticule entassé qui est un ouvrage accidentel, sans doute laissé après un chantier, et qu’il imagine alors le lissage. Perconte dit :

J’admire ce que la pluie fait avec le temps et le vent. Elle lisse, elle stabilise, elle finalise le travail, elle l’inscrit dans une temporalité qui donne au lieu son identité. J’imagine plein de choses comme par exemple s’arranger pour trancher horizontalement ces monticules, comme si c’était des arbres. Y faire une coupe nette pour ramener une partie dans un lieu et la confronter avec l’image de la base. Cette idée n’est éloignée de ce que je vais faire avec le trou que je souhaite creuser. Je veux confronter la terre du trou refaçonnée à  l’image de son origine comme la pièce d’un jeu qui en serait extraite. Mettre face à  face un contenant et son contenu. Extirper une masse et l’affirmer comme telle.[13]

Aussi le temps de l’exploration tactile s’inscrit-il dans le lissage cartographique du tas, avec l’idée de l’empreinte digitale qui caractérise essentiellement l’image numérique. Avant tout, c’est dans le lisse que la terre s’approche de la couleur numérique, si la forme du tas est partagée entre deux.

Géo-chromatisme

En effet la terre est pensée en termes de couleur. Les cartographies exposées dans l’installation Entre le Ciel et la Terre ne montrent pas simplement les données géographiques du parcours. Mais ces images satellites fournies par Google Earth, capturant un même lieu, donnent à  voir une sorte de géo-chromatisme, où chaque zone de terre, captée dans la carte, semble dédiée à  la variation de la tonalité et de la teinte.

De même, tandis que les données géographiques ‟ 48° 38’ 02’’ N, 2° 27’ 58’’ E ” restent nettes au milieu de l’image, la vidéo du ciel effectue pendant ses 25 minutes de durée cinq cycles de désintégration par saturation chromatique de sa compression : un passage du géographique au géochromatique (fig. 5-6). Les carrés de couleur s’entassent, comme la terre, dans le tas lisse que constituent les 30-50 couches démultipliées pour saisir la zone de couleur, et qui s’inscrit finalement en une couche sur la surface du stockage de mémoire. La force de pesanteur passe entre ces couches. C’est un montage vertical sans profondeur.

La figure des carrés entassés circule dans d’autres oeuvres numériques : l’exposition It’s all about love, l’installation monumentale Solde d’hiver (2008) dans laquelle Perconte édifie un mur de boîtes de chaussures entassées dans l’ordre chromatique, et de là , bloque complètement un passage couvert dans les rues de Bordeaux, ce passage qui est le lieu engendrant un conflit persistant entre l’espace privé et l’espace public (fig. 7). Pour la photo, la vidéo ou l’installation, il semble que Perconte n’ait jamais cessé de soutenir l’oeuvre numérique comme entassement.

Les carrés de couleur dans l’image numérique ne sont pas simplement accumulés, mais aussi régis par la pesanteur. L’unité et le sujet de l’oeuvre numérique sont pour Perconte soit un pixel, soit une trame comportant des défauts de compression plus grande qu’un pixel. Ces carrés sont féconds si bien qu’ils promettent sans cesse une autre genèse formelle et chromatique, côte à  côte ou mise en abyme. S’attirant l’un vers l’autre, par exemple dans un étirement lors de la compression, ils interagissent en effet. Ils exercent ainsi une force d’attraction qui n’est autre que la force de pesanteur. Le numérique se trouve dans cet entassement de carrés tenus par la force d’attraction.

La couleur digitale en tant qu’exposition

Qu’est-ce qui résulte de cet entassement de carrés ? L’entassement, dont précèdent toujours le creusement et le tassement, met en évidence le fondement sculptural de la couleur qui peut être creusée, tassée, entassée ou touchée, allant plus loin que l’optique ou le pictural. Perconte dit :

J’essaie de mettre en avant des percées dans l’image. Je troue le paysage pour qu’on y voie des choses à  travers. Le jeu est très pictural. Et finalement, ces empilements de calques et de rajouts finissent par donner l’impression contraire non pas d’une image qui se déploie dans la hauteur mais au contraire qui se creuse. […] le but n’est pas qu’elle ressemble à  de la peinture mais qu’elle vienne se poser sur le paysage et faire vibrer certaines couleurs et certaines lumières d’une autre façon.[14]

Ainsi la couleur digitale se donne-t-elle en tant qu’exposition et non en tant qu’image visible disposée devant nous. La figure sculpturale du tas dans ses oeuvres numériques, ainsi que les équivalences récurrentes entre la terre et la couleur, nous permettent d’établir la structure muséale de cette dernière.

Ce qui est donné à  voir dans le film, ce n’est pas une vibration impressionniste. Les ‟ mouvements de luminance et de chrominance ” sont plutôt les moyens créés ‟ afin de pouvoir entraîner des déformations colorées ”[15].  Ce qui s’expose avec l’entassement de Perconte, c’est une sensation plus catastrophique que la ‟ sensation colorante ” de Cézanne. La compression est une épreuve du devenir périlleuse, un espacement glissant constamment entre naître et mourir :

Vivre dans le devenir, écrit Jeanneret, c’est être toujours en train de naître ou, ce qui revient au même, de mourir. […] cette pensée de l’inchoatif, que nous retrouverons souvent, fonde une philosophie du naître, qui s’oppose à  celle de l’être : naître et naître encore, c’est exister dans la précarité du rebondissement, c’est n’être.[16]

‟ N’être ” c’est aussi neutre, ne-utre : la compression sollicite l’expérience neutre au sens du terme employé par Maurice Blanchot dans son livre L’espace littéraire : ni l’être ni l’autre mais l’expérience de limites confuses entre la mort et la vie, le défaut et l’excès, le visible et la nature non vue.

La compression n’est pas seulement la négation qui bouscule la forme et la couleur jusqu’à  les faire tomber dans l’obscure informe, mais aussi le devenir qui couve le germe d’une couleur inattendue, renaissant sans fin dans cette déchéance. A travers ce ‟ n’être ” permanent de la pesanteur, les couleurs risquent de choir dans le néant, mais peuvent aussi rebondir à  nouveau. Elles vont naître et naître encore, dans une remise en cause de la pesanteur, interminable en principe, donc capable de rendre multiple la force gravitationnelle. Si nous plaçons Perconte dans la filiation de Smithson, Ben, Duchamp, et non dans celle des impressionnistes, cela est dà» à  cette introduction de la pesanteur. La gravitation de compression dont la logique se fonde sur une causalité remaniable à  l’infini, de mouvement, de temps, de densité des détails ou d’intensité lumineuse, cette manière de faire du pesable donne lieu à  l’avènement de couleurs inattendues en remettant en question leur manière d’être. Ainsi sommes-nous exposés ensemble dans une substantialisation de la couleur numérique. C’est un espacement de la physicité dans l’immatériel : la physicité ‟ vient de phusis, qui suggère la croissance ; phuein, de produire/mettre au monde, phunai, de naître. Ta phusika se réfère à  des choses croissant qui sont assujetties à  la génération (et donc, dégénérescence) ”[17]. Phusis, le processus total de la nature, intervient ainsi dans le régime principalement immatériel de l’image numérique, en actualisant sans repos les potentialités physiques de la substance. La couleur digitale à  proprement parler résulte de cet élan de la pesanteur entre le naître et le n’être, de ce contact persistant du visible et du pesable.

[2] Jacques Perconte, ‟ Encodages… ”, note de son journal, le 1 février 2006.

[3] Propos inédit de Jacques Perconte, in ‟ Entretien avec Sun Jung YEO ”, le 20 novembre 2007.

[4] Jacques Perconte, ‟ page 2. Au fil de temps et de la lumière ”, note de son journal, le 11 février 2007.

[5] Jacques Perconte, ‟ Quelques mots sur l’encodage et le paysage ”, note de son journal sur Uishet, le 19 juin 2005.

[6] Jacques Perconte, ‟ Sculpter l’image ”, note de son journal, le 23 janvier 2007.

[7] Jacques Perconte, ‟ Composites et trous ”, note de son journal, le 20 mars 2006.

[8] ‟ J’ai imaginé le Nonsite contenant de façon effective le chaos du Site. En un sens, le conteneur n’est lui-même qu’un fragment qui pourrait s’appeler une carte en trois dimensions. Sans faire appel à  des notions telles que “gestalt” ou “anti-forme”, il existe bien en tant que fragment d’une plus grande fragmentation. Il est une perspective tridimensionnelle qui s’est détachée du tout, tout en contenant le manque de sa propre limitation (containment). Il n’y a pas de mystères dans ces vestiges, pas de traces d’une fin ou d’un commencement. ” Robert Smithson, ‟ Une sédimentation de l’esprit : Earth Projects ”, dans Artforum, septembre 1968. Repris dans Robert Smithson. Une rétrospective : le paysage entropique 1960-1973, MAC, Galeries contemporaines des Musées de Marseille, Marseille , 1994, p. 196 (ouvrage réalisé à  l’occasion de l’exposition ‟ Robert Smithson. Une rétrospective : le paysage entropique 1960-1973 ”).

[9] Jacques Perconte, ‟ Au sujet du trou et des 300kg/m² ”, note de son journal, le 2 mars 2007.

[10] Benjamin Vautier, ‟ Les Tas ” (6 aoà»t 1962), dans Benjamin Vautier, Moi Ben je signe, Lebeer Hossmann, Bruxelles Hamburg, 1975.

[11] Maurice Fréchuret, Le mou et ses formes. Essai sur quelques catégories de la sculpture du XX^e siècle,  Editions Jacqueline Chambon, Nîmes, 2004 (1993), p. 127.

[12] Maurice Merleau-Ponty, Phénoménologie de la perception, Gallimard, Paris, 1981, p. 364.

[13] Jacques Perconte, ‟ Huitième ballade, vers la Ferté ”, note de son journal sur Entre le Ciel et la Terre, le 15 février 2007.

[14] Jacques Perconte, ‟ Composites et trous ”, note de son journal, le 20 mars 2006.

[15] ‟ Je vais chercher à  plusieurs taux de compression à  développer des artéfacts dans les éléments. [...] Ensuite, dit-il, je vais reprendre ces séquences [compressé à  des taux variés] et faire varier les niveaux de blanc dans le temps, créer des mouvements de luminance et ensuite de chrominance afin de pouvoir, en compressant à  nouveau le film entraîner des déformations colorées. ” Jacques Perconte, ‟ premier encodages ”, note de son journal sur Uishet, le 2 juin 2005.

[16] Michel Jeanneret, Perpetuum mobile. Métamorphoses des corps et des oeuvres de Vinci à  Montaigne, Macula, Paris, 1997, p. 39.

[17] Charles E. Scott, The Lives of Things, Indiana University Press, Bloomington, 2002, p. 17.

// (c) Sun Jung Yeo / Pasian di Prato : Campanotto Editore, 2009

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Face à  un amoncellement pyramidal de tables, aussi monumental que son art est minutieux, aussi géométrique que ses pixellisations, on pouvait donc voir et entendre, sur l’écran principal de la salle jullian investie et reconfigurée pour l’occasion, une rétrospective, un trajet à  travers l’ensemble de la production de l’artiste, depuis ses débuts à  filmer le maillage électronique coloré d’un tube cathodique, puis à  revisiter le clip de hung up par madonna ou les altaà¯rs d’hugo verlinde, et jusqu’à  son oeuvre la plus célèbre, uishet, splendide promenade en barque au gré du courant d’huchet, qui évoque autant klimt et Seurat que la remontée d’un fleuve vietnamien filmé par coppola. sauf que l’horreur a fait place à  la splendeur absolue, l’histoire et le paysage à  une abstraction somptueuse, hypnotique, néanmoins traversée par des bribes d’inquiétude devant la métamorphose qu’une machine numérique parvient à  faire subir au réel : apocalypse now ?

Et de chaque côté de ce trajet intime dans sa propre pratique d’images, Jacques Perconte a placé, pour figurer littéralement cet écartèlement d’une pensée fascinée par la beauté des choses autant que préoccupée par leur possible disparition, à  droite, son installation i love you, où un ordinateur quantifie la part d’amour contenue dans les photographies de la femme aimée, à  gauche, le film issu de l’exposition entre le ciel et la terre. les deux projections latérales ont lieu sur des écrans aux dimensions réduites, proches des spectateurs qui peuvent d’ailleurs les traverser et en bouleverser l’ordonnancement lumineux ; elles sont flanquées de deux ipods munis d’écouteurs, qui diffusent à  nouveau, en modèle très réduit, hung up et uishet.

Face à  son public, l’artiste exposait enfin son corps même aux prises avec ses machines, en train de créer en direct des plages de musiques électroniques, un environnement sonore qui achevait de faire de cette séance un véritable opéra numérique et écologique où ont cohabité de façon critique le fétichisme et la bonne distance. Jacques Perconte y a littéralement mis les spectateurs à  ses pieds par cette mise en perspective sensible d’une création audiovisuelle qui enregistre et capte le réel autant qu’elle le défigure et le fait s’évanouir sous les nappes de couleur, les points d’or et les pans d’incarnat dignes des plus grands peintres.

Cette séance impaKt aura duré ce que durent les roses, mais les roses d’isz, dont les pétales imperceptibles, travaillés en explosante-fixe de couleurs, forment l’inoubliable substrat de l’amour.

Texte de Marie Martin pour Impakt, publié le vendredi 3 avril 2009. photographies gary Dejean et jacques Perconte

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Reynald Drouhin, Catherine Nyeki, Jacques Perconte,Grégory Lasserre & Anaà¯s met den Ancxt, Auriea Harvey & Michaà«l Samyn

Jacques Perconte (artiste présent le 7 juin sera également présent à  la table ronde le dimanche 8 juin 15h30 Ecomusée).
La démarche de l’artiste est répertoriée minutieusement sur ses sites où il démontre une culture de l’image classique et une maîtrise des outils actuels pour recomposer et documenter son travail : fils rss, milliers de photos sur flickr etc, tout en insistant sur une rematérialisation toujours possible. Jacques Perconte peut choisir de déplacer physiquement des tonnes de terre dans une galerie ou de manipuler des pixels. Le processus décrit devient alors partie intégrante de l’oeuvre…

Sont exposés :

*uishet

Uishet, sans titre n°4
photogramme n°46
tirage numérique 386mmx280mm
2005-2007

Uishet nano
(version nano du film original)
ipod, et quicktime H264 (13′)
2008

*Entre le ciel et la terre

Entre le ciel et la terre
Etiolles Island, 2007
tirage numérique 400mmx200mm
original 1000mmx500mm

Entre le ciel et la terre
l’îlot d’Etiolles, 2007
tirage numérique 400mmx200mm
original 1000mmx500mm

Entre le ciel et la terre
Déplacer un trou, 2007
tirage numérique 400mmx244mm
original 1640mmx1000mm

Entre le ciel et la terre
Exposition à  la galerie du théatre de l’agora, Evry, 2007
tirage numérique 400mmx256mm

du 7 juin au 1 er aoà»t 2008
vernissage le samedi 7 juin à  18 h.
Espace Public Numérique de Bellême-Sérigny
La présentation sera suivie d’un cocktail
Maison des Associations
Rue du Collège – 61130 SERIGNY
EPN CDC Pays bellêmois Val d’Huisne Pays de Pervenchères

le site de art-griculture / la presse sur l’exposition / art-griculture ici…
http://www.artank.fr / http://www.art-griculture.com

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Le bilan des trois derniers projets importants que j’ai menés est très positif.

J’ai essayé a chaque fois d’accumuler un certain matériel à  des fins pédagogiques. J’ai pris régulièrement des notes, des photographies, j’ai conservé des documents… en essayant de publier régulièrement tout cela sur un blog. La démarche et la technique se sont réglées au fil de ces projets. Le dernier en date, « Entre le Ciel et la terre » bénéficie ainsi d’une très bonne couverture.

Lorsque l’on rencontre un public autour d’une création et qu’on lui raconte à  la fois les parcours poétiques et techniques, à  la fois le chemin qui a guidé les idées et celui qui a guidé les pas, la distance qui existe entre l’oeuvre et le spectateur diminue.
Je pense que c’est aussi magique de voir une forme prendre forme, de voir quels ont été les choix, qu’est ce qui s’est passé. Bien sur il n’est pas question d’y donner autant d’importance qu’à  l’oeuvre elle-même mais c’est façon de raconter la création qui donne des clefs. Et peut-être que finalement le spectateur ayant ces clefs y va moins en prospection face à  l’oeuvre et se laisse plus guider par ses sensations.

Uishet, film vidéo numérique, 13′
K.A.R.A.O.K.E., installation video et performance, avec Michel Herreria Création pour le Festival Ritournelles, Bordeaux
Entre le Ciel et la Terre, installation

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Entre le ciel et la terre / du 14 au 31 mai, Evry

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La ligne qui dessine la direction vers l’horizon.

sur Entre le ciel et la Terre, Etiolles, mars 2007

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Galerie du Théâtre de l’Agora, Evry

dans le cadre de sa résidence de création au Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne et de sa participation au festival SIANA 2007.

1,3 tonne de terre d’Etiolles répartie dans 36 boites en bois de 40cmx40cmx30cm
16 carrés d’herbe d’Etiolles découpée (qui pousse) de 40cmx40cmx10cm
30 mètres de pointillés rouges
1 film de 25 minutes
18 tirages numériques
…
! une visite est prévue la semaine prochaine mardi ou mercredi au départ de Paris.
Si cela vous tente : viree [a] technart.net

Contact : jacques perconte 06 60 61 54 08

Théâtre de l’Agora
Place de l’Agora
91000 Evry

http://www.technart.fr/Evry-Essonne/
http://www.flickr.com/photos/jacquesperconte/sets/72157594585835492/ l’exposition
http://www.flickr.com/photos/jacquesperconte/sets/72157594442236189/ le projet au jour le jour…

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Depuis quelques années, le grand public se voit doté d’outils informatiques susceptibles de modifier son rapport à  l’espace et au territoire. Après la mise à  disposition d’images satellites de la totalité du globe, les GPS personnels apparaissent aujourd’hui et conseillent l’utilisateur dans ses déplacements. Néanmoins, la raison d’être de ces outils interdit une chose primordiale : la possibilité de se perdre.
Dans une quête informatique utilisant les technologies de positionnement GPS et de cartographie publique, Jacques Perconte va arpenter le territoire de l’Essonne afin d’enrichir sur le terrain l’expérience purement abstraite et plastique de la cartographie à  laquelle nous sommes confrontés dans nos approches contemporaines de l’espace. Inspiré par les oeuvres de land-art de Dennis Oppenheim ou Alan Sonfist, il se lancera dans une course au trésor dont la seule récompense sera l’appropriation (dans tous les sens du terme) d’un territoire inconnu. Finalement, à  force d’efforts, peut-être même réussira-t-il à  s’y perdre…
Afin de suivre toutes les étapes de la création de l’oeuvre, Jacques Perconte a ouvert un site regroupant ses réflexions autour du projet. Ce site accueillera ses notes de travail ainsi que tous les éléments recueillis à  l’occasion des balades dans l’Essonne.

Par Pierre Ménard le mardi 13 mars 2007, 18:30 – DERIVES – Lien permanent /
liminaire : le bloc-notes de Pierre Ménard

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L’une des plus vieilles et des plus actuelles questions posées à  l’humanité en général et aux artistes en particulier porte sur la relation entre la carte et le territoire. Etre humain, c’est s’orienter (et comme l’ont souligné de nombreux chercheurs, la fameuse mondialisation pose le problème de cette perte d’orient, c’est-à -dire de cette désorientation). Etre humain, c’est s’orienter dans l’espace et dans le temps, et toutes les techniques inventées par les hommes n’ont eu de cesse que de chercher à  nous affranchir de notre appartenance à  un sol et à  une époque uniques, à  un ici et un maintenant auquel nous n’avons de cesse de vouloir échapper, (comme pour échapper à  la mort). Le propre de l’homme est de porter son regard au-delà  des limites prescrites par la contingence et la fatalité de cet ici et maintenant î et l’histoire, comme la géographie, mais plus généralement toutes les techniques de mémoire et d’enregistrement, participent de cette ouverture de l’espace et du temps au-delà  des limites prescrites par la finitude de notre vie humaine (la carte étant l’une de ces techniques). Avec les réseaux, et le processus de déterritorialisation auquel il conduit, c’est ainsi un nouveau sentiment d’appartenance que nous éprouvons : non plus l’appartenance à  un lieu unique î quartier ou ethno culture, mais à  plusieurs. Nous sommes à  la fois citoyens du monde, habitants d’une ville, touristes consommateurs, voisins de palier, voyageurs de commerce, usagers des transports rapides, passagers et passants, surfeurs sur le web, et membres de diverses communautés. Un tel éclatement spatiotemporel est certes une conquête (la conquête de l’ubiquité pour le dire très exactement avec Paul Valéry), mais cette multiplication de nos identités ne va pas sans poser de problèmes, et tels le personnage de Michaux dans ‟ qui je fus ”, il nous arrive de plus en plus souvent de nous demander qui nous sommes, et où nous habitons. De tels questionnements ont contribué à  faire émerger dans le champ artistique les questions du lieu, du territoire, du site comme autant de questions cruciales, s’il est vrai que l’art contemporain, contrairement à  l’art des siècles passés est un art mondialisé, qui s’est libéré lui aussi de tout arrimage à  un sol (et il est vrai, comme le souligne Daniel Bougnoux et pour prendre un exemple déjà  ancien, que le Pop Art est un art qui se trouve partout chez lui î même si la mondialisation de l’art s’effectue sous les auspices d’un marché qui bat majoritairement pavillon américain). Comment articuler lieu et délocalisation, projection cartographique et trajection dans l’espace réel, abstraction et concrétude, mise en forme mathématique d’un monde livré à  notre pure intelligibilité et expérience sensible des forces qui agissent au coeur même des lieux et milieux humains. Telles sont les questions auxquelles les oeuvres de Jacques Perconte tentent d’apporter une réponse originale.

Originale, car cette oeuvre – et singulièrement le travail de commande présenté dans le cadre de la semaine internationale des arts numériques et alternatifs (SIANA) au théâtre de l’agora d’Evry î ne cherche pas à  opposer l’espace concret du territoire à  l’espace mental de la carte. C’est à  une déambulation dans (et entre) l’un et l’autre de ces espaces que nous sommes invités simultanément, à  une expérience qui en appelle indissolublement à  notre vue et à  nos sens. Si le regard cartographique est un regard surplombant qui î comme la perspective de la Renaissance î met en ordre le monde à  travers la suprématie de l’oeil, et de tous les appareils de projection qui s’en suivirent, le nouveau paradigme des sciences et des techniques qui se présente avec et après la cybernétique contribue à  la formation d’un nouveau milieu technique dans le quel l’oeil n’est plus le sens qui domine. Le monde actuel et les prothèses et autres objets nomades qui le composent, relèvent d’un principe de commande qui obéit à  l’oeil et au doigt, qui en appelle au tactile autant qu’au visible, à  l’haptique autant qu’à  l’optique. C’est cette mutation qu’un artiste comme Jacques Perconte, artiste du temps de la programmation, semble avoir saisie, quand ils nous donne des oeuvres à  éprouver autant qu’à  voir, à  toucher et à  sentir î telle la terre de l’Essone – autant qu’à  décoder î contribuant ainsi à  lever la vieille opposition de l’art comme ‟ cosa mentale ” à  la Renaissance, et de l’art comme expérience des sens voulue par les impressionnistes (‟ l’oeil, une main ”, disait Manet à  Mallarmé). C’est dans cet entre deux qu’opère Jacques Perconte, qui a compris (contre ceux qui opposent classicisme et modernité) la leçon de Manet et celle de Vinci î et qui, en un sens, les réinvente en les articulant.

Norbert Hillaire, université de Nice Sophia-Antipolis le 15 mars 2007

Entre le ciel et la terre, du 14 au 31 mars 2007, galerie du théâtre de l’Agora, Evry
Images de l’exposition : Entre le ciel et la terre
Images de l’aventure et du montage : Evry-Essonne
Le blog journal du projet : Evry-Essonne (une partie des posts sont repris ici)

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[flv:http://www.technart.net/entre-le-ciel-et-la-terre/Jacques-Perconte-Entre-le-Ciel-et-la-Terre.flv 500 400]

Cinq mouvements de cinq minutes pour cinq évènements.

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La semaine internationale des arts numériques et alternatifs (Siana) se tient à  Evry du 14 au 17 mars. L’occasion de découvrir les usages utilitaires mais aussi créatifs des technologies numériques, et de réfléchir aux nouveaux comportements sociaux, politiques et économiques générés par ces nouvelles technologies.

Siana, la semaine internationale des arts numériques et alternatifs, est une manifestation d’un genre peu commun, proposée par la ville d’Evry, l’INT(Institut National de Télécommunications), le Théâtre de l’Agora (Scène Nationale d’Evry et de l’Essonne), et le Conseil général de l’Essonne. Elle a pour objectif de renouer un dialogue entre arts et technologies numériques, et d’être un lieu d’échange et de dialogue entre chercheurs, artistes, ingénieurs et managers. [...]

Côté expositions et performances, de nombreux artistes présenteront leurs travaux : Jacques Perconte, photographe / vidéaste / plasticien, présentera son oeuvre Entre le ciel et la terre. Celle-ci fait intervenir la technologie GPS (Global Positioning System ; système de positionnement mondial) dans une recherche numérique sur le paysage d’Evry et de l’Essonne ; [...]

N’oubliez pas de consulter attentivement le programme. En effet, ces conférences et performances se tiennent dans des lieux différents : théâtre de l’Agora, mairie d’Evry, INT,…
Programme et renseignements : www.siana-evry.fr
Théâtre de l’Agora : 01 60 91 65 65
Service culturel de la ville d’Evry : 01 60 91 07 23

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numedia-edu site d’éducation aux nouveaux médias et à  la création numérique

Jacques PERCONTE, qui a récemement présenté son travail à  Paris à  la Maison du geste et de l’image (MGI) sera présent du 14 au 31 mars Galerie du Théâtre de l’Agora, Evry avec Entre le ciel et la Terre.

http://www.technart.fr/Evry-Essonne

1,3 tonne de terre d’Etiolles répartie dans 36 boites en bois de 40cmx40cmx30cm
16 carrés d’herbe d’Etiolles découpée de 40cmx40cmx10cm
30 mètres de pointillés rouges
1 film de 25 minutes
18 tirage numériques

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sur le blog voyageur d’A360 / À 360° vous présente l’actualité du voyage et des voyageurs, qu’ils soient aventuriers, artistes, réalisateurs, photographes, chercheurs, archéologues, journalistes, humanitaires, businessmen ou touristes curieux. Tous voyageurs !

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Dans le cadre de la semaine internationale des arts numériques et alternatifs (SIANA), Jacques Perconte présente l’installation Entre le ciel et la terre.

Photographe, vidéaste et plasticien, Jacques Perconte a reçu commande d’une oeuvre dans le cadre de sa résidence au Théâtre de l’Agora. Encore en cours d’élaboration, cette oeuvre fera intervenir la technologie GPS dans une recherche numérique sur le paysage d’Evry et de l’Essonne. Sa réflexion se base sur les travaux d’intervention sur le paysage et de ‟cartographie émotionnelle” qui ont déjà  pu être explorés par des artistes de land-art tel que Dennis Oppenheim.

Depuis quelques années, le grand public se voit doté d’outils informatiques susceptibles de modifier son rapport à  l’espace et au territoire.
Après la mise à  disposition d’images satellites de la totalité du globe, les GPS personnels apparaissent aujourd’hui et conseillent l’utilisateur dans ses déplacements. Néanmoins, la raison d’être de ces outils interdit une chose primordiale : la possibilité de se perdre. Dans une quête informatique utilisant les technologies de positionnement GPS et de cartographie publique, Jacques Perconte va arpenter le territoire de l’Essonne afin d’enrichir sur le terrain l’expérience purement abstraite et plastique de la cartographie à  laquelle nous sommes confrontés dans nos approches contemporaines de l’espace.

L’installation ‟Entre le ciel et la terre” est le témoignage d’une quête de plusieurs mois, d’une course au trésor sans trésor, au travers des paysages de l’Essonne. Ces paysages auront d’abord été soigneusement sélectionnés par l’artiste, de chez lui, à  partir de données cartographiques publiques (Google Maps, Yahoo Maps), puis répertoriés et étudiés au cours de promenades in situ équipé d’un appareil GPS.

Une fois que le bon emplacement aura été choisi, l’artiste y prélèvera un volume de terre qu’il transportera dans le lieu d’exposition afin de le mettre en scène au milieu des photographies, vidéos et données cartographiques témoignant de sa démarche.

Exposition du 14 au 31 mars
Galerie du Théâtre de l’Agora, Evry
Pour suivre l’évolution du projet +++

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par Puck sur aeiou / fluctuat.net

Demain débute à  Evry le festival Siana, dévolu aux arts numériques (on vous en reparle asap). C’est l’occasion rêvée pour présenter l’installation work in progress de Jacques Perconte, intitulée Entre ciel et terre et inspirée du land art. Une petite révolution bucolo-artistique, préparée avec Google Map et pilotée via GPS, à  suivre au jour sur le jour sur le superbe blog dédié.

Extrait : « L’installation “Entre le ciel et la terre” est le témoignage d’une quête de plusieurs mois, d’une course au trésor sans trésor, au travers des paysages de l’Essonne. Ces paysages auront d’abord été soigneusement sélectionnés par l’artiste, de chez lui, à  partir de données cartographiques publiques (Google Maps, Yahoo Maps), puis répertoriés et étudiés au cours de promenades in situ équipé d’un appareil GPS.

Une fois que le bon emplacement aura été choisi, l’artiste y prélèvera un volume de terre qu’il transportera dans le lieu d’exposition afin de le mettre en scène au milieu des photographies, vidéos et données cartographiques témoignant de sa démarche. » (+ d’info)

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Entre le ciel et la terre, de Jacques Perconte

Entre le ciel et la terre est une installation pluri média réalisée à  la galerie du Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne et de sa participation au festival SIANA 2007. Elle y sera visible du 13 mars au 6 avril 2007. Une découverte de quelques points du territoire de l’Essonne au moyen des nouvelles technologies. Un voyage réflexif sur les liens entre l’art et ces nouvelles technologies. Une proposition plastique…

Depuis quelques années, le grand public se voit doté d’outils informatiques susceptibles de modifier son rapport à  l’espace et au territoire. Après la mise à  disposition d’images satellites de la totalité du globe, les GPS personnels apparaissent aujourd’hui et conseillent l’utilisateur dans ses déplacements. Néanmoins, la raison d’être de ces outils interdit une chose primordiale : la possibilité de se perdre.

Dans une quête informatique utilisant les technologies de positionnement GPS et de cartographie publique, Jacques Perconte va arpenter le territoire de l’Essonne afin d’enrichir sur le terrain l’expérience purement abstraite et plastique de la cartographie à  laquelle nous sommes confrontés dans nos approches contemporaines de l’espace. Inspiré par les oeuvres de land-art de Dennis Oppenheim ou Alan Sonfist, il se lancera dans une course au trésor dont la seule récompense sera l’appropriation (dans tous les sens du terme) d’un territoire inconnu. Finalement, à  force d’efforts, peut-être même réussira-t-il à  s’y perdre…

Afin de suivre toutes les étapes de la création de l’oeuvre, Jacques Perconte a ouvert un site regroupant ses réflexions autour du projet. Ce site accueillera ses notes de travail ainsi que tous les éléments recueillis à  l’occasion des balades dans l’Essonne.

En retraversant le parking, je suis attiré par un truc sur le côté, un bout de jardin auquel je n’avais pas fait attention en arrivant. Qu’est ce que c’est ? Une hutte se tient à  quelques mètres de moi. C’est ça, c’est le centre de découverte archéologique. J’appelle Grégoire et nous nous dirigeons vers l’entrée. Il ya un petit bâtiment sur lequel se tient une plaque : ‟ Conseil général de l’Essonne ; Domaine d’Etiolles ; Centre d’exposition archéologique ”. Nous y sommes, une petite clôture d’environ 50cm de haut nous sépare de notre objectif. Une chaîne traîne, un des passages est ouvert, nous entrons. Le jardin n’est pas très grand. Quelques centaines de mètres carrés. Un chemin jonché de panneaux indicatifs trace la route à  suivre. Il y a peut-être une dizaine d’étapes.

Une hutte, un four, une pierre, un tronc d’arbre frappé par la foudre, c’est ce qu’il reste. Un panneau est détaché. L’abandon de cet espace n’est pas flagrant. La pelouse a l’air entretenue. Nous avançons.

Je commence à  projeter l’idée de mon travail : le trou mis en scène par là … Il y a une très belle pierre. J’imagine la ramener dans la galerie, elle doit bien peser une centaine de kilos. Elle serait une belle trace de ce lieu en plus du prélèvement de terre. Je la photographie, c’est vraiment un élément important. On la voit sur la photo satellite. Ici dans ce contexte on imagine quelle a été le témoin de l’histoire î outre sa nature î elle a du être directement impliquée dans la vie de l’Essonne il y a des milliers d’années. Elle est bien plus qu’une pierre naturellement inscrite dans l’histoire, elle est mise en scène comme telle.

J’avance encore et je me retourne pour voir cette hutte d’un peu plus loin. Je vois une proposition de cadre pour le paysage que je prépare. L’herbe bien verte, l’arbre brà»lé, la pierre, la hutte, les arbres, le ciel… Voilà  une bonne perspective. L’arbre foudroyé et le contre-jour amènent l’idée du feu. Je vais creuser un trou puis filmer cal cavité et la mettre en scène. J’imagine faire un feu que nous entretiendrions le temps du film. Un feu qui éclairerait discrètement la hutte en contre-jour. Un feu qui avec les nuages et les branchages viendrait signifier le temps.

Le lieu me plait bien. Creuser dans un espace qui a été réservé à  l’archéologie, mettre en scène le travail ici avec al hutte, la perspective ouverte… l’aspect pratique î le lieu appartient au conseil général, il est à  priori fermé… tout me pousser à  croire que j’ai d’ore set déjà  trouvé mon endroit, dès cette première balade. J’en discute avec Grégoire à  qui le lieu plait aussi… A suivre.

les images de la balade à  Etiolles

la carte du trajet sur Google Earth

Originalement posté sur le blog dédié au projet Entre le ciel et la terre : Evry-Essonne . Entre le ciel et la terre, résidence de création au Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne / festival siana 2007.Théâtre de l’agora. Entre le ciel et la terre, du 14 au 31 mars.

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Un grand nombre de mes oeuvres, sinon toutes, tirent leurs origines de feuilles, de branches, de la neige, de la glace… Elles ne se présentent pas d’emblée comme grandes. Idées et formes changent souvent d’échelle par la répétition d’une forme.

Je m’efforce, à  chaque fois que c’est possible, de produire une ou deux oeuvres ephemeres par jour. Elles sont conçues pour un endroit particulier et peuvent durer aussi bien quelques minutes que quelques jours. Elles sont une exploration de la terre, souvent faites sans savoir ce que sera le résultat. Ce sont des réactions intuitives à  la lumière, au matériau à  l’heure, au temps. La nécessité de commettre des erreurs et de produire parfois des oeuvres médiocres, fait partie du processus. Je connais beaucoup plus d’échecs que de succès. C’est ainsi que j’apprends.

Andy Goldsworthy

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Installation de Jacques Perconte

dans le cadre de sa résidence de création au Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne et de sa participation au festival SIANA 2007.

Propos

Depuis quelques années, le grand public se voit doté d’outils informatiques susceptibles de modifier son rapport à  l’espace et au territoire. Après la mise à  disposition d’images satellites de la totalité du globe, les GPS personnels apparaissent aujourd’hui et conseillent l’utilisateur dans ses déplacements. Néanmoins, la raison d’être de ces outils interdit une chose primordiale : la possibilité de se perdre.

Dans une quête informatique utilisant les technologies de positionnement GPS et de cartographie publique, Jacques Perconte va arpenter le territoire de l’Essonne afin d’enrichir sur le terrain l’expérience purement abstraite et plastique de la cartographie à  laquelle nous sommes confrontés dans nos approches contemporaines de l’espace. Inspiré par les oeuvres de land-art de Dennis Oppenheim ou Alan Sonfist, il se lancera dans une course au trésor dont la seule récompense sera l’appropriation (dans tous les sens du terme) d’un territoire inconnu. Finalement, à  force d’efforts, peut-être même réussira-t-il à  s’y perdre…

Objet

L’installation « Entre le ciel et la terre » est le témoignage d’une quête de plusieurs mois, d’une course au trésor sans trésor, au travers des paysages de l’Essonne. Ces paysages auront d’abord été soigneusement sélectionnés par l’artiste, de chez lui, à  partir de données cartographiques publiques (Google Maps, Yahoo Maps), puis répertoriés et étudiés au cours de promenades in situ équipé d’un appareil GPS.

Une fois que le bon emplacement aura été choisi, l’artiste y prélèvera un volume de terre qu’il transportera dans le lieu d’exposition afin de le mettre en scène au milieu des photographies, vidéos et données cartographiques témoignant de sa démarche.

Conception

1- Les balades

Après avoir scruté les alentours d’Evry à  l’aide de sites publiques d’imagerie satellite, puis sélectionnés des lieux pouvant être propices à  la réalisation du projet, Jacques Perconte organisera ses balades. Seul ou accompagné, il se rendra à  l’endroit exact des lieux sélectionnés afin de faire des relevés topographiques, des photographies, et d’étudier la faisabilité du projet sur place. En plus des informations recueillies, on gardera une trace de ces balades grâce à  une vidéo réalisée à  chacune de ces occasions.

2- Le trou

Une fois le lieu choisi, à  la fois pour des raisons artistiques, mais aussi de faisabilité administrative, Jacques Perconte commencera à  creuser un trou (dimensions environ 4 mètres par 2,25 mètres), sans l’aide d’outil mécanique. La terre sera ensuite tamisée, séparée de tout élément végétal ou animal, puis stockée dans des caisses pour le transport.

Une fois le trou achevé, l’artiste installera une caméra orientée vers le ciel en son centre et tournera une vidéo selon le principe de chronophotographie.

3- L’installation

Amenée dans la galerie du Théâtre de l’Agora, la terre sera disposée par l’artiste dans une boite en plexiglas faisant apparaître ses différentes couches. Au centre de cette boîte, un écran LCD grand format diffusera la vidéo du ciel à  l’endroit réel du trou.

Dans le reste de la pièce, l’artiste mettra en scène photographies, cartes, textes, relevés topographiques témoignant de la totalité de sa quête.

Diffusion

« Entre le ciel est la terre » sera présentée à  partir du 13 mars 2007 dans la galerie du Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne, dans le cadre du festival SIANA 2007.

A la suite de cette présentation, la terre sera stockée dans les boîtes accompagnée d’un système de localisation GPS permettant à  quiconque de suivre ses éventuels déplacements sur le site consacré au projet.

Work in progress

Afin de suivre toutes les étapes de la création de l’oeuvre, Jacques Perconte a ouvert un site regroupant ses réflexions autour du projet (http://www.technart.fr/Evry-Essonne/). Ce site accueillera ses notes de travail ainsi que tous les éléments recueillis à  l’occasion des balades dans l’Essonne.

Caractéristiques techniques de l’installation:

- Appareil photo GPS numérique

- Caméra numérique

- Boîte en plexiglas « ouverte » de 4 mètres sur 2,25 mètres environ. La dimension finale respectera le rapport 1,77 d’un écran 16/9. La boîte est par ailleurs doté d’un système de ventilation.

- Ecran LCD 16/9

- Lecteur de DVD

- Impression sur toile de photographies, textes et éléments cartographiques.

- Un moniteur + casque diffusant la vidéo des balades et du creusage du trou.

- Livret au format A4, feuilles plastifiées rigides indiquant la démarche de l’artiste.

Travail de sensibilisation

Dans le cadre de sa résidence au Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne, Jacques Perconte dispensera par ailleurs au moins deux ateliers de sensibilisation autour de son travail présent et passé, en direction des publics du Théâtre. L’un de ses ateliers pourra même se dérouler à  l’endroit où le trou sera creusé.

Originalement posté sur le blog dédié au projet Entre le ciel et la terre : Evry-Essonne . Entre le ciel et la terre, résidence de création au Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne / festival siana 2007.Théâtre de l’agora. Entre le ciel et la terre, du 14 au 31 mars.

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Il y a dix ans je suis tombé sur un texte qui étudiait les discours sur la réalité virtuelle pour essayer de comprendre leur fonctionnement et surtout les intentions, parce qu’il y a dix ans les théories intellectuelles avaient tendance à  s’octroyer plus de place que les projets artistiques eux-mêmes. La fascination déployée par la technologie propulsait les esprits sur la piste de la vérité. Ces images étaient tellement différentes qu’on croyait qu’elles étaient plus… Et finalement on ne s’occupait pas d’elles mais des ébats de la pensée agitée par l’innovation : reconsidérons le monde, la philosophie, l’art…

Et que s’est-il passé en dix ans ? Est-ce que les productions artistiques qui utilisent les nouvelles technologies sont perçues en dehors de l’enthousiasme technique ? Avons-nous la même conscience du travail réalisé par l’artiste quand il dispose de l’interactivité ou du code pour s’exprimer que lorsqu’il ne les utilise pas ?

Toujours la technique impressionne, un dessin magnifiquement exécuté où le crayon aura été maîtrisé au point de donner l’impression de vérité, où les détails fourmillent, fascine. On reconnaît souvent face à  son impuissance à  priori le génie de l’exécutant. Avec les nouvelles technologies souvent le dispositif et les moyens mis en oeuvre capturent presque toute l’attention du spectateur. Le spectacle de l’innovation en jeu prend la place de l’expérience qui devrait se produire. Peut-être que trop souvent l’art devient le support de la recherche technique : le message repose sur le processus interactif… qu’est ce qu’amènent les nouvelles technologies à  l’art ?

On appelle ‟ vitesse de libération ” la vitesse que doit prendre un corps î un avion par exemple î pour échapper à  l’emprise gravitationnelle d’un autre, la terre. Les nouvelles technologies se sont installées dans les moteurs de désirs de la consommation. On convoite les ordinateurs, les téléphones, les appareils photos, les téléviseurs, les systèmes de géolocalisation au rythme de l’innovation. La quête technologique, les besoin de maîtrise de l’information, de régulation de la position de soi sur terre s’installent dans l’inconscience.

Alors pour éviter de ne rien comprendre, on explique tout, parce que dans notre société, ce qu’on ne comprend pas est vite louche, et si les modèles explicatifs existants ne suffisent pas, la curiosité ne souffle que rarement l’idée que la compréhension est parfois inutile et que nous ne sommes pas que des êtres intellectuels mais des aussi des êtres sensoriels.

Il y a certainement plus de choses que j’aime et que je ne comprends pas, qu’il m’est impossible de maîtriser et que je ne voudrais certainement pas assujettir à  mes désirs que de formes qui me sont acquises définitivement. Mais si ces relations de désir, de jeu se passent dans l’enveloppe de l’objet (voir d’une oeuvre que sa facture î où même qu’une partie de son image, penser sa place, ses enjeux), si finalement c’est notre culture qui est la seule partie prenante, nous affirmons encore plus que ne sommes pas là , que nous ne sommes pas particuliers, que nous ne sommes pas autre chose que des systèmes d’organisation informationnels qui réagissent logiquement où l’émotion est liée à  une quantité mesurable de choses î ce qui est faux.

Si nous jouons comme cela, cela veut dire que nous effaçons une partie de nous î la plus grande, parce que peut-être nous ne savons pas comment faire avec… Alors il s’agit de lâcher-prise, de se laisser aller…. Il faut atteindre la vitesse de libération.

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Entre le ciel et la terre, installation : terre, cailloux, plexiglas, moniteur lcd, lecteur de dvd, tirages pvc couleur…

Je découvre les environs d’Evry à  partir des cartes, des images satellites, de tout ce que je trouve en ligne. Je commence à  me faire des idées sur les endroits que j’aimerais visiter.

La première partie de ce projet se constituera de repérages. Il sera question de comprendre le territoire, de le saisir comme il est, d’entendre de quoi il est question, de placer l’homme dans son contexte et de voir qui domine qui et pourquoi. Il faut trouver un endroit calme, paisible, pour y faire un prélèvement. Trouver une portion de terre qui soit pure et saine, libérée de la main de l’homme et de ses besoins intense de rentabilité. Pour cela, à  ma façon je vais marquer, cartographier, collectionner des formes. Dans le contexte presque nécessairement innovant des nouvelles technologies, je vais me contenter de me positionner comme un utilisateur quelconque. Avec des outils grand publics liés aux tendances je vais continuer à  produire ici des notes et des remarques en lien direct avec le terrain : billets sur le blog et photographies géo localisées, cartes, images et dessins infographiés. J’écris un carnet de voyage, un livre en ligne sur mes recherches.

Une fois les repérages terminés, il faudra choisir l’emplacement du prélèvement pour engager les travaux d’extraction. Je n’ai pas encore décidé de la taille exacte du prélèvement, sur mes premiers schémas, il s’agit d’une cavité de 5,33m sur 3m et de 1 m de profondeur. Il se peut qu’il y ait deux prélèvements de plus petite taille faits à  des endroits différents. La profondeur sera certainement plus faible pour que la cavité une fois abandonnée ne représente pas un danger.

Le prélèvement doit être fait sur un terrain relativement plat et dégagé, à  proximité d’un arbre. S’il pleut, il faudra faire en sorte de préserver la parcelle au sec.

J’envisage le travail un peu sous un angle archéologique. Vu que le travail sera exécuté au mois de février, il est fort probable que la terre sera gelée. Il faut faire attention en extrayant la terre en faisant attention à  ne pas abimer les racines de l’arbre. Il faudra tamiser la terre, laver les pierres en triant les éléments trouvés. Il faudra séparer le minéral du végétal et de l’animal. Le minéral sera embarqué dans des caisses de bois, le végétal sera mis de côté dans d’autres caisses, les bêtes seront remises en liberté. Une fois la profondeur atteinte, une caméra sera placée au centre de la cavité et orientée de façon à  cadrer le paysage en y intégrant la bordure du trou et l’arbre. Un film sous la forme d’une chronophotographie sera enregistré dur une période allant du lever du jour au coucher du soleil. Ensuite, le minéral sera emmené vers la galerie et les autres prélèvements seront remis dans la cavité. Le trou sera rendu au temps et la nature poussera lentement les parois pour que finalement l’emplacement du prélèvement disparaisse.

A la galerie, les prélèvements sera installé dans une structure en plexiglas de la taille de la cavité au milieu de laquelle sera disposé un moniteur lcd de grand format raccordé à  un lecteur dvd. Les pierres seront placées au fond de façon ordonnée. Elles seront recouvertes de la terre. La structure sera remplie jusqu’au raz du bord (le manque de la quantité de matière écartée au tri sera comblé par le téléviseur. Le téléviseur diffusera le film fait depuis la cavité.

Autour de l’installation, seront accrochés des tirages photographiques et des cartes retraçant le processus. On pourra aussi consulter un livret qui mettra en scène les notes et les relevés.

Le site internet présent servira de relai pendant toute la durée du projet. On pourra aussi y suivre l’histoire de l’oeuvre si elle en a une…

posté sur le blog du projet Entre ciel et terre : Evry Essonne

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‟ Tout ”, c’est aujourd’hui, au choix : un aventurier, un sauveteur de l’humanité, un ethnologue amateur, un hardi explorateur. Il faut désormais au touriste du sens, de l’‟ authenticité ”. L’authenticité devient ainsi un produit comme un autre et tout l’art du voyagiste est de savoir la fabriquer. Le tourisme façonne donc les lieux, la nature et la culture en fonction des représentations mentales que leurs visiteurs s’en font. C’est ainsi que la planète se ‟ disneylandise ” sous l’influence du tourisme de masse : les paysages se muent en décors et les protagonistes qui y vivent en acteurs, prêts à  endosser la panoplie de l’authenti- cité pour coller aux attentes de ce touriste pourvoyeur de devises.

Je voudrais vous conseiller deux articles de Sylvie Brunel sur le tourisme … ils se recoupent et sont liés au livre qu’elle a publié : « La Planète disneylandisée« . Chroniques d’un tour du monde ”… le premier est en accès libre : Vers une disneylandisation universelle. Le second est en accès payant (2€) : Quand le tourisme disneylandise la planète (extrait ci-dessus).

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Si je fais une recherche sur Evry, la première réponse de google est la carte (Yahoo me propose l’université)… Je suis déjà  allé plusieurs fois à  Evry. J’ai l’habitude d’avoir recours à  des plans quand je vais quelque part. Depuis que les outils de cartographie satellite se sont développés, je m’en sers aussi assez fréquemment î plus souvent de Google maps que de yahoo maps, certainement par habitude. Donc très souvent je connais d’abord le lieu où je vais me rendre par ce que j’en ai vu du ciel. Je suis vite fasciné par ces images d’en haut. Je pense que l’effet est le même chez bon nombre d’entre vous. L’impression d’omniscience qui s’installe quand on navigue au dessus de la terre est très forte. Nous sommes certainement en train de changer nos rapports au paysage et à  notre environnement.

Nos parents n’ont pas connu cette sensation de la compression du temps et de la distance. Nous changeons nos rapports parce que nous voyons beaucoup de choses, nous les voyons de trop près même. D’un endroit inconnu aujourd’hui, il est assez facile de trouver des cartes, d’avoir même une image satellite où les photographies de gens qui y sont déjà  allés. Comme si il existait déjà  une perception de tout, codée par la culture et la demande. Une perception codée, car il y a une culture de l’image, qui fait son écriture et qui dicte presque les images qui se font : quand on cherche des images d’un lieu, on cherche des images caractéristiques, des images qui répondent à  une attente et entrainent une compréhension : des images d’une certaine façon générales, qui représentent ce que l’on ne connaît pas. Quand on fait des images d’un lieu qu’on découvre, une partie de ces images essaie de construire un souvenir intégral, général… Alors, avec une carte, une image satellite et des photos, quand on découvre un lieu qu’est ce qu’il se passe ?

Bien sur et heureusement la plupart d’entre nous n’ont pas ce rapport au paysage, mais… ou allons-nous ? La carte est assez répandue, mais il faut compter avec l’explosion de la consommation de GPS î beaucoup pour les voitures aujourd’hui î mais de plus en plus pour de piétons aussi, j’ai croisé des touristes qui marchaient au GPS dans le cimetière du père Lachaise. Il faut se rendre compte que les gens ont de plus en plus un rapport distancié avec leur environnement. Que permet le GPS ? Il aide à  se positionner, à  s’orienter, et à  atteindre son but le plus intelligemment possible î selon sa logique écrite. Qu’est ce qu’il ne permet pas ? De se perdre évidement. Et même si la technique a des failles et qu’accidentellement, on peut s’égarer, il saura vite se rattraper car il sait se corriger. Il est assez intelligent aussi pour savoir ce qu’il y a à  voir et où il faut manger. Mais qui est intelligent ? Il faut voir ce qui est instauré comme étant de l’ordre ce ce qu’il faut voir, ce sont des décisions relatives à  un ordre qui n’est pas le notre. Il y a un marketing culturel derrière tout cela, encore plus quand il s’agit de consommer.

A propos des touristes que j’ai croisés au père Lachaise et qui avançaient par satellite, je me demande si les tombes qu’ils souhaitaient voir étaient marquées sur leur appareil : pour la tombe de Jim Morrison, tournez à  gauche dans 50mètres. La tête vers l’écran entre les tombes. En exagérant, le lieu qu’ils visitent devient une zone sauvage où il y sa des trésors à  trouver. Le jeu de la quête efface le paysage avoisinant. Je pense à  la carte au trésor, c’est amusant l’analogie, le touriste ou le travailleur, perdu, qui regarde son GPS et où sa destination apparaît d’un signe au bout d’une ligne marquée sur un plan codé…

Sur google maps et Yahoo maps les images satellites que l’on consulte on généralement plusieurs années. Le paysage avec le quel on joue n’est plus celui qui est. Les impressions de vérité et d’immédiateté sont fausse î on navigue en temps réel, on a l’impression que maintenant c’est comme ça, non, on navigue effectivement à  travers l’image à  une vitesse proche du temps réel mais sur la terre à  certains endroits, il y a cinq ans, seulement deux à  d’autres, il y a dix peut-être à  certains… en plus avec des qualités différentes, certains endroits sont très détaillés. On peut descendre à  des échelles élevées, on peut presque voir les gens. Alors qu’à  d’autres endroits, on ne peut voir la terre qu’à  quelques kilomètres de distance. On peut se dire que ces différences de résolution (de définition) des zones est du au travail titanesque que cela représente, mais est-ce qu’il n’y a pas aussi des choix qui sont faits ? Est-ce que quand ils auront finit de compulser toutes les données et d’ajuster toutes les cartes satellites, on aura accès à  des images très définies des grandes forêts, des champs, des océans ? Des endroits où il n’y a aucune valeur ajoutée ? Ou est-ce que le paysage se dessine ici par intérêt ?

Est-ce que certains ont perdu leur liberté face au paysage ? Est-ce que pour quelques uns il peut être difficile de passer quelques heures à  marcher un peu nulle part comme ça, pour sentir l’air, sentir la terre ? Juste pour marcher ? Est-ce que pour ceux là , il est nécessaire d’aller à  un endroit précis, pour quelque chose et que pour y aller il est important de prendre la route la plus courte ?

posté sur le blog du projet Entre ciel et terre : Evry Essonne

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Entre Evry et moi, il y a Orly, et c’est plus fort que moi à  chaque fois que j’y passe, à  chaque fois que je vois le va et vient des avions, j’ai aussi envie de décoller. Est-ce qu’à  Evry les avions font partie du quotidien ? Qu’ets ce qu’on voit depuis en haut ?

En tout cas, ici on verra beaucoup d’images d’Evry et des environs vus du ciel. On ne va pas parler de voyage à  proprement dit, souvent quand j’ai envie de partir loin, pour prendre de la distance, je me dis que j’ai en fait simplement besoin de prendre l’air. Partir loin se dépayser en effet cela peut faire du bien, cela permet de s’extraire de ses occupations et de ses préoccupations mais déplacer son corps, ne fait qu’emmener l’esprit un peu plus loin, cela n’efface pas ce qui est attaché à  l’esprit, inconsciemment les choses sont toujours là . Ce qu’il faut c’est entreprendre de travailler à  comment détacher les choses de l’esprit. Alors on ne va pas voyager. J’ai envie de jouer avec la magie qui peut s’installer entre une carte et un territoire, une image satellite et une région, entre le paysage vu des nuages et le terrain vu du haut de ses épaules.

L’histoire c’est de s’attacher à  lier l’imagination et l’action par une fiction. On cherche quelque chose, je cherche quelque chose et pour le trouver je mets en place tout un attirail d’outils, je prends du temps, je m’engage dans mes idées et je joue…

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Texte et illustrations extraits de Nature, Art, Paysage, par Gilles A. Tiberghien, Atces sud, 2001.

Si ces artistes se sont intéressés aux cartes, ce n’est pas seulement parce qu’elles leur permettaient de se guider ou de repérer les endroits où ils se proposaient d’intervenir, mais c’est aussi pour les possibilités plastiques qu’elles offraient et les dérives fonctionnelles qu’elles leur permettaient : c’est que la carte a probablement un rapport essentiel avec la chose artistique. Emmanuel Hocquard écrivait dans un texte, Il rien, recueilli dans le volume intitulé Un privé à  Tanger : « Nous savons bien ce qu’est une carte. C’est la transposition d’une réalité abstraite (le terrain) à  une fiction concrète (sa représentation). Autrement dit, c’est une métaphore. Mais cette métaphore a ceci de particulier qu’elle offre des garanties concernant la vérité qu’elle est censée charrier : c’est une métaphore chiffrées. »

Cette puissance métaphorique recouvre pour partie les caractéristiques fonctionnelles particulières aux cartes. Mais ce qu’Emmanuel Hocquard reconnaît comme propre à  l’activité littéraire par rapport au modèle cartographique auquel elle obéit, c’est un écart de sens ou de langue qui fait la fiction elle-même. Ce caractère fictionnel, comme un halo qui entoure les cartes, même les plus précises et les mieux référencées, est bien mis en évidence par Nancy Holt dans ses Buried Poems. En 1969, dans un travail très discret, évoqué dans sa biographie mais dont une partie – une partie de ce qui pouvait l’être – n’a été publiée que très récemment, elle offrait à  cinq personnes (Robert Smithson, son mari, Philip Leider, Michael Heizer, Carl Andre et John Perrault) un ensemble de documents comportant photos, descriptifs géographiques, éléments d’information sur la faune et la flore locales, itinéraire et cartes qui allaient de la localisation la plus large sur le continent nord-américain aux indications les plus précises. L’emplacement du container était signalé par un point rouge. Si le poème est le véritable don, le reste, c’est-à -dire le petit livret qui comporte toutes ces indications, en constitue comme une sorte de mise en scène indissociable. Le choix du lieu et le parcours indiqué sont censés obéir à  de secrètes analogies avec la personnalité de l’auteur, renouant à  certains égards avec le genre du blason. Quant au poème enterré dans un tube en plastique hermétique, prévu pour résister à  peu près le temps d’une vie humaine, on peut se demander s’il existe. Il est vraisemblable qu’aucun des destinataires n’a fait le voyage pour le retrouver, mais l’idée, la fiction de la quête qui emprunte quelque peu au voyage initiatique au terme duquel le sujet, en se confrontant à  l’autre î la nature en l’occurrence î, fait l’expérience de soi, cette idée qui évoque aussi les jeux de pistes de l’enfance, participe d’un certain plaisir constitutif, aussi, de l’art. C’est le côté Ile au trésor, et c’est d’ailleurs le roman du même nom qu’évoque Emmanuel Hocquard dans le texte déjà  cité, où la carte, qui est à  la fois le moteur du récit, celui de la course au trésor et celui de l’écriture î puisque sa configuration en commande la construction î, où la carte donc, en permettant de localiser l’île par 60° 17’40″ de latitude et 19° 2’40″ de longitude, n’indique en fait rien î car aucune île n’existe à  cet endroit : la représentation de l’île n’est une représentation de rien.

Emmanuel Hocquard, Un privé à  Tanger, POL, Paris, 1987 / ill. n°1 Robert Louis Stevenson, carte de l’île au trèsor, 1883. ill. n°2 : Nancy Holt, buried poem #2, 1969. ill. n°3 : Nancy Holt, buried poem #4, 1969.

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Je travaille sur un projet dans la ville d’Evry (scène nationale d’Evry et de l’Essonne sur une invitation de Grégoire Courtois et Monica Guillouet-Gélys). L’invitation était axée sur les arts électroniques, le netart… mais après avoir posé le contexte sur le papier et avoir à  plusieurs reprises pris du temps sur place, j’ai orienté mon projet vers le paysage, vers la nature, sur les liens que l’on peut entretenir avec… Mon travail donne de plus en plus de place au paysage, je pense que c’est évident quand on rencontre mes dernières productions. Mais je n’ai plus envie de consacrer le paysage au film î parce que pour l’instant ce sont mes films qui prennent la nature comme thème. J’ai envie de lui donner plus de place. J’ai aussi envie de continuer à  bien démontrer que le support n’est pas une fatalité et que ce n’est pas parce que l’on travaille dans les nouvelles technologies que cela limite toute action à  la technique… Bref… voilà  une autre oeuvre de land art qui me touche. Je rassemble ici î et sur le blog du projet qui ouvrir bientôt – quelques références pour accompagner ma proposition qui s’écrit… Ce ne sont pas des références directes, mais des pièces auxquelles je pense en travaillant.

Time Landscapeâ„¢ est le premier paysage écologique d[‘Alan] Sonfist, mis en chantier en 1965 sur un terrain situé à  l’angle de Houston Street et de La Guardia Place, à  New York. Sonfist a planté cette friche urbaine couverte de gravats avec des essences forestières originelles de Manhattan, recréant les formations de terrain et de rocher qui existaient avant l’arrivée des Européens. Cette ‟sculpture ” était appelée à  se modifier en fonction de la croissance des plantes. Pour Sonfist, il était important de replanter des forêts indigènes, faute de quoi la ville perdrait son patrimoine ancestral. Ce nouveau paysage propose trois terrains naturels: une prairie ouverte d’herbe et de fleurs, un bosquet de jeunes bouleaux, cèdres et buissons à  fleurs, et un bois de chênes. Des oiseaux migrateurs et d’autres petits animaux ont fait de Time Landscapeâ„¢ leur résidence, permettant ainsi au citadin d’être en contact avec la nature.

Je ne sais pas si l’on peut pénétrer dans cet écosystème, quelque part j’espère qu’il est quand même protégé, s’il était ouvert au passage j’imagine qu’il serait vite contaminé. Mais je suis certains que certains passent au dessus des barrières… c’est ce que j’aurais envie de faire en tout cas. Est-ce que cela sent ? Quelle est l’impression de liberté qui s’en dégage. J’imagine la même chose sur un parc plus grand. Je pense à  Berlin, au centre ville où il y a (avait) cet immense bâtiment abandonné… J’imagine une forêt dense et sauvage au milieu de cette ville, sans aucun sentier naturel, entourée d’un grillage pour la protéger… mais un mur qui serait quand même franchissable…

Quels seraient les rapports avec une telle production dans une ville comme Evry, même à  Paris ? Et à  New-York ? Est-ce que cela deviendrait le repère de ceux qui veulent se cacher et s’adonner à  ce qu’on ne doit pas voir. Est-ce qu’en peu de temps cette zone qui serait très sombre la nuit deviendrait un bouc émissaire pour les autorités qui devant l’incapacité de voir ce qui s’y passerait la condamneraient. Est-ce que dans la ville, nette et propre telle que nos sociétés essaient de la dessiner un espace vert non contrôlé serait le bienvenu ? Parce ce qui me plait aussi là  dans cette pièce c’est cette barrière qui me sépare de ces secrets. Et de voir que cette barrière je pourrais sans trop de difficultés la franchir, c’est aussi cela qui me fait réagir et rêver.

Alan Sonfist , Time Landscapeâ„¢, végétation, 1965 î 2005, 14 x 61 m, Greenwich Village, New York. Propriété de l’artiste et de Paul Rodgers 9W Gallery. Extrait In Land Art et art environnemental par Jeffrey Kastner et Brian Wallis.

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La notion de Land Art s’est développée aux Etats-Unis à  la fin des années 1960, a essaimé en Europe au début des années 70 et n’a cessé, depuis, d’inspirer des interventions dans le paysage. Issue d’une conception minimaliste de la sculpture qui rompait avec une tradition décorative, elle s’inscrit dans ce vaste mouvement du Non-Art ou de l’Anti-Forme qui parcourt alors l’art contemporain. S’insurgeant contre une économie de marché et résultant d’une fuite hors du musée et des galeries, elle s’associe à  une conscience écologique du territoire et à  une redécouverte des cultures archaà¯ques. Elle s’oppose donc très vite au formalisme technologique de l’Art minimal pour favoriser le retour à  une mystique de la nature, renouant avec la tradition romantique du paysage au XIXe siècle.

Les Earthworks (oeuvres dans/sur le paysage; contact avec la terre) des Américains Michael Heizer, Robert Smithson, Robert Morris, Walter De Maria (illustration : The Lightening Field,1977), prennent place dans les déserts du Nevada et de Californie, où le gigantisme de l’espace et l’absence de réglementations contraignantes leur permettent de modeler le cadre naturel sur une grande échelle. Les modèles du labyrinthe et de la pyramide empruntés entre autres à  la civilisation précolombienne inspirent des oeuvres telles que la fameuse Spiral Jetty (1970) de R. Smithson, Complex One/CIty (1972 – 76) de M. Heizer, Observatory (1971 – 77) de R. Morris, Sun Tunnels (1973 – 76) de Nancy Holt, Labyrinthe (1972) de Alice Aycock. Les données sculpturales et architecturales évidentes de leurs travaux ont conduit ces artistes, à  la suite de R. Smithson, à  se poser la question de la fonction de l’art dans un environnement public. Ils ont proposé, notamment R. Morris, l’amendement des terrains détériorés par l’usage industriel (Land Reclamation), nécessitant un financement par les pouvoirs publics.

L’appellation Land Art peut être appliquée également à  une large série d’oeuvres éphémères (mises en mémoire par la photographie ou la vidéo), caractérisée par une attitude en symbiose avec la nature et le dévoilement de signes présents dans le paysage. Tels sont les processus de transformation climatique ou saisonnière de terrains, enregistrés par les premières oeuvres de l’Américain Dennis Oppenheim (1968 – 69). Telles sont les marches à  pied, effectuées dans des sites isolés, des Anglais Richard Long et Hamish Fulton; les promenades de R. Long donnent lieu à  des traces sur le paysage et, parallèlement, à  des sculptures d’intérieur, lignes ou cercles de bois ou de pierres; celles de H. Fulton sont uniquement évoquées par des photographies. Telles sont encore les manifestations spectaculaires de Christo, comme le déploiement du Valley Curtain (1971) dans le Colorado. En France, les sculptures-nature de Jean Clareboudt associent le sens de l’esprit du lieu, une des caractéristiques prédominantes du Land Art, à  des structures solides et permanentes.

Par Anne Dagbert, texte extrait de : Groupes, mouvements, tendances de l’art contemporain depuis 1945, Ensba – Ecole Nationale supérieure de Beaux arts de Paris, seconde édition, 1990

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Isabelle, mon amie, m’a conduit aujourd’hui. Je voulais partir de Paris et descendre vers Evry par la nationale 7. J’ai pensé faire de ce trajet un parcours de randonnée. Les sites de cartographie qui permettent de préparer les voyages même s’ils présentent une option piétons ne permettent pas de calculer des itinéraires de plus de 20km… Alors j’ai regardé les cartes, ce n’est pas prévu que l’on fasse ce trajet à  pieds, ce n’est facile d’imaginer par où on va passer… Une bonne partie de la route me paraît dangereuse pour un piéton. On peut atteindre Evry à  pieds depuis Paris mais il faut traverser les villes et élaborer un chemin qui évite les grandes routes trop fréquentées par les véhicules et trop polluées pour passer quelques heures le long de la chaussée. Je n’imagine pas non plus le nombre de feux auxquels il faudrait s’arrêter et attendre pour emprunter le passage clouté… Je reviendrai plus tard sur cette histoire de marche. Ce mardi, nous y allons en voiture.

Il fait moins deux, le ciel est gris, il y a du monde sur la route, on est le lendemain de noà«l. Nous avons eu un petit accrochage à  la sortie du périphérique… rien de grave, mais ce n’est jamais agréable et les gens sont rarement sympathiques ou patients. En tout cas nous sommes restés une heure dans le vent à  faire le constat.

Nous nous engageons sur la N7. Jusqu’à  Evry, la principale attraction ce sera Orly. Les villes que nous traversons n’arrivent pas à  résister à  la grisaille et des photos que je fais par la fenêtre de la voiture les seules touches de couleurs et de chaleur viendront des éclairages jaunes du tunnel que nous prenons pour passer sous l’aérogare…

Tout est aussi gris aussi parce que le champ est très dégagé, il n’y a pas beaucoup d’immeubles haut qui bordent la route, on ne se sent pas quelque part, les routes sont larges et c’est le ciel que l’on voit, dirigés par les centaines de lampadaires qui pointent vers le haut, c’est le ciel qui décide de la couleur. Ils ont de la place, les magasins sont grands, on peut se garer… mais l’architecture sauvage de quelques centres commerciaux bon marché attise une impression étrange. On est le lendemain de noà«l et il n’y a quasiment aucune guirlande, il n’y a pas de lumières, on ne sent pas les fêtes. Seuls ces magasins qui vendent des meubles brillent…

Nous quittons les espaces plus ou moins urbains pour passer dans des zones où les bâtiments ne sont plus en pierre mais essentiellement en tôle, où il n’y a plus de trottoirs mais des terre-pleins pentus d’herbe et d’arbres. Personne dehors, juste des gens dans des voitures. Quelques affiches publicitaires, des panneaux pour nous orienter.

Je ne sais pas ce que je cherche. Je veux voir. C’est une balade comme ça, vers là -bas. Je me tiens en éveil, je regarde, je ne cherche pas spécialement quelque preuve de ce que je pourrais penser. Mais bien sur c’est impossible de venir naà¯vement, je connais Evry, et ce voyage aussi simple soit-il, nous conduit directement au centre commercial, à  l’agora.

La ville se reconstruit. Mais différemment : c’est la ville nouvelle d’Evry. Les routes restent très dégagées î l’impression est presque plus forte î les bâtiments sont en retrait, droits et fermes, éloignée de la chaussée, il y a beaucoup d’arbres. C’est l’hiver, il n’y a plus une feuille, mais l’été, on doit à  peine voir les immeubles.

Nous arrivons très vite au centre de tout, Evry2, où se trouve le Carrefour, les commerces, quelque antennes de l’administration, le cinéma et le théâtre qui m’invite. Evry2 concentre tout, on a presque l’impression que tous les véhicules devant et derrière nous y vont….

Nous faisons le tour du centre commercial pour accéder aux entrées principales. La vue est impressionnante, l’esplanade-parking s’ouvre sur de nouveaux immeubles en construction et sur ceux déjà  là  depuis longtemps. Tout est neuf ici, tout à  moins de 50ans je crois.

Il fait très froid. Nous rentrons. Il ne fait pas très chaud dedans. Il y a du monde. Tous les magasins sont ouverts, cela bouge beaucoup….

Je ne pense plus à  la route, j’ai oublié le paysage… Ce soir en rentrant, en regardant me photographies je me rends compte à  quel point tout cela n’est qu’utilitaire, la route et les villes sont des espaces pensés pour leurs fonctions, on en oublie, je pense trop leur perception. La nature même si elle est présente avant Evry reste pauvre, enfermée et exposée par l’urbanisme. Tout est sec. Il n’y a de place que pour passer, pas pour rester. Toutes les invitations que j’ai eues î que l’environnement que j’ai croisé m’a faites – étaient liées à  la consommation ou au départ. La plus forte bien sur étant celle de l’aéroport sous lequel nous sommes passés

Qu’est ce que j’attendais de ce voyage ? Je ne sais pas, c’est un élément important dans la préparation de ce projet parce que c’est une route que je vais faire encore pas mal de fois. Et sur cette route je vais penser. Et quelque part elle va faire partie de ce que je vais faire au même titre que le contexte direct du projet, parce que j’essaie d’impliquer directement mes émotions, mes sensations dans ma démarche, je ne projette pas une idée dans l’absolu, hors de tout. Alors la route qui m’y conduit à  sa place…

Vous pouvez retrouver toutes les images que j’ai faites sur flickr : Evry-Essonne, revenez vers la date : 26 décembre 2006.

posté originalement sur le blog du projet Entre ciel et terre : Evry Essonne

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Il ne faut pas oublier qu’il s’agit aussi d’un jeu. J’ai l’image sous les yeux. Je la regarde à  la fois comme une représentation du paysage et comme une peinture. Je regarde comment les formes jouent entre elles, comment les lignes cernent les zones colorées, comment la dynamique s’installe. Ensuite je peux voir certains indices qui vont me faire m’approcher, parce qu’ils me guident vers des idées qui me séduisent. Ensuite, j’analyse.

J’ai repéré des installations qui m’intriguent entre la D26 et la d31 au sud-ouest d’Evry. Quelque chose qui pourrait ressembler à  des carrières à  ciel ouvert. Il y a quelques années j’ai travaillé sur l’environnement en Seine-Saint-Denis et un de mes meilleurs souvenirs est une carrière de sablons. Un des plus beau sable que j’ai vu…

A la sortie d’Evry, la ville s’efface très rapidement, il y a encore quelques grands bâtiments mais l’immensité se fait sentir, tout s’étale, le paysage est plat, on voit loin, les verts et les gris restent les seules couleurs qui dialoguent avec le ciel.

Ce premier voyage sert à  essayer le jeu, voir comment cela se passe de regarder d’en haut et puis d’aller visiter le bas. Le saisons ne correspondent pas, les couleurs changent. Les époques ne correspondent pas, des bâtiments poussent. Evidement, la première surprise c’est l’altitude. Autant on a l’impression qu’à  Evry les formes s’élèvent, autant je ne pensais pas les environs aussi plats. Comme la plupart des formes s’étendent sur l’horizon, cela renforce cette impression.

Lors de cette balade, en faisant des photos, en ressentant le paysage, je cherche quoi écrire ici, comment poser une empreinte dans le paysage, comment lier cet espace à  la ville, et comment parler aux gens de ce qui se passe dans mon jeu. Je n’ai pas encore la moindre idée de ce qui va se passer. Je suis très influencé par le Land art depuis que j’ai été invité là . Ces influences découlent de ce que je ressens : le besoin d’écrire un lien entre le paysage et l’espace urbain. Pas dans la perspective de confronter l’un à  l’autre, mais avec l’idée d’intégrer l’un dans l’autre. Comme si je voulais aplatir Evry pour que cela soit moins haut et qu’il y ait plus de vrai vert, du vert qui sent, du marron humide.

De ce paysage je retiens aussi le rapport très fort entre le ciel et la terre, ici plus qu’en ville il y a cette dualité qui est consentement là . Et quand le ciel, comme aujourd’hui est dense, gris les formes se résument vite malgré tout en deux blocs qui se touchent. Il y a aussi les lignes électriques. Il y en a eu beaucoup sur notre route depuis que nous avons quitté Evry. Elles sont plus hautes que les arbres. Elles me font penser à  la ville. Elles s’associent aussi bien au paysage que les bâtiments pensés pratiques. On n’y voit pas autre chose que l’homme et son inconscience déterminée, noué à  l’économie pour sa survie confortable.

Originalement posté sur le blog dédié au projet Entre le ciel et la terre : Evry-Essonne . Entre le ciel et la terre, résidence de création au Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne / festival siana 2007.Théâtre de l’agora. Entre le ciel et la terre, du 14 au 31 mars.

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Je démarre la réflexion sur ce projet avec l’idée de croiser les champs et les notions du contexte avant d’en tirer une ligne directrice ou de carrément partir vers autre chose… donc en vrac, des idées :

Le contexte : Evry, une ville et sa situation sociale, son organisation urbaine, une population et ses habitudes ; Evry2, un centre commercial qui réunit 235 boutiques ; le théâtre de l’agora, scène nationale, accolé te quasiment intégré au centre commercial. Les champs : les nouvelles technologies, la mobilité, la géolocalisation. Mes champs : le paysage, l’image, la couleur…

Le croisement ne se fait pas naturellement, mais le centre commercial m’intrigue, j’ai envie que d’une façon ou d’une autre il prenne une place dans le projet. La réaction primaire de l’association théâtre/espace public est de déplacer le spectacle hors des murs et de faire intervenir le jeu ou la danse dans le contexte urbain, mais quel intérêt cela à  réellement ? En tout cas ce n’est pas le genre d’attitude qui me dit.

Comment ais-je envie de manipuler le contexte social ? Comment dois-je m’adresser à  la population ? Aux jeunes ? Quel est leur rapport à  l’image ?

Est ce que je dois analyser se rapport, en déduire un constat et l’exploiter pour ouvrir une discussion ? Donner une leçon ? Dois-je au contraire me mettre en arrière et leur laisser prendre les rennes, les amener à  me dévoiler leur rapport à  l’image ? Il est question d’image fondamentalement, même si la production aboutit à  une performance, c’est l’image qui sera produite qui sera confrontée à  leur culture dans leur perception, même s’ils ne viennent pas, du moment qu’ils y pensent la confrontation aura lieu.

J’imagine que la proposition doit être plus naà¯ve. Qu’est ce que je peux leur offrir ? Ce n’est certainement pas mon avis, pas un jugement ni un constat. C’est peut-être simplement ce que j’ai en moi, une passion, un savoir-faire, des images, de la couleur, une façon d’imaginer et de faire des choses plus ou moins nouvelles. La rencontre peut se passer là . SI je prenais la position simple d’aller vers le public sans prétention. Comment faire dans le cadre d’une commande, avec une création ? La rencontre d’une position subventionnée et d’un contexte social délicat… moi aussi je me bagarre pour subvenir à  mes besoins, je construis des choses, je trouve des solutions, et j’essaie d’en dégager plusieurs formes de profits, le but n’est pas l’enrichissement ni la capitalisation de l’avoir, mais la réalisation de mes envies et la communication, la rencontre, le partage. Je n’ai pas évolué dans le même contexte social. Je n’ai pas connu cet univers urbain î et je ne le connais pas.

Je ne pense pas qu’il faille attendre de l’art qu’il résolve des questions sociales, éthiques, c’est ce qu’en font es gens qui pourra engendrer des changements. C’est la façon dont on parle, le temps qu’on prend pour écouter les autres, l’attention que l’on porte pour essayer d’être honnête à  tous les niveaux qui pourra faire avancer les situations délicates.

La mobilité, qu’est c’est ? La population qu’est ce qu’elle en a à  faire ?

Et moi, plus ca va plus je n’écoute plus ce qui se passe… C’est un outil, évident, mais réfléchir sur des productions qui la questionne ? A quoi bon ?

De la mobilité, on peut extraire la partie émotionnelle et magique de la technologie sans forcément parler directement d’elle. C’est finalement ce qui nous intrigue dans la technologie. Sa finalité réelle ne nous importe que faussement. Désir de contrôle, d’omniprésente ? Certainement que l’envie d’être finalement est ce qui prédomine nos approches en général. Il s’agit d’exister et de se le démontrer sans cesse, de le montrer aux autres. La technologie en occident sert l’incompréhension des envies de l’homme, elle palie à  ses lacunes spirituelles î croit-il…. Et essaie t’il de faire croire aux autres.

La question de la technique dans l’art est depuis toujours une des problématiques de la perception que ce soit du côté des spécialistes ou des publics. Inévitablement, dans notre culture, chaque nouveauté est comparée à  ce qui la précède. Ainsi la comparaison en rapport à  des canons sert une part de l’avis : on sait si on aime ou on n’aime pas en partie par ce que l’on sait (par principe la publicité se base sur cette règle, elle nous montre ce que l’on a déjà  vu). La question de la technique dans l’art est délicate car notre façon de juger met souvent en rapport le degré de technicité et la qualité de l’oeuvre. Les postulats populaires sur la facilité à  réaliser certaines oeuvres sont éprouvées. Artisan des ‘nouveaux medias’ j’ai été je ne sais combien de fois questionné sur le temps, la technicité, les efforts, la difficulté, l’innovation mis en oeuvre… Depuis quelques années j’essaie d’effacer la technique le plus possible. Qu’est ce que c’est créer avec les nouvelles technologies î quand je dis créer c’est viser une forme expressive, ‟ faire de l’art ” ? Est-ce que c’est fabriquer une machine technologique qui ne fonctionne que par ses rapports de fascination, où la technologie est la magie qui séduit l’enfant ? Est-ce qu’il faut entretenir cette fascination ? J’ai vu trop d’oeuvres qui ne tenaient qu’à  cela, oeuvres à  cause de cela, mais vides et inexpressives, quand l’effet de nouveauté aura passé le pas, à  la prochaine génération de technologies, il ne restera plus rien.

Face à  un public, la question de la technique dans la technologie est aussi délicate : quand on parle de nouvelles technologies, il y a souvent la volonté de faire partager la démocratisation : mais la prise en main se cantonne trop souvent au bricolage vain car on veut détruire la barrière technique. Mais il faut être honnête, ce n’est pas par la démocratisation et la multiplication des outils que l’on peut augmenter ses capacité créatives, c’est par la maitrise et le travail de techniques que l’on arrive à  dépasser, quelles qu’elles soient…

Où cela mène ? Pour le moment le paysage reste encré fortement dans mes envies. Quel paysage ? Celui d’Evry ? Les alentours ? La mobilité ? Comment tout cela s’ordonne ? Je pense beaucoup au Land Art, à  ces chemins que prend mon imagination quand je vois les restitutions des projets, des expériences. Le land art se communique essentiellement via la photographie, par le texte, par la parole, de temps en temps par le film. Il n’y a pas réellement de contact avec l’oeuvre elle-même mais simplement une transmission d’un sentiment magique à  travers les traces rapportées.

Aujourd’hui où il est de plus en plus question d’accès à  tout partout, il me semble qu’un lien peut se créer avec le land art. Les artistes partaient dans le désert, en haut des montagnes, ils engageaient des travaux de dimensions exceptionnelles, dans des lieux inaccessibles, où ils n’y avait rien. Ceux qui ont travaillé en ville ont toujours tenté de dépasser la vision et l’approche de l’espace urbain commun. Dans tous les cas, le lieu est transfiguré, déplacé par l’activité de l’homme, il se déploie au-delà  de l’attente dans un imaginaire très particulier.

J’ai pensé la toute première fois à  faire un film, peut-être plusieurs films sur le paysage, aujourd’hui, je pense aussi au Land Art, à  certains artistes en particulier : Dennis Oppenheim, Doris Bloom et William Kentridge, Michael Heizer, Walter de Maria, Richard Long, Hamish Fulton, Richard Serra… (je vais mettre des images en ligne)…

Suite et révisions au prochain épisode …

posté originalement sur le blog du projet Entre ciel et terre : Evry Essonne

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Ithaca, État de New York Perpendiculairement à  une chute d’eau gelée. Oppenheim a taillé à  la tronçonneuse un chenal de 122 x 300 cm dans la glace. Dans les vingt-quatre heures qui ont suivi. le chenal a gelé: les forces de la nature avaient effacé l’intervention de l’homme dans la nature. Il a présenté pour la première fois cette oeuvre sous cette forme (carte et photographies) lors de l’exposition ‟ Earth Art ”, à  l’Andrew Dickson White Museum de la Cornell University, à  Ithaca.

J’aime beaucoup le travail de Dennis Oppenheim, ma perception ne coà¯ncide pas avec forcément avec les lectures historiques de son travail. La pensée qu’il a collée à  ses gestes et les commentaires qui ont été faits ne me parlent pas. J’ai assez de plaisir à  comprendre les mots d’Oppenheim de façon plus naà¯ve que les autres. Il a dit : « L’art, c’est le voyage ». C’est effectivement ce que je ressens quand je suis en rapport avec ses oeuvres. C’est mon imagination qui déploie son histoire avec les lieux. Le rapport magique des termes qu’il a mis en interaction me fait voyager. Son action transfigure le lieu documenté, il émet bien plus de signaux vers moi que si la photographie ne mettait pas en scène son geste, que si la photographie n’était pas mise en scène par son texte et par la carte. Je m’imagine tailler la glace à  la tronçonneuse, le pouvoir suggestif de cette pièce est assez incroyable, il se passe beaucoup de choses agréables quand je la vois.

Dennis Oppenheim ne construit pas (à  cette époque), il trace. Son dessin est éphémère, la nature a vite fait de reprendre son ordre. Cela amplifie la force de l’image construite, quelque part, la magie de tout cela repose aussi sur le fait que cela ne soit plus, que l’action ait imposé l’homme sur la nature un instant, un moment où il a pu écrire et mettre en scène son langage, avant que cela ne disparaisse. Cette fragilité est émouvante.

Ce que je trouve très intéressant aussi à  ajouter à  mon commentaire, c’est que je n’ai pas eu plus d’émotions face aux ‟ vrais ” compte-rendu, quand je les ai vus dans les musées. Toute la force du travail tient ici comme elle est présente dans l’assemblage original. C’est vrai pour la plupart des oeuvres du land art. L’objet est fascinant, il peut être très esthétique, mais la perception se fait dans une vibration plus haute…

Dennis Oppenheim, Accumulation Cut, 1969 (Coupure/accumulation), Photographie en noir et blanc, carte topographique estampillée à  la main 152 x 102 cm

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Ce blog tient lieu de journal pour le projet Evry-Essonne. C’est à  la fois un espace de réflexion et de production, on y trouver aussi bien des positionnements que des questionnements. Je pense que c’est important qu’il puisse y a voir comme ça une transparence maximale sur l’histoire de cette commande.

Grégoire Courtois m’a contacté en 2006 pour me faire part de l’invitation du Théâtre de l’Agora, (scène nationale d’Evry et de l’Essonne dirigé par Monica Guillouet-Gélys). J’ai eu une expérience assez délicate il y a quelques temps à  Evry avec la première édition de la semaine des Arts numériques d’où j’avais du retirer une installation pour diverses raisons. J’ai déjà  travaillé avec Grégoire à  Auxerre, il arrive à  Evry, le contexte est différent et je lui fais confiance pour que tout se passe bien.

Ce projet va donc inaugurer le développement de résidences d’artistes qui travaillent avec les nouvelles technologies. A suivre…

Originalement posté sur le blog dédié au projet Entre le ciel et la terre : Evry-Essonne . Entre le ciel et la terre, résidence de création au Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne / festival siana 2007.Théâtre de l’agora. Entre le ciel et la terre, du 14 au 31 mars.

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