J’ai fait de la compression des images la base de mon travail plastique. Après avoir cherché quelles relations je pouvais tisser entre la caméra et l’écran par le refilmage, après avoir découvert le compositing, je me suis frontalement exposé à la matière même de ces images qui avaient glissé dans un monde de calcul. Et même si j’avais pressenti dès mes travaux de 97-98 qu’il y avait cette question de l’action de la machine dans la fabrication de l’image. Ce n’est que dans le travail de cette série pour le live visuel que je faisais avec Kid606 que cela s’est concrétisé.

Wisz est une série de 17 vidéos de 30 secondes à 8 minutes dont la base est l’exploration de formes synthétiques tridimensionnelles rouges blanches et noires. Elles sont évidemment en basse définition. À l’époque je travaillais sur des vidéos en 320×240.

La question de la conservation résonne si l’on se demande quel est l’avenir de ses images sur les écrans qui se construisent aujourd’hui et dont les définitions ne tarderont pas à être dix fois celles de ces images.

Wisz – early abstractions
2001-2002

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On dit que je fais du datamoshing – technique de manipulation de l’image – et c’est comme cela que je suis crédité au générique. Mais mon travail dépasse cette pratique et même si elle s’y apparente j’ai essayé de lui trouver un nom qui lui conviendrait mieux. Pour l’instant je n’en ai pas vraiment : j’ai appelé cela composites déglacés par réitérations colorées de compressions dansantes de données mais c’est bien trop compliqué…

HOLY MOTORS
Un film de Léos Carax
Pierre Grise Productions
Date de sortie : 4 juillet 2012

Quelques images du projet sur flickr / Collaboration Holy Motors /

Dossier de presse de Holy Motors

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Par Jean-Jacques Birgé, vendredi 2 mars 2012 à 01:01
Drame.org / Mediapart, mars 2012

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impressions, final on the rails !!

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J’ai maquetté quelques plans ensemble. Dans ma technique picturale, je prépare mes plans comme des pigments avant de les combiner. À cette étape-la du travail, je les considère comme des fichiers informatiques. Je les traite comme tels. Sans trop les altérer, j’ai suspendu leur cohérence interne. C’est-à -dire que j’ai déformé leurs structures informationnelles. Pour ce faire j’ai éliminé le principe des images clefs. Les plans ne sont plus que des descriptions de mouvement. Normalement un fichier vidéo numérique, c’est une suite de données décrivant des images (plus ou moins en fait, Philippe Dubois a bien démontré qu’en vidéo, l’image n’existe plus). Pour la plupart des gens, la vidéo, c’est quelque chose comme 25 images par seconde. Là , dans l’ordinateur, on imagine que c’est pareil. En fait, dans le numérique (où, loin de la théorie la notion d’image est techniquement ancrée), ces 25 images sont rarement complètes. La plupart sont partielles. De sont des intermédiaires intelligents entre les images pleines. Cela permet de diminuer le poids (la quantité de données) à  enregistrer pour restituer la vidéo. Plus il y a d’images pleines, plus le fichier est lourd. En général, les formats courants des fichiers vidéo maintiennent le taux de ces images clés entre une pour cinq à  une pour vingt. Certains formats vont jusqu’à  une pour deux cent cinquante… En fait, pour être fidèle a ce qui a été enregistre, il n’est supposé nécessaire que d’avoir une image pleine au tout début et une suite de références jusqu’à  la fin.

Ce principe (un des principes en fait) de compression, je le pousse à  l’extrême puisque j’élimine finalement toutes les images pleines. La vidéo ainsi préparée mise en lecture s’ouvre sur un vide d’information. Le film se lance dans le gris. Il n’y a rien de décrit. Et ainsi jusqu’à  la fin du film, les événements picturaux (la vie interne de l’image) se structurent en référence à  ce qui était. Plus rien n’est borné par le passé. L’image libérée dessine le devenir de ses composantes originelles. L’analogie au monde se fait dans une ontologie digitale.

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Comment ramener mon travail plastique à  une simplicité poético-technique. Les techniques que j’utilise ont elles des noms ? Je construis ce qu’on appelle des composites. Des films faits de couches d’images. Elles sont percées et s’additionnent de manière complexe. Les flux temporels sont travaillés, compressés dans une double approche esthétique (maîtrisée) et technique (détournée). Certaines méthodes pourraient être ramenées au datamoshing, technique récemment proclamée, mais je n’utilise pas les mêmes outils et mon approche est bien plus radicale et moins calculée.

En me réveillant aujourd’hui j’ai construit cette suite : Composites déglacés par réitérations colorées de compressions dansantes de données. Je la trouve amusante, joueuse, francophone, je vais l’éprouver et voir ce qu’elle entraîne.

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Après le feu /

Pendant que je préparais la première version du film pour la projeter au 104 l’étape suivante était déjà  sur les rails. Voilà  après une journée de décompression les images de cette seconde étape. J’ai aplati et compressé assez fort la première version (de 3,8 Go à  36Mo). Je présentais des ouvertures dans la matière. c’est ce qui s’est produit. La compression écrasant la matière dans les zones sombres a rassemblé les ombres et les modelés. Ce rassemblement s’est fait dans l’aplatissement. Ce qui en résulte c’est la création d’une nouvelle dimension symbolique dans le paysage. Ce qui apparaissait jusqu’à  présent comme bien lisible, mais détérioré s’est transformé. Le sol s’est creusé, les rails de la voie ne sont plus posés sur le sol que par instants. Chaque ombre est devenue un trou. La Terre a cédé. Après le feu, l’image a brà»lé. La Terre a brà»lé. C’est le paysage qui disparaît.

D’autres images sur flickr : Dix-septième compression, composite n°3

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Jacques Perconte choisit le mode chronologique lors de sa conférence pour évoquer ses oeuvres, raconter leurs histoires et leurs enjeux. Ainsi il nous permit de reconstituer son processus de création faisant cas aux spécificités des médias contemporains, de l’esthétique intrinsèque aux qualités d’une image et au dépassement de la technique. Il a, dès leur accessibilité, expérimenté les nouveaux outils de fabrication de l’image comme la photo numérique, la vidéo, internet jusqu’à  déceler leurs limites et tenter de les repousser. Des oeuvres s’inscrivant dans la continuité d’une recherche, la construction d’une démarche, et qui à  chaque fois ouvre de nouvelles voies aux arts numériques.

[...]

सत्याग्रह, SATYAGRAHA. Pour cette oeuvre inédite, l’artiste utilise des images d’archives pour traiter d’un thème engagé politiquement. Le mouvement non-violent de Gandhi et ses répercussions sur le peuple indien. Il choisit ce thème parce que l’oeuvre est dédiée à  Joachim Gatti, cinéaste documentariste, victime d’une bavure policière. Comme son matériel vidéographique provient de différentes sources, intervient de manière remarquable, le montage préalable au travail de la compression. Il participe à  la puissance de l’effet visuel ou les masses de population se transforment et s’animent comme un seul organisme.

copyright ODNMblog.

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Toute la série est sur flickr : http://www.flickr.com/photos/jacquesperconte/sets/72157622637233010 (Il y a plus d’images).

http://blog.technart.fr/2009/10/17/premieres-images-apres-le-feu/

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Aujourd’hui une connaissance m’a envoyé un lien sur une page concernant cet étrange terme datamoshing. Il y a quelques jours un étudiant est venu me parler du data moshing… Je jette quelques notes sur le sujet qui apparemment est plutôt brà»lant…

Technique visuelle nouvellement à  la mode dans les milieux anglophones du vidéoclip.  Un fameux rappeur a mis le coup au gout du jour même (Nabil Elderkin pour Kanye West avec Welcome to Heartbreaksi) quelques semaines avant lui un autre groupe laissait la place à  un jeune réalisateur pour imposer la technique bien plus brillamment : Ray Tintori pour Chairlift dans « Evident Utensil » .  Les deux réalisateurs citent Takeshi Murata comme principale influence. 

 2

Le data moshing est  une des techniques que j’utilise (sans l’avoir jamais nommée) depuis des années pour travailler les rushes qui fondent la base de mes films (image ci dessus : uishet – rush trafiqué en 2005, film de 2007). J’en utilise de nombreuses autres toutes issues de l’expérimentation des codecs. Mes premières expérimentations à  proprement dites sur la compression doivent remonter à  2002. Sur la matière numérique à  99… vous pouvez trouver beaucoup de choses sur ce blog.

J’ai passé un moment à  filer au grès des liens que proposaient les quelques premiers sites référencés par google sur le datamoshing.  Je crois que j’avais à  la fois envie de voir des choses déconcertantes et un peu peur de trouver quelque chose qui ressemblerait à  ce que je fais. Mais j’ai vite arrêté de me faire du sang parce que c’est une mauvaise façon d’être. J’ai lâché prise au bout de quelques pages parce que malheureusement tout se ressemble vite et j’ai déjà  vu des centaines d’heures de vidéo compressées…  Je n’ai pas été bouleversé. Il n’y a pas eu cette magie d’un effet qui aurait été réellement approprié. Cependant je reste convaincu de la qualité du clip de Ray Tintori. 

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Pour les fous de technique voilà  quelques explications.  En farfouillant sur internet vous trouverez même des tutoriaux en vidéo… Tout cela repose sur le simple détournement de la structure du mouvement du film numérique. En effet. Le film compressé est composé d’images clefs, images qui sont complètes et d’images intermédiaires, incomplètes qui ne quantifient que leurs différences par rapport à  la première. Tout cela peut être très compliqué si on entre dans les détails. Toutes ces images intermédiaires prennent pour modèle l’image précédente et mettent en évidence les déplacements dans la continuité des mouvements des vecteurs.  Imaginons que l’on encode deux plans avec à  chaque fois une seule image initiale complète et des images intermédiaires jusqu’à  la fin. On ne verra pas trop ce qui se passe à  l’oeil nu. Par contre si l’on colle ces deux plans à  la suite et que l’on supprima la première image du second. Si on lui retire son image initiale. Le mouvement se fera au détriment de toute logique sémantique en s’appuyant sur le mouvement des vecteurs du plan précédant… pas très clair non ? En tout cas, ca peut être simple, c’est  de la bricole…

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Dans les commentaires de l’article technique un internaute propose comme alternative à  la dénomination data moshing l’abstract compressionism. Cela m’a fait sourire. Mais cela n’exprime pas le contenu.  Alors voilà  un nouvel effet visuel. Est -ce que cela va devenir à  la mode ?

On me dit de temps en temps que si ce type d’images était à  la mode cela porterait mon travail, que je profiterai de la vague. Je n’y ai jamais réfléchi et même au contraire cela m’a toujours plus ou moins dérangé. Aujourd’hui je crois que cela s’est atténué. Je suis amusé que cela émerge, mais toujours un peu déçu que cela soit si superficiel… Mais c’est comme ça. 

Images 1,3 et 4 : Ray Tintori pour Chairlift dans « Evident Utensil ».
Image 2 : uishet, Jacques Pecronte 2005-2007. 

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Je reviens un peu sur mon film Pauillac, Margaux.  D’abord il y a eu un moment. C’était le 15 avril 2008. Je venais de passer deux jours sur une île au milieu de l’estuaire de la Gironde à  filmer le vent pousser les arbres. Je devais rentrer à  Bordeaux pour quelques rendez-vous. Il y un peu plus d’une heure de train entre les deux. Cette ligne passe par la plupart des villes du Médoc célèbres pour leurs vins. Et le voyage se fait au milieu des vignes. J’ai pris un des premiers trains pour arriver tôt en ville. Déjà  en partant de l’île la lumière était extraordinaire. J’abandonnais un paysage magique… pour aller bavarder… J’étais un peu dans le coltar. Je me suis installé à  ma place dans le ter. Le train a démarré et tout de suite le soleil a tapé sur ma fenêtre. Je n’ai pas sorti ma caméra. J’ai regardé un moment vibrer la lumière sur les traces de terre et de sable de poussières et de je ne sais quoi collées sur les vitres. Au travers le paysage tirait des ombres profondes…  J’étais aveuglé. J’ai pris mon appareil photo que j’ai réglé en mode film et puis j’ai capturé ce paysage. J’ai filmé un peu plus d’une heure. J’ai posé l’appareil contre la fenêtre en équilibre sur un livre. J’ai sorti mon petit enregistreur numérique que j’ai posé à  côté et lancé.  Je savais que j’allais faire un film de ce paysage qui déroulait une magie impressionnante.

Quelques jours plus tard chez moi, je regardais ce que j’avais filmé. J’ai gardé la partie du trajet qui se tenait entre les villes de Pauillac (mon point de départ) et de Margaux. Et j’ai travaillé le film. L’image était dans une résolution assez moyenne – filmé avec un petit appareil canon – 640×480 à  30 images/secondes. Mais la qualité était assez étonnante. Comme quoi, avec une bonne lumière…  Dès que j’ai regardé comment était enregistré le paysage, comment l’appareil avait interprété tout ce que je voyais j’ai vu quelles pises j’allais pousser. J’ai compressé des dizaines de fois le film en divx et en 3ivx. J’ai utilisé quelques effets pour faire vibrer les couleurs qui apparaissaient. Et ainsi de suite pour révéler plusieurs expressions de la lumière, du paysage, des défauts de l’enregistrement, des défauts des encodages. Petit à  petit j’ai poussé la résolution du film en agrandissant proportionnellement la taille des pixels pour arriver à  960×720. Et puis comme à  l’habitude après avoir fait plusieurs premières versions du film je l’ai laissé de côté. De temps en temps j’y revenais quelques minutes. Je m’y suis remis en juillet, puis en novembre. C’est là  que j’ai vraiment repris le travail et écrit le vocabulaire que j’allais arranger au fil de la progression de l’histoire de ce paysage. J’ai composé chaque parcelle des rushes pour faire ce composite du film. Je crois que la plupart des essais que j’ai faits sont présents quelque part dans l’image. J’ai laissé le son direct sans y toucher. J’ai utilisé la version que j’ai faite avec mon enregistreur.

J’ai passé du temps à  essayer de faire des versions minidv et dvd du film pour le collectif Jeune Cinéma qui le distribue. Ces versions sont différentes du film original. Elles n’ont pas les mêmes luminances. J’ai même carrément retravaillé le film pour le miniDV. Cette version sera projetée pour la première fois à  Rotterdam le week-end prochain. Il y a maintenant clairement une distinction entre l’oeuvre originale et les copies. Je pense que cela est temporaire – dans cette forme particulière en tout cas.

L’oeuvre originale doit inclure le mode de diffusion, elle doit être faite pour lui et vice versa. Elle ne doit pas être montrée autrement. De son côté la copie peut se balader et être modulée.

Tout cela n’est pas très poétique. La poésie et la magie ne sont pas dans les mots ni dans la technique ni dans les technologies. C’est dans le film.

La dernière arborescence du compositing du film:

Un mardi matin d’avril, je quitte l’île de Patiras pour rejoindre Bordeaux. Je traverse le médoc en ter alors que le soleil se lève. La lumière frappe la vitre du train en découpant le paysage. Je ne peux pas faire autrement que de filmer. Alors je colle mon petit appareil photo contre la vitre et je ne décolle pas le regard de ce qui se passe à  l’extérieur. C’est un des plus beaux voyage en train que j’ai fait… Le soleil m’arrache à  la réalité, entre ombre et lumière l’image explose elle s’agite et se remplit.

Pauillac, Margaux
‎ter, mardi ‎15 ‎avril ‎2008, ‏‎07h50
HD, 10′, Dolby® Digital AC-3
page consacrée au film : Pauillac, Margaux

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[...]

Echotomographie ou IRM ? Les granularités des images et leurs couleurs nous amènent assez naturellement à  nous poser la question. Un peu plus tard ce sont des spectres audios que nous voyons ou croyons voir se déployer sous nos yeux, l’univers sonore lui, nous indique toujours que nous sommes encore sur l’eau, à  bord de la barque, l’image elle, nous a emportés ailleurs. C’est bientôt dans des tableaux expressionnistes abstraits – on pense à  Marcel Seurat ou Paul Signac que nous traversons car c’est une traversée que nous faisons. Puis c’est dans l’univers des jeux vidéos que nous poursuivons, un scroll dans des paysages 3D nous aspire… Enfin dans ces espaces improbables liés au “clipping”, terme qui désigne l’arrière des décors de jeu vidéo et le fait de passer de l’autre côté, où personne n’est censé se trouver. Voir ici l’article de Nicolas Tilly repris dans Amusement N°2 de Septembre 2008 [http://ecriture-videoludique.blogspot.com/2006/03/clipping-thorie.html ]
Un peu plus tard les images semblent brulées par la lumière, les algorithmes de compression après avoir pointillisé l’image, la rendent vibratoire, en génèrent des facettes. On arrive peu à  peu aux jeux de couleurs du pop-art, hautes, vives et aguicheuses. La palette de couleurs traverserait-elle l’histoire de l’art ? Traversée aussi que celle d’une réalité comme hallucinée, sur le Courant d’Huchet (Landes).

[...]

Extrait du compte rendu sur ma présentation par Luc Dall’Armellina sur le  blog du groupe HYPERTEXTE. Vous pouvez le trouver dans son intégralité directement sur la page :présentation de Jacques Perconte - 11 décembre 2008. 

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Un mardi matin d’avril, je quitte l’île de Patiras pour rejoindre Bordeaux. Je traverse le médoc en ter alors que le soleil se lève. La lumière frappe la vitre du train en découpant le paysage. Je ne peux pas faire autrement que de filmer. Alors je colle mon petit appareil photo contre la vitre et je ne décolle pas le regard de ce qui se passe à  l’extérieur. C’est un des plus beaux voyage en train que j’ai fait… Le soleil m’arrache à  la réalité, entre ombre et lumière l’image explose elle s’agite et se remplit.

Pauillac, Margaux
‎ter, mardi ‎15 ‎avril ‎2008, ‏‎07h50
HD, 10′, Dolby® Digital AC-3
page consacrée au film : Pauillac, Margaux

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Suspendue à  la surface de l’image elle danse et chante. La madone se manifeste au travers du souffle de la couleur comme les icônes s’extrayaient du monde physique des images et des hommes pour devenir des signaux transcendants.
Manifestation de l’inconscient matériel…  je me rappelle de cette séquence qui date de mes cours à  la faculté. Je cherche dans l’image une force cachée. Cette force même ceux-là  qui entourent madonna l’ignorent je crois (dans leurs rôles en tout cas). De jour ils se débâtent dans les bleus. Et lorsque la nuit tombe et qu’ils vont danser après s’être préparé toute la journée, la compression s’empare de la pénombre et encore plus qu’avant les corps se fondent dans le magma pictural. Parmi toutes ces plaques de couleurs se baladent masquées et subliminales des images qui essaient de résister.

La couleur de la peau de madonna, le blond de ses cheveux,  le rose de ses habits restent ce qui flotte à  la surface de a matière.  Mais il faut se rappeler que tout cela n’est que surface matérialisée sur un écran. Une forme abstraite très colorée y est bien plus réelle qu’un simulacre réaliste… Est-ce que le clip de madonna est réaliste ? En tout cas c’est une représentation dans laquelle ils sont nombreux à  se projeter et à  inconsciemment y trouver une source de réconfort.

Le clip récupéré en ligne n’est pas été modifié dans sa structure fondamentale. Le montage image/musique n’a pas été pas recomposé.  Je l’ai pris comme un tout. Je l’ai ‟ peint ” à  force de compression et de sculpture picturale. L’inhibition de la couleur fondue dans la neutralité de la chorégraphie faisaient de ces images un standard exceptionnel de l’image consommable (la bonne image et son savoir faire).  Seulement maintenant que je suis revenu sur ces images, je trouve l’original irregardable. Il lui manque toute la dynamique de la matière. Comme si madonna avait besoin de la feuille d’or pour réellement atteindre son statut d’icône. L’enrichissement de l’image pauvre, pale copie d’une réalité qu’on tente de mettre en scène…

Le film sera diffusé pour la première fois le jeudi 24 avril 2008 à  L’institut national d’histoire de l’art.
A lire : Madonna fait son chemin dans mes histoires avec la couleur
Hung Up ! revolutions premières images sur flickr… mot clef : Hung Up
Hung Up video, Madonna; Confessions on a Dance Floor / 17.12.2005 Shirland Road, London, England
© Madonna / Warner Bros / Stuart Price / Johan Renck

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jeudi le 24 avril de 9h à  12h30
Institut National d’Histoire de l’Art
2 rue Vivienne, 75002 Paris
Conférences et débats

uaoen, 2003

Il y a quelques mois Sun Jung m’annonçait qu’elle préparait une intervention sur mon travail pour l’université de Printemps de l’inha. Elle m’invitait pour l’occasion à  prendre la parole… Quelques jours après j’apprenais que Bidhan allait aussi parler de mon travail lors d’une conférence qu’il donnerait le même jour. En croisant Marie il y a quelques semaines, je l’ai invitée à  venir dire quelques mots avec moi … Dans le programme s’inscriront donc ce jeudi matin plusieurs moments de réflexion et de discussion sur mon travail :

dans l’ordre :

Philippe Dubois, Université Paris 3
” Introduction

Jacques Perconte, Artiste
” Images, couleurs et mouvements

J’explore l’image numérique. Le mouvement et les contraintes de sa reproduction ‟ économique ” ont soutenu des recherches sur les formats vidéo numériques. recherches qui ne cessent de produire de nouveaux formats. Aussi précis et innovants soient-ils ils donnent à  ces films qu’ils essaient de ne pas endommager de nouvelles textures, de nouveaux artéfacts. Mon travail se base sur une maitrise empirique de cette nouvelle matière. Je m’avance comme un peintre, je travaille le numérique comme l’huile. Je dilate, je dilue, je mélange je noie la couleur dans le liant, je la fais ressortir… Il s’agit là  de découvrir quelques recherches pour la plupart inédites…

Marie Canet, Docteur en arts, spécialité esthétique, critique et programmatrice indépendante
” Jacques Perconte, …

Hung Up, 2008

Sun Jung Yeo, Université Paris 3 / CRECI
” Jacques Perconte : pesanteur et couleur digitale.

A partir des taches provenant de la compression de l’image, Jacques Perconte tente d’acquérir la physicité de la couleur numérique. Il brutalise les pixels immatériels au point d’en faire une matière de l’image. Le processus de compression avec lui est devenu la condition primaire d’une sensation colorante, de la vibration lumineuse. Des vidéos numériques aux installations, Perconte travaille d’abord avec la lourdeur de l’image : lors de la compression, plus la partie est sombre, plus l’image allège son poids en perdant des informations. Cette lourdeur virtuelle est mise en rapport à  l’apparition de la couleur, ses accidents et aventures. Il y a donc la force verticale d’où la couleur risque de tomber ou au contraire de rebondir. Une force de pesanteur peuple ainsi la couleur numérique.

Uttha, iris’s tests, 2008

Bidhan Jacobs, Université Paris 1
” Traitements des signaux numériques et abstraction

Des recherches les plus radicales sur l’image vidéo numérique depuis les années 90, favorisée par l’accélération des performances des ordinateurs et l’apparition d’une multitude de logiciels de traitement d’images et du son en temps réel, se démarque un courant de vidéastes et artistes numériques qui conçoivent la caméra vidéo comme un simple outil de captation ne leur fournissant pas des séquences d’images mais des flux de données, des signaux numériques auxquels ils sont libres de faire subir une grande diversité de traitements successifs ou simultanés. Ces artistes expérimentent les médias numériques dans leurs spécificités techniques. Les travaux des français Pierre-Yves Cruaud, Jacques Perconte, Pierre Villemin ou du norvégien hc Gilje, démontrent, en effet, que logiciels de montage, d’effets spéciaux, d’encodage, environnement de programmation graphique, sont exploités avec virtuosité au-delà  du confort de manipulation envisagé par l’industrie qui les a construites, en découvrent des possibilités insoupçonnées, en vue de créer des formes plastiques radicales de très haute densité renouvelant les enjeux de l’abstraction.

uishet, sans titre n°5, 2007

Cyril Thomas, Doctorant en histoire de l’art contemporain à  l’université Paris X
” « La vie au carré : …. »

Cette conférence se propose d’analyser la dernière oeuvre‟ La vie au carré ” (2007) de l’artiste Lynn Hershman Leeson, présentée physiquement dans un musée mais dont l’action et les éléments, en somme toutes les données reposent sont stockées à  la fois sur les serveurs informatiques de Secondlife et dans ceux de l’université de Stanford. Pionnière de l’installation multimédia, elle a notamment conçu, au début des années 80, deux vidéos interactives : ‟ Lorna ” 1980-1984 et ‟ Deep Contact : the sexual Fantasy Videodisc ”, 1984-1990 à  l’aide de vidéodisques et d’écrans tactiles. Au-delà  de ses productions filmiques, ‟ The Electronic Diaries ” (1986-1989) et ‟ Longshot ” (1989), qui font le lien entre installation et cinéma plus classique tout en étirant le concept d’expanded cinema, c’est sa dernière réalisation, inédite, ‟ La vie au carré ” (2007) qui intrigue et esquisse une nouvelle proposition et traitement tant théorique que pratique de l’archive. Entre Art et Document, entre Art et Archive, Lynn Hershman Leeson s’insère dans les brèches théoriques afin de briser les fondements de toutes ces notions.

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Exposition de Jacques Perconte
It’s all about love, 2008

Son parcours artistique autour du ‟ corps ”:

Très vite le corps s’inscrit dans sa pratique. Il a commencé ses travaux sur ‟ le corps du texte et le texte du corps ”, il pratiquait plutôt la peinture et le dessin, en prenant en compte le trait, sa texture, la couleur et le modelé.
Puis il se met à  la vidéo, il filme des corps et regarde les images filmées, et se pose la question du lien entre la vidéo et l’image du corps, et rapidement il filme les écrans. En 1997, il fait ses premières photos d’écrans avec les premiers appareils photos numériques.

En 2002, il fait la série Corps numériques, (2 photos de cette série sont disponibles à  l’artothèque.) Il entame une collection de photos de corps.
Dans ces oeuvres Jacques Perconte travaille sur les différentes étapes de déformation d’un corps et d’une image à  travers des supports comme le multimédia, la vidéo, la photo. L’artiste filme le corps d’un modèle avec une caméra, celui ci est restitué sur un écran de télévision qui est capturé par un appareil photo numérique pour être interpréter par un ordinateur. Toutes ces étapes créent une image qui est nouvelle, déformée. Cette dernière est à  nouveau filmée par une caméra, puis capturée sur un écran de télévision, et ainsi de suite… l’artiste renouvelle ces opérations jusqu’à  obtenir un résultat qui lui plaise.

En 2003, l’éditeur Didier Vergnaud lui propose de faire un livre de photographies. Il avait rencontré sa compagne, Isabelle, depuis quelques mois, il décide de la prendre comme modèle pour ce livre/projet qui s’appelle 38 degrés, et certaines photos de ce projet sont dans l’exposition It’s all about love, à  l’artothèque. En prenant pour modèle Isabelle, sa compagne, Jacques Perconte lie son travail photographique à  son histoire d’amour.
Les photos sont prises avec différents appareils numériques (il n’utilise pas d’appareils argentiques), et dans différents contextes (différentes lumières qui sont induites par des prises photos dans différents lieux : chez elle, chez lui, dans un studio, dans l’eau …). Il en résulte une grande collection d’images. La collection contient au départ près de 900 images, il l’a réduite à  100 (qu’il nomme Square). C’est de cette collection que sont tirées certaines des images de l’exposition à  l’artothèque.

38 degrés : correspond à  un peu plus chaud que la température du corps, et à  la dominante colorée de ses photos, voir photos dans expo artothèque, il y a une dominante de couleurs chaudes !

Son rapport à  la peinture :

Il a un travail qui renoue ses amours avec la peinture américaine des années 50-60, avec des artistes comme :
- Barnett Newman (1905-1970) : il invente les Zips, des coupures, le plus souvent verticales, de peinture, qui séparent ou unissent des plans de couleurs lumineuses, jusqu’au bord de la toile. Il appartient au mouvement ‟ Color-field ”
- Mark Rothko (1903-1970) : il peint de très grands rectangles lumineux superposés aux limites estompées, il appartient au mouvement ‟ Color-field ”.
- Ellsworth Kelly (né en 1923) : il fait des peintures abstraites, qui sont comme des agrandissements, comme avec un microscope géant, de détails de choses vues (le porche d’une église, le bord d’un trottoir, l’ombre d’une fenêtre…). Il construit de grandes sculptures aux formes géométriques complexes et dans ses peintures il donne des formes nettes au contour de ses toiles. Il appartient au mouvement ‟ Hard Edge ”.

Color-field : Mouvement artistique aux Etats-Unis et au Canada des années 1950/60. Signifie ‟ champ de couleur ”. Ce terme désigne des tableaux présentant de vastes plages de peinture uniformes, d’où est exclue toute illusion de profondeur. La toile, souvent recouverte de couleur d’un bord à  l’autre, semble un fragment de surface, ou d’un ‟ champ ” plus vaste. La distinction entre figure et fond disparait au profit du ‟ all over ” (terme employé pour définir les peintures de Jackson Pollock en 1940, et qui correspond à  une répartition uniforme des éléments picturaux sur toute la surface du tableau, qui semble se prolonger au-delà  des bords).
Il y a un accent sur la planéité du tableau, car pour ces artistes, la peinture doit assumer pleinement sa nature bidimensionnelle.

Hard Edge : Mouvement artistique aux Etats-Unis, des années 1950/60. Ce terme s’applique à  des toiles dont la surface est couverte de plages de couleurs uniformes et bien délimitées. Là  aussi, la distinction entre figure et fond disparait au profit du ‟ all over ”. Ces oeuvres présentent une surface agencée selon une géométrie rigoureusement symétrique.

Jacques Perconte attache une grande importance aux supports (ici ce n’est pas du papier mais un composant synthétique) pour l’impression de ses photographies. Le support est à  envisager comme la toile d’un peintre. Quand il fait un tirage, le papier doit être dans l’image, il fait parti d’elle, il lui donne corps. Dans l’exposition de l’artothèque le support est mat, s’il avait été glacé, les couleurs auraient été plus ‟ flashies ”, différentes, mais en tout cas c’est un choix, c’est ca qui compte pour lui.

Comment crée-t-il les textures de ses images ?

Jacques Perconte fait un travail de peintre, mais pas avec un logiciel de peinture, il ne retouche jamais ses images !
En photographiant l’image sur l’écran, il recherche la saturation des couleurs, les défauts des images, pour créer des effets de matières, des textures différentes. Il met en avant les contours de l’image avec les pixels. Les moires, les trames créent également des textures, des matières. Ces textures peuvent être assimilées à  la texture de la peau, à  son grain.

‟ En 2003, Didier Vergnaud, éditeur, me propose de faire un livre de photographies. A ce moment là  je travaillais sur des séries où le corps, sa peau, ses modelés, ses contours rencontraient les pixels, les trames, les saturations de l’image numérique, les déformations de la projection d’une image sur un écran, ses défauts…. ”

- Il affiche les photos sur des écrans d’ordinateur différents, plat ou à  tube cathodique (les derniers sont bombés)…
- Il photographie ceux-ci en bougeant autour des écrans, en les regardant de côté, et il bouge aussi les écrans.
- Il utilise des loupes, ou des vitres qu’il met devant l’écran. Mais finalement ce ne sont que des essais aucune image n’est retenue…
- Il manipule les réglages des couleurs et la luminosité des écrans et des appareils photos, pour créer de nouveaux effets :
Ex : dans l’exposition, la photo verte sur le mur de gauche à  côté de l’étagère c’est la même, que la photo de corps cadrée très près dans les tons rouges, seulement il a réglé la balance des blancs de l’appareil photo, et l’a mise sur une balance de rouge.
- Il ajoute à  cela, un travail sur la compression des images, qui lui permet de créer de nouvelles textures.

‟ Quand l’image n’était pas assez claire à  mon goà»t, quand les couleurs ne tendaient pas vers là  où je voulais, je jouais avec mon appareil et ses bricolages pour capturer ce que je voulais…. Et ainsi faire de nouvelles images que je regardais encore et que je regardais ailleurs pour voir quelles rencontres elles pouvaient faire : un écran de vidéo projecteur, une télévision, un écran plasma, tous ces écrans n’ont pas la même peau, ne racontent pas les couleurs de la même façon…

J’ai voulu garder la technologie loin, aucune image n’a jamais été retouchée (trafiquée) intentionnellement dans un logiciel, je n’ai fait que les afficher, c’est avec les réglages des écrans, des appareils photo, avec le mouvement qu’elles ont évolué. Ce sont des captures, des rêves qui ont pris forme à  un moment donné là  sous mes yeux alors que je manipulais des machines… C’est ce qui s’est passé devant l’écran, entre le corps et moi, là  où il fait plus ‟ chaud ”. C’est en parlant de cette chaleur, de celle près du corps que j’ai appelé le livre 38 degrés. ”

Compression d’images : Les formats GIF et JPEG sont des formats d’images qui permettent de compresser une image (pour que ça prenne moins de place sur l’ordinateur), il en existe d’autres (BMP, PNG, TIFF…). Tous ces formats compressent différemment les images, scientifiquement parlant, ils utilisent des algorithmes de compression différents et ne stockent pas de la même manière les images.

Une image numérique est composée de plusieurs centaines de milliers voire millions de points (pixels). Plus il y en a, plus l’image est grosse (en terme de taille informatique, de poids) et grande (en taille). De plus, à  chaque pixel correspond une couleur. Si on multiplie le nombre de pixels par le nombre de couleurs on se retrouve avec un fichier informatique plus ou moins gros. Et dans le monde de l’image numérique on atteint très vite des tailles impressionnantes pour la moindre petite photo. A l’heure d’internet où l’échange de photos est grandissant, ou tout simplement pour pouvoir stocker un max de photos, les informaticiens ont dà» trouver une solution pour alléger la photo sans pour autant lui faire perdre en qualité. Pour alléger une photo, il suffit d’enlever un pixel, et elle est plus petite mais il manque quelque chose. Pour cela, les mathématiques arrivent. Par de grands calculs, il est possible de réduire la taille des images. Chaque format, cité plus haut, utilise un calcul spécifique pour pouvoir compresser une image. Il se peut qu’il y ait des erreurs, lors de ces calculs (c’est ce qui arrivait au début d’internet dans les années 1990). Ce sont ces erreurs de calculs que Jacques Perconte exploite pour déformer ses photos, vidéos, afin d’obtenir des textures différentes.
Jacques Perconte ne travaille qu’avec un seul format et un seul type de format de compression : le jpeg
Son rapport à  l’image :

Dans le travail artistique de Jacques Perconte et dans la série Corps numériques (oeuvres disponibles à  l’artothèque), l’image numérique représente son propre moyen de production et le corps n’est plus qu’une information que l’on peut traiter et déformer. La photographie est la trace d’un état du corps dans un contexte, celui de l’image et de ses spécificités. Le corps devient témoin du processus de fabrication d’une image et de toutes ses étapes. Les photos numériques des vidéos fixent non seulement les images du corps, mais aussi le traitement de celles-ci, par le médium technologique. Par exemple les pixels illuminés deviennent distincts, et l’on peut visualiser des effets de moire de l’écran photographié. A cela s’ajoute une déformation de l’image créée par l’angle de vue, qui provoque une ré interprétation partielle ou totale de l’image.

Ces images technologiques incluent le corps humain dans un autre univers, il se retrouve sur plusieurs supports visuels et d’enregistrements. Le corps occupe plusieurs formats, plusieurs tailles. La photographie par son cadrage modifie la perception du corps.

Jacques Perconte et internet :

Il fait ses premières oeuvres internet de 1996-1997. Le site technart.net est la principale interface. En 2006, il ouvre le blog qui concentre (peu à  peu) toutes les archives de ses activités (articles, notes, performances… La toile est gigantesque).
http://www.technart.net
http://blog.technart.fr
http://www.jacquesperconte.com

Jacques Perconte et It’s all about love :

It’s all about love, synthétise les grandes étapes d’un travail pour la préparation du livre 38 degrés.

Avec ce projet de livre, et en prenant pour modèle Isabelle, sa compagne, Jacques Perconte lie son travail photographique à  son histoire d’amour. Il aboutit à  une grande collection d’images, toutes différentes. Dans ce travail la relation entre Jacques Perconte et l’image, s’est développée, agrandie, mais l’artiste s’est éloigné de son modèle Isabelle, et donc de son amour.

Il décide alors de trouver un moyen de quantifier la quantité d’amour qui réside dans l’image, à  chaque fois qu’une image se matérialise. I love you est un oeuvre sur Internet (une pièce de netart) qu’il débute en 2004.

A chaque fois que l’on consulte une image, elle est plus ou moins modifiée avant d’être affichée : le code source de l’image (le code hexadécimal) est altéré par un programme (love writing program) qui remplace une variable, calculée suivant différents paramètres, par le texte ‟ I love you ”. Le code source ainsi modifié, l’image est altérée (pixellisation, déformation, nouvelles couleurs, disparition). Cette méthode absurde d’écriture littérale de l’amour dans l’image, dans le code, donne à  voir chaque fois une nouvelle collection d’images plus ou moins empreintes d’amour. Plus d’amour, moins de représentation.

Voir le site http://itsallaboutlove.38degres.net/ et cliquer sur un programme pour voir ce qui ne se voyait peut-être pas assez

le code hexadécimal : dans la vie de tous les jours, nous comptons en base 10 (0,1,2,3,4,5,6,7,8,9), c’est le système décimal. Les ordinateurs utilisent pour comprendre les données le courant électrique : soit le courant passe (0), soit il passe pas (1) : c’est le système binaire, base 2 (0,1). Cependant ce langage prend beaucoup de place pour stocker toutes les données donc des informaticiens ont inventé un autre système de numération prenant moins de place que le binaire. Ils ont choisi le système hexadécimal qui comme son nom ne l’indique pas est un système en base 16 (0,1,2,3,4,5,6,7,8,9,A,B,C,D,E,F). Il y a une utilisation des lettres.
Le système hexadécimal permet une conversion simplifiée entre le système binaire et le système hexadécimal.

En binaire : zéro s’écrit 0
En hexadécimal : zéro s’écrit 0

En binaire : un s’écrit 1
En hexadécimal : un s’écrit 1

En binaire : deux s’écrit (eh non pas 2 mais) 10
En hexadécimal : deux s’écrit 2
(Là  on a déjà  gagné un peu)

En binaire : dix s’écrit 1010
En hexadécimal : dix s’écrit A
(Là  on gagne beaucoup plus)

En binaire : onze s’écrit 1011
En hexadécimal onze s’écrit B

Quand l’internaute ou l’artiste demande à  l’ordinateur de lui afficher l’image comme l’ordinateur la voit, celui-ci affiche une série de chiffres et de lettres (c’est du code hexadécimal).A ce moment là  le logiciel crée par Jacques Perconte recherche un binôme de chiffres ou de lettres et les remplaces par I LOVE YOU. (Ex : un ensemble comme : 2G peut être remplacé par I LOVE YOU). Une fois cela terminé, le logiciel réinterprète la photo et celle-ci est modifiée par rapport à  l’originale, et plus elle est modifiée plus elle contient de l’amour !

Ces paramètres créent l’oeuvre que l’internaute regarde sur le site. L’artiste ne choisit pas la série de chiffres ou de lettres à  remplacer (que l’on peut nommer « variable ») mais c’est l’ordinateur qui choisit cette variable; il pourrait la choisir aléatoirement mais l’artiste lui demande de choisir cette variable en fonction de divers paramètres comme le nombre pi ou le nombre d’or, l’heure de connexion, la date, l’adresse de l’ordinateur sur internet… là  un calcul est réalisé, on ne peut savoir comment c’est calculé, c’est un mélange de toutes ces données, et ceci donne la fameuse variable qui va être remplacée par ILOVEYOU.
En gros, au lieu de prendre une variable aléatoire, l’ordinateur en calcule une à  partir de données propres au visiteur. Ceci dans le but d’afficher à  l’arrivée une oeuvre différente pour chacun. A chaque fois que l’on regarde la photo sur internet, elle est créée devant l’internaute.

Å’uvres exposées à  l’artothèque :

‟ It’s all about love ” rassemble
des images directement issues des séances avec Isabelle,
des images re-photographiées sur des écrans,
des captures d’écran des I love you numériques issues d’internet,
des photographies d’écrans passées dans I love you,
des photographies d’écran de I love you,

Il y a également des i pod : il y a 3 films, ce sont des images des premières séances de pose avec Isabelle, qu’il a refilmé sur son écran. Le film le plus à  gauche, a été fait avec un appareil photo sur la fonction ‟ vidéo ”, un canon ixus 860is.
Le second au milieu, refilme le premier film de gauche, avec un cadrage plus serré, et des mouvements plus lâchés.
Le troisième film de droite, refilme le second film, il cherche plus la couleur, et accentue les effets de moire crées par l’écran (un ecran apple 24).

Voir plan de l’expo 
Séance avec Isabelle : Photo Isa
Image re-photographiée sur un écran : Photo écran
Capture d’écran d’un I love you numérique issu d’internet: Capture I love you
Photographie d’écran de I love you: Photo I love you
Photographie d’écran passée dans I love you : Photo écran passée dans I love you

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Il y a quelques semaines j’ai eu envie de jouer avec une vidéo : de la pousser pour voir ce qui pouvait se passer avec un contenu préexistant puisqu’à  l’habitude je ne travaille l’image avec la compression qu’à  partir de séquences que je tourne afin de préserver une certaine idée de l’analogie avec le sujet.

Quelque part je tiens à  faire de mes films les images d’une réalité, en filmant moi-même je réduit la distance entre l’image initiale et l’objet… Bref. Je ne sais pas pourquoi j’ai pensé à  Madonna. J’ai pensé à  Hung Up. En fait si, je pense savoir : elle m’est venue à  l’esprit à  cause des histoires qu’il ya avait eu avec son disque sur itunes… et puis parce qu’elle est célèbre, que l’envie de travailler avec des images fabriquées m’a poussé vers le clip et tout cela additionné cela fait Hung Up… le clip que j’avais vu.

Hung Up fonctionne bien fondamentalement puisque cela veut dire raccroché, pendu… Je compresse, j’encode successivement le film sous divers formats en baissant progressivement la qualité, en modifiant les dynamiques de couleurs, en passant à  l’endroit, à  l’envers, en mélangeant les outils 3ivx, divx, xvid… J’efface peu à  peu les signaux explicites des détails. Mais la compression psychovisuelle s’attache fondamentalement à  un certain sens. Finalement la fondamentale de l’image ne disparait pas. Pas encore, au moment où j’écris je n’en suis qu’au 16ème passage.

Cela est amusant de faire le parallèle entre cette situation où l’homme fabrique une image, il met en scène par tous les moyens dont il dispose une figure (ici Madonna) et construit une histoire. Ce fondement reste pendu dans l’image, sans la volonté de le détruire, simplement en réduisant peu à  peu les données descriptives, en tout cas en diminuant la place qu’on leur accorde, il semble apparaitre une limite en dessous de laquelle les logiciels ne veulent plus trop aller. Justement à  cause de ce sens qui risquerait peut-être d’être altéré. Là  où j’en suis, l’histoire, on ne la compresse pas.

J’ai envie de faire de ce clip dégradé dans l’image et dans le son une pièce autonome. Quelque chose qui soit l’écho d’un tube, une histoire tangente où justement les fondements auraient disparus ‟ naturellement ” à  cause de passages à  travers des ‟ filtres ” qui essaient de rendre aux données plus de place devant le sens de la figure exposée.

En quelque sorte je sculpte le clip de Madonna, j’y révèle des possibles de la matière psychovisuelle, j’y déchaine les couleurs au delà  des limites de la représentation à  priori…

Hung Up ! revolutions premières images sur flickr… mot clef : Hung Up
Hung Up video, Madonna; Confessions on a Dance Floor / 17.12.2005 Shirland Road, London, England
© Madonna / Warner Bros / Stuart Price / Johan Renck

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[...]

Enfin, Jacques Perconte, artiste français contemporain, a développé tout un ensemble de techniques détournant et dépassant les logiciels d’encodage et d’effets spéciaux afin de traiter les images brutes obtenues avec sa caméra DV. Au rebours de l’industrie qui cherche à  réduire le fichier du film tout en conservant une qualité optimale des images de manière à  ce qu’il puisse, par exemple, être lu sur un DVD, J. Perconte cherche au contraire à  pousser au maximum les possibilités des logiciels de compression pour exploiter un type très particulier de flou. Uishet (2005- 2007) en est l’aboutissement. Par compressions successives, il interprète l’image originale (un lent travelling avant sur le courant d’Huchet), en la déstructurant, en faisant surgir d’abord quelques éléments de couleur (carrés, pixels) dans et autour des herbes, des buissons et des arbres longeant les rives de la rivière, puis des formes et des masses compactes et abstraites ; ce paysage proprement numérique, qui était comme latent dans les images brutes, charge,remplace, se superpose ou se glisse au sein des formes originales.

Ces trois catégories de gestes expérimentaux radicaux nous semblent pertinentes dans la mesure où elles permettent de regrouper de manière cohérente des artistes qui ne l’ont encore jamais été et de proposer une autre histoire des formes articulant des réflexions d’ordre techniques et esthétiques. Chaque geste peut aboutir à  la même catégorie de formes plastiques radicales ou au contraire dériver vers d’autres catégories. Si la validité de ces catégories n’est pas encore totale, la fécondité de cette approche du flou comme démarche et phénomène est elle démontrée.

[...]

extrait de 3) signaux numériques et dépassement des limites des logiciels
dans Pour une théorie du flou au cinéma, de Bidhan Jacobs, doctorant en études cinématographiques, Université Paris I î Panthéon Sorbonne.
Texte intégral publié sur prefigurations / Octobre-Novembre 2007

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Je prépare une petite installation vidéo pour quelques ipods que je montrerais lors de l’exposition it’s all about love en janvier à  Pessac. Je n’ai pas encore fini le film que je vais mettre en scène avec ces petites machines. J’ai acquis un nano 4go hier. J’ai fait les premiers essais de compression sur quelques uns de mes films pour voir si ces miniatures en mouvement rendent ce que j’imaginais. Je voyais ces petits écrans très lumineux comme des écrins presque évidents pour quelques une de mes images. Ce matin je devais prendre le train pour aller à  Bordeaux travailler sur une autre installation aussi pour janvier… bref, je devais prendre le train et comme chaque fois que je le prends le matin, je me suis réveillé bien avant qu’il ne soit l’heure. J’ai eu envie de faire une version de uishet pour ce nouvel ipod.

J’ai donc recalculé une version de puis les images dans la résolution de la machine 320×240. A partir d’une sortie QuickTime non compressée j’ai ait des tests d’encodages en mp4 et en h264. Le premier était plutôt flou, le débit de 768ko peut-être pas suffisant… j’ai réussi pourtant en jouant avec les paramètres avec le même débit à  faire une très belle version… Mais c’est en passant par une résiltion suupérieure que j’ai obtenu de meilleurs résultats – le film en 640×480 en H264 est superbe. Sur le petit écran de mon ipod nano il y a tout ce que j’ai essayé de mettre en grand (alors qu’on ne voit pas tout). C’est très surprenant.

Cela m’a donné l’idée de réellement éditer une version de uishet et peut-être de quelques autres films. L’envie de faire une série de films qui seront disponibles pour ipod nano (des miniatures).
En parallèle des films qui sont de plus en plus fréquemment en HD et qui sont pour la plupart difficilement distribuables sur des supports pratiques dans des versions non altérées existeront les miniatures. Elles donnent une dimension assez étonnante et magique. Je ne vais pas refaire tous mes films, mais une bonne partie.

Je ne sais pas encore de quelle façon je vais éditer – ou faire éditer cette série de films miniatures. j’aimerais que le nombre d’esxemplaire de chaque film soit limité, 3, 5 ou 10 au maximum, qu’il gardent un côté précieux… des petites miniatures précieuses.

Uishet est le premier de la nano série. Vous pouvez télécharger le teaser et le mettre sur votre (nano de préférence): nano série : uishet, teaser. Sur un écran d’ordinateur, il ne rendra pas la même chose que sur celui de la petite machine, alors je vous conseille de le découvrir en petit… patience. 2 minutes de marque sur le lac de Léon puis sur le courant d’Huchet…

uishet, 2007, 13′ / nano séries /

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Avec le temps ma sensibilité aux artéfacts de compression s’est affinée mais n’a fait que se préciser. Lorsqu’il y a deux ans j’ai découvert The Roland Collection of film and video et que j’ai vu ces documentaires sur l’abstraction américaine, je suis resté bouche bée. Il fallait que je revienne à  parler de la peinture, de la peinture numérisée, des images d’oeuvres dégradées. De toute la peinture, il y a quelques noms qui me restent très chers pour la couleur : Newman, Rothko, Stella, Richter, Riopelle, Twombly, Kelly, Mitchell, Still, Marioni et Van Gogh. Newman et Rothko en premier, une fascination inexplicable pour Barnett. Alors j’ai commencé deux choses en même temps.

B. Newman . Mitternacht Blau

Un film, site web avec la volonté de drainer (naturellement) un maximum de visiteurs vers ces travaux : qui cherche Barnett Newman en ligne doit trouver des images adaptées. J’ai téléchargé quelques reproductions de ses tableaux et je les ai remises grandeur nature pour que l’on puisse enfin voir les mètres carrés de couleurs qu’ils proposent. Cette nouvelle collection s’appelle simplement Barnett Newman, Life-sized web collection. Je me suis servi de ces images pour faire comme si je filmais les vrais tableaux et que comme dans le documentaire sur l’american abstraction, je mettais en scène ces peintures au rythme de la musique et des voix off. Le film s’appelle Barnett Newman, il est encore en cours de réalisation…

Une notule balancée  le 1er mars 2006 à  14h11 lors de mon invitation sur le blog de fluctuat.net

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