Quand je pense à la fixité vide du regard que l’écran induit chez son utilisateur, je ne puis entendre dire sans révolte qu’il y a «interaction» [interface] entre l’oeil et la machine. Il n’y avait pas de terme pour désigner cela lorsque Merleau-Ponty a écrit son essai, en 1961. Il n’a été forgé que dix ans plus tard par McLuhan, et il ne fallut pas plus d’une année pour que le verbe to interface ait cours en psychologie, en ingénierie, en photographie, en linguistique.

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Se déplacer, s’ouvrir, être prêt à ce qu’il se passe quelque chose, le voir, travailler avec, le pousser… Cette aventure plastique que nous allons vivre pose la question du sens de la fabrication des images en mouvement, vidéos, films, ou toutes autres formes à inventer.

L’opération, l’histoire, ne doit pas être conduite par les outils, ce n’est pas la caméra qui fait l’image, pas la station de montage ou de postproduction qui fait le film, pas le vidéoprojecteur qui donne à voir… technique, technologie, culture… : autant d’écueils que de pistes.

Le film argentique opère par la magie chimique une réaction à l’univers. Chaque photogramme est une empreinte lumineuse du monde fixée sur une concentration identique de sels d’argent répartis dans le plus naturel des chaos. L’impact de la lumière au travers du défilement pelliculaire soutient à chaque nouvelle image la création d’un écho matériel unique du fragment de temps.

L’arrivée des capteurs photoélectriques puis numériques, l’informatisation des appareils d’enregistrement à finalisé le projet de déconnexion entre l’homme et la nature. Les images, les sons ne sont plus que des synthèses mathématiques de l’univers. Et l’infini des formes se retrouve contraint dans les limites physiques de la résolution des capteurs.

« Nous atteignons la fin de l’ère de la vision optique »
Bill Viola

Dans ce paradoxe du numérique, l’acte de création ne va plus de soi. L’effort de l’action doit être de plus en plus grand. L’intention de plus en plus forte. La relation avec les outils de plus en plus vive. Contre l’idée que le geste politique se résume à la manifestation, l’acte de création doit puiser ses forces dans le monde. Cette semaine il sera question de capter cette énergie, de la puiser dans la nature.

«Je déroule lentement la peinture et tandis que je l’observe,
je m’avance dans une étendue sans limites de tous les côtés
et qui m’ouvre ce sentiment de l’infini que le ciel inspire en moi.»
Zong Bing (375,443)

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Tous ces cadres sémantiques sont vite caducs. Le cinéma peut bien sà»r se libérer de la salle. l’expanded cinéma interroge le film ! La vidéo peut être le support d’un film, etc. Toutes ces questions n’ont pas de raison qui doive entraîner la perplexité ! Je rencontre cela trop régulièrement dans les écoles. On ne peut pas être blasé. Vous ne devez pas l’être ! Manifestez-le ! Il y a tout à  construire.
Et si vous voulez faire du cinéma, de la vidéo, vous n’avez pas besoin d’en connaître la définition. J’ai moi aussi passé des heures à  lire pour comprendre ce qu’il fallait faire. Pour voir où je pouvais faire. Mais j’ai compris que cela était de mon ressort. Il ne faut pas confondre la culture avec des règles. Elle n’est pas un cadre ni une contrainte. La connaissance n’apporte pas souvent de solution. L’action vous conduira. Faites ! Montrez ! Discutez ! Fêtez vos envies créatives en donnant la plus belle place possible à  vos coeurs ! Lâchez la tête, comprenez ce que vous avez en vous. C’est dans le ventre que s’enfouissent toutes nos émotions ! Faites avec les tripes !

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Rappelez-vous que la connaissance intellectuelle ne vous soutient pas et ne vous nourrit pas. La connaissance devient la sagesse seulement quand vous l’expérimentez avec votre propre coeur et votre être. Yogi Bhajan

Quelques lignes pour souligner des idées qui me tiennent. Quantité de luttes m’éveillent. Je n’exprime pas toujours très bien ce que j’ai à  dire. Je peux être confus. Mais j’écris pour ne pas laisser s’échapper le fil.

Je suis de plus en plus souvent confronté à  la question de la responsabilité que ce soit dans le monde de l’apprentissage avec les élèves, avec les professeurs moins qu’avec les administratifs, dans le monde professionnel, même de l’art, et plus généralement dans la vie de tous les jours.
L’école, la fac, le reste…. J’ai été un étudiant assez désorganisé. J’ai jonglé des années durant avec le cadre qui m’était imposé. Mais jamais je n’ai pensé devoir construire de position pour le contrecarrer. J’ai toujours entendu la contrainte comme une règle. Et quand je me loupais, je l’acceptais. J’ai toujours compris quelles responsabilités j’avais dans ces ratés. Je sais combien j’ai pu essayer de jouer avec les limites, quelles tensions il y avait quand je passais au raz des pâquerettes et que l’accident me guettait. Mais c’était le jeu. J’ai eu de nombreux succès, j’ai eu quelques ratés. Mais j’ai compris avec les années que l’implication par l’énergie et le travail m’avaient servi bien au-delà  du temps de l’exercice. Tout ce que j’ai conduit avec le coeur s’est ancré et a participé à  la construction de l’outil que j’ai fabriqué en étudiant.
J’ai compris que c’était d’une certaine manière la position responsable que j’avais qui m’avait conduit à  réussir. Je ne me suis jamais attaché à  corps défendant à  vouloir me faire croire quoi que ce soit. J’ai pris soin de faire attention à  mes ratés, à  mes manques et de les comprendre pour ne jamais construire de formes en réaction, pour ne jamais faire contre. L’attaque frontale est vouée à  l’échec si son objectif est de contrer (détruire) et non pas de construire. Là  se tisse la question créative de la responsabilité. La responsabilité telle que je l’entends n’a rien d’administratif ni de citoyenne. Elle est magique. Et la magie n’a rien d’une illusion. Je profite encore de l’énergie de ces lignes immatérielles que j’ai tendues dans le temps. Cette magie naît dans l’honnêteté, dans l’amour, dans la perspective de l’action. Elle ne s’opère que dans la construction. Et il ne faut jamais oublier que chacun des pas que nous faisons construit notre monde.
Dans l’art, chez les professionnels… Ce monde que nous construisons souffre des manques de responsabilité. Cela paraîtra aisément grave dans les secteurs sensibles, en politique, en sciences, mais cela l’est tout autant en art. Tout résonne.
Et comme partout ailleurs… Se construire ce n’est pas accumuler. Être responsable c’est construire pour préserver la mobilité et ouvrir à  la lumière. Nous sommes responsables de limites de notre univers.

La seule chose que vous devez faire dans la vie est de
propager la lumière. Soyez un phare.
Yogi Bhajan, 5 octobre 1988

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W.Benjamin, « Objets de Chine » Sens Unique.

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First you have to master yourself and then you will become teachers. Teacher is very open, a public park where anybody can walk in; so teacher has to be very clean. Your conduct has to be crystal clear and you have to be absolutely transparent. Only then can you be a teacher.

May 7, 1969 / the teachings of Yogi Bhajan

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« La solution de la crise exige une radicale volte-face : ce n’est qu’en renversant la structure profonde qui règle le rapport de l’homme à  l’outil que nous pourrons nous donner des outils justes. L’outil juste répond à  trois exigences : il est générateur d’efficience sans dégrader l’autonomie personnelle, il ne suscite ni esclaves ni maîtres, il élargit le rayon d’action personnel. L’homme a besoin d’un outil avec lequel travailler, non d’un outillage qui travaille à  sa place. Il a besoin d’une technologie qui tire le meilleur parti de l’ énergie et de l’imagination personnelles, non d’une technologie qui l’asservisse et le programme. »

Ivan Illich, la Convivialité, Le Seuil (collection « Points »)
ill. Satyagraha, 2009

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Prisonnier de l’idéologie scolaire, l’être humain renonce à  la responsabilité de sa propre croissance et, par cette abdication, l’école le conduit à  une sorte de suicide intellectuel.

Ivan llich, Une société sans école, trad. Gérard Durand, p. 106, Éd. du Seuil, coll. Points n° 117

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Je pousse encore plus loin la question de l’enseignement. J’ai une sorte d’intuition qui me motive. J’ai le sentiment d’avoir quelque chose à  donner sur ce plan. La démarche qui soutend la plupart de mes propositions plastiques a déjà  servi plusieurs fois des articulations pédagogiques autour de la question de la créativité. Voilà  quelques notes que je partage avec vous…

Cette créativité, je cherche à  l’enseigner sur le même front (et ce n’est pas paradoxal) dans des domaines qui ne sont pas réservés aux arts plastiques. C’est certainement les mêmes mécaniques de décloisonnement, de lâcher prise et de liberté qui fondent les approches créatives dans tous les domaines. Voir ce qui n’est que potentiellement là  en toute bonne foi, en se servant de l’énergie des formes, en liant des idées qui ne se côtoyaient pas, nécessite à  la fois une maîtrise du domaine d’expression (mathématiques, design, web, cuisine, danse…). Mais relève de positionnements personnels qui dépassent les limites de cette expression et qui trouvent leurs racines au plus profond de soi. Et c’est ce que l’on verra du monde, notre coeur, notre curiosité, nos aventures sans cesse interrogés qui révèleront dans nos démarches des liants fondamentaux… Et c’est l’attitude que l’on aura par rapport à  ces intuitions qui feront d’elles ou non une force potentielle. Il faut l’intention, le geste et l’enseignement. Il faut que l’on ait à  donner à  apprendre pour que ce que l’on mettra dans l’objet de la création ne puisse pas s’en tenir à  une position neutre au sein de la forme… La surface ne doit pas être l’objet. La profondeur n’est qu’un vecteur, il faut maintenant travailler le rayonnement. Il faut penser l’alchimie.

Lorsque tu veux savoir quelque chose, lis-le.
Lorsque tu veux apprendre quelque chose, écris-le.
Lorsque tu veux maîtriser quelque chose, enseigne-le
YOGI BHAJAN

ill. Athanase Kircher, Ars magna sciendia, 1669, in Opus Magnum, l’échelle : shema universel servant à  poser des questions sur tous les sujets possibles

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« … toute théorie, y compris scientifique, ne peut épuiser le réel, et enfermer son objet dans ses paradigmes. » Edgar Morin, Le paradigme perdu (1973)

« Jacques Perconte nous a proposé de regarder notre quotidien, notre univers, notre monde autrement et de créer ainsi un paradigme qui nous permettrait de découvrir un autre lieu et grâce auquel nous pourrions jouer des conventions et expérimenter… »

Diaporama et présentation du projet paradigmes mis en scène.

Mercredi 27 mai
Maison du Geste et de l’image
de 16h à  17h
(vous pouvez découvrir d’autres projets à  partir de 14h30)
42, Rue Saint-Denis
75001 Paris

La Maison du Geste et de l’image organise des ateliers qui permettent aux artistes, aux professeurs et au élèves de se rencontrer et de travailler. Je conduis un de ces ateliers avec Marie-Josèphe Jasson et le Lycée Notre Dame de Sion depuis trois. Nous allons vers des projets de plus en plus ambitieux.

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Le travail réalisé avec la classe d’arts plastiques de seconde de Notre Dame de Sion où j’interviens a fini par prendre forme. Voilà  le texte que j’avais lancé il y a presqu’un an en pensant à  ce que nous pourrions faire. Le site est en ligne… παράδειγμα / paradeà¯gma

Un paradigme est une représentation du monde, une manière de voir les choses, un modèle cohérent de vision du monde qui repose sur une base définie (matrice disciplinaire, modèle théorique ou courant de pensée). C’est en quelque sorte un rail de la pensée dont les lois ne doivent pas être confondues avec un autre paradigme.

J’imagine peut-être quelque chose de compliqué, mais je me dis que cela peut valoir la peine. Nous nous disons que nos déplacements quotidiens sont délimités par une quantité de paramètres locaux. Mon idée est de peut-être trouver comment nous pouvons voir notre monde autrement. En mettant en place un système (paradigme) nous pourrions nous jouer des conventions et expérimenter.

Nous sommes à  Paris, il est question d’aller à  Florence. Mon idée est de mélanger les deux espaces, d’intervertir les logiques de déplacement d’une ville à  l’autre :

Prévoir un parcours à  Paris, le réaliser et repérer les points forts (qui auront été anticipés : curiosités, paysages… ) le reporter sur une carte.

Reporter ce dessin sur un plan de Florence afin de reproduire le déplacement. Trouver les règles de ‟ résonnance ” entre les deux espaces. Prévoir un parcours à  Florence, le réaliser et repérer les points forts (qui auront été anticipés : curiosités, paysages… ) le reporter sur une carte.

Reporter ce dessin sur un plan de Paris afin de reproduire le déplacement. Trouver les règles de ‟ résonnance ” entre les deux espaces.

Nous aurons ainsi un croisement systémique entre deux villes qui n’ont rien en commun si ce ne sont des concepts… Nous pouvons croiser les deux villes, chacun choisirait le sens dans lequel il travail, l’important étant d’avoir choisi un sens.
Bien sur Florence remonterait surement plus que paris parce que nous sommes parisiens et que l’exotisme prime. Si nous étions italiens le contraire se passerait surement…

Qu’est ce que cela veut dire ? il est question de découvrir son territoire, de sortir des aprioris que l’on peut avoir. Écrire une navigation qui n’a aucune cohérence pratique peut s’avérer intéressant pour se laisser surprendre par le décor.
L’(idée force est de se retrouver à  naviguer dans un vielle avec un plan issu d’un autre ville. Il y a quantité d’éléments à  faire résonner, les noms, les formes, les images, les idées…

Ce que nous avons à  dire de ces deux villes sets à  la croisée des chemins. Voir l’une à  travers l’autre peut être amusant et fort. C’est une contrainte d’écriture qui peut amener beaucoup de surprise.

Merci aux élèves : Elisa Julien , Jean-Baptiste Aziere , Camille Tissot–Meslier , Tévy Dubray , Delphine Vantaggi , Albane Weber , Joséphine Lampreia , Jeanne Dulery , Léa Bourassin , Victor Lescure , Solène Arrata , Mélanie Riesen , Clement Berti , Natacha Boulard , Aliénor Plasmans , Quentin Roussel , Agnes Giannaros , Lorraine Cousin , Sigrid Tiberghien , Juliette Horen , Victoire Rey , Anna Rouaud , Louis Schofield , Jacobé Huet , Juliette Olliveaud , Audrey Abraham , Anne Gaà«lle Le Gall , Alizée Marie-Claire , Claire Lagriffoul , Claudia Cauville , Margaux Tiers , Pauline Deschamps , Clémence Allègre-Denis.

Mais surtout à  Marie-Joèphe Jasson professeur d’arts plastiques avec qui je travaille avec beaucoup de plaisir depuis trois. Merci à  Béatrice Reynaud Lacroze et à  Fabrice Ronchetti. Merci à  la Maison du geste et de l’image…

Les images de l’année passée sur flickr : Florence, les ateliers, le travail produit….

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Alors quand je vois qu’il pleut et que je vais chercher un parapluie pour sortir, s’enchainent une quantité incroyable d’actions-réactions à  diverses échelles et de diverses importances. Imaginer cette scène nous fait manipuler de la culture, notre connaissance contextuelle du monde : des images mentales bien définies qui se sont ancrées en nous avec le temps. Nous sommes capables de rejouer instantanément toutes les situations identiques et de résumer cet ensemble de moments en une suite d’instructions. Instructions qui nous guident. Mais est-ce bien nous que nous imaginons ? Nous attachons à  cette abstraction une part l’expérience de notre personne. Nous lions des choses étrangères car nous ne pensons pas à  une fois en particulier mais à  cette situation en général. A cette idée nous lions celle de nous. Nous nous projetons. Voir cette scène (en être témoin dans la réalité) relève d’un mécanisme plus complexe puisque nous projetons sur la personne la part de connaissance à  priori que nous avons d’elle. C’est à  dire que ses gestes ne sont plus abstraits comme les nôtres précédemment mais lus au travers du filtre cognitif que nous avons de la personne. Nous jugeons la situation. Je parle de connaissance à  priori parce que nous ne sommes pas la personne (est-ce si évident ?),  et même si nous la connaissons bien, elle n’est là , dans notre vision que la représentation que nous avons d’elle. Il faut bien comprendre que cette représentation n‘est pas figée, elle évolue tout le temps, c’est un modèle qui se réajuste sans cesse. Bref, voir cette scène, c’est aussi figurer le lieu réel, le temps (la pluie) réel, le monde à  un moment donné de la même manière. Si nous sommes spectateurs et acteurs, c’est encore une fois une mise en place différente que si nous voyons une photographie de cette situation. Image où des moyens (intentions et manipulation d’outils) ont été ‟ maîtrisés ” pour que puissions comprendre toute la complexité de la situation sans la voir. A cette échelle nous jouons directement avec la culture que nous avons des images (fixes ou animées) en général et de la photographie en particulier. Inconsciement nous comparons le cliché à  des référents.  Notre lecture s’écrit dans le temps à  partir d’un élément fixe. La vitesse est représentée. Et au cinéma ?  C’est encore plus compliqué. Nous articulons des éléments dans des blocs de temps… Dans le temps s’écrivent des histoires… je vous renvoie à  la citation que j’avais mise de Gell-Mann. ‟ A mesure que chaque histoire se poursuit au fil du temps, elle enregistre un nombre croissant de ses résultats au hasard. Mais certains de ces accidents se gèlent et deviennent des règles pour le futur, du moins pour une certaine partie de l’Univers. […]”. Ce qu’il y a de particulier au cinéma c’est le flux, flux qui peut être discontinu. Nous ne sommes pas aussi distants qu’avec la photographie. Nous sommes embarqués dans une réalité qui nous prend du temps. Et ce temps à  une durée. Et c’est dans l’expérience de la durée que se joue notre vie… Sommes-nous encore des spectateurs au cinéma ? Sommes-nous extérieur à  l’action ? Quelle est la différence avec la photographie. Avez-vous assez de pistes pour réfléchir ?

Alors si je me mets à  parler de récits interactifs qu’est ce qui se passe ? Là  pour lier les éléments entre eux et construire du réseau, produire de l’intelligence dans le déroulement il faut que vous agissiez. Vous avez la responsabilité en tant que spectateurs d’engager votre corps dans l’histoire pour qu’elle se déroule. Et l’intelligence elle se joue au travers de vous. Vous faites. Alors si on parle de métaphore qu’est-ce qu’il se passe ? Si vous avez l’impression de faire semblant de jouer quelque chose vous sentez-vous plus acteurs ? Et su au contraire  vous êtes dans l’abstraction la plus totale… Qu’est ce qu’il se passe ? Où est-ce que cela se passe. Il faut entendre ce que vous voyez, entendre comme comprendre. Il faut apprendre à  mettre à  plat pour intégrer les processus. Le cinéma tient une place importante. J’ai beaucoup travaillé la fiction et le documentaire avant de me poser la question de l’interactivité. Le langage cinématographique est un (des) terrain à  connaître et à  intégrer. D’une part parce qu’il précède l’expression de l’interactivité et d’autre part  parce que nous y baignons malgré nous.

Ces notes sont des raccourcis. Je n’ai pas le temps ni la place pour m’étendre sur cette complexité. Mais de manière générale à  chaque fois il s’agit de mettre en jeu la dualité qui confronte une : l’ensemble des situations identiques que nous connaissons (pour les avoir vécues personnellement ou pour en avoir été témoin de quelque façon que ce soit) et une réalité : la situation donnée. Entre un élément intérieur et un élément extérieur. Entre ce que j’ai acquis et ce que je suis en train d’acquérir.  Il faut entendre l’importance de la qualité du geste. C’est elle qui fonde l’impact… Passer d’un plan à  un autre dans un film, glisser sa souris sur un mot… pour porter une intention et faire passer une idée.

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Alors que la question ‟ Qu’est-ce que l’homme ? ” devrait être le point de rencontre entre philosophie et sciences humaines, l’anthropologie générale est la grande absente des débats académiques. Il lui revient pourtant d’expliciter les partis pris de la pensée occidentale et de les confronter aux conceptions que d’autres cultures ont élaborées î conceptions qui, possiblement, mettent le doigt sur des aspects de la condition humaine que nous sous-estimons. Il revient également à  une anthropologie générale de mettre en évidence les points de convergence des connaissances nouvelles issues de différents champs et d’y confronter la philosophie. Le renouvellement des idées dans le débat public ne se fera pas sans que soient remises en chantier nos conceptions fondamentales de l’être humain et de la société.

Mardi 11 décembre
Marc AUGÉ : Après ‟ Le Génie du paganisme ”

Mardi 8 janvier
Daniel FABRE : Georges Bataille et les enfants de Lascaux

Mardi 22 janvier
Alfred ADLER : Animalité et humanité en Afrique noire

Mardi 12 février
Anne Cheng et Joà«l THORAVAL : titre à  définir

Mardi 26 février
Emmanuel LOZERAND : Figures de l’individu au Japon

Mardi 11 mars
Jean-Pierre DOZON : Un humain extraordinaire : le prophète en Afrique contemporaine

Mardi 25 mars
Jackie ASSAYAG : De la ‟ déspécification naturaliste ”. Quelques cas de figure sans figure

Mardi 8 avril
François FLAHAULT : Anthropologie générale et morale

Mardi 13 mai
François FLAHAULT : Pourquoi et comment comprendre les interactions humaines en suspendant tout jugement moral ?

Mardi 27 mai
François FLAHAULT : Les sources immanentes de la morale

Mardi 10 juin
Lorenzo VINCIGUERRA : Croyance et vérité dans le pragmatisme de Ch. S. Peirce

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Pré-projet artistique pour l’année scolaire 2008-2009, avec la maison du geste et de l’image et Le lycée Notre Dame de Sion à  Paris.

Le mot paradigme tient son origine du mot grec ancien παράδειγμα / paradeà¯gma qui signifie ‟ modèle ” ou ‟ exemple ”. Ce mot lui-même vient de παραδεικνύναι / paradeiknuna௠qui signifie « montrer », « comparer ».

Un paradigme est une représentation du monde, une manière de voir les choses, un modèle cohérent de vision du monde qui repose sur une base définie (matrice disciplinaire, modèle théorique ou courant de pensée). C’est en quelque sorte un rail de la pensée dont les lois ne doivent pas être confondues avec un autre paradigme.

J’imagine peut-être quelque chose de compliqué, mais je me dis que cela peut valoir la peine.  Nous nous disons que nos déplacements quotidiens sont délimités par une quantité de paramètres locaux.  Mon idée est de peut-être trouver comment nous pouvons voir notre monde autrement. En mettant en place un système (paradigme) nous pourrions nous jouer des conventions et expérimenter.

Nous sommes à  Paris, il est question d’aller à  Florence. Mon idée est de mélanger les deux espaces, d’intervertir les logiques de déplacement d’une ville à  l’autre :

Prévoir un parcours à  Paris, le réaliser et repérer les points forts (qui auront été anticipés : curiosités, paysages… ) le reporter sur une carte.
Reporter ce dessin sur un plan de Florence afin de reproduire le déplacement. Trouver les règles de ‟ résonnance ” entre les deux espaces.

Prévoir un parcours à  Florence, le réaliser et repérer les points forts (qui auront été anticipés : curiosités, paysages… ) le reporter sur une carte.
Reporter ce dessin sur un plan de Paris afin de reproduire le déplacement. Trouver les règles de ‟ résonnance ” entre les deux espaces.

Nous aurons ainsi un croisement systémique entre deux villes qui n’ont rien en commun si ce ne sont des concepts…  Nous pouvons croiser les deux villes, chacun choisirait le sens dans lequel il travail, l’important étant d’avoir choisi un sens.

Bien sur Florence remonterait surement plus que paris parce que nous sommes parisiens et que l’exotisme prime. Si nous étions italiens le contraire se passerait surement…

Qu’est ce que cela veut dire ? il est question de découvrir son territoire, de sortir des aprioris que l’on peut avoir. Ecrire une navigation qui n’a aucune cohérence pratique peut s’avérer intéressant pour se laisser surprendre par le décor.

L’(idée force est de se retrouver à  naviguer dans un vielle avec un plan issu d’un autre ville. Il y a quantité d’éléments à  faire résonner, les noms, les formes, les images, les idées…

Ce que nous avons à  dire de ces deux villes est à  la croisée des chemins. Voir l’une à  travers l’autre peut être amusant et fort. C’est une contrainte d’écriture qui peut amener beaucoup de surprise.

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Le roadcasting… joli mot…  c’est en fait le mix entre le peer-to-peer et le podcasting pour les autoradios… Imaginez deux voitures qui se croisent et dont les autoradios peuvent communiquer. Les automobilistes peuvent écouter le stream (le flux) audio de son homologue, tous deux aux volants de leurs outils connectés peuvent écouter de la musique partagée… 

Roadcasting c’est le nom qu’on a donné à  un atelier que j’animais à  la Maison du Geste et de l’image durant les vacances de février. Durant quarante heures, avec 10 adolescents nous avons essayé de pratiquer l’image autrement…

> maison du geste et de l’image
> roadcasting
> 5 jours photographie pour les 12/15 ans
> du lundi 25 février au vendredi 29 février 2008 de 10h à  18h
> sous la direction de jacques perconte

De la façon dont ils s’habillent aux messages publicitaires, les hommes communiquent sans cesse…
Le monde qui nous entoure nous renvoie quotidiennement tellement d’images spectaculaires que nous ne faisons plus attentions à  ce qui semble simple et évident. Nous passons à  côté ce qui n’est pas perçu comme un évènement. Mais les évènements sensationnels sont rares… C’est ce que les médias essaient de nous cacher…
Nous libérer de la pression du sensationnel peut nous conduire à  découvrir des choses merveilleuses et à  les partager. Nous allons essayer d’être attentifs dans des situations quotidiennes, essayer de voir et décortiquer. A l’aide d’une toute petite caméra, nous allons capter des images et des sons de notre environnement immédiat et réaliser un journal de nos explorations et de nos découvertes. Ce journal aura la forme d’un blog audio et vidéo, il y aura un podcast, nous allons ouvrir nos lectures du quotidien à  tous.
Les nouvelles technologies font qu’il est possible de savoir ce qu’il s’est passé de l’autre côté de la planète à  chaque instant. Elles nous ouvrent aussi la possibilité de réagir et de diffuser aussi vite.
Chaque matin nous arpenterons Paris selon nos envies, selon l’actualité, pour en capter des mouvements, des sensations, pour ensuite voir, sélectionner, préparer et diffuser sur internet ce que chacun aura retenu…
Sous sa forme de blog en ligne, ce journal sera projeté en public le dernier jour du stage.

Avec Camille, Charles, Hayika, Ivan, Lea, Mahaut, Morgan, Paul-Alexandre, Theo et Zakia
Merci à  tous, ce fut un grand plaisir.

Les images sur flickr / le blog roadcasting…
Maison du Geste et de l’image, paris

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Une image c’est d’abord un contexte : une vision, une photographie, un dessin, un film… Ce contexte est complexe. Par exemple, je ne percevrais pas de la même façon la même photographie tirée sur un beau papier neuf ou sur un papier jaunâtre qui lui donnerait l’impression d’être vielle. Je ne percevrais pas de la même façon la même image imprimée sur une feuille ou collée sur un mur. De temps en temps cela peut paraitre évident mais c’est important de se rendre compte de la nature de ‟ l’objet ” qu’on voit.

Ensuite l’image c’est un cadre. Quand on la fabrique, on choisit de montrer une partie de ce qu’on voit. D’abord parce qu’on ne peut que difficilement tout montrer et ensuite parce que quand on fabrique une image, c’est pour montrer quelque chose. Les images ne sont jamais objectives. Il est toujours question d’y dire quelque chose. Une image c’est un texte.
En premier c’est le cadre qui délimite une partie de la réalité. C’est l’espace dans lequel on donne l’image à  regarder. Dans notre civilisation occidentale, et ce depuis la Renaissance, ce cadre est pensé comme une fenêtre par laquelle le monde est donné à  voir. Ce cadre est donc majoritairement rectangulaire, horizontal ou vertical.
Le cadre horizontal est considéré comme synonyme de calme, de distance alors que le cadre vertical se situe plutôt du côté de la proximité et de l’action.

L’image est composée dans le cadre. C’est-à -dire qu’e l’on choisit de quelle manière on place le cadre pour organiser l’espace.
Il ne faut pas oublier que toutes les règles de notre culture sont liées. La gauche est associée au passé, la droite au futur. Le bas c’est la terre, le matériel, le haut, c’est l’air, le ciel, la spiritualité. L’image peut se découper selon quatre lignes situées environ au tiers de l’image (proche du nombre d’or) dites lignes de force ; les intersections de ces lignes sont les points de force. Ils peuvent être utilisés pour positionner les zones clefs de l’image.
Nous pouvons écrire l’image en utilisant ces savoirs. Nous devons être conscients de notre culture pour en déduire le langage des images.

La lumière, la couleur, le noir et blanc sont encore d’autres soutiens à  l’écriture. Une prise de vue en noir et blanc traduit un choix esthétique ou une volonté de situer l’action dans le passé. Cela est vrai aujourd’hui parce que la couleur existe et que le noir et blanc c’est inscrit dans le passé de l’image. Un éclairage solaire crée une sensation de naturel alors qu’un éclairage artificiel fort théâtralise une scène. De même, un traitement pastel des couleurs nuance une image qui serait dynamisée par un contraste important ou une grande vivacité des teintes.

Le flou est aussi un élément narratif : il peut raconter un mouvement, mettre en avant la vitesse, parler du déséquilibre. La profondeur de champ (premier plan et arrière plan flous, sujet principal net) permet de détacher le sujet de son environnement. Contrairement au net qui inclut le sujet dans son espace.

La position de l’appareil de prise de vue par rapport au sujet est également inductrice de sens. Une prise de vue de niveau sera synonyme d’objectivité (équivalente au regard du spectateur). En plongée (l’appareil placé au-dessus), le sujet sera écrasé alors qu’il prendra plus d’importance en contre plongée (appareil placé en dessous).

On peut amplifier ces choix en identifiant l’appareil de prise de vue pour donner un effet de vécu (angle de prises de vue mais aussi flous, cachés, tremblant signifiant la peur, déplacements rapides de l’appareil pendant la course d’un personnage,…) en opposition à  une approche distante et maitrisée, la plus naturaliste ou théâtrale possible.

Il ne faut pas oublier de parler du champ. Il peut être amputé. On peut signifier une absence par l’écriture. C’est le hors-champ. Le champ est l’espace du ” réel ” choisi par le cadreur. L’espace environnant mais non vu dans l’image est appelé hors-champ. Cet espace que divers indices peuvent nous aider à  construire mentalement (regard, son, …) se mêle à  l’image vue pour produire du sens.

Je le redis, l’image est son contexte : son lecteur, son support, son titre, son texte, ses associations… Imaginons une photo de citrouille ! A cette photo, on peut associer : la photo d’un pot de crème fraîche – la photo d’une Rolls Royce – Le mot Cendrillon – Dans chacun de ces cas l’image sera lue différemment.

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Théoriquement (pour dire « vrai ») le Netart serait l’ensemble des créations artistiques qui utilisent internet comme support.
Mais qu’est ce que cela veut dire ?
Parlons-nous d’une utilisation spécifique tout bêtement ? Comme la peinture utilise la peinture ?
Ou bien parle t’-on d’une utilisation univoque : l’oeuvre ne pourrait pas exister autrement que sur internet ?

Mais à  quoi cela peut-il servir d’assimiler certaines oeuvres à  une typologie si cette dernière est aussi générale que peinture ?

Il faut comprendre qu’à  ce jour ces oeuvres sont jeunes, les historiens et les théoriciens de l’art s’arrachent les cheveux et se battent entre eux. Ils ne savent pas comment appréhender ce fatras…

Il faut aussi savoir que l’on pourrait classer la majeure partie de ces oeuvres dans de grands genres : art conceptuel, Pop art, abstraction lyrique, fauvisme…

C’est donc compliqué de se positionner pour raconter ou expliquer ce que c’est que le Netart.

Alors, on pourrait se dire que le point de vue historique serait éventuellement le meilleur moyen d’aborder le Netart. Et là  il y a encore des problèmes : il y a de nombreuses histoires du Netart. Je pourrais vous en raconter une : la mienne, celle que j’ai pu observer. Celle que je connais. Celle des réseaux que j’ai fréquentés. Mais partout se sont écrites des histoires qui ne se sont pas forcément connectées. Et puis il y a de petites histoires, des choses qui se sont passées quelque part sur internet et que peut-être très peu ont vues qui n’ont pas été reliées aux autres. Et qui sont peut-être importantes. Peut-être que certains ont innové en dehors des réseaux que je connais. C’est évident même. Par exemple l’histoire du Netart en France… qui la connait vraiment. Il en existe une théorique, mais elle suit rigoureusement les réseaux universitaires et les réseaux parisiens.
Qui peut écrire une histoire de cette pratique ?
Qui doit entrer dans l’histoire ?
Y entrerait-on parce que la production a été reconnue à  un moment donné ?
Parce qu’elle a eu la reconnaissance de certains. Une oeuvre serait-elle importante pour ses qualités innovantes ?
Donc une oeuvre pourrait avoir été inconnue et être importante ?
Il faudrait mettre de l’ordre dans tout ça… mais pourquoi ?

Je crois qu’il ne doit pas forcément être question de produire une histoire fondamentale organisée. Toutefois, il est important que l’on guide. Guider c’est conduire, pas forcément tout raconter. C’est ranger, organiser, mettre en forme…

révolution :

de n’importe où, connecté à  internet chacun pour diffuser sa création.
Ainsi pour la première fois il est possible de court-circuiter le système de diffusion de l’art.

L’art des médias se fait toujours à  la surface. Vous devez attirer l’attention des personnes très rapidement. Vous devez leur donner un coup de karaté dans le cou aussitôt que possible. Naturellement ils n’iront pas voir en détails, et l’oeuvre se reposera peut-être pendant les cinq années ou dix années à  venir, ou peut-être 100 ans… avant que quelqu’un ne porte réellement son attention aux contenus.

jodi

Pour la suite : a wiki story of net art (open source)

Support de ce texte : Une ballade dans l’histoire du netart en 2003… / laboratoire : laboratoire pédagogique et théorique

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Lycée Notre Dame de Sion
Professeurs: Marie-Josèphe Jasson, Marie-Tiyi Jalon, Béatrice Reynaud-Lacroze, Estelle Pheulpin.
Intervenants: Jacques Perconte, artiste plasticien, vidéaste.
Partenaire: Maison du Geste et de l’Image.
Avec l’accord et le soutien du chef d’établissement: Marie-Odile Idrac et du Conseil d’Etablissement.

Durant l’année scolaire 2006-2007 les 29 élèves de la classe de 2nde1 en Option de Détermination Arts Plastiques ont travaillé en interdisciplinarité avec leurs professeurs d’Histoire-Géographie, de Français, d’Anglais et d’Arts Plastiques.

La Maison du Geste et de l’Image, notre partenaire, nous a proposé de travailler autour de ‟ Territoire en Direct ” avec le 19ème arrondissement.
Les élèves ont découvert le travail de Jacques Perconte et ont suivi tout au long de l’année ses démarches à  travers ses expositions et interventions.
Nous avions décidé en lien avec nos programmes et la MGI de travailler sur les notions de ‟ Territoire, Limite(s) et Frontière(s) ”.

En Arts Plastiques, à  partir de l’incitation: ‟ Un territoire à  mon image ”, les élèves ont investi divers médiums, techniques, supports, l’espace, l’installation ; ils ont questionné les limites de l’image et de l’oeuvre, le paysage, le cadre, le champ et le hors champ.
En Français, ils ont questionné le récit ; en Géographie, les limites et frontières terrestres, les contrastes culturels en fonction de l’occupation terrestre ; en Anglais, les différences culturelles, les frontières établies par le langage.

Mise en oeuvre et déroulement du projet

Nous avons engagé avec l’artiste, Jacques Perconte, un projet à  partir de photos numériques qui a abouti à  un site Internet. Les élèves ont été amené à  inscrire leurs photos sur un site de stockage et ont communiqué par l’intermédiaire d’un blog.

Octobre : Découverte de la démarche artistique de Jacques Perconte, traversée de Paris du centre à  la périphérie.
Nous avons invité les élèves à  une traversée de Paris, du centre (l’Ile de la Cité), en passant par les Portes Saint Denis et , la Gare de l’est, les quais de Valmy, la Villette, sous le périphérique, Pantin et retour par le RER.
Cette déambulation ponctuée de prises de vue fut, pour eux, une découverte extraordinaire. Aucun d’entre eux n’avait dépassé le Châtelet. Ils ont eu l’impression de voyager à  travers des cultures différentes, des mondes différents, des lieux de vie, des espaces urbains différents. Ils ont découvert une ville qu’ils croyaient connaître.

Novembre : utilisation du matériel informatique, transfert des photographies sur le site Flicker, ouverture du Blog, communication à  partir d’une photo et d’un texte. Début du partenariat avec le Jeu de Paume et visite conférence ‟ Friedlander ” au Jeu de Paume et son travail sur l’ombre, la lumière, le champ et le hors champ, Mois de la Photo.
Nous avons découvert l’écart entre les élèves face à  l’appropriation de l’outil informatique : de l’absence de boite email et du rejet total de cet outil aux élèves assez à  l’aise mais en minorité (5 ou 6) en début d’année. Tous ont été, cependant assez enthousiastes pour se mettre en apprentissage ; la mise en ligne de tous les travaux (textes et photographie)fut assez longue en partie à  cause de l’absence totale de connaissance de certains.

Décembre : découverte d’une ville européenne, Londres (les Docks, de la périphérie au centre, exposition Vélasquez) Prises de vue. Visite au FRAC Ile de France
Projection en classe de photos, échange avec l’artiste, questionnement à  partir du choix d’images fait sur le blog. Réalisation d’une série photographique : mise en évidence d’un protocole de prise de vue, d’un questionnement à  travers les images,.

Janvier : présentation des séries photographiques, échanges, critiques.
Les élèves ont eu des difficultés à  faire ce travail qui demandait une organisation personnelle, un engagement, et à  le rendre dans les temps (2 élèves seulement l’avaient rendu durant la première semaine de janvier). Nous avons pris conscience qu’ils travaillaient dans l’urgence ; que, pour une grande partie(le 1/3 voire la moitié) c’était leur mode de fonctionnement. Nous avons eu beaucoup de mal à  lutter contre cette léthargie qui d’ailleurs était beaucoup plus importante dans la vie scolaire que dans l’atelier. Ils ont été nombreux à  nous dire que l’atelier les avait stimulés, qu’ils avaient l’impression de s’être dépassés (voir le bilan élèves).
C’est également posée la question: qu’entend-on par ‟ Territoire, Limite(s) et Frontière(s). Chaque élève a été invité à  méditer et à  s’exprimer sur ces notions et à  réorienter son travail en fonction des réponses qu’il faisait. Ils ont eu du mal à  se détacher des définitions géographiques pour s’approprier la question.

Février : nouvelle série photographique en s’appuyant sur les conseils donnés en janvier, Visite conférence ‟ L’évènement ” au Jeu de Paume et les statuts de la photographie.
Nous avions demandé aux élèves de reprendre leur questionnement précédent pour l’améliorer. En dehors de quelques élèves, ils ont préféré partir dans une autre direction en créant de nouveaux écarts, de nouvelles questions dont ils n’avaient pas toujours conscience. Ceci a entraîné des malentendus, parfois des incompréhensions de leur part que nous avons essayé d’éclairé par le dialogue. Nous trouvons que les élèves sont très individualistes et peu enclin à  s’intéresser aux autres, à  leur travail hormis les amis.

Mars : nouvelle série, écriture d’un texte en relation avec les images réalisées qui mette en relief la démarche et dont la forme est libre (poétique, historique, narratif…), découverte de l’exposition de Jacques Perconte, création du territoire-classe, du site.
Nous avons proposé aux élèves d’accrocher à  tour de rôle une de leur photo sur un grand mur blanc. Un paysage se dessine, ils découvrent ainsi ce qu’ils appellent ‟ le territoire de la classe ”. Se pose alors la question de leur place dans ce territoire qui sera la première page du site. Nous leur proposons s’ils le souhaitent, de modifier l’emplacement de la photo sur le futur plan, à  tour de rôle, en expliquant les raisons de la modification. Nous assistons alors à  un calme balai : les élèves qui étaient proches d’autres, s’éloignent, vont même jusqu’à  faire disparaître une photo sous la leur prétextant une ligne d’horizon ou disposent leur photo de travers….La réaction de certains élèves ne se fait pas attendre : ‟ la carte ne ressemble plus à  rien ”, il n’y a plus de tensions, d’écarts, ‟ les distances sont les mêmes partout ”…ils prennent conscience de leur ‟ individualisme ”, de leur ‟ peu d’intérêt pour leur collectif ” au profit de leur propre personne. Après des échanges vigoureux certains décident de reprendre la première place occupée par leur image, occupation qui répondait en générale à  un choix plastique plutôt qu’à  une mise en valeur personnelle.
Une photo du mur a été faite par l’artiste, qui l’a utilisée pour créer la première page du site. Un groupe d’élèves, accompagné de l’artiste a créé le site. Chaque élève a ainsi pu inscrire une série et son texte que l’on est amené à  découvrir en circulant sur le territoire et en ouvrant les images.

Avril : tirages d’une photographie grand format( 50x65cm) par élève, journée à  Amsterdam (Rembrandt, promenade à  pied dans le centre ville et sur les canaux du centre à  la mer, Van Gogh) nouveau paysage urbain, nouvelles découvertes

Mai : présentation à  la Maison du Geste et de l’Image, Installation de l’exposition ‟ D’un territoire à  l’autre ” à  Notre Dame de Sion, visite conférence à  l’Hôtel de Sully ‟ Jürgen Nefzger ” et la question du paysage.

Les élèves ont beaucoup apprécié ce projet car ils ont eu l’impression de se dépasser par l’engagement que nous leur avons demandé bien qu’ils aient été déstabilisés en début d’année par la nature du projet qui les renvoyait à  eux-mêmes et à  des questionnements qui, parfois, les dépassaient. Ils ont aimé les différentes démarches de travail (individuel, en petits groupes, en groupe classe), la liberté d’expression durant les prises de vue et le travail d’écriture bien qu’ils se soient très souvent plaints du travail demandé.

Ce projet amène une dynamique très importante dans une classe de 2nde (origines scolaires différentes, niveaux scolaires différents, situations familiales différentes) en particulier cette année où les élèves ont eu du mal à  s’investir dans le travail scolaire. Le projet leur a donné un souffle et l’occasion de s’épanouir malgré tout.
Les élèves apprennent à  se connaître, à  travailler ensemble, à  s’entraider, à  s’apprécier, à  construire avec leurs différences; ils ont, au final, fait preuve d’esprit d’initiative dans la dernière partie du projet et se sont vraiment investis dans les installations mettant en évidence leur projet d’année en Arts Plastiques.
La photographie est devenue un nouvel outil de travail (c’était le but…il est atteint…). Une élève désire poursuivre cette découverte par un stage, d’autres envisagent de poursuivre leurs études dans cette direction. Quant à  l’outil numérique, s’il n’est pas encore une évidence pour tous, ils ont tous dits avoir progressé et qu’il n’était plus maintenant une barrière pour eux. Quelques élèves ont fait un montage « i movie » afin de présenter le projet de la classe à  l’ensemble des 2ndes en fin d’année.

Ils ont ainsi une approche différente des cours enseignés. L’ensemble des enseignants a remarqué l’ambiance agréable de la classe bien que se plaignant tous du manque d’énergie face au travail demandé ; ce que nous avions constaté et que nous ne sommes pas vraiment arrivées à  enrayer.
Les professeurs sont enthousiastes et prêtes à  recommencer l’expérience (voir nouveau projet).

Financement et remerciements
Cette année, le budget DRAC sans HSE pour les enseignants ne permettant pas de financer notre intervenant pour l’ensemble des heures engagées, nous avons déposé une demande de subvention auprès de la Région pour un projet plus global de la classe, engageant un voyage à  Londres et un partenariat avec le Jeu de Paume, le tout en lien étroit avec l’atelier artistique photographique. Nous remercions donc infiniment la Région Ile de France pour son apport qui nous a permis de finaliser le projet et de lui donner une plus grande ampleur.
Notre chef d’établissement, Madame Idrac, a pu nous dédommager en partie en nous accordant une demi-heure chacune pour le projet, pris sur le global de l’établissement. Nous l’en remercions chaleureusement car, si cela ne couvre pas entièrement le temps passé devant élèves, au moins cela nous assure de sa considération pour le travail engagé.

Nous remercions la Maison du Geste et de l’Image pour le matériel mis à  disposition et la confiance renouvelée.
Les élèves ont organisé des ventes de gâteaux afin d’alléger la participation financière de leurs parents
Nous remercions aussi les parents d’élèves pour leur participation et leur confiance.
Nous remercions Madame Idrac, notre chef d’Etablissement, et le Conseil d’Etablissement, pour avoir tout mis en oeuvre pour que ce projet de classe puisse voir le jour.

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Hugo m’a raconté l’expérience qu’il a eue lors d’une exposition en Auvergne où il a accompagné son installation et où il a pu rencontre le public tranquillement. Cela lui a demandé d’être là  tout au long de la journée mais ce qui s’est produit pour ceux qui venaient là  curieux et qui le rencontraient valait la peine.

J’ai aussi conduit ce genre de démarche sur mon travail, je suis là  quand j’expose, le plus possible. J’ai aussi entrepris de documenter le plus possible chaque étape de mon travail. Cela ralentit quelque peu les choses mais cela ouvre et démystifie et cela permet de fabriquer un matériel pédagogique important Sur ma dernière exposition à  Evry, les images que j’ai faites de la commande au démontage retracent absolument tous les mouvements de l’histoire de l’oeuvre. En présentation c’est une somme de documents extrêmement précieuse parce qu’elle explique l’oeuvre mais ce qu’elle donne au public est encore plus important, elle ouvre des portes sur le travail de l’artiste lui-même au-delà  de sa finitude et bien ici sur terre. Il n’est plus question de génie magique mais d’intention et de choix ancrés dans la réalité.

Peut-être qu’aujourd’hui notre travail d’artistes n’est plus simplement de produire mais aussi de raconter ce que nous faisons. L’art contemporain a éloigné son public à  force de concepts et de philosophes de l’art qui n’avaient d’autre but que de justifier et d’expliquer ce que l’art avait à  avoir avec la vie en oubliant de le laisser vivre. Il y a bien des questions auxquelles nous ne pourrons jamais répondre et surtout auxquelles il est peu important d’apporter des réponses. Il faut savoir lâcher prise et se consacrer à  la vie. Peut-être donc que nous devons aussi faire de plus gros efforts pour raconter ce que nous faisons, parler de la création sans parler d’idées mais d’envie et de nécessitées…

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Le bilan des trois derniers projets importants que j’ai menés est très positif.

J’ai essayé a chaque fois d’accumuler un certain matériel à  des fins pédagogiques. J’ai pris régulièrement des notes, des photographies, j’ai conservé des documents… en essayant de publier régulièrement tout cela sur un blog. La démarche et la technique se sont réglées au fil de ces projets. Le dernier en date, « Entre le Ciel et la terre » bénéficie ainsi d’une très bonne couverture.

Lorsque l’on rencontre un public autour d’une création et qu’on lui raconte à  la fois les parcours poétiques et techniques, à  la fois le chemin qui a guidé les idées et celui qui a guidé les pas, la distance qui existe entre l’oeuvre et le spectateur diminue.
Je pense que c’est aussi magique de voir une forme prendre forme, de voir quels ont été les choix, qu’est ce qui s’est passé. Bien sur il n’est pas question d’y donner autant d’importance qu’à  l’oeuvre elle-même mais c’est façon de raconter la création qui donne des clefs. Et peut-être que finalement le spectateur ayant ces clefs y va moins en prospection face à  l’oeuvre et se laisse plus guider par ses sensations.

Uishet, film vidéo numérique, 13′
K.A.R.A.O.K.E., installation video et performance, avec Michel Herreria Création pour le Festival Ritournelles, Bordeaux
Entre le Ciel et la Terre, installation

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Atelier land art au Collège Alain Fournier

Les enfants préfèrent souvent dessiner et peindre de façon figurative. Ils sont attirés par la représentation et sont admiratifs de la maitrise des techniques mises en oeuvre pour produire l’image. Il faut apprendre petit à  petit que l’on peut inventer un tableau qui ne représente rien et qui peut être beau.

Aborder le Land art n’est peut être pas la chose la plus facile. Il est fondé sur une approche artistique (sans but utile) de l’expression à  partir des éléments naturels mis en scène dans la nature où hors de la nature. On n’utilise si colle, ni peinture, ni outils, excepté ce que la nature nous offre comme possibilités ici et maintenant, sur place.

Le land art crée des oeuvres éphémères qui ne sont pas destinées à  être emportées. La photographie est le véhicule du souvenir, le moyen d’entretenir la mémoire de ce qui a été fait. C’est aussi le moyen d’aller plus loin dans la composition en mettant en scène la nature et la lumière dans le cadre.

Atelier land art avec l’assoctation Empreintes à  Namur

Il faut se libérer, dégager ses gestes et s’ouvrir à  la liberté de jouer avec les éléments, il faut arriver à  les regarder et imaginer ce que l’on pourrait en faire. Il faut redécouvrir la nature, la terre, l’herbe, le bois, la pierre, les sentir pour mieux les voir. Il faut jouer avec les formes, les textures, les couleurs, les nuances, les supports… Il faut jouer avec les feuilles, les fleurs, les brindilles, les cailloux, les branches, les herbes, les baies, les prés, les flaques d’eau…. Il faut jouer avec les particularités de chaque saison.

Accumulation, tri de couleur, ligne, cercle, figures géométriques, composition, mise en scène…

Faire un assemblage de feuilles mortes en les organisant selon leurs couleurs, les organiser en cercles concentriques… Tracer une longue ligne qui dessine un chemin à  l’aide des branches de la même taille et de la même section. Dessiner unes série de carrés de cailloux gris clairs au milieu d’un champ d’herbe verte…. Peindre sur le tronc d’un arbre ou sur une pierre avec de la boue… Créer un petit mur…

Il faut se laisser aller à  composer, comme quand on dessine un peu n’importe quoi de façon automatique en écoutant, il faut inverser les habitudes pour se concentrer sur cette mécanique. Il faut essayer et ne pas avoir peur des erreurs. C’est un art fragile et éphémère qui ne nait que de la succession des tentatives.

Objectif : réaliser des créations non figuratives, in situ (dans la nature même) avec des éléments naturels en redécouvrant les éléments naturels, en libérant ses gestes ;, en découvrant et utilisant les éléments de formulation plastique (couleurs, matières, formes) que la nature met à  notre disposition en travaillant la composition en disposant et organisant les éléments naturels sans l’utilisation de moyens non naturels …

Originalement posté sur le blog dédié au projet Entre le ciel et la terre : Evry-Essonne . Entre le ciel et la terre, résidence de création au Théâtre de l’Agora, scène nationale d’Evry et de l’Essonne / festival siana 2007.Théâtre de l’agora. Entre le ciel et la terre, du 14 au 31 mars.

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Un grand nombre de mes oeuvres, sinon toutes, tirent leurs origines de feuilles, de branches, de la neige, de la glace… Elles ne se présentent pas d’emblée comme grandes. Idées et formes changent souvent d’échelle par la répétition d’une forme.

Je m’efforce, à  chaque fois que c’est possible, de produire une ou deux oeuvres ephemeres par jour. Elles sont conçues pour un endroit particulier et peuvent durer aussi bien quelques minutes que quelques jours. Elles sont une exploration de la terre, souvent faites sans savoir ce que sera le résultat. Ce sont des réactions intuitives à  la lumière, au matériau à  l’heure, au temps. La nécessité de commettre des erreurs et de produire parfois des oeuvres médiocres, fait partie du processus. Je connais beaucoup plus d’échecs que de succès. C’est ainsi que j’apprends.

Andy Goldsworthy

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J’ai choisi cette image parmi toutes celles que j’ai faites pour vous parler de notre projet*. Je ne sais pas si elle est belle. Elle m’amuse. Quand nous sommes passés devant î elle était dans la rue à  côté des voies de chemin de fer juste avant le pont à  Pantin î j’ai remarqué les plantes qui sortaient du sol, la barre de fer, l’état des dalles sous la voiture, les détails qui montrent que ce véhicule n’a sans doute pas bougé depuis des mois (si c’était le cas, les roues auraient écrasé les plantes). Cette photo seule ne raconte pas grand-chose. Par contre c’est le point de départ idéal d’un travail d’exploration. Et si je me mettais à  chercher d’autres voitures dans la ville, dans la même situation. Si je les photographiais de sorte à  ce qu’elles aient la même taille dans les clichés, sous le même angle, avec à  peu près la même lumière. Les détails communs prendraient plus d’importance et la série d’images commencerait à  raconter quelque chose…. Je mets en scène les éléments que je vois, je comprends l’image et je lui donne un sens. Quel est mon objectif ? Je ne le sais pas encore, en voyant cette voiture, sa situation m’a donné envie de la photographier. Je sais ce qui m’a donné envie de la photographier. Je peux le développer et transformer ce qui m’a amusé en une démarche. A ce stade, il y a une intention qui est encore floue, le projet en se conduisant servira d’exercice qui pourra clarifier cette intention. Parce que ce qui m’a attiré là  et qui m’a fait faire cette photo a certainement un sens plus universel que ce que l’on pourrait penser. Cette anecdote peut renvoyer à  des problématiques plus profondes, à  des mises en scènes plus complexes. Je pourrais imaginer, mettre en relation divers éléments : la voiture abandonnée et le même modèle de la même marque neuf ; la voiture abandonnée et un portrait d’homme ou de femme ; la voiture abandonnée et une histoire qui raconterait une situation où peut-être la voiture aurait une place…

Tout ca pour vous dire, qu’à  ce stade de la première photographie, dans mon rapport à  l’image sont présentes des pistes de développement. Je n’ai pas fait cette image simplement parce que je la trouvais belle ou parce qu’elle représentait quelque chose ou parce que d’autres l’on faite, mais parce que la situation m’intriguait et que cette démangeaison intellectuelle pourrait être la source d’une oeuvre… alors j’ai noté cette démangeaison en faisant la photo.

Publié sur le Blog d’apnds. Limites / Le projet et soutenu par la maison du Geste et de l’Image, Paris. Lycée Notre Dame de Sion avec Marie-Josèphe Jasson, arts plastiques ; Marie-Tiyi Jalon, histoire-géographie et Béatrice Reynaud-Lacroze, français.

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Pour commencer cette journée, j’interviens au Lycée Magendie à  Bordeaux. Aujourd’hui, le lycée est aux mains des élèves. Ils organisent un certain nombre d’activités. Ils commencent par un petit déjeuner… Le Lycée est en pleine effervescence. C’est Michel qui m’a invité. Il est enseignant ici. Il a aussi invité deux classes de Pau qui viennent spécialement pour m’écouter… Plutôt que de faire une présentation historique ou thématique de mon travail, j’ai décidé de faire cela de façon assez aléatoire. J’ai mis les projets dans un ordre qui tient plus du résultat d’un jeu émotionnel que d’une logique. Je vais passer en revue pas mal de choses, profondément, histoire de les plonger puis de les ressortir et de les replonger dans un rythme assez effréné…

120 min. conference, jacques perconte / technart.net film + net / curated by Michel Herreria / Lycée Magendie, Bordeaux

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Au départ, en suivant les professeurs qui participent au projet, j’ai pensé les limites physiques et je me suis demandé quel intérêt il pouvait y avoir à  mettre en scène ces concepts. En réfléchissant à  mes intentions et au contexte il m’a semblé évident que la question de la limite en création était quelque chose qui relevait avant tout de l’implication. Quelles sont mes limites ? Ces limites sont intimes, psychologiques, politiques, sociales… En discutant avec les professeurs, nous avons décidé de tenter de prendre la voie d’une réflexion profonde sur l’image et de mettre en oeuvre dans ce projet une approche consciente de l’image et du geste artistique, où la limite et les questions de territoires se rapportent principalement à  l’élève, à  son rapport direct avec sa production.

Autour d’une pratique photographique, les élèves dans un premier temps, en découvrant Paris dans ses contrastes géographiques et sociaux, du centre à  la périphérie devront se confronter à  une suite de mots. Quelles impressions en ressortent, qu’est ce qui en, résulte ?

Fossé, obstacle (imaginaire ?), préjugé ; adversité, ressemblance, contretemps, paresse, accident, difficulté, écueil, embà»che, empêchement, entrave, frein, gêne, peur, problème ; encombre, complication, contrainte ; embargo, interdiction, engagement ; chaîne, à  priori, affinité; refus, résistance, restriction, subversion, modération, réserve, retenue ; économie, impatiente ; équilibre, harmonie, prévenance ; atténuation, apaisement, assagissement ; réfrènement, curiosité, répression ; refoulement, modérantisme, limite, contrepoids, culture, nature, modèle, réplique, faux-semblant, simulation, parodie, envie, copiage, démarcage, paraphrase, contour, empreinte, style, jugement, illusion, mémoire collective ; conservation, rétention ; impression, sentiment, abstraction, fiction ; attention, présence, engagement, volonté, anticipation, éveil, courage.

La première sortie nous a pris une demi-journée. Les élèves sont traversé paris, du centre à  la périphérie, de l’ile de la cité jusque sous le périphérique…. Pour beaucoup c’était la première fois qu’ils voyaient paris comme cela : avec autant de contrastes. ‟ C’est bien qu’on est fait cette sortie, cela nous permet de prendre conscience de certaines choses.” Les élèves ont fait énormément d’images… Nous voulions les laisser le plus libre possible pour voir d’où nous allions partir pour engager la conversation, parce que la création, il ne faut pas l’oublier est une question de décisions et de choix issus de postures, d’impressions, de sentiments…

Pour travailler sur ce projet, nous utilisons deux outils mis à  disposition des élèves : un compte flickr pour la classe où chacun peut poster quand il le veut les images qu’il fait. Et un blog, pour essayer de centraliser les échanges….

La mise en place technique des outils est simple mais la prise en main par les élève ne se fait évidement pas de façon égale. Certains ont plus de facilité que d’autres. La technique reste une limite. A suivre.

Limites / Le projet et soutenu par la maison du Geste et de l’Image, Paris. Lycée Notre Dame de Sion avec Marie-Josèphe Jasson, arts plastiques ; Marie-Tiyi Jalon, histoire-géographie et Béatrice Reynaud-Lacroze, français.

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Marie-Josèphe Jasson m’a invité à  rencontrer ses élèves de seconde et de terminale (quelques uns) d’arts plastiques au lycée Notre Dame de Sion dans le 6ème arrondissement de Paris. J’ai préparé un panorama de mes films sur les quatre dernières années. Je présente chaque extrait, et après chaque projection, nous discutons. Il y a beaucoup de questions. L’heure et demie de programme se passe bien, je suis assez surpris de l’attention des élèves, seulement deux ou trois sont portés par des papotages …

Cela me fait vraiment plaisir de rencontrer des élèves et de présenter mon travail comme cela. Il y a eu des réactions amusantes sur isz, quand j’ai expliqué que c’était un film de pétals de roses, qu’il était rose, que c’était un cadeau pour mon amie, qu’il n’était porté que par mon coeur…. Les filles ont souri et certaines ont poussé un ‟ c’est mignon ”… Cela me plait ce rapport simple à  ce film. Ils ne sont pas loin des images, cachés derrière un micmac culturel et une vision floue des choses…

De façon générale la rencontre est restée en surface. Je ne suis pas déçu car pour la plupart c’était leur première rencontre avec des images de ce type. Je suis assez honoré d’être le premier. Jamais ils ne s’étaient posés devant une production abstraite en mouvement. La première réaction aux films, à  uishet a été : ‟ c’est assez déroutant… ”, ‟ Au début on croit que c’est de flammes… mais cela se répand dans toute l’image ”.

J’ai diffusé la maquette d’uishet en entier, elle dure 12 minutes. C’est le film qui a le plus plus de façon générale. C’est le dernier, le plus abouti dans la mise en scène de l’image, du paysage et de son support. Il y a peu de garçons dans l’assemblée, un des seuls à  réagir pointe une remarque sur le rapport qu’il y a entre la musique et l’image dans une maquette de clip….
Ce qui fonctionne le mieux c’est le rapport magique aux choses. Dans uishet, le paysage se transforme progressivement et l’abstraction contamine l’image peu à  peu sans jamais que les signes qui nous rattachent à  la réalité ne disparaissent totalement.

J’interviens toute l’année avec la maison du geste et de l’image dans ce lycée en seconde sur un projet artistique sur lequel je reviendrai plus tard ici car finalement c’est un des projets importants de cette année. Les enjeux y sont assez délicats puisqu’il s’agit d’arriver à  ne pas faire un atelier multimédia ni un atelier photo mais de poser réellement la question du geste et de la création… . Je remercie Marie-Josèphe pour tout.

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Education, anthropologie et alchimie

Comment comprendre de quelle façon il faudrait envisager les images aujourd’hui ?
Comment produire des images fortes ?
Comment proposer des formes nouvelles ?
Pourquoi le paysage visuel français s’uniformise ?

Durée de la formation A partir de 24 heures de formations (3 jours en présentiel)
Aucun pré requis spécifique.

Objectifs

Bousculer la créativité. Élargir la culture visuelle : offrir des pistes de recherches en ayant une vision transversale de la création à  travers les époques. Acquérir ou ancrer des notions fondamentales sur l’image, l’art et les medias à  travers des expériences historiques, anthropologiques et pratiques. Ouvrir les champs de réflexion et mettre le créateur d’images face à  ses responsabilités : le confronter à  une pensée critique, l’amener à  s’exprimer et à  maîtriser pleinement ses choix. Développer une rhétorique percutante pour maitriser le langage des images. Développer l’expression orale.

Introduction

‟ Si comme de nombreuses entreprises vous souhaitez donner une nouvelle dimension à  votre communication, l’art est l’outil stratégique qu’il vous faut. Ses multiples facettes, qu’elles soient esthétiques, pédagogiques, sociologiques, spirituelles ou idéologiques, sont riches de contenus. Média à  part entière, il alimente les valeurs de l’entreprise, enrichit son discours et développe son potentiel d’impact et d’attractivité. ”
Anne Kieffer

‟ Les deux qualités essentielles de l’artiste sont la morale et la perspective. ”
Denis Diderot

L’histoire de l’art rassemble tous les rapports qu’ont eus les hommes avec les images. Seulement souvent les faiseurs ont perdu les liens fondamentaux avec leurs créations. Ils oublient que la créativité est une faculté qui puise et réarrange les informations de la mémoire. Cette mémoire est de moins en moins personnelle. La mondialisation en entraînant une surproduction d’images risque d’entrainer une uniformatisation des productions… L’art qui pense la société et fabrique des images reste souvent en marge de l’éducation et de l’apprentissage. Quand il est abordé, c’est trop souvent d’un point de vue extérieur, sous des aspects distants et historiques : pour être maîtrisé, il n’implique pas le jugement ni n’inclut l’étudiant dans la réflexion. Cette formation, en proposant une alternative aux enseignements courants donnera les clés d’une créativité plus fraîche.

Ces six modules sont tournés vers les étudiants. Il est question de les confronter à  la réalité de la création artistique par l’intérieur, avec un artiste. De visiter l’histoire de l’art à  travers une lecture plastique qui soulève les problématiques de l’image et de ses rapports à  la société. De poser un regard critique et éducatif sur les langages cinématographiques et télévisuels à  travers des exemples précis. De décortiquer une histoire des rapports entre l’art et la publicité sous divers angles. Et enfin de poser la question de la production d’image dans la société aujourd’hui. A partir d’un large panorama de propositions les étudiants sont invités à  poursuivre des pistes pour étayer leur culture. Il n’est pas possible de faire tout le tour des réponses aux questions qui sont posées dans cette formation en trois jours, mais une fois les pistes mises au jour c’est le travail de chacun de construire sa culture. De l’invention de la peinture à  l’invention de l’art, l’histoire de limage jusqu’à  sa reproductibilité technique, de l’image à  la publicité : les facettes de notre rapport aux représentations. Cette formation à  pour but de balayer l’histoire de la représentation, d’ouvrir une voie à  travers ses philosophies…

L’art, l’image, la publicité et vous ?

1 : Histoire de l’image / histoire de l’art / création (8 heures)

A travers un parcours historique qui suit l’homme de ses premières peintures sur les murs à  l’age de la publicité électronique, il sera question de l’histoire des représentations et des techniques, de l’histoire de l’art, des relations entre l’image et la société, du statut de l’image (essentiellement en occident) au fil des époques.

1.1 Les fondements de l’art : avant l’histoire, avant l’apparition du christianisme.
1.2 L’art et la religion, art sacré et art profane.
1.3 Après la révolution française.
1.4 Après la révolution industrielle

Thèmes : icône, sacré, portrait, perspective, paysage, profane, déconstruction de la perfection, désacralisation, imprimerie, réalisme, fiction, liberté, révolution, expression, société, communication, surréalisme, minimalisme, art conceptuel, marché de l’art, fin de l’art, institutionnalisation, mondialisation…

2 : Sémiotique / image en mouvement (3 heures)

Il existe une science des modes de production, de fonctionnement et de réception des différents systèmes de signes de communication. Dans cet atelier il sera question de découvrir cette science et de la mettre en pratique. La prise de recul théorique et scientifique face à  l’image favorise l’apparition de certains schémas importants pour comprendre les mécanismes de perception. L’image, on le sait n’est pas neutre, elle n’est pas innocente. Alors, il faut savoir la lire.

2.1 La rhétorique de l’image : Roland Barthes et Panzani, analyse sémiotique d’une image publicitaire
2.2 L’analyse filmique : A partir d’extraits de films, décryptages, références pour amener une discussion. Quel est le sens de l’image ? Quelle est sa portée ? Quel impact a-t-elle sur le spectateur ?

Thèmes : signes, messages, rhétorique, sémiologie, écriture, montages/collages, interactivité, communication, société, culture, marché, conscience, manipulation, mythologie, fiction

3 : L’art et la publicité (3 heures)

La publicité est née de la lithographie, de l’affiche, des médias, son histoire est liée à  celle de l’art à  qui elle a toujours fait appel de ça et de là  sous différentes formes, et sur qui elle porte un regard critique tour à  tour naà¯f, irrévérencieux, drôle, effronté, pertinent. La publicité est devenue un élément caractéristique de la société et les artistes se la sont appropriées, le Pop Art l’a immortalisée.

3.1 Histoire de la publicité
3.2 Histoire d’art et de publicité, les relations entre l’art et les medias publicitaires : jeux, désordres, connivences.
3.3 Le publicitaire produit de l’art : la question de l’oeuvre unique, le cinéma expérimental et la publicité, l’inspiration.
3.4 L’ambiguà¯té de l’art contemporain, l’oeuvre-anecdotique à  l’impact publicitaire

Thèmes : publicité, médias, lithographie, affiche, art moderne, art contemporain, marché, production, économie, société…
jacques perconte > tek@technart.net î L’art, l’image, la publicité et vous î septembre 2006 – 4/4

4 : Produire des images aujourd’hui/ produire des idées maintenant (2/4 heures)

Maintenant, il faut faire un point sur notre époque : analyser le contexte socioculturel contemporain et comprendre quelle place occupe l’image. Nous ferons un tour d’horizon de réflexions de philosophes, de sociologues, d’historiens, de géographes, d’artistes. Nous poserons la question de la position que doit prendre celui qui crée des images dans ce contexte croisé de l’avènement récent des nouvelles technologies de communication et de la démocratisation des moyens de production ? Ici s’étoffe la réflexion et doivent se placer les personnalités : quel est l’enjeu de la communication ? Quelle est la place de l’individu dans la société, quelle est ma place ?

4.1 Les années 60/70, la guerre du Vietnam et l’apogée de l’explosion culturelle : cinéma italien, littérature américaine et l’art contemporain.
4.2 Le virage des années 80 : Rambo, la télévision, la presse écrite illustré contemplative : le magazine, regards portés sur les images que ces années nous ont laissées.
4.3 Ballade à  travers la publicité mondiale aujourd’hui
4.4 Les sociologues et les philosophes : ceux de la télévision et les autres.
4.5 L’écologie actuelle : la rupture totale du contrat naturel, le virtuel, le Mix.

Thèmes : société, culture, histoire culturelle, occidentalisme, mass media, presse, télévision, sociologie, philosophie, morale, neutralité, système…

5/ regarder l’art (4 heures)

Se déplacer pour découvrir une exposition, voir un film, porter un regard sur l’art, qu’il soit classique, contemporain ou commercial…. C’est la cristallisation des ateliers précédents, il s’agit de savoir lire ce qui est exposé, de pouvoir dénouer ce qui dans le jugement est de l’ordre du culturel et du personnel, d’être capable de tenir une distance juste avec l’image et l’oeuvre. Selon la période de la formation, et selon l’actualité culturelle, autour d’une exposition ou d’une projection, s’installera une discussion, où les étudiants devront se positionner et défendre des avis critiques personnels.

6/ Fonder un discours sur l’image (2/4 heures)

Proposé au début de la formation, et présenté le dernier jour, cet exercice propose à  chaque stagiaire de choisir une ou plusieurs images commerciales de préférence et d’en analyser sa perception. Il lui sera demandé ensuite de faire une proposition constructive sur les choix qu’il aurait faits. Chaque stagiaire fera ainsi une intervention orale d’une vingtaine de minutes, et conduira une discussion avec l’ensemble des participants.

Formation tenue à  MediaBox Paris en octobre 2006.
Touts droits réservés des textes Jacques Perconte / renseignements : 06 60 61 54 08

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Je suis persuadé, qu’il faut faire comprendre aux gens que leurs systèmes perceptifs ne sont pas qu’intellectuels et culturels, et que donc, dans leur approche des images ils doivent s’inclure. La difficulté comme pour beaucoup de choses et dans ce cas d’arriver à  faire la part des choses et d’être honnête face à  ses perceptions.

Face à  la mondialisation par l’image et l’économie, il est important de ramener des valeurs humaines au premier plan puisque la société ne pourra changer que si les individus changent. Et donc, il faut que les réactions face à  la société impliquent plus les personnalités individuelles.

Pour travailler sur les images et les medias, il ne faut pas rendre exceptionnels les exemples et les contextes, par exempleil y a beaucoup de recherches depuis toujours sur les rapports entre les images et la violence et beaucoup d’études inconsciemment provoquent leurs résultats par le choix du contexte. Et finalement, arriver à  rendre une position qui mettra l’image comme responsable d’un comportement c’est renforcer l’aveuglement occidental. Cela rassure, cela démontre une certaine forme d’intelligence, cela comble le désir et les besoins de réponses… mais cela se déconstruit aussi facilement que ca. La société est responsable. Les gens sont responsables. Au final, c’est l’éducation qui manque. Les parents se placent souvent en impuissants et du coup sont responsables : ils se sentent dépassés. Et leurs attentes sont celles qui sont insufflés par le modèle de la société et ils attendent de la société qu’elle dise que c’est l’image qui est responsable.

Tout ca pour dire que je suis persuadé qu’il ne faut pas pousser l’éducation à  l’image et aux médias dans ce sens, qu’il faut faire comprendre que dévorer des images sans être conscient, c’est palier à  l’ennui. Et que la conscience ce n’est pas un recul intellectuel sur la forme projetée. C’est une position sensible. Que l’image quand elle se veut palliative, quand elle est intentionnellement pleine de vide est dangereuse car elle construit des désirs et ne les résous pas, elle frustre et détraque ceux qui les regardent. Quelles que soient les images, à  plusieurs degrés…

Mais il ne faut pas se lancer dans une chasse iconoclaste, il faut éduquer les gens, leur apprendre à  savoir ce qu’ils regardent et surtout à  leur apprendre à  savoir ce qu’ils ont réellement envie de regarder. Il faut savoir s’orienter dans un monde d’images. Et peut-être que petit à  petit les images de mauvaise qualité disparaitront…. Vive les utopies…

Extrait d’un mail au sujet de projets de formations.

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Si comme de nombreuses entreprises vous souhaitez donner une nouvelle dimension à  votre communication, l’art est l’outil stratégique qu’il vous faut. Ses multiples facettes, qu’elles soient esthétiques, pédagogiques, sociologiques, spirituelles ou idéologiques, sont riches de contenus. Média à  part entière, il alimente les valeurs de l’entreprise, enrichit son discours et développe son potentiel d’impact et d’attractivité.

Anne Kieffer, Michèle Benattar, Mettez de l’art dans votre com, Editions d’Organisation (16 octobre 2003)

Les deux qualités essentielles de l’artiste sont la morale et la perspective

Denis Diderot rapporté par Paul Eluard dans Les frères voyants – anthologie des écrits sur l’art, tome 1, bibliothèque médiations.

illustration : publicité, Prince, 1986. Agence : Fallon McElligott Rice, Minneapolis. Peintres : Mark & Dick Hess, concepteurs : Bob Barrie, John Stingley. Traduction (du texte qu’on ne voit plus tellement) : « Originale. Râblée. Quand nous créons une sauce Prince pour les spaghettis, nous vous donnons le choix. Car personne n’a tout à  fait le même goà»t.’

Notes d’introduction au cours que je prépare sur les médias, l’art et la publicité… la perspective et la morale…

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N e t / a r t -

Figures : Jacques Perconte
http://www.technart.net
/ 27/03/02

- FIGURZ

220 net art context experienz (Version 1.0).
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230-Bienvenue sur FIGURZ
230-
230 User anonymous logged in.
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Le netart ne révolutionne pas l’art, ou du moins il n’en remet pas en question les fondements ni la réalité. Finalement ce n’est qu’une transformation des usages vers un nouveau support.

Comme toute activité artistique on peut envisager son approche à  travers une vision historique des pratiques. Ce serait le travail d’un historien de l’art, ici il est question de décrire des figures, de les découvrir et de les lier, pour finalement s’apercevoir que cette topologie des discours est la même pour le netart que pour toutes les autres formes d’art.

Présenter le netart c’est essayer de décrire un espace de représentations continuellement en mouvement dont on ne peut percevoir qu’une surface contextuelle : celle que l’on fréquente.

Les artistes en réseaux ne fonctionnent pas tout seul, ils sont plus ou moins structurés en communautés virtuelles, en réseaux de communication supportant aussi bien le renseignement des oeuvres elles-mêmes qu’une réflexion théorique importante.

L’artiste, le groupe d’artistes se définit par ses positionnements sur ce qu’on appellera la scène internationale. Pour la première fois dans l’histoire cette scène, n’est pas une frontière entre un milieu underground, et un espace officiel, institutionnel, elle concerne les artistes eux-mêmes dans un premier temps puis les milieux physiques avec lesquels ils sont en relation.

Commet aborder ces positions d’artistes ? Avec un discours de théoricien ? Une approche esthétique bardée de citations philosophiques et de formulations scientifiques serait-elle une voix satisfaisante ? Est-il question de juger l’artiste ? Les sciences cognitives se préparent à  aborder ces espaces où l’artiste serait envisagé comme une sorte de psychanalyste îinnocent-, un intelligent, l’art à  la science, la perception à  la science. Devons-nous comprendre comment et pourquoi notre attention tend vers l’attraction ou la répulsion ?

Histoire de culture – Net affect.

Qui arrive à  voir ce qui se déroule à  travers ces formes de créations dont la langue ne s’acquiert pas d’instinct.

.ou l’intuitif est refoulé.

Qui peut se retrouver dans ces flux informationnels constants ?

Qui veut tenter ?

Cartographier ce que l’on appelle l’inhabitable.

Demeure en réseau

Art en réseau

Et

+

.

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% cd Figurez

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%figuration/Figurez

réseaux européens essentiellement = usa //-> réseaux relatifs à  l’activité de praticien -> festivals, colloques … Le réseau ne communique pas tellement les quantités d’informations portées sont importantes, ce sont les contact humains î même localisés sur le support î qui sont essentiellement facteurs de culture et de rencontre.

+http://map.jodi.org

+http://www.rhizome.org

+http://pericles.org

——- — – -

Ces figures déviées, figurez sont ces attitudes (portraits) qui sont familières, celles que l’on reconnaît et que l’on entend, tout quantité subjective confondue.

% cd extern

250 CWD command successful.

%figuration/Figurez/extern

Distance théorique, technique ? Le discours se tend au travers de la forme dans cette condition du juste rapport entre le fond et la forme. Cette approche rigoureuse de l’affection et de la relation esthétique à  l’oeuvre se construit dans ses liens avec le spectateur.

Incident / gregory Chatonsky / Reynald Drouhin, […

+ http://www.incident.net

+ http://www.io-n.net

illusion et poétique.

snarg

+ http://www.snarg.net/

%cd..

% cd form

250 CWD command successful.

%figuration/Figurez/word

émotion î identité

- l’ordre de l’intimité

Annie Abrahams

+ http://www.bram.org/

figure minimale Form art -> ascii art //

Alexe௠Shulgin

+ http://www.c3.hu/collection/form/

+ http://www.easylife.org/

%cd..

% cd kode

250 CWD command successful.

%figuration/Figurez/kode

espace de représentation. Perte. Labyrinthes.

rez
+ http://www.ex-zero.net

le jeu de l’ordre et du désordre, figures de l’interactivité et des règles contrariées.

jodi

+ http://text.jodi.org/

+ http://asdfg.jodi.org/

+ http://wwwwwwwww.jodi.org/

+ http://sod.jodi.org/

+ http://oss.jodi.org/

"Ce qui fait événement, c'est ce qui rompt avec toute causalité antérieure".

Jean Baudrillard, L'échange impossible

Interface î immersion virale, kode, immersion dans le support, l’homme plante cultivée, simplement cultivée.

m9ndfuck

+ http://www.m9ndfukc.org/korporat/0009.html

= http://www.m9ndfukc.org/nato.0+00

+ http://www.m9ndfukc.org/data/zttz

+ http://m9ndfukc.com/kinematek/

+ http://m9ndfukc.com/propagandas/

+ http://www.m9ndfukc.org/korporat/

réseaux, jeu de l’id. qui est elle ?

%cd..

% cd ident

250 CWD command successful.

%figuration/Figurez/ident

le suicide, la forme communiquée, identité.

mouchette

+ http://www.mouchette.org

le geste, je me montre.

- http://www.jennicam.org

%cd..

% cd funk

250 CWD command successful.

%figuration/Figurez/funk

\ détournement critique

Zanni

+ http://www.thechurchofsoftware.org/

+ http://www.newnewportrait.com

+ http://www.zanni.org/pagine/projects/war%20sorry/sorry1.htm

+ http://www.begwithstyle.com/

-> http://www.zanni.org

\ mise en abîme des réseaux, de la technique, des fondements du marché de l'art, funk, positionnement radical et fondamental de l’artiste.

" Le devoir d'une avant-garde ou d'une arrière-garde ne consiste pas à  s'avancer ou à  reculer, mais à  manoeuvrer "

Pavu

+ http://pavu.free.fr

+ http://pavu.com

+ http://gnoufl.com

+ http://lapity.com

%cd..

% cd faz

250 CWD command successful.

%figuration/Figurez/faz

technart

+ http://www.technart.net

positions et mouvements, réponses et vies d’une figure du réseau. Ordre, intimité, diversité.

%cd..

%cd..

%cd anex

250 CWD command successful.

%figuration/anex

ANEX î interpénétrations de références. > biblio^-1

1°/ wwwordz

o- Dictionnaire des Arts médiatiques

http://www.comm.uqam.ca/~GRAM/

o- Terminologie informatique

http://www.culture.fr/culture/dglf/cogeter/16-03-99-internet.html

)word+z - ware+z ; app+z; seria+z; password+z; art+z; confort+z; ident+z; interface+z; sex+z; fifure+z; Warez [Folk]

Copie illégale (pirate) d’un logiciel commercial. L’origine du terme est sujette à  caution. L’explication la plus fréquente est que lu à  l’envers et phonétiquement Warez signifierait Zéro (Warez -> Zeraw -> Zero) en référence au prix (non) déboursé pour l’obtention de la copie du logiciel.

->WAREZ-GAMEZ-APPZ-MOVIEZ-XXX-EMULATION -MP3-CARDING-HACK MAIL-HACK SITE-HACK

2°/ Je vous encourage à  consulter les supports de conférences de Valery Grancher -World Wild Web – organisées par la fondation Cartier pour un état des lieux de l’histoire des réseaux, de l’art sur Internet et du monde de l’art actuel.

+ http://www.nomemory.org/conf/ | content | :

« World Wild Web » années 1994 – 2002, cycle 2

con #01 Mardi 15 Janvier:

Paysage des nouveaux médias: contextes et enjeux économiques, bouleversements culturels.

Depuis maintenant une quarantaine d’années, les technologies ne cessent d’être qualifiées d’éternellement nouvelles. Elles ont été à  l’origine de l’avènement d’un paysage médiatique qui a bouleversé notre vie quotidienne, des enjeux financiers et économiques jusqu’à  la définition de pouvoirs internationaux. Ces bouleversements se sont accompagnés d’une accessibilité toujours plus grande à  ces technologies, qui ont été assimilées au quotidien le plus ordinaire n’échappant pas aux préoccupations esthétiques de jeunes artistes contemporains.

Pour une histoire de l’internet, référez-vous aussi à   » Les batailles d’Internet  » de Jean-Claude Guédon, Professeur à  l’université de Montréal,

http://www.monde-diplomatique.fr/livre/crac/41.html

 » Je répète ma thèse fondamentale : Internet ne crée pas un paradis, Internet ne crée pas un enfer, mais Internet ouvre des champs de bataille, il faut en être conscient, il faut en comprendre la nature et il faut être prêt à  mener ces batailles. « 

Jeudi 31 Janvier, Mardi 5 Février, Mardi 12 Février :

La fin de l’art: disparition d’une modernité et la naissance de nouvelles positions.

L’histoire de l’art s’est toujours définie autour de grands récits, de ceux de Vasari, a la fin du XVI s., jusqu’aux récits modernistes de Clement Greenberg émancipant l’art de toutes fonctions figuratives (Arthur Danto). Dans un contexte post-historique défini par la disparition des grandes utopies politiques et des grands manifestes qui ont marqué le XXe s., le fil narratif de l’histoire de l’art s’est dissout au profit de situations artistiques coexistantes et se succédant (ce que le monde l’art nomme le « mainstream »). L’absence de fil historique narratif dans la dernière décennie a projeté bon nombre d’artistes sur des positions discursives trouvant dans les réseaux médiatiques une nouvelle alternative grâce au « temps réel ».

les personnalités: les premiers artistes sur Internet, américains et européens.

Dans un contexte post moderniste, on est passée d’une classification et d’une dénomination de mouvements artistiques basés sur des formes et des outils à  des typologies comportementales d’ordre politique, économique, sociale et symbolique dans le domaine artistique: l’activisme, le cyberfeminism, le hacking, le hijacking, la fiction etc…

Les courants dominants dans les communautés artistiques sur Internet:

Dans un contexte post-moderniste, on est passé d’une classification et d’une dénomination de mouvements artistiques basés sur des formes et des outils à  des typologies comportementales d’ordre politique, économique, sociale et symbolique dans le domaine artistique: l’activisme, le cyberféminisme, la hacking, la hijacking, la fiction etc…

Lundi 18 Fevrier:

L’avènement du nouveau marché de l’art:

Les espoirs de la nouvelle économie et de cette révolution culturelle sans précédents se sont accompagnés d’une véritable hystérie financière. Ces folles espérances et ces démarches n’ont pas échappées au marché de l’art qui a vu l’avènement de start up dédiées à  l’art contemporain: Nart qui bouleverse les règles des ventes publiques et Eyestorm celui de l’édition d’art. Ces bouleversements sur le marché s’accompagnent de mimétismes de la part d’artistes: etoy, jodi

Mardi 19 Février:

Positionnement des musées face à  l’émergence de nouvelles expressions et transversalités L’impossibilité de conserver des ‘oeuvres’ Internet remet en cause la fonction patrimoniale du musée. Bon nombre d’entre eux ont pris le parti d’utiliser ce média comme nouvel espace muséal. Certaines des extensions virtuelles des grands musées dépendent du département marketing, édition ou encore business ( voyant dans cette extension une fabuleuse opportunité pour de nouveaux échos médiatiques ou enjeux commerciaux). Ils rejoignent ainsi dans leur mode de fonctionnement d’autres acteurs de la vie culturelle comme le cinéma, ou l’entertainment industry.

3°/ sélection de textes et d’articles en ligne -> 4°/ ||| Il existe une grande quantité de textes théoriques et d’articles éparpillés sur le réseau, il n’est pas envisageable de s’aventurer à  essayer de tous les connaître î sélection subjective :

>>> Amerika, Mark « Countdown to ecstasy : the disappearance of the interface » 1999

http://www.ix.de/tp/english/inhalt/kolu/3145/1.html

What more is there to say? The disappearance of the interface is first of all the disappearance of language

>>> Arie, Altena « The browser is dead » 1999

http://www.mediamatic.nl/magazine/9_4/altena_browser/altena_1gb.html

The myth of the graphical browser is that it can be used universally. This browser and no other brings the Web home to you as it’s meant to be. But the Web has gotten big and meets a variety of needs – from finding the departure times of trains to looking up academic papers and playing games. And it’s beginning to dawn on the everyday user that the existence of a universal browser that communicates all these experiences in the best manner possible is a myth.

>>> Ascott, Roy « L’esthétique de la cyberculture » 1997

http://panoramix.univ-paris1.fr/UFR04/rhizome/revues/atopie/atopie2.htm

On a trop souvent assisté, en art, à  cette perpétuation du passé sous les déguisement de la nouveauté, et l’art de la cyberculture s’avère à  cet égard particulièrement complaisant. Cet état de chose dépend partiellement de la confusion qui a entouré l’ordinateur : son rôle d’instrument a occulté son identité d’environnement. En tant qu’outil, il a trop facilement entretenu les préoccupations et les préjugés esthétiques de l’ancienne culture, alors que comme environnement, il provoque une rupture profonde et une discontinuité radicale avec le passé historique et il ouvre sur la possibilité de constituer un champ d’opportunités significatif quant à  la création d’un futur véritablement humain, c’est-à -dire postbiologique.

Le paradoxe, c’est que plus nous essaierons de mettre l’ »art » dans le cyberspace, moins ce dernier présentera de qualités esthétiques. Je veux dire par là  que toute tentative d’imposer sur le Net des attitudes, des valeurs et une esthétique comportementale privilégiées dans l’art prétélématique s’avérera contre-productive. Ce n’est que par une interpénétration des plus ouvertes, voire même chaotique, des esprits, par une connectivité vibrante et une interaction globale intense que l’art pénètrera la cyberculture. Toute tentative d’y raccorder l’art traditionnel est vouée à  l’échec. La planification de haut en bas se révèle redondante dans la culture émergente. Nous devons apprendre à  travailler de bas en haut : planter des idées, semer des développements, faire pousser des structures, récolter des systèmes émergeants. Ce comportement n’a pas de précédent dans l’histoire, de sorte que le passé n’a rien à  nous apprendre. La rupture est radicale. Nous sommes livrés à  nous-mêmes dans le cyberespace. Nous avons à  nous réinventer et à  refaire le monde de bas en haut.

>>> Balpe, Jean-Pierre « Quelques concepts de l’art numérique » 1998

http://www.labart.univ-paris8.fr/chantier/nouv/anne-gaelle/art-num-JPB.html

Après avoir été, plusieurs siècles durant et sur une grande part de la planète encore – dans ce que l’on pourrait appeler la « posture religieuse » – un médium de transcendance où l’objet n’a d’autre valeur que de faire signe pour et vers un au-delà  invisible, après avoir occupé la « posture aristocratique » où l’oeuvre signe l’importance hiérarchique de celui qui la commande, puis avoir conforté la « posture bourgeoise » où l’être se confond dans l’avoir et la valeur dans le stock, l’oeuvre d’art, aujourd’hui, tend à  prendre la posture « financière », celle du flux où l’oeuvre n’a plus de valeur en tant que telle mais où cette valeur n’est que dans la captation, de préférence inépuisable, des déplacements incessants qu’elle provoque.

L’art numérique joue à  la vie à  la mort

L’oeuvre numérique n’est plus dans l’objet mais dans les possibilités du processus que permettent les objets, l’avoir a moins d’importance que le saisir. Le produire n’est plus dans le reproduire mais dans le re-produire : aujourd’hui l’oeuvre d’art numérique cherche à  provoquer l’expérimentation d’événements toujours recommencés dont l’individu est seul à  pouvoir conserver les traces. L’art numérique joue avec sa vie et sa mort.

>>> Bookchin, Natalie et Shulgin, Alexei « Introduction to net.art (1994-1999) » 1999

http://easylife.org/netart/catalogue.html

Introduction to net.art (1994-1999)

1. net.art at a Glance

A. The Ultimate Modernism

1. Definition

a. net.art is a self-defining term created by a malfunctioning piece of software, originally used to describe an art and communications activity on the internet. 
b. net.artists sought to break down autonomous disciplines and outmoded classifications imposed upon various activists practices.

2. 0% Compromise

a. By maintaining independence from institutional bureaucracies 
b. By working without marginalization and achieving substantial audience, communication, dialogue and fun 
c. By realizing ways out of entrenched values arising from structured system of theories and ideologies 
d. T.A.Z. (temporary autonomous zone) of the late 90s: Anarchy and spontaneity

3. Realization over Theorization

a. The utopian aim of closing the ever widening gap between art and everyday life, perhaps, for the first time, was achieved and became a real, everyday and even routine practice. 
b. Beyond institutional critique: whereby an artist/individual could be equal to and on the same level as any institiution or corporation. 
c. The practical death of the author

B. Specific Features of net.art

1. Formation of communities of artists across nations and disciplines 
2. Investment without material interest 
3. Collaboration without consideration of appropriation of ideas 
4. Privileging communication over representation 
5. Immediacy 
6. Immateriality 
7. Temporality 
8. Process based action 
9. Play and performance without concern or fear of historical consequences 
10. Parasitism as Strategy

a. Movement from initial feeding ground of the net 
b. Expansion into real life networked infrastructures

11. Vanishing boundaries between private and public 
12. All in One:

a. Internet as a medium for production, publication, distribution, promotion, dialogue, consumption and critique 
b. Disintegration and mutation of artist, curator, pen-pal, audience, gallery, theorist, art collector, and museum

2. Short Guide to DIY net.art

A. Preparing Your Environment

1. Obtain access to a computer with the following configuration:

a. Macintosh with 68040 processor or higher (or PC with 486 processor or higher) 
b. At least 8 MB RAM 
c. Modem or other internet connection

2. Software Requirements

a. Text Editor 
b. Image processor 
c. At least one of the following internet clients: Netscape, Eudora, Fetch, etc. 
d. Sound and video editor (optional)

B. Chose Mode

1. Content based 
2. Formal 
3. Ironic 
4. Poetic 
5. Activist

C. Chose Genre

1. Subversion 
2. Net as Object 
3. Interaction 
4. Streaming 
5. Travel Log 
6. Telepresent Collaboration 
7. Search Engine 
8. Sex 
9. Storytelling 
10. Pranks and Fake Identity Construction 
11. Interface Production and/or Deconstruction 
12. ASCII Art 
13. Browser Art, On-line Software Art 
14. Form Art 
15. Multi-User Interactive Environments 
16. CUSeeMe, IRC, Email , ICQ, Mailing List Art

D. Production

3. What You Should Know

A. Current Status

1. net.art is undertaking major transformations as a result of its newfound status and institutional recognition. 
2. Thus net.art is metamorphisizing into an autonomous discipline with all its accouterments: theorists, curators, museum departments, specialists, and boards of directors.

B. Materialization and Demise

1. Movement from impermanence, immateriality and immediacy to materialization

a. The production of objects, display in a gallery 
b. Archiving and preservation

2. Interface with Institutions: The Cultural Loop

a. Work outside the institution 
b. Claim that the institution is evil 
c. Challenge the institution 
d. Subvert the institution 
e. Make yourself into an institution 
f. Attract the attention of the institution
g. Rethink the institution 
h. Work inside the institution

3. Interface with Corporations: Upgrade

a. The demand to follow in the trail of corporate production in order to remain up-to-date and visible 
b. The utilization of radical artistic strategies for product promotion

4. Critical Tips and Tricks for the Successful Modern net.artist

A. Promotional Techniques

1. Attend and participate in major media art festivals, conferences and exhibitions.

a. Physical 
b. Virtual

2. Do not under any circumstances admit to paying entry fees, travel expenses or hotel accommodations. 
3. Avoid traditional forms of publicity. e.g. business cards. 
4. Do not readily admit to any institutional affiliation. 
5. Create and control your own mythology. 
6. Contradict yourself periodically in email, articles, interviews and in informal off-the-record conversation. 
7. Be sincere. 
8. Shock. 
9. Subvert (self and others). 
10. Maintain consistency in image and work.

B. Success Indicators: Upgrade 2

1. Bandwidth 
2. Girl or boy friends 
3. Hits on search engines 
4. Hits on your sites 
5. Links to your site 
6. Invitations 
7. E-mail 
8. Airplane tickets 
9. Money

5. Utopian Appendix (After net.art)

A. Whereby individual creative activities, rather than affiliation to any hyped art movement becomes most valued.

1. Largely resulting from the horizontal rather than vertical distribution of information on the internet.
2. Thus disallowing one dominant voice to rise above multiple, simultaneous and diverse expressions.

B. The Rise of an Artisan

1. The formation of organizations avoiding the promotion of proper names 
2. The bypassing of art institutions and the direct targeting of corporate products, mainstream media, creative sensibilities and hegemonic ideologies

a. Unannounced 
b. Uninvited 
c. Unexpected

3. No longer needing the terms « art » or « politics » to legitimize, justify or excuse one’s activities

C. The Internet after net.art

1. A mall, a porn shop and a museum 
2. A useful resource, tool, site and gathering point for an artisan

a. Who mutates and transforms as quickly and cleverly as that which seeks to consume her 
b. Who does not fear or accept labeling or unlabeling 
c. Who works freely in completely new forms together with older more traditional forms 
d. Who understands the continued urgency of free two-way and many-to-many communication over representation

>>> Dietz, Steve « Beyond interface : net art and Art on the Net » 1998

http://www.walkerart.org/gallery9/beyondinterface/dietz_bi.html

>>> Hoessli, Matt « A final word on web specific art » 1998

http://switch.sjsu.edu:/web/art.online/matt.links/matt.article1.html

The hypertext paradigm is the key foundational paradigm for the WEB, and is what gives the WEB (and by extension, web-specific art) its power and potential.

>>> Schleiner, Anne-Marie « CRACKING THE MAZE : Game Plug-ins and Patches as Hacker Art » 1999

http://switch.sjsu.edu/web/v5n2/ednotes.html

>>> Slayton, Joel « Re=purpose of Information : Art as Network »1998

http://switch.sjsu.edu/web/v4n2/joel/index.html

This paper presents an analytic perspective on the nature of Art as Network. The network (internet and intranets) is described as having properties of a nonlinear complex system, which serve to enable a network semiotic enabled by entailment meshwork. The network semiotic includes the characteristics of hierarchical structure, tendency towards self-organization and chaotic attractors, resulting in the emergence of self-similar alternates which function as dissimulators of interaction and immediacy. Art as Network is an exploration of the pandemonium of agencies forming entailment meshwork.

Art as Network is intended as a subject of discourse, not declaration. Certainly, I do not suppose that the particular theoretical investigations that I have chosen to discuss herein are the only points where the discourse of Art as Network is possible. My emphasis on complexity and semiotics involving entailment mesh, nonlinear dynamics, self-organization, homogeneity, dissimulation and the notion of alternates, is to establish a framework in which are present domains from which the artist might experiment.

>>> Stalbaum, Brett « Aesthetic conditions in art on the network : beyond representation of the relative speeds of hypertextuall and conceptual implementations » 1998

http://switch.sjsu.edu/web/v4n2/brett/index.html

Depending upon where you stand in relation to the development of net.art, any discussion of its aesthetic qualities may seem either inconsequential (based on the knee-jerk reaction that anything expressed on a computer screen is a priori not art) 2, or inadequate (as expressed in Lialina’s call for a theory of net.art which transcends the history of aesthetics). While far from wanting to impose an « external perspective » that limits our view of net.art, I nevertheless hope to make a case for net.art aesthetics by showing that- 1) there are aesthetic qualities in the presentation of net.art that are in no way divorced from the form simply because it is virtual; 2) while the aesthetic qualities of network based art do indeed share the concerns of traditional aesthetics, these traditional notions (revolving around beauty and taste) 3, are not the most interesting or important concerns for network based art; 3) that net.art has a specific aesthetic quality relative to time which is important to any critical evaluation of it, and; 4) that net based art is primarily suited to a conceptual art practice which traditional aesthetic notions can serve, but not complete.

3.3 / g lo b al /// Hors sélections voici des espaces de réflexion, souvent architecturés autours de réseaux et de mailing listes, voire de forums, l’information et la théorie se diffusent et se construisent et se posent.

SWITCH is the new media art journal of the CADRE Laboratory for New Media of the School of Art and Design at San Jose State University. It has been published on the Web since 1995. We are interested in fostering a critical viewpoint on issues and developments in the multiple crossovers between art and technology. Our main focus in on questioning and analyzing as well as reporting and discussing these new art forms as they develop, in hopes of encouraging dialogue and possible collaboration with others who are working and considering similar issues. SWITCH aims to critically evaluate developments in art and technology in order to contribute to the formation of alternative viewpoints with the intention of expanding the arena in which new art and technology emerge.

Archives visés de la revue switch

>>> http://switch.sjsu.edu/web/v4n2/contents.html

1998 has been an interesting year for network art. At the beginning of the year, the net.art lists were alive with the controversy surrounding the identity thefts of the likes of Mark Amerika, Peter Weibel, and Timothy Druckrey. That particular performance, still unclaimed by its author[s], conceptually underscored the weaknesses of treating liquid identity and becoming in cyberspace as the ontological foundations for dematerialized network art forms. Most authors, as it turns out, don’t want to be unstable identities. Even Deleuze and Guattari put their own names on their books! Related to this problem of liquid identity as art form is the relative dearth of development in another of the often speculated foundations for computer art practice: virtual reality. Simulations of Cartesian space and virtual worlds wherein the artist is conjured as author/storyteller have not progressed significantly; except perhaps in the realm of industrial strength gaming. The ontology and identity of the author, still a contested space, continues to suffer from the received habits of narrative literature.

>>> http://switch.sjsu.edu/web/v3n3/militarytoc.html

In December 1997, a series of simulated postings appeared on several mail lists, (Rhizome, 7-11, nettime ). The writing appeared under the authorship of various art/culture critics such as Mark Amerika, Peter Weibel, and Timothy Druckrey. The posts included correct e-mail addresses, indicating that either the lists had been hacked, or that the source of the simulations came from within those organizations. This event, for a time at least, was the subject of much attention and discussion. Was it a criminal act? Was it naive? Or was it a tactical art performance whose origin was the virtual frontline? (A non-place place where the battle over issues ranging from the ontology of the still pubescent net.art form, to the meaning of the term postmodern, are being contested with the weapons of contemporary communications technology.

>>> http://switch.sjsu.edu:/web/art.online2/art.online2.toc.html

>>> http://switch.sjsu.edu/web/art.online/art.online.toc.html

>>> http://switch.sjsu.edu/switch/narrative/narrativetoc.html

CTHEORY is an international journal of theory, technology, and culture, publishing articles,interviews, event-scenes and reviews of key books. Editors: Arthur and Marilouise Kroker

>>> http://www.ctheory.net/ -> articles

>>> http://www.ctheory.net/book_default.asp -> livres en téléchargeables en PDF

rhizome.org

>>> http://rhizome.org/

Rhizome is an online community space for people who are interested in new media art. By « new media art » we mean any type of contemporary art that uses new media technology.

Rhizome’s activities focus on: presenting artworks by new media artists, critics and curators; fostering critical dialog; and preserving new media art for the future.

Nettime

>>> http://www.nettime.org/

is not just a mailing list but an effort to formulate an international, networked discourse that neither promotes a dominant euphoria (to sell products) nor continues the cynical pessimism, spread by journalists and intellectuals in the ‘old’ media who generalize about ‘new’ media with no clear understanding of their communication aspects. we have produced, and will continue to produce books, readers, and web sites in various languages so an ‘immanent’ net critique will circulate both on- and offline.

More (from nettime website) à 

empyre – an arena for the discussion of media arts practice <http://www.subtle.net/empyrean/empyre/>

SPECTRE – media culture in deep europe <http://coredump.buug.de/cgi-bin/mailman/listinfo/spectre>

Syndicate Media Culture and Media Art <http://anart.no/~syndicate/>

rhizome <http://www.rhizome.org>

7-11 <http://www.7-11.org>

rolux <http://www.rolux.org>

cybersociety <http://cybersocietylive.listbot.com>

[rohrpost] <http://www.nettime.org/rohrpost> (in German)

oldboysnetwork (obn) <http://www.nettime.org/oldboys>

xchange <http://xchange.re-lab.net/m/list.html>

Internodium <http://www.internodium.org.yu>

cinematik <http://www.egroups.com/group/cinematik>

fibre culture <http://www.fibreculture.org>

Sarai-Reader-List <http://mail.sarai.net/mailman/listinfo/reader-list>

+ Ressources /

http://www.v2.nl

http://www.aec.at

http://www.cicv.fr

http://www.labart.univ-paris8.fr

4°/à  Jean-Philippe Halgand / Point Net :

Net Art est le fruit d’un travail d’inventaire international réalisé entre juillet 1999 et janvier 2000 dans le cadre d’une mission  » culture et nouvelles technologies  » avec le concours du Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Aquitaine et de l’AEC.Cet inventaire répertorie des sites d’artistes dont les approches et les utilisations des technologies internet et du Web peuvent être considérées comme innovantes, technologiquement ou dans leurs modes d’appropriation.

Disponible sur cdrom et intégralement en ligne î

>>> http://www.aecom.org/netart/portail.html

m9ndfukc.a °/

M9ndfukc / antiorp / a9ff / 0f0003 / =cw4t7abs

http://m9ndfukc.com

http://www.m9ndfukc.org

ftp://ftp.ircam.fr/pub/forumnet/max/FAT/applications/0f0003.sea.bin

http://www.m9ndfukc.org/kode/0f0003pRpG.sit.bin

http://www.m9ndfukc.org/kode/0c3.sndhak.module.sit.bin

http://www.m9ndfukc.org/kode/%40%25a631%25a8%10%25ad%20%25d9%20%7c%20%7c.sit.bin

http://www.m9ndfukc.org/kode/m0dL+c1t1z3n.sit.bin

http://www.m9ndfukc.org/korporat

http://www.m9ndfukc.org/nato.0+00

http://www.m9ndfukc.org/dphlekt

http://www.m9ndfukc.org/nato.0+00/b!lab!al.kl!k.html

http://www.m9ndfukc.org/nato.0+00/sek

http://www.m9ndfukc.org/data/zttz

http://www.m9ndfukc.org/mcgill-lizt_ounr/konzp!rass!_ov-ekualz.cgi

hTTp://m9ndfukc.com/dikt/lang_vers0_1.cgi

hTTp://m9ndfukc.com/dikt/lang_vers1_0.cgi

http://m9ndfukc.com/propaganda/zekuensz

http://m9ndfukc.com/b4c98/zekuensz

http://m9ndfukc.com/b5c98/zekuensz

http://m9ndfukc.com/dir_kontentz/_bit_revolution.html

http://m9ndfukc.com/dir_kontentz/_dfk_okkupation.html

http://m9ndfukc.com/dir_seq/aLphanumer1kl

http://m9ndfukc.com/bit_revolution/k0rp0rat_f2sc1zm_00

http://m9ndfukc.com/bit_revolution/k0rp0rat_f2sc1zm_02

http://m9ndfukc.com/bit_revolution/data_is_correct-chris_murtagh+f_speech.gif

http://m9ndfukc.com/dir_seq/pozerz_00

http://m9ndfukc.com/dir_seq/pozerz_02

http://m9ndfukc.com/dir_seq/pozerz_01

http://m9ndfukc.com/dir_seq/pozerz_03

http://m9ndfukc.com/dir_seq/eRR.oR/

http://m9ndfukc.com/dir_seq/eRR.oR_02/

http://194.19.130.194/=cw4t7abs

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/punkt-||_protokol

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/spCa/zweite

ftp://quixot.rug.ac.be/MP%26G_11H.dbh%21/antiorp

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/krop3rom/fr+bk.html

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/%3d_%3f/d-kued.html

http://m9ndfukc.com/kouboi/

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/epzilon-zero

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/0f0003/d3siGn/

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/-0000000000-000000000000000_000000000000-000000000000_0000000000000.shtml

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/html.html.html.html.html.html.html.html.html.html.html.html.html.html.html.html.html

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/0f0003/produkter/film+video.html

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/mv/6f6e-1700k.mov

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/mv/21-990k.mov

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/mv/61-550k.mov

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/mv/63-2200k.mov

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/mv/74-947k.mov

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/mv/75-1200k.mov

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/mv/97-2000k.mov

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/krop3rom_a9ff-m9ndfukc.mov

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/krop3rom_a9ff-m9ndfukc_01.mov

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/3t0y.zucx.sit.hqx

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/-cw4t7abs_4ob1tenkr1pt1on.sit.hqx

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/idsxp/idsxp_0+0.mov

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/idsxp/idsxp_0+2.mov

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/kr0p3r0m-a9ff_trk-38.0.5.mp3

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/kr0p3r0m_-a9ff_midi-t3kxt.mp3

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/kr0p3r0m_a9ff.trk97+.mp3

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/krop3rom_a9ff-humanzsukc.mp3

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/krop3rom_a9ff_trk47.mp3

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/krop3rom_hiv-sekuensz.mp3

http://simsim.rug.ac.be/=cw4t7abs/ppc.71oo.8o_rom.data.mp3

ftp://quixot.rug.ac.be/MP%26G_11H.dbh%21/antiorp

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/=cw4t7abs.mp3

http://www.m9ndfukc.org/data/noisz/unitiztress.mp2

http://www.m9ndfukc.org/data/noisz/cc.mp2

http://195.163.114.73/7-11/cw4t7abs.asp

http://194.19.130.194/=cw4t7abs/-0000000000-000000000000000_000000000000-000000000000_0000000000000.shtml

http://www.god-emil.dk/=cw4t7abs/

http://home.earthlink.net/~kidseatfree/Media/Movies/

http://home.earthlink.net/~kidseatfree/Media/Movies/FilmNo1Complete.sea.hqx

%cd..

%cd biblio

250 CWD command successful.

%figuration/biblio

ANEX II î bibliographie ||| KONKLUZ.ion

Bibliographie sélective, reports de lectures et références accumulées.

_

B livre

R revue

W url

___

B Barthes, Roland : L’empire des signes. -Genève et Paris : Skira, 1970.

B Barthes, Roland : Le plaisir du texte. îSeuil, 1975.

B Bolter, Jay David : Writing Space, the computer, hypertext, and the history of writing. îHillsdale : lawrence Earlbaum, 1991.

B Breton, Philippe : l’utopie de la communication : l’émergence de l’homme sans intérieur, le mythe du village planétaire. -La Decouverte, 1992.

R Collectif : : éc/art S : #2[00_01] ; textualités&nouvelles_technologies, collection dirigée par Eric Sadin. -http://www.ecarts.org

B Derrida, Jacques : De la gramatologie. -Editions de minuit, 1985.

B Ecco, Umberto : Le signe, histoire et analyse d’un concept. îBruxelles : Labor, 1990.

B Ecco, Umberto : Les limites de l’interprétation. îLGF, 1994.

B Cauquelin, Anne : Petit Traité d’art contemporain. îSeuil, 1996. î(La couleur des idées).

B Collectif : L’après télévision : Multimedia, virtuel, internet. îValence:CRAC, 1996. î(25 images/secondes)

B Gille, Bertrand (sous la direction de) : Histoire des techniques. -Encyclopédie de la Pléiade, 1978.

B Mcluchlan, Marshall : La galaxie Gutenberg face à  l’ère électronique. îGallimard, 1977.

B Stiegler, Bernard : La culture de l’écran, la lecture assistée par ordinateur in Les nouveaux outils du savoir. Paris : Editions Descartes, 1991.

B Stiegler, Bernard : La technique et le temps, I, La faute d’Épiméthée. îGalilée, 1994.

B Stiegler, Bernard : La technique et le temps, II, La désorientation. îGalilée, 1996.

B Stiegler, Bernard : La technique et le temps, III, Le temps du cinéma et la question du mal-être. îGalilée, 2000.

R Book for the unstable media. îmedia v2_books, 1992. îsold out î avail.http://www.v2.nl

R Interfacing realities. îmedia v2_books, 1997. î avail. http://www.v2.nl

W http://www.affect.media.mi.edu/AC_research/emotion.html - 26/03/2002.

B Deleuze, Gilles, and Guattary, Felix : A Thausand Plateaus. îMineapolis : University of Minnosetta Press, 1987.

B Adorno, Theodor William : Theorie esthétique. îParis : ed. Klinckeck, 1995.

‘

‘

‘

‘

‘

‘

Cette sélection est très succincte, elle se limite aux ouvrages qui pourraient être directement cités dans les références des annexes.

Il faudrait tout lire, mais pour penser quoi ?

S’il y a une retenue à  avoir avec la théorie des arts dits médiatiques et de surcroît pour ceux qui utilisent de nouveaux supports, c’est cette profondeur de l’extase qu’entraîne le rapport à  la nouveauté. On a vite tendance à  l’exagérer, exutoire de notre culture collective, on tend à  faire exister les perceptions et les transformer en réalité par le simple désir euphorique de les vivre.

-> extase conjuratoire. L’art vu et lu comme une science-fiction ?

Ecueils des médias.

Les réseaux ne se maîtrisent pas.

Zouk.notez full paste // destructured notes

web art, partie des arts électroniques ou numériques, des arts technologiques… n’est pas un courant ni encore moins une école, la diversité et la réalité des oeuvres empêcherait toute tentative de formalisation dans un terme qui ne serait pas simplement générique et totalement abstrait. Si ces travaux ont quelque chose de commun, ce n’est que le support. Se soucier de le nommer et de justifier cette dénomination s’est se mettre encore dans une position où l’on serait incapable de pénétrer la plupart des propos engagés. |||| ->http://www.irational.org/cern/netart.txt

Howard Rheingold – virtual community - http://www.rheingold.com/vc/book/ online book + online full biblio http://www.rheingold.com/vc/book/biblio.html

voir annexe n° 3.3

Entropy8Zuper! http://e8z.org/godlove/story/themakingofnumbers/ . Note sur ce site ouvert et explicatif. Une approche d’un travail par les artistes eux-mêmes… Très détaillé. Très intéressant. // http://e8z.org/godlove/ g e n e s i s -> http://e8z.org/godlove/story/genesis/
voir annexe vocabulaire 1°/

Snarg, créature sans fin extérieure et artefact pur : http://hypermedia.univ-paris8.fr/seminaires/semaction/semact00-01/webart.htm

annex m9ndfukc.a à  http://www.nuits-savoureuses.net/1999/netart/kode/ _____ last, but the one of the most interesting artist =cw4t7abs is a pure code generated randomly by a computer it’s the name of a person that nobody knows physically, even in Maribor festival, she’s called ‘Antiorp » » » » » » » » » » » » »call me netochka nezvanova » » » » » » »’ it’s the name of a twisted language, part german, part french, part english he, she doesn’t create, but sells codes, wich make it: paint and music ‘Maskinenkunst’, ‘ max derivated softz’

http://www.pavu.com/pavuCS/press.html

lus.

. Il faudrait envisager de reprendre chaque approche selon le champ par lequel on envisage les postures artistiques et en faire l’étude pour ne pas manquer des livres importants à  citer.

continuer à lire Netart : figuration sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Comme toute activité artistique on peut envisager son approche à  travers une vision historique des pratiques. Ce serait le travail d’un historien de l’art, ici il est question de décrire des figures, de les découvrir et de les lier, pour finalement s’apercevoir que cette topologie des discours est la même pour le netart que pour toutes les autres formes d’art.

Présenter le netart c’est essayer de décrire un espace de représentations continuellement en mouvement dont on ne peut percevoir qu’une surface contextuelle : celle que l’on fréquente.

Les artistes en réseaux ne fonctionnent pas tout seul, ils sont plus ou moins structurés en communautés virtuelles, en réseaux de communication supportant aussi bien le renseignement des oeuvres elles-mêmes qu’une réflexion théorique importante.

L’artiste, le groupe d’artistes se définit par ses positionnements sur ce qu’on appellera la scène internationale. Pour la première fois dans l’histoire cette scène, n’est pas une frontière entre un milieu underground, et un espace officiel, institutionnel, elle concerne les artistes eux-mêmes dans un premier temps puis les milieux physiques avec lesquels ils sont en relation.

Commet aborder ces positions d’artistes ? Avec un discours de théoricien ? Une approche esthétique bardée de citations philosophiques et de formulations scientifiques serait-elle une voix satisfaisante ? Est-il question de juger l’artiste ? Les sciences cognitives se préparent à  aborder ces espaces où l’artiste serait envisagé comme une sorte de psychanalyste îinnocent-, un intelligent, l’art à  la science, la perception à  la science. Devons-nous comprendre comment et pourquoi notre attention tend vers l’attraction ou la répulsion ?

Histoire de culture – Net affect.

Qui arrive à  voir ce qui se déroule à  travers ces formes de créations dont la langue ne s’acquiert pas d’instinct.

.ou l’intuitif est refoulé.

Qui peut se retrouver dans ces flux informationnels constants ?

Qui veut tenter ?

Cartographier ce que l’on appelle l’inhabitable.

Demeure en réseau

Art en réseau

figuration, site internet ‘pédagogique’ retraçant une vision de l’histoire du netart.
Support de conférence distribué lors des interventions en milieu scolaire et universitaire.

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Catalogue du festival international de Sarlat

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Cet atelier permettra d’analyser ce qui s’est passé entre l’écriture et la finalisation du projet. Nous verrons si l’auteur à  modifié ses propos (ce qui n’est pas un tort) face à  la réalité de ses intentions. Les écrits qui ressortiront de ces cessions de réflexions rejoindront le dossier d’écriture ce qui finalisera le travail de cet atelier.

| L’atelier et son fonctionnement |

Cet atelier est ouvert à  tout le monde dans un premier temps, il s’agit simplement de regarder le film fini et d’essayer d’y réfléchir, d’en ressortir des idées et des remarques.
Dans un second temps ce sont les gens qui ont travaillé sur l’écriture de ce film qui réfléchiront et verront ce qui en a été de ces séances de réflexion.

Cet atelier est un atelier constat.
Voici les objectifs :

- Prendre en compte le constat de l’auteur
- Faire un constat sur ce qui a été fait.
- Analyser l’objet en lui-même selon des critères esthétiques ( sémantique de l’image, analyse filmique, pure esthétique…)
- Analyser l’éthique filmique du projet.

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L’écriture est la phase la plus importante dans l’élaboration d’un projet. C’est une suite de phases de formulations.

| L’atelier et l’auteur |

Lorsque l’on est confronté à  l’écriture, on se retrouve très vite dans une situation où de nombreux choix se proposent. Le danger est de se laisser aller à  des facilités qui viendront trahir le propos initial. Il est difficile de savoir ce qui est ou n’est pas cohérent quand on est face à  un scénario ou même une nouvelle dont on est l’auteur.
L’atelier d’écriture que nous proposons est une solution pour aider l’auteur dans sa pratique. Des personnes extérieures ont plus facilement du recul sur un travail, et la concertation en groupe permet de voir plus loin sans pour autant vouloir imposer quoi que ce soit à  l’auteur.
Ce que veut apporter cet atelier n’est pas une vérité, mais un ensemble de conseils et de regards ouverts sur des pratiques et des expériences différentes. La discussion permettra de savoir ce que l’auteur voulait initialement proposer, ce qu’il en a fait, ce qu’il est capable d’exprimer. C’est aussi un bon moyen d’éviter les pièges de l’approche cinématographique qui a vite fait de détourner l’auteur en lui donnant des envies fausses (l’image totalement gratuite) et en le confrontant sans cesse à  des solutions de facilité (‟on coupe la, c’est plus simple ”).

Il est important pour un auteur de confronter sa pratique à  des avis extérieurs. C’est très fréquent qu’à  posteriori il s’aperçoive de ses erreurs, mais surtout qu’il se dise que cela l’a aidé de prendre de la distance et a conforté ses positions quand à  son travail.

L’atelier d’écriture a plusieurs missions :

- Présenter des méthodes de travail afin de ne pas aborder l’écriture sans savoir où l’on met les pieds.
- Être un espace de conseil et d’orientation vers la culture cinématographique et de l’image en général.
- Aider les auteurs à  rester intègres dans leur démarche.
- Ouvrir les artistes à  la confrontation de leur travail.
- Suivre des projets afin de les accompagner à  travers leurs phases de composition.
- Finaliser des scénarios.

Tous les membres de l’association font parti de cet atelier, A chacun de s’impliquer dans des projets. Tout cela s’organisera au fur et à  mesure lors des rencontres du mardi soir.

| l’atelier et membres |

Tout d’abord, il important de préciser que pour un fonctionnement optimal, le nombre de personnes travaillant sur un projet ne doit pas excéder cinq ou six intervenants. Il est essentiel que tout le monde puisse prendre le temps d’écouter de se concentrer et ainsi de prendre la parole.

Il sera fait en sorte que tous les adhérents de l’association aient le même accès à  cet atelier d’écriture, mais pour travailler dans de bonnes conditions, il faudra prévoir un calendrier et s’y tenir le plus fidèlement possible.

Voilà  comment les choses se passeront dans cet atelier. Tout d’abord, sur chaque projet les gens devront s’inscrire. En sachant que la priorité appartient à  ceux qui n’y ont jamais participé. Il n’est pas important que la personne s’inscrivant à  l’atelier ait de l’expérience, il est ouvert à  tous les adhérents. Ensuite, il y aura une première petite réunion ou l’(les) auteur (s) présenteront à  tout le monde leur projet et leurs intentions, il y aura là  les premières impressions à  chaud. C’est lors de cette réunion que seront distribués les documents de travail, à  savoir : le scénario, le synopsis, et le script s’il est déjà  écrit. Ensuite lors des réunions différentes chacun fera part de ses réflexions sur le travail de l’auteur en toute subjectivité et en toute objectivité. L’auteur présentera ses évolutions ou défendra ses positions. Une fois élaboré (le temps de travail sera variable suivant les projets) le film repartira en atelier de production afin d’être réalisé.

L’atelier d’écriture a plusieurs missions :

- Présenter des méthodes de travail afin de ne pas aborder l’écriture sans savoir où l’on met les pieds.
- Être un espace de conseil et d’orientation vers la culture cinématographique et de l’image en général.
- Aider les gens à  s’exprimer face à  l’image et sa représentation écrite.
- Ouvrir les gens à  la confrontation de leur conscience et de leur propos.
- Permettre à  tout le monde de travailler sur l’écriture d’un film, que ce soit un court, un moyen ou un long métrage.
- Ouvrir les discussions sur l’image et mettre en place une réflexion plus large sur l’approche esthétique de la vidéo.
- Présenter des modes et des sciences de la réflexion.

| notes sur l’atelier d’écriture proprement dit |

Il est important que toutes les personnes engagées sur le suivi d’un projet soient présentes à  toutes les étapes de sa mise en forme. Il serait difficile pour les personnes impliquées de devoir revenir à  chaque fois sur le travail qui a été produit à  la réunion précédente. Une telle forme d’assiduité repose simplement sur la cohérence de l’atelier lui-même.

Les auteurs s’engagent à  fournir la volonté et les éléments de travail nécessaires à  l’atelier afin que celui-ci ait un sens. Il faut que tout se passe dans le respect des personnes qui s’impliquent.

Les réunions s’organiseront en fonction des disponibilités de chaque personnes sur chaque projet. Les lieux de rendez-vous se fixeront selon les opportunités.
De chaque session de l’atelier d’écriture ressortira un document sous forme de tableau (illustration ci-dessous) qui permettra aux gens ne participant pas à  l’atelier de suivre l’évolution des projets. Il y figurera les principales questions qui ont été posées ainsi que les réponses, les gens qui ont participé et tout ce qui aura été important de marquer. Ces documents feront partie des archives de l’atelier d’écriture avec tous les textes, scénarios, notes … qui y seront évoqués.

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D’abord cantonnées dans les laboratoires de recherche et développement militaires et industriels, les nouvelles technologies se sont progressivement infiltrées dans tous les secteurs d’activités en y transformant nos façons de faire. Le secteur des arts est souvent avant-coureur de ces changements car il se prête volontiers au jeu d’expérimentation qui accompagne l’apparition de chaque nouvel outil.

Le dialogue si longtemps clamé et souhaité entre la science et l’art prend avec les technologies numériques toute son extension : le savoir-faire artistique contribue à  générer de l’intelligibilité pour tout cet outillage qui se renouvelle à  un rythme tel qu’on a du mal à  l’intégrer sensiblement dans notre quotidien.

La création artistique se retrouve ainsi investie d’une nouvelle fonction, d’une nouvelle mission qui consiste à  défricher les sphères d’application et les champs de signification que nous ouvrent les nouvelles technologies…

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