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La galerie Charlot accueille plusieurs œuvres numériques de Jacques Perconte. Vidéo projections et installations sur iPAD s’apparentent au même geste fort de l’artiste qui va à rebours des dictats de la matière numérique dans une démarche profondément plastique, picturale.

En octobre 2011, à l’initiative de Nicole Brenez, historienne du cinéma et chargée de la conservation du cinéma d’avant-garde, la Cinémathèque française organisait plusieurs séances autour des oeuvres remarquables de Jacques Perconte. Cet artiste singulier est passé par les cours du soir des Beaux Arts, par l’université, le CNRS, les Arts plastiques, le cinéma, la philosophie, le design interactifs, les systèmes d’information, les stratégies d’innovation … Il mène ses recherches depuis 1995 et son travail sur la vidéo et les différents codecs (compression et décompression) s’affine au fil du temps.

Dans l’obscurité de la salle de cinéma ou dans l’espace tamisé de la galerie, l’emprise des images de Jacques Perconte est saisissante. Il y va d’une densité des formes qui s’auto-génèrent jusqu’à leur disparition. Pulsations et ressacs, pures intensités chromatiques créent une texture épaisse, alors que d’énormes pixels font que les couleurs se diluent, circulent, se rependent d’un plan à l’autre. L’extrême fidélité et la précision mimétique de l’image numérique sont détournées dans un acte radical qui s’attaque à la racine binaire de l’information numérique pour mieux accéder à l’essence vibratoire du réel.

Presque toujours dans les films de Jacques Perconte le geste inaugural est un travelling. Qu’il soit embarqué sur l’eau (Uishet) ou dans un train (Après le feu), qu’il soit dédoublé et renversé dans sa chronologie (Fontainbleau), ce mouvement de cinéma témoigne d’un désir multiple : non pas simplement embrasser le paysage dans une posture fixe, statique, mais s’y immerger, y plonger avec l’espoir de percer le réel, d’aller au delà du voile de l’image, l’abimer à la source pour mieux s’y abimer. Soumise à des traitements numériques, l’image atteint une stase, brille de mille feux avant de sombrer. Le paysage, devenu abstrait, porte encore les traces du monde, trop plein et vidé à la fois, sorti de ses rails : extatique.

Après le feu (2010, 7’, vidéo) est un travail exemplaire de cette démarche. L’image prend la texture des braises, des flammes et des vagues incandescentes. Elle fond, se liquéfie, se délite, attaquée par des couleurs fortes et saturées. Seul le chemin de fer garde son obstination qui nous mène toujours plus loin dans les profondeurs de l’image – paysage. La couleur s’épuise, des aplats, des murs de « non-couleur » obscurcissent le travelling. L’abstraction appelle des formes nées d’elles-mêmes.

Fontainbleau (2012, 24’, vidéo) démultiplie le processus, le plonge dans le miroir, le ralentit également. Le traitement est moins radical, l’artiste joue sur la durée et préserve dans sa composition certains repères du monde réel qui font signe vers la gémellité des deux images installées sur des iPADs. Un indicible trouble nous gagne avant d’acquérir la certitude qu’il s’agit d’un même morceau de paysage. La mise en abime est vertigineuse. Nous avons tout d’un coup accès à un aperçu de ce que peut être, pour Jacques Perconte, la fabrique des images. Son rapport au réel, la captation, l’enregistrement passif est augmenté par des procédées artisanaux qui tiennent de l’alchimie numérique. Une précision est ici capitale : l’artiste se garde d’introduire dans ses œuvres toute information allogène, toute donnée qui n’aurait pas existé dans le fichier source. Ses algorithmes exacerbent les qualités intrinsèques de l’image, mais sa pratique, hautement plastique, reste très attachée au cinéma, car mouvement et montage sont des éléments essentiels de son travail. La frontière devient poreuse, fragile et incertaine entre les plans. Malgré la coupe, ou peut-être grâce à elle, des images clés, avec les couleurs, franchissent les plans. Les mots pénètrent les images amplifiant une incontestable sensation de la matière.

Ainsi, dans Impressions (2011, 42’, vidéo) – film dont une version préparatoire a été montrée par Nicole Brenez à la Cinémathèque et qui n’est pas intégré à l’exposition – il peut arriver, comme dans les toiles des maîtres japonais, qu’un oiseau fasse trembler le paysage saturé. Jacques Perconte nous dévoile les flux d’énergies qui se cachent derrière les images les plus prosaïques une fois poussées dans leurs retranchements. Cet opus à forte charge picturale revisite l’émerveillement des Impressionnistes devant la lumière des paysages normands de bords de mer et son éclat gagne évidemment à être magnifié par la projection sur grand écran.

Avec audace, obstination et patience Jacques Perconte approfondit son art qui adresse cette autre perception dont parle Gilles Deleuze dans ses cours en citant Paul Cézanne ou Stan Brakhage, approche ce monde d’avant l’homme, tente des réponses à une même question : combien de couleurs on peut trouver dans un champs d’herbe ?

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Par Jean-Jacques Birgé, vendredi 2 mars 2012 à 01:01
Drame.org / Mediapart, mars 2012

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« Comme mon travail a été souvent comparée au mouvement impressionniste français, j’ai décidé de suivre leurs traces en Normandie tournage sur les spots même où Monet ou Corot utilisé pour peindre, je vais créer une sorte de l’impressionnisme 2.0″ – Jacques Perconte

Impressions: Voyage en Normandie est la dernière d’une série de films paysages manipulés numériquement faite par Jacques Perconte.

Le «réel» voir (au moins comme on le voit à travers la lentille de la caméra) pixelates progressivement et se transforme en quelque chose de plus étrange. Les films saisir une sorte de «impressionniste» phase où des motifs lumineux et le mouvement subtil dans la nature sont au ralenti et a assisté. Mais les images en mouvement bientôt commencer à ressembler à symbolisme, fauvisme et l’expressionnisme abstrait éventuellement – les arbres transformés en plaques dentelées de couleur comme un Clyfford Still peinture, le scintillement horizon comme une ligne de Barnett Newman zip. «Nous ne voyons plus l’image du paysage, nous voyons le paysage de l’image» Perconte dit.Violaine Boutet de Monvel a écrit d’un moment dans Après le feu, filmé depuis l’arrière d’un train, où un écart semble s’ouvrir sous les voies, transformant la topographie réelle. Perconte est intéressé dans cette ré-imagination du familier – comme il a suivi les traces des impressionnistes, il a senti que leur paysage était toujours présente, malgré le mouvement constant de nuages ​​et de l’activité de la mer agitée. Ce processus tend vers la dissolution des éléments de paysage familier dans une vision de couleur pure. Dans les notes Perconte sur Impressions il cite Rousseau, se perdre dans une rêverie et objectes sentir glisser loin de sorte qu’il ne sent rien, mais l’ensemble: «Alors TOUS LES objets Particuliers Lui échappent; IL NE Voit et NE envoyé rien la DANS Que le Tout. »

L’artiste a posté de nombreux clips Vimeo, photographies, notes de production et des commentaires sur son propre site et son blog technart. Je vais terminer ici avec un film récent, je vais penser à mon voyage prochain train: une vue sur les champs quelconques sous un ciel gris qui disparaît brièvement que le train entre dans une coupe, seulement pour réapparaître partiellement enduite loin, comme Si pour révéler le logiciel derrière ce paysage factice des formes d’arbres et de parcs éoliens, puis change progressivement jusqu’à ce que nous sommes laissés avec seulement quelques vestiges de la couleur déformée avant que l’écran devient blanc.

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Ce site est sur les paysages et les arts. Il souligne comment les paysages ont été évoqués, illustrés ou transformée en peinture, photographie, littérature, musique et film. J’ai aussi parfois discuté de la création ou la modification des paysages par les architectes, artistes et concepteurs de jardins. [...]

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[...] Envisagé comme ouverture, jusque et y compris du paysage audiovisuel, le cinéma de jacques perconte est à  la fois question et réponse. Question car il nous demande quelle place nous voulons habiter dans le monde, et réponse dans la mesure où il s’adresse à  ce qu’il y a en nous de nécessairement irrésolu, et qui doit à  son tour s’interroger sur la réalité et ce que nous avons à  y faire. La tranquille sobriété avec laquelle cette oeuvre suit son chemin participe assurément de sa forme plastique, qui, comme toute proposition artistique véritable s’est trouvée et vit pourtant de se chercher.

Vous pouvez commander le numéro 94 avec le dvd sur le site internet du magazine.

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Les travaux de Perconte se définissent par une séquence d’images juxtaposées dans un rythme cassé par la vitesse. Un rythme cassé, mais continu, d’une espèce de clin d’oeil discontinu, et d’un flux d’images sans référence. Des séquences d’images qu’on pourrait appeler ‟ corps ”, un corps en mouvement, une masse variable, un corps digital déformé et (étiré) par le temps.

Dans les travaux de Perconte, le temps est un élément fondamental : c avec le temps qu’il sculpte ‟ le corps ” avec des images et crée un langage visuel ‟ étiré ” qui ne mène nulle part. Le temps ici est un instrument et des outils de sculpteur. La transformation du temps et aussi la déformation ‟ accéléré ”. C’est dans cette variation temporelle que Perconte propose la création d’une séquence déformée, rythmée, dans une espèce de dance d’image entre le fond et la forme.

Ce qui m’a le plus intrigué dans son travail, c’est sa capacité à  reproduire un effet musical dans un parfait silence sonore. Les images qui défilent comme si nous étions devant une seule image étirée, les variations de couleurs, de trait, de point qui la compose nous font ressentir une musicalité de la forme, un rythme de son et de note qui sans exister donne l’impression de prendre le dessus dans une lutte constante entre images et son.

L’arythmie crée part les éléments picturaux, nous rappelle une composition érudite de sons abstraits, provoqués par une décomposition hypnotique des images.
Prouvant la discontinuité continue, les oeuvres de Perconte, se présente comme des extraits imagés et sonores. Ca nous semble être une tentative de rechercher une réalité vécue, qui n’existe plus ou qui est passé, ou le temps (même si continu et linéaire) défi les normes de continuité et crée se qu’on pourrait intituler ‟ illusion de continuité ”. Une recherche sur la temporalité des images. Perconte finit par faire disparaitre le temps, les images se transforment en un corps qui n’est jamais, et qui nous fuit.. C’est le propre mouvement qui disparait.

Ses oeuvres sont comme des peintures en mouvement, des cadres d’images surréalistes qui nous emmènent dans un lieu autre, dans cet infini que jamais nous ne verrons.

traduction Sonia Da Conceicao

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Descobri Jacques Perconte em Paris, numa deambulaçà£o pelas inàºmeras galerias de arte daquela cidade. O seu trabalho chamou-me logo à  atençà£o. Pois desenvolve-se em torno da noçà£o de deslocaçà£o, de viagem e do movimento. Essa expressà£o reflecte-se na série de pequenos và­deos (ensaios) « Paris, sans titre » que apresentamos neste artigo. Este projecto pareceu-me deveras interessante, pois combina imagem em movimento com deformaçà£o temporal e criaçà£o sonora inaudà­vel.

Os trabalhos de Perconte definem-se por uma sequência de imagens justapostas num ritmo quebrado pela velocidade. Um ritmo quebrado mas contà­nuo, numa espécie de piscar descontà­nuo de um fluxo de imagens sem referências. Sequência de imagens essas que poderà­amos apelidar de « corpo »: um corpo em movimento, uno mas varià¡vel, um corpo digital deformado (e esticado) pelo tempo.

Nos trabalhos de Perconte, o tempo é um elemento de trabalho fundamental: é com o tempo que ele molda o seu « corpo » de imagens e cria uma linguagem visual « estirada » que ao fim ao cabo nà£o leva a lado nenhum. O tempo aqui é instrumento, é ferramenta de trabalho escultà³rica. Transformaçà£o do tempo, mas também deformaçà£o (aceleraçà£o). É nessa variaçà£o temporal que Perconte propàµe a criaçà£o de uma sequência deformada, ritmada, numa espécie de dança de imagens que balançam entre o fundo e a forma.

O que mais me intrigou na obra de Perconte foi a sua capacidade de reproduzir um efeito musical num perfeito silêncio sonoro. O desfilar das imagens (ou direi da àºnica imagem? – parece que estamos perante uma àºnica imagem esticada), a variaçà£o das cores, dos traços e dos pontos que as compàµem fazem-nos ressentir uma musicalidade das formas, um ritmo de sons e notas que, mesmo nà£o existindo, parecem vir ao de cima, numa luta constante entre a imagem e o som. A arritmia criada pelos elementos picturais lembram-nos uma composiçà£o erudita de sons abstractos, provocados por uma decomposiçà£o hipnà³tica das imagens.

Prova de descontinuidade contà­nua, as obras de Perconte apresentam-se como excertos (trechos) imagéticos e sonoros. Parem-nos uma tentativa de encontrar uma realidade vivida que jà¡ nà£o existe (que passou), onde o tempo (apesar de linear e contà­nuo) desafia as normas de continuidade e cria o que poderà­amos intitular de “ilusà£o de continuidade”. Nesta procura pela temporalidade das imagens, Perconte acaba por fazer desaparecer o tempo, as imagens transformam-se num corpo que nunca é e que nos foge:  é o prà³prio movimento que desaparece.

Os obras de Perconte sà£o como pintura em movimento, quadros de imagens surrealistas que nos atiram para um lugar qualquer, là¡ nesse infinito que nunca veremos.

http://www.artes.ucp.pt/artes_digitais/index.php/quem-somos/655-jacques-perconte-e-a-ilusao-de-continuidade

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J’ai voulu retrouver le discours original de Valérie Pécresse qui était à  la source de l’article de l’Humanité Les sciences humaines dans la ligne de mire de Pécresse paru le 4 septembre 2009. Il m’a fallu un certain temps pour remonter jusqu’au texte original. Je vous propose de comparer l’article et le discours. Et d’ouvrir la réflexion.

J’ai fait cette recherche pour deux raisons. La première est que les mots et les intentions rapportés par l’article de Ixchel Delaporte pour l’Humanité m’avaient scotchés. Comme si c’était la signature d’un retour vers une société totalitarisme. Seulement je me méfiais. Ces propos étaient rassurants dans le sens où ils confortaient mes positions et soutenaient par une preuve évidente ce mouvement que je discernais. Donc c’était un outil idéal de conversation sympathisante avec des semblables en accord avec ces idées. La seconde est qu’en écrivant un texte pour un livre je citais Descartes et les attachements de la pensée prométhéenne qui donnaient aux sciences un statut absolu. Elles seules devaient être constitutives de notre rapport au monde si nous voulions le maîtriser. Descartes posait ses idées il y plus de trois cent cinquante ans. Aujourd’hui, Valérie Pécresse enterrait semble-t-il tous les ‘progrès’ subjectifs en sciences sociales qu’il y a eu depuis. Je me suis senti piégé par mon rapport au texte. Trop utilitaire. Trop facile. Voyons d’abord des extraits du discours de Valérie Pécresse (en intégralité si vous suivez lets du lien) puis un extrait de l’article qui avait suscité mon intérêt (aussi en intégralité en suivant le lien).

Extraits de l’allocution de Allocution de Valérie Pécresse, ministre de l’Enseignement supérieur et de la recherche, à  l’occasion de l’installation du Conseil pour le développement des humanités et des sciences sociales

[...]
A l’heure de la bataille mondiale de l’intelligence, la tradition française d’excellence dans ces disciplines est un atout tout simplement exceptionnel. La France peut être fière de ses sciences humaines et sociales, fière d’être le pays de Bloch, de Febvre et de Braudel, de Lévi-Strauss, de Mauss et de Durkheim, de René Cassin et de Barthes, de Foucault, de Girard et de Derrida.
Ce n’est pas qu’une question de prestige ou de magistère moral et intellectuel. C’est un atout social, un atout qui a fait et fera beaucoup pour la grandeur et la compétitivité de notre pays. Mais encore faut-il reconnaître aux humanités et aux sciences sociales leur juste place. Et je me dois de l’ajouter, encore faut-il que ces disciplines ne craignent pas de l’occuper…
[...]
Mais d’un autre côté, l’image de la culture littéraire ne cesse de s’infléchir : la part de la subjectivité et de la sensibilité y est survalorisée, aux dépens de la rigueur, du sens de la démonstration et de l’esprit d’analyse que les humanités et les sciences sociales requièrent tout autant que les sciences dites ‟ dures ”.
Cette image est fausse. Elle entretient le sentiment que les humanités et les sciences sociales constituent un univers certes respectable, mais parfaitement étanche et que les qualités qu’elles développent ou les savoirs qu’elles établissent n’ont pas d’influence sur la vie de la nation ou d’utilité dans la vie professionnelle.
C’est cette image qu’il nous faut changer. Elle fait en effet de la singularité des humanités et des sciences sociales une faiblesse. Avec, en retour, un risque : celui que la communauté ne s’enferme dans cette spécificité, à  laquelle elle se trouve en permanence renvoyée.
[...]
Ces questions sont en effet au coeur de toute politique en matière d’enseignement supérieur et de recherche : comment garantir l’insertion professionnelle des étudiants ? Comment accroître le rayonnement de notre recherche ? Comment reconnaître les projets les plus novateurs ?
Sur chacun de ces sujets, la communauté des humanités et des sciences sociales doit faire entendre sa voix singulière, non pour affirmer une irréductible spécificité, mais pour enrichir notre compréhension des défis qui s’offrent à  nous et esquisser des solutions.
Sur l’insertion professionnelle, par exemple : pour qui reste prisonnier d’une approche mécanique du lien entre formation et emploi, il est facile de dresser un portrait caricatural des sciences humaines et sociales, qui seraient alors l’archétype des ‟ filières sans débouchés ”.
D’où une tentation que nous connaissons parfois, celle de refuser toute ouverture professionnelle et d’affirmer par contrecoup la gratuité du savoir et de la culture, qui sont à  elles-mêmes leurs propres fins. Mais céder à  cette tentation, c’est confirmer le jugement que l’on voulait réfuter. Et c’est aussi s’enfermer dans des débats qui, très vite, pourraient se révéler stériles.
[...] les sciences humaines et sociales ont tout pour figurer à  l’avant-garde de la réflexion sur l’évaluation ou, pour utiliser les termes du rapport d’Alain Supiot, la ‟ valorisation ” de la recherche.
Car les humanités et les sciences sociales sont, par nature, particulièrement conscientes des difficultés qui accompagnent la construction d’une position objective. C’est en effet l’un de leurs sujets de réflexion privilégiés.
Forte des enseignements de l’épistémologie, de la sociologie, de la philosophie ou de l’anthropologie, la communauté des sciences humaines et sociales est sans doute la mieux à  même de proposer des règles pour la construction d’un évaluation réfléchie et, pour tout dire, bien pensée. Et j’en suis certaine : de telles réflexions ne tarderaient alors pas à  essaimer dans les autres disciplines, contribuant ainsi à  aiguiser notre compréhension et notre pratique de l’évaluation.
Une chose est sà»re : rien ne serait plus préjudiciable à  mes yeux que d’opposer à  toute tentative d’évaluation le fait que les sciences humaines et sociales échappent par nature à  l’objectivation. Sans doute l’objectivité est-elle toujours à  construire et imparfaite. Mais poser son impossibilité dans ces disciplines, ce serait les vider de leur sens même.

Voici le très court extrait de l’article de l’Humainité de Ixchel Delaporte Les sciences humaines dans la ligne de mire de Pécresse paru le 4 septembre 2009.

Dans son allocution, la ministre exprime une volonté de reprise en main de disciplines considérées comme trop ‟ subjectives ”, trop indépendantes et, par conséquent, génératrices d’une pensée critique. En un mot, contestataires.

Effectivement le traitement journalistique du discours perturbe tant il a perdu toute objectivité. Le résumé est cinglant. Il soutient tous les prétextes de résistance que nous pouvons avoir vis à  vis de ce positionnement de la ministre qu’évidement je désapprouve. Cet article est un acte revendicatif. Seulement il se concentre à  la surface de la contestation. Celle qui n’est pas efficace et qui n’entraine que des bavardages. Je vois là  plus largement au delà  de la crise de la subjectivité un retour effrayant du principe d’évaluation. C’est l’outil scientifique garant de la productivité. C’est la méthode qui protège de tout. Si avant chaque action on évalue objectivement la situation, les accidents risquent de diminuer. Les accident c’est d’abord ce qui protège de l’uniformité. De la bêtise. Mais notre société tend à  construire dans ce mot la perception de la somme de tous les dangers pour l’homme : l’accident serait négatif. On y risque notre peau. Et je sais que c’est faux. Ce sont les accidents qui nous sauvent. Comment on évalue objectivement quelque chose qui sort de la norme ? Quelque chose qui n’est pas prévu dans un mode opératoire ? Je travaille depuis trois ans dans un centre de formation professionnel où l’évaluation est maître. On en finit par effacer l’individu et son potentiel parce que ce n’est pas ce qui peut être évalué. On ne peut pas garantir cela.

Il faut résister contre l’automatisation des fonctions vitales de l’homme. Il faut échapper aux raccourcis cognitifs quand il s’agit de réagir à  l’oppression menaçante. Il faut être productif au sens physique du terme. Rapporter ses opinions et circonscrire toutes les émotions par le bavardage peut être plaisant mais cela ne sert à  rien. Il faut parler pour dire. Et là  la journaliste ne dis rien, elle prêche à  des convaincus. Pourquoi n’a t’elle pas construit quelque chose ? C’est son métier qui l’en empêche. Peut-être même qui la formate. Elle n’est pas constructrice, elle est rapporteuse. Mais qui le décide ?

ill. Les gens et leurs… JP, 2009.

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Jacques Perconte, plasticien et pionnier discret du net-art (le genre à  oublier de signer ses oeuvres ou à  défendre un art partagé) n’est pas resté inactif depuis le début de l’année. De conférences en performances, il traque un certain sens de l’histoire dans ses images passées au tamis du Net. L’auteur du wiki très sarcastique sur l’histoire du net-art, ‟ a wiki story of net-art ”, a répondu au questionnaire vacances de poptronics.

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Marcher pendant des heures, déambuler dans les rues peuplées de personnages surprenants n’est pas fait pour vous ? Au lieu d’user vos semelles vous préférez le confort de votre fauteuil duquel vous avez une prise absolument adéquate sur le monde du Web ? Alors restez chez vous, vous serez sans doute tout aussi ébloui. Le secret de ce qui se passera cette nuit là  du 4 octobre vous sera révélé à  19h27 ici.

Selon le site, entre lumineux et vulgaire quelque bouts de flashs de Jacques Perconte et Thibaut Ferreira vous attendent, en espérant que ce soit à  la hauteur …

Arkronik.com : pêle-mèle, 3 octobre 2008

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Sauf que. Depuis les débuts du World Wide Web, nous nous sommes pris au jeu de cette mutation et existons 1.0, 2.0, et demain 3.0. Nous sommes les créateurs de demain, sans prétention aucune. Très sérieusement et depuis longtemps, nous nous posons la question du droit d’auteur, celle de la diffusion des oeuvres sur les réseaux et de leur réception. Tout comme nous nous posons la question de l’économie de la création, sur l’Internet et ailleurs.

Ce projet de loi est contraire à  nos pratiques, tout comme il est extrêmement méprisant des usages et totalement ignorant d’un monde simplement contemporain.

Nous souhaitons qu’un projet de loi intitulé ‟ Création et Internet ” prenne en compte nos processus de création. C’est un droit.
Nous désirons partager et être téléchargés, sans filtrage aucun. C’est une nécessité.
Nous espérons que le principe démocratique selon lequel l’oeuvre existe ou n’existe pas au travers du regard de l’autre s’applique à  cette multiplicité que d’autres nomment ‟ piratage ”. C’est une revendication.

L’auteur, le créateur, le spectateur, a muté. L’oeuvre est regardée, écoutée, partagée, comme jamais auparavant. Et c’est pourquoi créateurs et regardeurs ne peuvent être filtrés par une loi obsolète et crétine. Une loi qui asphyxie la ‟ Création ” et ‟ l’Internet ”.

Premiers signataires :

Adrien Mondot, Agnès de Cayeux, Alain Escalle, Albertine Meunier, Alexandre Perigot, Anne Laforet, Annie Abrahams, Arno Fabre, Bérénice Belpaire, Bruno Samper, Caroline Hazard, Cécile Babiole, Cédric Pigot, Chloé Delaume, Christian Vialard, Christophe Bruno, Christophe Fiat, Christophe Jacquet dit Toffe, Claude Closky, David Guez, Dinah Bird, Electronic Shadow (Yacine Ait Kaci et Naziha Mestaoui), Emmanuel Maa Berriet, Emmanuelle Gibelo, Eryck Abecassis, Etienne Cliquet, Etienne Mineur, France Cadet, Franck Ancel, Francis Mizio, Gilbert Quélennec, Grégoire Courtois aka Troudair, Grégory Chatonsky, Invader, Jacques Perconte, Jan Kopp, Jean-Noà«l Montagné, Jean-Philippe Renoult, Jean-Philippe Roux, Jérôme Joy, Joachim Montessuis, Julien Lassort, Karine Lebrun, Karen O’Rourke, La Boîte Blanche, Louis Bec, Loz, Luc Dall’Armellina, Luc Martinez, Lucille Calmel, Lydwine van der Hulst, Lynn Pook, Magali Daniaux, Martin Le Chevallier, Mathieu Briand, Michaà«l Borras aka Systaime, M. Chat (Thomas Vuille du Collectif Chat), Nicolas Boone, Nicolas Clauss, Nicolas Frespech, Olga Kisseleva, Olivier Auber, Olivier Le Gal (collectif MU), Pascal Lièvre, Pascale Gustin, Paul-Armand Gette, Pavel Smetana, Pierre Beloüin (Optical Sound), Philippe Castellin (Akenaton/Doc(k)s), Philippe De Jonckheere, Philippe Langlois, Philippe Quesne, Pierre Bongiovanni, Pierre Giner, Ramona Poenaru, Roland Cahen, Shu Lea Cheang, Stéphane Sautour, Sylvie Marchand (Gigacircus), Thierry Théolier aka THTH, Triny Prada, Valéry Grancher, Vincent Elka aka Lokiss, Vincent Epplay, Wolf Ka (Compagnie Respublica), Xavier Cahen.

Le site de la pétition : http://www.internetmonamour.fr

La pétition sur Poptronics, l’agenda des cultures électroniques

La pétition dans ‟ Libération ”

La loi « création et Internet », un premier pas vers le contrôle du Réseau ?

Contact : petition@internetmonamour.fr

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Jacques Perconte pratique la photographie, la vidéo, la création numérique et la musique ; il explore les ressources conjuguées du corps, du paysage et de la couleur détachés d’une inscription limitative et contraignante. Caractérisée par l’altération programmée, par la puissance entraînant toute production dans la tension d’un flux constamment renouvelé, son oeuvre est avant tout destinée à  être vécue, partagée dans une expérience à  la fois ouverte, mouvante et resserrée. Son sens réside moins dans les forces qui s’y dépensent que dans les états affectifs suscités. Il ne consiste pas en la cohérence issue d’une structure unifiée, mais dans l’énergie d’une déambulation intime s’offrant à  l’imagination en changeant constamment la nature de sa focalisation.

Depuis 2003, Jacques Perconte photographie, au plus prés de sa peau et de sa chaleur, l’être aimé. Ces étendues impalpables et fluctuantes de corps oscillent entre les pôles opposés du déploiement et de la concentration, et rassemblent la quintessence d’une opération presque alchimique, autrement dit la transmutation d’une densité corporelle en poudroiement de lumières. Puis il photographie à  nouveau ces approches sensuelles sur un écran d’ordinateur qui exhibe les pixels comme des grains de peau. Ces images sont ensuite intégrées à  I love you, une oeuvre sur Internet. À chaque fois que l’on consulte une image, elle est plus ou moins modifiée (pixellisation, déformation, nouvelles couleurs, disparition du sujet) avant d’être affichée : un programme (love writing program) altère son code source en remplaçant une variable par l’encodage du texte I love you. It’s all about love est un choix d’images issues de ces divers processus de décomposition et recomposition, d’élargissement et de rétrécissement. Ces éléments de corps, interactions de paysages et de couleurs, de souvenirs et d’oublis, sont ainsi maintenus sous pression par une succession de reprises et de transformations qui les conduit presque à  un point de rupture. Comme si, pour atteindre le coeur de l’émotion, il fallait se perdre dans l’enchevêtrement des images et des multiples voies de leur effacement progressif. Comme si, pour accumuler des preuves d’amour, il fallait se confronter à  un éblouissement de plus en plus affirmé, et donc renoncer à  une certaine qualité de représentation.

It’s all about love : Les arts au mur – artothèque 17 janvier – 17 avril 2008 / Galerie ooblik – du 29 avril au 24 mai

Didier Arnaudet : It’s all about love in Art Press, la revue de l’art contemporain / Mai 2008 / n°345
Art Press Tous droits réservés

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laetibulle

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Ici aussi l’affaire est compliquée. Si incontestablement la Galerie Bordelaise appartient au patrimoine Bordelais, et même si elle est inscrite à  l’inventaire secondaire des Monuments Historiques, elle n’en demeure pas moins un domaine privé. Les subsides publics et autres subventions ne peuvent au mieux qu’accompagner les actions prioritairement financées par les propriétaires.
Un mur de boites à  chaussures qui fait sursauter la belle endormie !

Fort heureusement, dans cette ambiance où le temps semble s’être arrêté depuis 20 ou 30 ans, certains signes encourageants pointent à  l’horizon. Tous les protagonistes ne jouent pas la montre, et une poignée de bonnes volontés, sans d’ailleurs toujours être vraiment récompensée de ses efforts, tente de redresser la barre. Une association ‟ les amis de la Galerie Bordelaise ” a même vu le jour (voir leur site www.galerie-bordelaise.com ). Certains commerçants tentent également de redonner vie au lieu par différentes animations tout au long de l’année, c’est le cas de M. Michard, commerçant spécialisé dans la chaussure haut de gamme dont les vitrines s’ouvrent à  la fois sur la Galerie Bordelaise et sur la très passante rue Sainte Catherine.

En période de Soldes, l’artiste Jacques PERCONTE a eu l’idée d’ériger dans la galerie, un mur de boîtes à  chaussures qui ferme totalement le passage, idée adoptée et soutenue par la boutique MICHARD ARDILLIER. Inutile de dire que les réactions et les commentaires ne se sont pas fait attendre, d’autant plus que tous les médias locaux ont largement relayé l’information. Critiques des uns, approbations des autres, réveil d’un public bordelais découvrant en même temps que l’oeuvre l’urgence d’agir, sans oublier certaines instances officielles avouant lors d’interviews découvrir la nature du problème et son intensité … personne n’aura été indifférent.

Jacques Perconte a participé au festival Ritournelles en 2006 à  la boutique, suite à  cette rencontre, Jacques Perconte à  eu l’idée de se servir des boites de chaussures laissées par les clients pour créer une oeuvre. projet :

 » Nous collectons les boites vides depuis une année. Ce mur est avant tout une installation d’art contemporain qui questionne les relations entre public et privé pour manifester quelles positions l’art et la communication peuvent prendre aujourd’hui. La relation entre cette oeuvre in-situ et la galerie dans le contexte actuel a donc fait partie intégrante du projet …  »

[...]

L’exposition de boîtes à  chaussures aura toutefois dà» être interrompue avant la date de fin initialement prévue. C’est en effet la commission de sécurité de la ville de Bordeaux alertée par une âme que l’on pourra qualifier, non sans humour, de charitable qui a attiré son attention sur les risques que faisaient courir aux visiteurs ce mur de boîte en cas d’incendie. Les initiateurs ont donc sagement déconstruit le mur de boîtes, qu’ils ont remplacé jusqu’à  la date initialement fixée par un panneau explicatif.

Au terme de cette opération, plus personne ne pourra plus dire en parlant de la vétusté de la Galerie Bordelaise ‟ je ne savais pas ”. L’ensemble des parties prenantes pourra t il se retrouver autour d’une table pour qu’enfin un plan d’action soit mis en place (fut il imposé), c’est en tout cas ce que l’on peut espérer.

Plus sur la galerie Bordelaise >Bordeaux : la galerie Bordelaise : La belle endormie en péril !

Photos d’amateur de Bernard Tocheport. ( Que je tiens à  remercier pour les soucis d’exactitude des renseignementsqu’il diffuse).
Soldes d’Hiver : Jacques Perconte & Michard Ardillier’s Soldes d’hiver à  Bordeaux, jusqu’au 19 janvier

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Encoder sa déclaration d’amour dans un programme numérique consacré au corps de son aimée, c’est la carte du tendre selon Jacques Perconte.

Jacques Perconte est amoureux. à‡a peut arriver à  tout le monde. Il a pris mille clichés d’Isabelle, sa bien-aimée, depuis leur rencontre en 2003. à‡a non plus, ce n’est pas très original. Ce qui fait la différence, c’est Jacques Perconte lui-même. Photographe passionné d’image numérique, il a tiré de cette rencontre une pièce contemporaine intitulé ‟ I love you ” qui est exposé pour la première fois à  l’artothèque de Pessac. Il s’agit d’un ensemble de photos qui au premier coup d’oeil ressemblent pas mal à  la peinture abstraite américaine d’un Barnett Newman ou d’un Ellsworth Kelly, avec de grandes surface de couleurs saturées et des formes aléatoires. Le fait que les photographies soient tirées sur un support mat, et que de loin elles puissent facilement être confondues avec de la peinture est bien entendu tout sauf un hasard.

Pour le reste, c’est un ensemble qui est dans la continuité du travail de Perconte, lequel a beaucoup photographié le corps en utilisant un appareil numérique et en s’intéressant à  la manière dont la peau, le modelé et les contours ‟ rencontrent les pixels, les trames, les saturations de l’image numérique, les déformations de la projection d’une image sur un écran, ses défauts ”. C’est là  que pour lui résident la sensualité et la magie.

En 2003, un livre de photos vient de lui être commandé par un éditeur. Après l’irruption d’Isabelle dans sa vie, Perconte a décidé d’en faire son sujet unique, renonçant à  l’utilisation de modèles ou de photographies de films. La manière dont la lumière joue sur ce corps et dont le numérique interprète certains détails devient sa préoccupation première. Les impacts, les imperfections liées à  la compression numérique, il les revendique, et il agrandit les images pour que l’on en perçoive la texture. Progressivement, il surajoute des degrés à  son jeu, notamment en clichant la surface d’un écran pour utiliser les déformations de l’image, l’effet de moirage. Il change souvent d’appareil pour obtenir des textures différentes. Le grain de l’image, la saturation des couleurs deviennent le coeur de son expérience plastique : ‟ une matière se crée, l’image s’enrichit ”.

Mais il ne s’arrête pas en si bon chemin. Constatant que le corps d’Isabelle est de plus en plus absent des images numériques qui tendent vers l’abstraction, il crée un site Internet, entre dans son code mathématique, et change une des variables encodées contre la séquence verbale ‟ I love you ”. L’intégrité de la description numérique s’en trouve brisée et les images deviennent de plus en plus aléatoires ; ce sont ces images, dont certaines n’apparaîtront qu’une fois et sont impossibles à  retrouver, qu’a photographié Perconte pour sa pièce ‟ I love you ”. Son procédé lui a déjà  valu le prix du ‟ meilleur faux virus ” aux Rencontres Internationales des arts numériques à  Évry, il a aussi eu une mention au grand prix du Net Art. Mais cela ne lui fait pas oublier Isabelle. Pour lui, ‟ chaque trace, chaque déformation est une trace d’amour latent. ”

Dominique Godfrey pour Sud Ouest : Amoureux des pixels
‟ It’s all about love ” de Jacques Perconte, jusqu’au 17 avril du mardi au samedi de 14 heures à  18 heures, le dimanche de 10 heures à  13 heures et sur rendez-vous, Les arts au mur Artothèque, 16 bis avenue Jean Jaurès, Pessac ; 05 56 46 38 41
It’s all about love / les images au fil du projet sur flickr : it’s all about the history

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Choisir quelques images parmi l’infinité qui compose ‟ I Love You ”, de Jacques Perconte, c’est le pari, la performance ou, au choix, une nouvelle version de l’oeuvre Internet qu’accomplit l’artiste à  Pessac.

[...]

Confronté au réseau Internet, son travail sur le corps se démarque des ‟ galeries photos ” ordinaires, s’inspirant de Roland Barthes : ‟ Vouloir écrire l’amour, c’est affronter le gâchis du langage : cette région d’affolement où le langage est à  la fois trop et trop peu, excessif (…) et pauvre (…). ” Cependant, au lieu de donner raison à  ce monument de l’histoire de la photographie, Perconte confronte amour et langage dans un petit programme informatique où les photographies jouent à  ‟ démontrer le contraire ”. Résultat : l’‟ I Love You ” en ligne est un carré de 10 x 10 photographies sur lesquelles on peut cliquer pour les afficher plein écran. Sauf qu’à  chaque clic, la photographie est effectivement toujours présente, alors que son code hexadécimal subit une légère modification, grâce à  un script qui insère dans le code source de l’image un ‟ I Love You ” rose, entre les successions de chiffres et de lettres noires qui permettent à  l’ordinateur de lire l’image et donc de l’afficher. Le programme peut ainsi ‟ quantifier l’amour contenu dans chaque image ”, explique Jacques Perconte. Depuis novembre 2004, plus de 31 millions (ou pour être précis : 31 549 790 au 21 janvier 2008 à  11h38) déclarations d’amour se sont glissées entre les lignes qui codent les fragments du corps d’Isabelle…

[...]

Présentée en 2005 au New Media Arts Festival de Bangkok, à  la Web Biennal d’Istanbul, primé au Netarts Grandprize de Machida, au Japon, ‟ I Love You ” a déjà  fait le tour du monde dans sa version Internet. Jacques Perconte, pionnier discret du net-art français [...], expose à  Pessac les images-traces de cette quête d’amour dans le code, comme un retour aux sources [...].

pour Poptronics Aude Crispel : Jacques a dit ‟ I Love You ”
It’s all about love / les images au fil du projet sur flickr : it’s all about the history

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L’artiste parisien Jacques Perconte explore l’image à  travers les supports numériques. Une démarche singulière

‟It’s all about love ”, traduisez : ‟ Il ne s’agit que d’amour ” est une exposition de Jacques Perconte présente à  la médiathèque Les Arts au mur jusqu’au 17 avril prochain. Elle rassemble des images issues des séances photos avec Isabelle, l’être aimée.

‟ Une suite d’infinis photographiés. Une collection qui a commencé en 2003 et qui a vu les images s’accumuler par milliers. Quand le temps est venu de procéder à  une sélection, j’ai écrit un programme informatique pour voir ce qui ne se voyait pas assez, pour révéler ce qui dans ces images touchait ce que je cherchais. Ainsi, les images se sont démultipliées ”, explique Jacques Perconte.

Puis, il poursuit : ‟ Ma démarche comprend trois étapes : tout d’abord, j’ai commencé en photo numérique avec la recherche de couleurs en exploitant le plus possible les défauts visibles. Pour moi, il s’agissait de trouver le lien qui existe entre la chair et la matière. Raconter l’histoire qui existe entre l’image et son support.

Ensuite, j’ai voulu trouver une autre matérialité. J’ai photographié l’écran de l’ordinateur pour capturer une image nouvelle.

Enfin, j’ai voulu raconter la quantité d’amour qu’il y avait dans une image. J’ai conçu une machine à  fabriquer des images. ”

Au plus près de la peau de son aimée, il a pris de nombreux clichés pour quantifier la quantité d’amour qui réside dans une image. Pour cela, il a créé une oeuvre sur Internet nommée ‟ I love you ”. À la suite de l’installation d’un programme spécifique appelé ‟ Love writing program ”, l’image est altérée (pixellisation, déformation, nouvelles couleurs, disparition). Cette méthode absurde d’écriture littérale de l’amour dans l’image, dans le code, donne à  voir une nouvelle collection d’images plus ou moins empreintes d’amour. Plus d’amour, moins de représentation.

Roland Barthes disait : ‟ Vouloir écrire l’amour, c’est affronter le gâchis du langage. ”

‟ J’aimerais bien que ces photographies démontrent le contraire… ”, assure Jacques Perconte.

Artothèque les Arts au mur, 16 bis, avenue Jean-Jaurès à  Pessac. Renseignements au 05 56 46 38 41.

Gironde CUB Rive gauche, lundi, 21 janvier 2008, p. 10 / PESSAC
ill: Jacques Perconte explique sa recherche et sa démarche photo m. S.-L.
© 2008 Sud Ouest. Tous droits réservés.

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Jusqu’au lundi 14 avril, l’artothèque de Pessac invite Jacques Perconte. L’exposition It’s all about love correspond à  l’accrochage d’images numériques donnant à voirdes parcelles du corps d’Isabelle, l’être aimé. Un travail obsessionnel, boulimique, gigantesque, démarré en 2003 autour d’un projet éditorial intitulé 38 degrés. Aujourd’hui, l’artiste dispose d’une oeuvre-collection constituée d’une dizaine de milliers d’images. Choisir quelques idées parmi des milliers d’images…

« Cela peut paraître impossible. Mais finalement. c’est quelque chose de facile. De peur de ne pas avoir été jusqu’au bout, je ne cesse de continuer à  fabriquer de nouvelles images pour mon livre 38degrés. La source semble intarissable. Mais quand il s’agit comme là  de faire une sélection d’images, on pourrait croire que c’est un exercice délicat. Il y a peut-être plus de 10 000 images en tout. Quelle méthode pour choisir ? Aucune. le survole. Je regarde, je prends du temps avec toutes les images. C’est certain que je ne les vois peut-être pas toutes. Certaines s’échappent. Or. c’est justement ça l’idée : celles qui surgissent, celles qui restent ; c’est comme ça que se fait le choix. Le choix est naturel. Et surtout, je fais attention à  ne pas trop réfléchir. En tout cas, dans un premier temps. Parce que c’est quand le doute s’installe que tout devient difficile. le fais des collections. Et, petit à  petit, je choisis celles qui finiront par être imprimées… »

Photographie, vidéo, création interactive, écriture, Jacques Perconte mène depuis plusieurs années un travail explorant l’image à  travers les supports numériques. It’s all about love met à  l’épreuve les sentiments de l’artiste pour Isabelle en confrontant des fragments de corps photographiés, des couleurs et des formes, à  la trame des images digitales, leurs saturations, aux pixels, aux déformations d’une projection sur écran. L’exposition rassemble trois étapes d’un processus d’altération de l’image. La première réunit un ensemble directement issu des séances avec Isabelle, la seconde, des clichés re-photographiées et enfin des I love you numériques, altérés par la création d’un programme qui, à  chaque fois qu’une photographie est convoquée sur un écran d’ordinateur, remplace une variable du code source de cette image par l’encodage du texte I love you. Chaque consultation entraine une modification. Plus le slogan est encodé, plus l’image est défigurée. Si la répétition à  l’infini de ces mots pourrait en épuiser le sens, l’éloignement des images de la représentation fonctionne comme une métaphore sur l’alchimie abstraite des sentiments. La somme de ces reproductions très stylisées – des plus réalistes aux plus abstraites produit une sorte de débordement visuel et charnel, de suintement des couleurs et des formes, dessinant une géographie du corps, fidèle autant qu’infidèle et donnant une oeuvre totale. envahissante, entre beauté et folie.

Spirit n°37 / janvier 2008 : L’oeil en faim
: A la folie par C.B. & C.V
It’s all about love / les images au fil du projet sur flickr

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Je ne sais pas comment mais l’exposition It’s all about love s’est retrouvée annoncée sur le site magazine de fujifilm. Ils font le focus sur quelques expositions pour encadrer les news concernant leur matériel. C’est assez amusant qu’ils aient consacré quelques lignes et annoncé l’évènement parce que c’est vraiment la marque que j’utilise le moins, voire que je n’ai même pas utilisée sur ce travail. En passant en revue : Kodak, Canon, Sony, Nikon, Olympus sont passés dans mes mains mais pas fuji.

« Issue d’une suite de milliers de photos réinterprétées via l’informatique, cette exposition révèle une forme de parcours amoureux. »

Merci.

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Non, la Galerie bordelaise et le chausseur Michard Ardiller ne soldent pas toutes leurs godasses. Mais c’est effectivement en grande pompe qu’un joli mur de boîtes a été dressé en travers du passage commercial, la semaine dernière. Une oeuvre de l’artiste Jacques Perconte, qui suscite quand même pas mal d’interrogations et de supputations, à  l’image des oeuvres contemporaines.
…

Metro : La Galerie bordelaise mise en boîtes par Eric Becquet

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‟ Soldes d’hiver ”. Tel est le titre du mur de boîtes à  chaussures qui bloque depuis lundi matin le passage dans la Galerie bordelaise. Cette installation, signée de l’artiste plasticien Jacques Perconte, a été commandée par Pierre Pascal Michard, propriétaire d’un magasin de chaussures au sein de ce passage.

Economie : Oui au déstockage, mais pas à  tout prix / Les soldes arrivent après des Fêtes qui ont majoritairement satisfait les commerçants bordelais. Par Sophie d’Ambra.

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Préparation des soldes : début des soldes d’hiver demain. dans les boutiques on est dans les starting block avant le grand rush.

Le mur a du arriver dans les rédactions ce matin comme un sujet idéal pour l’avant soldes. Je me demande ce que cela sera demain, le premier jour des soldes. Est-ce que l’article de Sud-ouest est le déclencheur ou et-ce simplement le bouche-à -oreille qui a porté le mot ?
M6 est le dernier media que j’ai vu aujourd’hui, je repars à  Paris. Le journaliste est arrivé seul avec ses valises de matériel. Il m’a interviewé du côté de la rue des Piliers de tutelle, je voulais changer un peu, qu’on reconnaisse le mur mais qu’on voit bien que les deux faces sont différentes.
J’ai parlé de la partie artistique, ensuite c’est Colas Michard qui a été interviewé pour revenir sur la partie patrimoine : on ne voit que le mur… mais on voit assez vite l’état de cette galerie…
Le journaliste a tourné pas mal de plans autour du mur… Ce n’est pas forcément quelque chose facile à  filmer surtout si l’on veut que cela bouge….
C’est le meilleur sujet qui est passé dans les medias pour le moment.

M6, 6 minutes : Soldes d’hiver, 8 janvier 2008 / Copyright M6/M6web 2006

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La journaliste de tv7 a croisé l’équipe de 20 minutes. Cette chaine locale a un ton assez particulier. Les questions sont vraiment restées en surface. Il n’a pas été question de ce qui pouvait être sous-tendu par ce mur… Pour le ton, la journaliste î très sympathique î essayait de tourner un peu à  la rigolade les choses. De la sorte que le jeu de question réponses devenait réellement un jeu. Mais du coup, on ne peut pas dire grand-chose d’autre que ce qui est purement informatif ou ce qui est évident…

Mais finalement le petit reportage est amusant. Même pas mal. Évidement la caméra bouge un peu. Mais il y a une bonne énergie qui se dégage de ces quelques minutes. Je ne pensais pas qu’ils laisseraient passer la colère de Pierre-Pascal Michard qui a carrément pris à  partie Mr Alain Juppé su les questions de rénovation de la galerie… Mais comme M6 et contrairement à  Sud-ouest, le mur ne passe pas à  la trappe. Cela reste une oeuvre…
Mais ils ont réussi à  mal orthographier mon nom… incroyable quand même…

Le journal du 8 janvier, présenté par Bastien Lauqué, TV7 BORDEAUX – 73, Avenue Thiers – 33100 Bordeaux

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Une interview pour la radio.. Ma première impression c’est que j’ai eu le temps de discuter avec la journaliste. Elle suit ma voix du micro, je pouvais regarder où je voulais et c’est bien plus facile que pour la télévision …

Nous n’avons pas encore mis à  ce jour la main sur un enregistrement de cette interview. J’ai oublié de demander à  la journaliste quand cela allait passer. J’espère qu’on trouvera, je crois que c’était assez bien.

Jacques Perconte & Michard Ardillier’s Soldes d’hiver à  Bordeaux, jusqu’au 19 janvier……
Photographie colas Michard.

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Impossible de le manquer. Au beau milieu de la Galerie bordelaise, il se dresse fièrement depuis hier. Haut de plusieurs mètres, le mur de boîtes à  chaussures bloque le passage et bouche la vue aux chalands habitués à  venir faire quelques emplettes ou pressés de couper par ce raccourci reliant les rues Sainte-Catherine et Piliers-de-Tutelle.
‟ Nous avons monté cette oeuvre ce week-end à  la faveur de la fermeture de la galerie au public, explique Jacques Perconte. L’artiste, déjà  intervenu l’an dernier lors du festival Ritournelle, a eu l’idée de ce happening, en visitant les stocks du magasin Michard Ardillier.
‟ Lorsque je suis tombé sur toutes ces boîtes abandonnées par les clients, je me suis dit qu’il fallait en faire quelque chose. L’idée m’est venue plus tard d’entreprendre une oeuvre monumentale. ” De fil en aiguille, le projet prend forme avec l’appui de Pierre Pascal Michard. [...]

Jean-Michel Petaux, sud-ouest du mardi 8 janvier 2008 / Copyright Sud Ouest 2008

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Ouvrir peu à  peu le corps de l’image selon un parcours de l’extérieur des corps jusqu’aux peaux internes pour découvrir ce que cache la peau écranique, ce qu’enveloppe cet épiderme pour dévoiler les tissus intérieurs, les chairs numériques. Une fente s’ouvre dans le corps de l’image virtuelle pour la dévoiler et la faire devenir objet de sensualité et de sollicitation des sens. La couleur vient ici faire écran au sens où le terme ‟ couleur ” renvoie à  la notion de ‟ couleur-écran ” dans son acception la plus ancienne. En effet, chroa ou chroia, avant de désigner la couleur, désigne originellement la peau. Chromata se rapporte à  la surface des corps, à  la carnation. Ainsi, des effets de grains se répondent entre le pigment pictural, le pixel écranique et le pigment de la peau qu’il soit représenté ou numérisé. Mais alors comment les arts visuels s’emparent-ils aujourd’hui de cette peau chromatique à  travers l’image du corps?

‟ C’est que l’épaisseur de chair entre le voyant et la chose est constitutive de sa visibilité à  elle comme de sa corporéité à  lui; ce n’est pas un obstacle entre lui et elle, c’est leur moyen de communication. (…) La chair n’est pas matière, n’est pas esprit, n’est pas substance. Il faudrait, pour la désigner, le vieux terme d’élément. ”

Maurice Merleau-Ponty, Le visible et l’invisible, Gallimard, Paris, 1964, p. 176.

Cette chair-élément est le médium de la perception tactile permettant les échanges entre le tangible et le visible. Dans la phénoménologie de Merleau-Ponty, la chair n’est pas seulement la substance d’un corps, mais l’élément qui fonde la dimension même du sensible. Pénétrer les strates du visible et du visuel, de la surface vers les profondeurs de l’image, du macroscopique vers le microscopique, pour goà»ter à  la vie intime des éléments dans une micro-analyse ou chirurgie de l’image, dans ce désir de gratter le vernis des peaux visuelles afin d’aller jusqu’au coeur analytique des choses. C’est ainsi que notre réflexion se construit, s’attachant à  la fois à  l’image de la chair en tant que représentation visuelle et artistique du corps humain, mais aussi au corps de l’image, et ce, plus précisément au sein du médium numérique qui permet de multiples retouches d’une image réelle. Les images issues des nouveaux médias se nourrissent de l’humain, de la chair entre l’organique et le numérique au sens où les pixels, les éléments premiers à  l’origine de l’image numérique sont pris en compte tout en soulevant l’idée d’une chair numérique comme épiderme et derme de l’image. Des liens se tissent alors entre l’intérieur du corpsîsubstance et l’extérieur du corps-objet et de façon plus large, à  mi-chemin entre le visible et l’invisible.

En situant notre analyse plastique entre l’organique et le numérique, positionnons-nous sur le fil d’un entre-deux, entre surface et profondeur, entre l’extérieur, la peau et l’intérieur, l’inconnu comme possible virtuel. Le concept même de peau ne cesse d’hésiter entre le tégument, ce qui recouvre, et le derme, le sous-cutané issu des couches profondes de la peau. Dans sa terminologie même, la chair se dote de plusieurs sens. Cette exploration plastique de la chair subit un impossible départage entre la surface des chairs et leur dessous : chair de l’écran et chair du corps, peaux numériques et peaux organiques. La chair du dedans évoque une animation intérieure. Cet aspect cellulaire et vivant rejoint la dimension numérique et pulsationnelle des bits et des pixels contenue dans la matrice mathématique d’un ordinateur. Cette substance numérique quasi organique intéresse les artistes, car elle symbolise la véritable matrice charnelle qui figure un état primitif de l’image, un état de celle-ci avant sa réalisation en tant qu’apparence. Mais cette chair numérique se nourrit d’un paradoxe. Alors, comment faire naître du corporel, de l’organique à  partir du numérique? Qu’est-ce qui est d’essence organique dans une oeuvre numérique? Devient-il possible d’exprimer la sensualité du corps, cette chair sensible au creux des nouvelles images plutôt lisses et parfaites à  priori? Dans ce parcours au travers des différentes couches superposées de l’image, le fait de s’infiltrer et de percer les secrets de son processus de création nous permet de comprendre comment l’image peut-elle à  la fois, se faire chair et représentation de la chair.

L’organique de l’image numérique

La définition technologique d’une image numérique incite à  découvrir ce que cache la peau extérieure de l’image pour mieux percevoir cette notion d’organique. Dès lors, explorons la morphogenèse de l’image numérique. Depuis quelques années, il existe de nouvelles formes d’images. Si parler de l’image, c’est aussi traiter de la représentation, c’est avant tout dans la relation au réel qu’entretiennent les nouveaux traitements numériques de ces images. Dans le domaine des arts plastiques, l’image peut se définir comme un tout composé de formes et de couleurs en un certain ordre assemblées. De même, dans les arts visuels, l’image numérique reste une image composée d’un certain nombre d’éléments discontinus et déterminés numériquement totalement maîtrisables. Depuis le 19e siècle, artistes et techniciens se sont engagés à  la recherche et à  la conquête du plus petit élément constituant de l’image, de même que les scientifiques avec l’atome et l’ADN cherchaient à  reconstituer le processus du vivant. Dans les réseaux de l’ordinateur, des milliers de fils et de cellules se tissent entre eux, à  l’instar de tissus vivants organiques animés par des flux sanguins. Le flux des informations contenues dans les algorithmes va permettre à  l’image de s’accomplir et de s’afficher sur l’écran.

Le pixel ou picture element est le plus petit composant de l’image, il est difficilement perceptible. Ordonné par des coordonnées spatiales et chromatiques, chaque pixel est issu d’un calcul. Il appartient à  la fois à  la matrice numérique virtuelle et à  la face visible et sensible de l’image. Le pixel doit son existence à  un triplet de lumières colorées appelées luminophores auxquels correspondent trois éléments phosphorescents rouge, vert et bleu. Lorsque ces trois luminophores sont activés, ils permettent la composition de millions de nuances selon le principe de la synthèse additive des couleurs. La texture de l’image et la forme des pixels vont dépendre des écrans de visualisation choisis. L’affichage des couleurs sur un écran se fait donc en mode RVB, ce qui peut se percevoir dans des images très fortement agrandies. Les pixels subtilement visibles renferment les potentialités de l’image, ils incarnent les particules élémentaires dont sera faite la chair de l’image. Ces points infimes agissent comme des entités revigorées par la lumière qui appartiennent à  un tout beaucoup plus vaste formant l’image. Symbolisant l’élément géniteur de la couleur tel un grain de lumière, le pixel simule la vie à  l’image. Assimilé à  une cellule de l’organisme, il contient dans son noyau, les germes du génotype qui commande à  la constitution de ce tout-image. Tel un échantillon, ce grain de lumière s’apprête à  se reproduire pour se répandre à  la surface de l’écran.

De fait, avec l’ordinateur, l’image rompt définitivement avec son passé pour changer radicalement de nature, quittant l’ordre de la représentation pour entrer dans celui de la simulation. Elle n’est plus témoin de ‟ ce qui a été ”, elle ne matérialise plus un apparaître immédiat comme nous l’a démontré Roland Barthes pour la photographie analogique, mais l’image numérique renvoie vers une infinité de possibles. L’artiste peut ainsi expérimenter un éventail riche de paradoxes et d’ambiguà¯tés dans sa démarche créatrice. L’image devient alors le terrain fertile à  toutes les alternatives plastiques. Le corps peut alors subir des trucages charnels et des hybridations qui bouleversent les normes habituelles entre le réel et l’imaginaire. Le discours plasticien se déplace alors vers cette nouvelle esthétique de l’image qui pour certains, cristallise une image nette et lisse d’une perfection extrême et pour d’autres, une image rugueuse et sensitive. Il est important de constater que l’image plastique de la chair se retrouve mise en valeur dans sa chair même, au sein de la photographie numérique. De la sorte, après avoir dévoilé les dessous de l’image numérique, il s’ensuit une étude plastique des représentations humaines qui apparaissent à  l’orée de l’image et à  l’extérieur des corps.

[...]

L’artiste Jacques Perconte approche visuellement le corps de sa compagne afin de la photographier dans ses parties les plus intimes jusqu’à  l’abstraction et la sublimation de l’être aimé. Les pigments de la peau et les pixels tendent alors à  se confondre. Dans sa création intitulée 38 degrés, il offre la peau comme écran. Le grain de peau envahit l’image, qui est redoublée par les effets granulaires des pixels grossis. La chair est ici à  son état pur entre l’organique et le numérique. Le processus numérique est visible.Ses photographies numériques ont la particularité de ne pas être retouchées, ce sont des photographies de photographies. Les photographies obtenues depuis un appareil photo numérique sont déplacées et explorées via différents supports de visualisation (moniteur d’ordinateur, écran de téléviseur à  cristaux liquides, etc.) Les supports d’émission de l’image étant de qualités différentes, l’image se dote d’une texture et d’un poids particuliers que l’artiste photographie à  nouveau. L’image originale de départ se retrouve enrichie en matières et en textures visuelles. Il y a une superposition des différentes strates de l’image qui confère à  l’image finale une certaine profondeur. Les corpuscules colorés ou pixels normalement impalpables, redoublent le message de l’artiste qui explore le corps humain dans une approche très sensuelle et intimiste au plus près de la peau et de sa température 38 degrés. Ce qui pourrait apparaître comme une défaillance technique devient ici une richesse, une valeur ajoutée. Le corps se retrouve sublimé à  l’image, en un paysage doux et coloré qui appelle le toucher et les plaisirs de la chair. Perconte approche la chair numérique comme une matière sensible et sensuelle dont il fait valoir le grain numérique, la trame, les failles. Ayant subie différents passages d’un média à  l’autre, l’image du corps résultant de 38 degrés n’est pas lisse et nette. Elle ne rejoint pas la réalité des codes esthétiques sociaux soulevée par les oeuvres explorées précédemment.

Mais Jacques Perconte va encore plus loin dans cette perception de la chair écranique. La série de 38 degrés se poursuit dans sa création intitulée i love you selon un processus d’évolution interactive mis à  l’oeuvre sur le réseau internet. I love you est un travail sur le code informatique de l’image. Au départ, l’artiste propose à  l’internaute des images originales de 38 degrés, représentant artistiquement le corps de la femme aimée. Une application logicielle ouvre à  chaque fois l’image et en décode la source pour y chercher une variable qui est calculée selon certains paramètres. Si cette variable est présente dans le code de l’image, elle est remplacée par l’expression ‟ i love you ”. La configuration du code source de l’image est ainsi déformée. Son modèle ainsi exposé engendre une image nouvelle dont les caractéristiques mêlent la sensualité du corps et celle du support de visualisation plus technologique. L’image est transformée par ce code qui peut aller jusqu’à  l’anéantir totalement avec l’apparition d’artefacts tels que la pixellisation, le crénelage, la réinterprétation partielle ou totale de l’image. Plus ce message d’amour est présent dans le code, moins les images sont visibles, plus elles s’évaporent jusqu’à  devenir imperceptibles pour laisser voir la véritable chair numérique en dévoilant son origine matricielle dans ses dérèglements informatiques. La plupart des images quoique matériellement planes et sans épaisseur, suggèrent des impressions liées au toucher comme l’épaisseur, la densité, la fluidité, la granulosité, etc. Le regard palpe et caresse cette peau visuelle. Le traitement numérique épaissit alors l’image d’une dimension tactile. Le spectateur peut s’immiscer dans les interstices d’une réalité composite mi-image, mi-substance. La texture écranique déstabilise et crée une sorte de passage vers un espace pictural. Après avoir exploré cette facette sensuelle et numérique de la chair à  l’image, il est temps de s’immerger dans tous les états de chair, dans tous les sens du terme, entre le numérique, l’organique et le plastique.

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Cette chair plastique à  l’image attire et agit comme frontière, comme pellicule de peau que l’on effleure des yeux. Et la tentation de la chair se fait sentir vers la transgression qui nous pousse à  pénétrer les couches de ses multiples sens pour s’enfoncer plus loin. Cette caresse visuelle des peaux virtuelles et impalpables ajoute une sorte d’érotisme à  l’image. La chair alimente et entretient notre imaginaire. L’image numérique qui retravaille la chair dans son acception la plus large, ouvre une voie vers l’inconnu de l’ordre du sublime qui fascine et répugne à  la fois. Toutes ces expérimentations plastiques mènent une réflexion sur le visible. Cette voie de la perception rejoint la théorie de la chair propre à  Merleau-Ponty. La chair forme ainsi le lieu où s’entrelacent le corps voyant et le corps visible. Du même tissu et de la même chair que le monde de la vie, nous pénétrons dans la chair du monde qui réciproquement nous pénètre. Il existe un va-et-vient entre notre chair et la chair du monde, dans cette relation en ‟ chiasme ” qui relie et inverse l’âme et le corps, le dedans et le dehors.

Dans leur hétérogénéité, ces images de la chair bouchée, liftée, pixellisée, disséquée ou liquéfiée ont toutes la capacité d’ouvrir sur le monde de nouvelles perspectives pour nous apprendre à  mieux nous connaître. Mais notre réflexion repose aussi sur des concepts propres aux problématiques actuelles liées aux nouvelles technologies. Dans son livre intitulé Images. De l’optique au numérique, Edmond Couchot voit dans ce passage une véritable mutation, car les techniques de l’image portent en elle une nouvelle vision du monde.  Les images lisses et glaciales d’Aziz et Cucher et de Tran Ba Vang dénoncent un avenir aseptisé sous un culte extrême de la perfection tandis que celles de Perconte ou de Cirotteau créent un univers plus sensuel et physique. Mais quitter l’épaisseur de son corps serait quitter la chair du monde, oublier le goà»t des choses. Alors, allons-nous échapper à  notre corps, à  ce tas organique que nous sommes ? Le corps est un brouillon que le monde occidental veut transformer voire même ‟ liquider ”. La fusion entre le numérique et l’organique évacuerait un monde virtuel sans rugosités et sans chair, amputé de la saveur du monde. Entre l’organique et le numérique, la notion de chair reste en mutation au coeur des nouvelles images, mais nous interroge en retour sur la société dans laquelle nous évoluons.

Il est évident de constater que le terme ‟ image” (latin imaginem, imago) se définit, dans son acception la plus large, comme une représentation graphique, picturale ou sculpturale, comme représentation par la pensée, reproduction visuelle d’un objet réel, représentations mentales produites par l’esprit ou l’imagination, en rêve ou éveillé. La notion d’image est chargée d’un sens très large, évoquant toute représentation sensible, fixée, palpable, liée définitivement à  son support, puis soumise à  des influences extérieures.

RVB : système de représentation additive des couleurs à  partir du rouge, vert et bleu, normalisé par la Commission Internationale de l’Eclairage.

Roland Barthes, La chambre claire : notes sur la photographie, Gallimard/Le Seuil, Paris, 1980.

Jacques Perconte est artiste plasticien. Il travaille autour des supports numériques depuis 1995. Son site < http://www.technart.net> présente ses différents projets comme 38 degrés.

I love you est consultable sur le site < http://iloveyou.38degres.net/>

David Le Breton, L’Adieu au corps, Métailié, Paris, 1999.

Sandrine Maurial, La chair entre l’organique et le numérique, décembre 2007, revue archée

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Lieu dit c’est quoi ? Lieu dit c’est qui ? Si on était ailleurs que sur Lieu dit (sur le réseau, donc), on parlerait de friche artistique. Ce serait monstrueusement tendance, on pourrait y voir quelques huiles de la DAP affalées dans des canapés de récup. Seulement voilà , on est en ligne, pas facile de poser sa bière sur le rebord du jpeg. On est au siècle dernier, en l’an de grâce 1998, en pleine e-bullition, et on assiste à  la création intempestive d’une URL qui pourrait apparaître comme le premier serveur collectif de net-artistes en France. Collectif ? Peut-être… Dans le désordre, Annie Abrahams, Jacques Perconte, Antoine Moreau, Yann Le Guennec, Pierre Cuvelier, Sylvie ( ?), KRN Dermineur, Eric Maillet, Jean-Philippe Halgand, Nicolas Frespech, CTGR ; ils balancent des fichiers, créent des projets (il faudra un jour se pencher sur cette floraison de « projets » – artistiques, économiques, personnels… – dans une société qui ne semble plus en avoir), testent le gif comme ci, le formulaire comme ça, le tout dans un joyeux bordel. Une « friche » (sans les fameuses huiles de la DAP…). Après quelques années de fastueuses parties d’upload, le lieu est laissé à  l’abandon. Nom de domaine en rade. Des petits morceaux de lieu(x) dit(s) à  droite à  gauche, mais plus de lieu dit singulier point org. Jusqu’à  ce qu’Annie Abrahams lance l’idée, il y a quelques semaines, de réhéberger les archives. Prise de bec par mails interposés : faire de la conservation d’archives, pourquoi ? La mémoire, peut-être. Discussions par mailing list, et Jacques Perconte qui prend finalement lieu dit par les cornes, redépose sauvagement le domaine, et réhéberge ce qui pouvait l’être, en donnant les codes d’accès à  ceux des artistes qui voudraient modifier, voire retirer certains fichiers. « Je ne suis pas pour remettre en ligne une épave de baleine. Pour moi, Moby Dick doit rester un mythe » dixit CTGR dont le répertoire ne comporte plus que cette sobre ligne. Peut-être justement de quoi aviver le mythe. Palimpsestes numériques, zones d’autonomies intempestives, ateliers en ligne… l’expérience du labyrinthe Lieu dit, de ses clics dans le vide : une belle façon de s’interroger sur la mémoire du réseau…

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par Joachim Desarménien, pingn°8, Frac Aquitaine

En vrac [les liens ne sont plus à  jour pour la plupart mais il devrait y avoir des articles sur le blog concernant chaque projet...] : le printemps de poètes : performance de jacques perconte. Chi Ocsha (1999, 2004) http://www.ocsha.com (http://chi.ocsha.com) î http://www.technart.net/llll._ tempo e pause, Ordinary Madness (2001) http://www.technart.net/+/tempo.e.pause/ 44 stereo landscape (musique : Marc Em) (2002)
http://incident.net/hors/landscape/44/content.html#__44/s_stereo_landscape_+_tv_+_tralala_+_danz Les Mortels (2001) http://www.technart.net/+/les_mortels/ faces (2001) http://www.technart.net/++/faces/ Pi (numbers) (1999) http://www.technart.net/++++/pi Gestes (2001) http://www.technart.net/=/gestes/ Ellipses (2002) http://www.opsound.org/opsound/pool/perconte.html Didier Arnaudet/Jacques Perconte (2003,2004) http://www.technart.net/=/oo Für Eine Handvoll €uro (Web only version) (2003) http://www.various-euro.com/framez-rez.html 35h (2003) http://www.arsonore.net/35h/submit/tech/35×35.html

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[...] A repérer absolument, l’impertinente variation d’Arsonore autour du thème des 35 heures, comme une création collective à  ce ‟bon sens” qui voudrait revenir à  la valeur travail. Arsonore, plate-forme de diffusion résolument nouveaux médias à  l’esthétique minimaliste très réussie, propose l’agenda d’un ‟travailleur moyen”. Chaque ligne (‟pot de départ”, ‟photocopie”, ‟heures supp.”), est une pièce multimédia signée AnDre, Cécile Babiole ou Emilie Pitoiset. Du son ‟comme mesure de notre sensibilité face au monde phénoménal tout entier”, disent Andre et Sumoto. iki, les deux fondateurs d’Arsonore.

Annick Rivoire, Libération, no. 7000, Papy Schaeffer superstar, p. 10

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Je prends la chaise de Louise Bourgeois ? La série de Sophie Calle sur le Bronx ? L’éléphant de Miguel Barcelo ? Ces hésitations gourmandes seront dès aujourd’hui celles de tout amateur d’art contemporain, même peu fortuné, qui prendra le chemin de l’artothèque de Pessac.

Après deux années de gestation accompagnée avec constance par la ville de Pessac, l’association Les Arts aux murs ouvre au prêt un catalogue de 70 oeuvres. Presque aussi accessibles qu’un livre dans une bibliothèque. Ce samedi, dimanche, lundi et mardi, Anne Peltriaux et Corinne Veyssière, les deux fondatrices de ce projet unique dans l’agglomération, attendront les premiers emprunteurs de 14 h 30 à  19 heures.

‟ La collection a été constituée avec le souci d’avoir un fonds représentatif des quarante dernières années et des principaux courants de l’art contemporain et de la création actuelle, en se limitant essentiellement à  des suppports graphiques ”, explique Anne Peltriaux. Il y a là  des oeuvres uniques, des estampes de création originale et des photographies. La liste des signatures illustre l’intention. Outre les trois premiers cités, on y trouve Jean- Michel Alberola, Pierre Alechinsky, François Morellet, Philippe Favier, Georges Rousse, Ernest-Pignon Ernest ou Gérard Garouste, pour ne citer que quelques noms célèbres. Zhang Xiaogang a la charge de représenter la Chine, Kenji Yanobe le Japon. Mais l’ensemble de la collection, acquise pour l’essentiel auprès de galeristes parisiens, est plutôt européenne. Antonio Saura traduit ainsi avec Barcelo une tonalité ibérique où figurent Jaume Plenza ou José Maria Sicilia. Des stars et des découvertes. Des Girondins aussi. Le comité de sélection des oeuvres a retenu plusieurs artistes girondins : Didier Bessières et Xavier Rèche parmi les oeuvres uniques à  côté de Buraglio et Claude Viallat. Chez les photographes, Cédric Couturier et ses corps recomposés, Gaà«lle Deleflie et ses piscines, Jacques Perconte (un Pessacais) et ses numérisations abstraites voisinent avec Patrick Toth et Isabelle Kraiser, mais aussi Tina Mérandon ou Mark Ruwedel.

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Gilles Guitton : De l’art sur vos murs
Sud Ouest, samedi, 18 octobre 2003, p. 25
© 2003 Sud Ouest

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La création prend la clé des champs et s’offre un parcours hybride à  travers le département de la Dordogne. Huit plasticiens d’horizons géographiques et artistiques divers se partagent quatre espaces d’exposition. Cette sorte de ‟jeu de l’art” mène le flâneur de Périgueux – avec les peintures de Marie-Christine Gayffier et Françoise Petrovitch – à  Sarlat, où Didier Dessus expose en solo. A Saint-Médard-d’Excideuil, il découvrira les installations de Laurent Besse et Pierre Petit, tous deux bordelais. A Ribérac, l’attendent les vidéos interactives de Jacques Perconte, les Anamorphoses de Jérôme François et une réflexion sur la ‟mise à  mort par l’image”, proposée par Luna, une artiste du cru.

l’express Magazine n° 2625 / p. 44 Région Guide

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David Kushner  03.19.99

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Accélérateur de particules, caméra 3D, informatique, chimie… Tous les moyens sont bons pour faire parler monuments et oeuvres d’art

On croyait tout savoir sur le fameux Scribe égyptien du musée du Louvre. On se trompait. Trônant au centre de la salle XXI des antiquités égyptiennes, assis en tailleur au milieu des statues de pharaons et de princesses, le Scribe regarde intensément son interlocuteur. Pour percer le secret de ce regard, toutes les technologies du Laboratoire de recherche des musées de France (LRMF) ont été mobilisées. Les chercheurs ont découvert que les artistes d’il y a quatre mille ans connaissaient parfaitement la physiologie du globe oculaire et la manière de la copier. La technique moderne au service du passé, c’est la nouvelle folie des musées. Partout, les scientifiques scrutent – avec des appareils conçus pour d’autres types de recherches – les tableaux, les sites archéologiques et les objets anciens. ‟Pour mieux les identifier, les comprendre et, finalement, les restaurer”, explique Jean-Pierre Mohen, directeur du LRMF.

Outil vedette de ce laboratoire situé dans les sous-sols du Louvre: Aglae, l’accélérateur de particules qui a permis d’identifier la nature et les composants exacts des yeux énigmatiques du Scribe. Le blanc de l’oeil est en magnésite claire, légèrement veinée de rouge; la cornée est faite de cristal de roche très pur; la coloration de l’iris a été obtenue par application d’une couche de résine derrière le cristal. Pour le trait noir qui maquille l’oeil, le sculpteur a utilisé un filament de cuivre; pour la pupille, il a effectué une minuscule perforation. Mieux, la cornée est convexe, comme celle de notre oeil; l’iris est à  peine strié pour mieux absorber la lumière. D’autres statues ont été passées au crible des protons. Par exemple, celle de la déesse Ishtar, façonnée dans un bloc d’albâtre au temps de la gloire de Babylone. Surprise: ses yeux et le grain rouge qui décore son nombril, qu’on croyait en vulgaire verre teinté, sont taillés dans des rubis originaires d’une mine de Birmanie.

Le LRMF travaille déjà  avec d’autres instituts, comme le Centre pour la conservation des documents graphiques, celui chargé des monuments historiques et toute une série de départements du CNRS, ainsi qu’avec leurs homologues en Europe et en Amérique. L’industrie se passionne à  son tour pour ces recher-ches. Du 16 au 19 septembre, le colloque sur ‟la couleur, art et chimie” réunissait au Louvre historiens d’art, conservateurs et chimistes du monde entier. Ce sont ces derniers qui ont découvert les secrets de la fabrication du bleu égyptien, cette première couleur artificielle composée de calcaire, de sable, de cuivre et de natron, chauffés à  près de 1 000 degrés. Ce sont aussi les chimistes qui, alliés aux physiciens, ont justifié la restauration audacieuse des Noces de Cana, l’immense tableau de Véronèse. Et permis au Louvre de restituer à  l’intendant, l’un des personnages de la scène, son manteau vert d’origine, caché sous une couche de rouge.

Cette année, IBM, le géant de l’informatique, a décidé de confronter ses technologies les plus avancées à  l’oeuvre d’un autre géant, Michel-Ange. Vers 1545, le génial architecte, peintre et sculpteur italien, devenu vieux, façonne une Pietà  étonnante qu’il destine à  son propre tombeau. Marie Madeleine et Nicodème soutiennent un Christ presque plié en deux. Le bas du corps du crucifié est posé sur les genoux de la Vierge.

Un groupe étrange, car la jambe gauche du Christ est absente: le maître, saisi d’une crise de colère, a fracassé son oeuvre, brisant les bras et les jambes des différents personnages, et peut-être le visage de Marie Madeleine. Un élève besogneux, Calcagni, a tenté de recoller (voire de reconstruire) les morceaux cassés, si bien qu’on ne sait pas vraiment ce qui est de Michel-Ange lui-même et ce qui vient de son disciple. Pour la première fois, un historien d’art, l’Américain Jack Wasserman, va disposer des outils qui permettront de résoudre cette énigme. Dans son Centre de recherche sur les technologies visuelles et le calcul géométrique, IBM a mis au point Virtuoso, une caméra spéciale, destinée à  l’origine aux chirurgiens esthétiques, qui peut restituer la réalité en trois dimensions. Des dizaines de milliers de photos de la Pietà  ont été prises, sous tous les angles et tous les éclairages possibles. Ces clichés, traités par les puissants ordinateurs d’IBM, ont été rassemblés numériquement pour recréer, sur écran, une représentation en 3D. Que l’on peut manipuler pour retrouver les cassures décidées par Michel-Ange, éliminer les ajouts de Calcagni, créer d’autres bras et jambes ou remodeler sur écran le visage de Marie Madeleine. Wasserman espère ainsi retrouver l’aspect original de l’oeuvre et comprendre pourquoi le maître a voulu détruire une de ses dernières sculptures. L’initiative d’IBM est spectaculaire, elle n’est pas unique. Aujourd’hui, l’usage de l’image virtuelle se généralise dans les labos.

A l’université Michel-de-Montaigne, dans le cadre du Centre Ausonius, Robert Vergnieux, ingénieur de recherche au CNRS, auteur d’une thèse qui retrace, en 3D, les travaux d’Akhenaton dans le temple de Karnak, a même créé un service pour aider les étudiants en archéologie à  manier les banques de données, à  manipuler des images formées à  partir d’archives écrites et de résultats de fouilles. Vergnieux reconstitue actuellement le Circus Maximus de Rome, avec le concours de l’archéologue Jean-Claude Golvin, auteur d’une thèse sur les amphithéâtres romains du bassin méditerranéen, et de l’architecte Marie Péres. On pourra un jour, sur son écran, s’asseoir sur un des gradins du cirque et assister à  une course de chars. En attendant, on peut déjà  se brancher sur le site Le Boisset: un élève du Sira (Service informatique de recherches archéologiques) y a installé les images restituées d’une forteresse girondine du Moyen Age. Autre initiative des scientifiques bordelais: le site Metamorph recense toutes les adresses Internet susceptibles d’offrir des outils comparables aux historiens et aux artistes.

Copyright L’Express

metamorph, « Le high-tech au service du passé » par Françoise Monier, L’EXPRESS p.56-57

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par Louis-Luc Beaudoin, le 08 Septembre 1998
dans BRANCHEZ-VOUS!

Metamorph est un groupe de recherches universitaires mélangeant les arts, les sciences humaines et les nouvelles technologies. Metamorph, lieu de ‟recherches et de créations entre la science et l’art”, compte plusieurs membres issus de différentes disciplines universitaires : graphisme, urbanisme, histoire, ingénierie, etc. Vous pourrez lire les textes des membres du groupe dont ceux des trois fondateurs: Jacques Perconte, Marie Pérès et Stéphane Pouyllau. Trouvez également une sélection d’articles et de textes utilent à  leurs recherches. Il est possible de soumettre des liens intéressants afin d’enrichir leur base de données. Pour en savoir davantage sur Metamorph, consultez le site!

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