La lumière comme fil conducteur d’un festival anniversaire… Le dixième festival accès(s) célèbre la lumière (plurielle) de notre temps. Après dix ans d’existence, ce festival anniversaire réaffirme plus que jamais son engagement pour la création d’aujourd’hui dans un esprit de dialogue avec tous les publics. Ensemble, nous voulons penser et construire le monde de demain, un espace-temps éclaté, métissage de cultures, d’histoires et de technologies. Les arts numériques ne font pas table rase du passé et des richesses culturelles de notre civilisation plurielle. L’aventure de la création à  l’ère du multimédia apporte un éclairage sur le monde. Un regard éclairant sur la société de la communication globale, des réseaux et de l’urgence.

Jeudi 18 novembre

Soirée d’ouverture Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre

19h30 Performance sonore de Mathias Delplanque

20h Vernissage des expositions, en présence des artistes Etienne Rey,Cécile Babiole, Laurent Pernot, Jacques Perconte et Lucas Bigeardel

21h30 Performance sonore de Mathias Delplanque

Vendredi 19 novembre

Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre

19h à  22h Nocturne des expositions

Samedi 20 novembre

Médiathèque d’Este Billère / Entrée libre

15h Rencontre avec Etienne Rey

Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre

19h à  22h Nocturne des expositions / Entrée libre

Ring des abattoirs, Billère / 5€

21h Lecture-performance Hong Kong Police Terrorist Organisation – Pierre-Yves Macé et Mathieu Larnaudie

22h30 Performance audiovisuelle Géo – Solid Matter – Duncan Pinhas et Giorgio Partesana

Dimanche 21 novembre

Cinéma d’art et d’essai Le Méliès, Pau / Tarif à  définir

14h Carte Blanche à  Jacques Perconte

Mardi 23 novembre

Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre

21h à  23h Emission spéciale 10 ans d’accès(s) en direct de Marseille

Vendredi 26 novembre

Ring des abattoirs, Billère / Entrée libre

21h Soirée Corpus, architectures et sonorités Projection de films et rencontre avec le collectif Art of Failure

Samedi 27 novembre

Médiathèque des allées, Pau / Entrée libre

17h Rencontre avec David Fenech

Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre

19h à  22h Nocturne des expositions / Entrée libre

Route du son, Les abattoirs, Billère / 10€

20h45 Soirée de concerts – Noone + Bot’ox + Emine&So

Dimanche 28 novembre

Ring des abattoirs, Billère / Entrée libre

17h Dévernissage - Concert de David Fenech

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Comment ramener mon travail plastique à  une simplicité poético-technique. Les techniques que j’utilise ont elles des noms ? Je construis ce qu’on appelle des composites. Des films faits de couches d’images. Elles sont percées et s’additionnent de manière complexe. Les flux temporels sont travaillés, compressés dans une double approche esthétique (maîtrisée) et technique (détournée). Certaines méthodes pourraient être ramenées au datamoshing, technique récemment proclamée, mais je n’utilise pas les mêmes outils et mon approche est bien plus radicale et moins calculée.

En me réveillant aujourd’hui j’ai construit cette suite : Composites déglacés par réitérations colorées de compressions dansantes de données. Je la trouve amusante, joueuse, francophone, je vais l’éprouver et voir ce qu’elle entraîne.

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Le 3 juillet, à  l’ETNA (Paris) venez passer 3 heures en compagnie de mes films.

Cette soirée est l’occasion de découvrir autour de projets récents, des réalisations que je n’ai pas montrées depuis un certain temps. De découvrir dans l’expérience de leur durée des films dont on voit de temps en temps des extraits. En trois programmes cette soirée ouvrira une brèche dans votre temps.

Voilà  un voyage à  rebours dans l’histoire de mes films. Trois programmes qui remontent le fil des recherches picturales engagées il y a une douzaine d’années…

0 :: introduction :: 8′ / 20h

Hung Up, 2008, 5′
White altair, 2008, 3′ ( d’après Altaà¯r d’Hugo Verlinde)

*

1 :: Paysages :: 53 ‘ / 20h10

Après le feu, 2010, 7′
Le passage, 2009, 6′
Le soleil de Patiras, 2007, 3′
Annette (extraits), 2009, 5′
uaoen, 2003, 29′
octobre, 2008, 3′

*

2 :: Corps :: 47′ / 21h15

xsz, 2002, 4′
snsz, 2002, 30′
nszra, 2002, 5′
esz, 2002, 4′

*

3 :: Vibrations :: 50′ / 22h30

Phex, 2001, 143′ (extraits 20′)
Tempo e pause, 2001, 60′ (extraits 14′)
Corps Numériques, 1998, 45′ (extraits 16′)

*

4 :: outro :: 17 ‘

isz, 2003, 17′

*

L’ETNA, le 3 juillet à  20h
6 rue de la Corderie, 75003
Paris, France
Merci de prévenir si vous souhaitez passer
Il n’est possible d’accueillir que 40 personnes.
jacques.perconte à  gmail.com

*

En 2007 je rencontre le cinéma expérimental (dont j’étais assez loin) grâce à  Marcel Maze et Raphaà«l Bassan. Ils me conduisent vers le Collectif Jeune Cinéma où je rencontre Damien Marguet. Et vers Hugo Verlinde qui me fait rencontrer Bidhan Jacobs qui lui me fait rencontrer Sun Jung Yeo. Bidhan et Hugo me conduisent vers Nicole Brenez…. Qui me fait rencontrer mon jeune producteur Guillaume Massart… Que de rencontres passionnantes ces dernières années ! Le cinéma est là  plus que jamais. Merci.

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Les artistes font de la radio. Sur la base d’une écoute courte d’un extrait du travail de l’invité, cette émission entend expliquer un geste artistique. Quelles sont les intentions de l’auteur, sa démarche, ses recherches, ses envies, ses peurs et ses joies ? Ils et elles sont musiciens, danseurs, comédiens, plasticiens, acrobates, sculpteurs, dompteurs… Tous, ils sont différents et très très talentueux, tous, ils étonnent et méritent d’être plus connus ! Et pour vous tous, ils se prêtent à  l’exercice du micro-studio.

La vignette du 11 décembre avec Jacques Perconte est sur le site de France culture, sur le podcast de la vignette, et là .

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Pour cette 11ème édition, le Festival des Cinémas Différents de Paris présente 109 oeuvres en provenance de 18 pays, réparties sur onze programmes internationaux, élaborés à  partir de 500 films reçus autour de deux thématiques.

La première interroge les textures argentiques au regard des matières numériques. Le cinéma expérimental a souvent utilisé la structure des matières qui le compose comme sujet ou comme idée directrice de ses projets. Il en est de même pour l’art vidéo, souvent consacré à  une recherche formelle, sur ses propres structures. Les cinéastes et vidéastes expérimentaux disposent de nos jours d’un vaste champ de possibilités et peuvent créer leurs images en bénéficiant de l’évolution et de la diversité des supports, de l’argentique à  l’électronique, de l’analogique au numérique, du cinéma aux nouveaux média. Notre objectif est ici de rendre compte d’une manière de faire, d’une manière de voir, en présentant les images d’artistes qui mettent à  profit la diversité des média et/ou leur hybridation. La thématique se retrouve au coeur de trois séances ayant pour fils conducteurs les Expériences Paranormales, les Abstractions et le Found Footage. Elle sera également présente dans les trajectoires consacrées à  l’allemande Christina von Greve et à  l’autrichien Siegfried Fruhauf ainsi que la séance monographique consacrée à  la cinéaste argentine Narcisa Hirsch et dans les différentes performances d’ouverture (Pays sans nom) et de clôture (Ornamental Films) et les installations (Marie Sochor, Silvi Simon et Neil Ira Needleman) du festival.

Le deuxième axe thématique nous emmène en Amérique Latine, du Mexique jusqu’au cône sud. Cette programmation ose faire fi des frontières administratives pour montrer que les idées véhiculées par les images en mouvement circulent sans tenir compte des clichés et instaurer une rencontre interculturelle entre cinéastes et spectateurs. Les artistes, cinéastes ou vidéastes représentés cherchent à  révéler la face cachée du cinéma latino-américain, loin des dictats politiques et sociaux de leurs pays d’origine, comme en témoignent trois séances thématiques : Incantations du Réalisme Magique, Chronique d’une émergence annoncée… et Kaléidoscope Argentine ainsi que l’hommage rendu par le festival à  Raymonde Carasco avec la projection de Ciguri – Tarahumaras 99 – Le dernier Chaman.

Le festival propose par ailleurs le vendredi 11 décembre une carte blanche aux artistes Silvia Maglioni et Graeme Thomson, intitulée ‟ Au-delà  de l’image-temps ”, partie prenante de leur exposition Blown up ! à  Mains d’Å’uvres. Un workshop et deux films sélectionnés par leurs soins seront proposés, aux côtés leur propre film intitulé Facs of Life.

Cette édition 2009 vous invite à  emprunter des sentiers lointains et peu connus, autant plastiques que géographiques. Pensez à  prendre votre billet et bon voyage !

Angélica Cuevas Portilla et Gabrielle Reiner

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Face à  un amoncellement pyramidal de tables, aussi monumental que son art est minutieux, aussi géométrique que ses pixellisations, on pouvait donc voir et entendre, sur l’écran principal de la salle jullian investie et reconfigurée pour l’occasion, une rétrospective, un trajet à  travers l’ensemble de la production de l’artiste, depuis ses débuts à  filmer le maillage électronique coloré d’un tube cathodique, puis à  revisiter le clip de hung up par madonna ou les altaà¯rs d’hugo verlinde, et jusqu’à  son oeuvre la plus célèbre, uishet, splendide promenade en barque au gré du courant d’huchet, qui évoque autant klimt et Seurat que la remontée d’un fleuve vietnamien filmé par coppola. sauf que l’horreur a fait place à  la splendeur absolue, l’histoire et le paysage à  une abstraction somptueuse, hypnotique, néanmoins traversée par des bribes d’inquiétude devant la métamorphose qu’une machine numérique parvient à  faire subir au réel : apocalypse now ?

Et de chaque côté de ce trajet intime dans sa propre pratique d’images, Jacques Perconte a placé, pour figurer littéralement cet écartèlement d’une pensée fascinée par la beauté des choses autant que préoccupée par leur possible disparition, à  droite, son installation i love you, où un ordinateur quantifie la part d’amour contenue dans les photographies de la femme aimée, à  gauche, le film issu de l’exposition entre le ciel et la terre. les deux projections latérales ont lieu sur des écrans aux dimensions réduites, proches des spectateurs qui peuvent d’ailleurs les traverser et en bouleverser l’ordonnancement lumineux ; elles sont flanquées de deux ipods munis d’écouteurs, qui diffusent à  nouveau, en modèle très réduit, hung up et uishet.

Face à  son public, l’artiste exposait enfin son corps même aux prises avec ses machines, en train de créer en direct des plages de musiques électroniques, un environnement sonore qui achevait de faire de cette séance un véritable opéra numérique et écologique où ont cohabité de façon critique le fétichisme et la bonne distance. Jacques Perconte y a littéralement mis les spectateurs à  ses pieds par cette mise en perspective sensible d’une création audiovisuelle qui enregistre et capte le réel autant qu’elle le défigure et le fait s’évanouir sous les nappes de couleur, les points d’or et les pans d’incarnat dignes des plus grands peintres.

Cette séance impaKt aura duré ce que durent les roses, mais les roses d’isz, dont les pétales imperceptibles, travaillés en explosante-fixe de couleurs, forment l’inoubliable substrat de l’amour.

Texte de Marie Martin pour Impakt, publié le vendredi 3 avril 2009. photographies gary Dejean et jacques Perconte

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event

impaKt est une forme inédite en France de présentation de nouvelles images hybrides du XXIe siècle (argentique, vidéo, numérique), un observatoire privilégié de la création actuelle et émergente, au coeur de paris, à  l’institut national d’histoire de l’art, lieu dédié à  l’analyse approfondie de l’image dans toutes ses dimensions.
impaKt réunit critiques, chercheurs, étudiants, amateurs et curieux autour de l’oeuvre d’un artiste, présentée par lui-même, sous la forme de son choix, entre la master class, le workshop et la performance.
les 6 jeunes artistes radicaux d’aujourd’hui retenus cette année permettront de passer l’image contemporaine au prisme des violences critiques : violences critiques nécessaires comme révoltes pensées, inventivités rageuses, déchaînement des icônes, contre la détresse, la pauvreté, les idéologies, les dogmes, les puissances de la technologie, les pouvoirs d’une société autoritaire et oppressive, la violence économique, la falsification et la confiscation des images, une iconographie de l’émancipation et de la beauté.

Depuis avril 2007, impaKt, situé entre le nouveau cinéma et l’art contemporain, privilégie les démarches emblématiques, les approches originales et radicales avec pour vocation de les faire découvrir à  un large public, d’élargir le champ d’action des chercheurs et de favoriser de nouvelles approches théoriques.
Depuis 2007 : Lionel Soukaz : ‟ lumpenprolétariat ”, en présence de René Schérer, Nicole Brenez et TripaK. Sarah Bertrand : ‟ there is no direction, unlimited version ”, en présence du compositeur Frédéric Ozanne. Sabine Massenet : ‟ flux ”.  Michel Jaffrenou : ‟ des couleurs et des pixels ”. Johanna Vaude : ‟ sound and visual experience ”. Christophe Karabache : ‟ le surgissement de la cruauté dans le
chaos du monde ”. Sylvain George : ‟ et nous brà»lerons une à  une les villes endormies… programme sur le cinéma qui vient : réveil et émancipation ”, en présence de deux sans-papiers.

jacques perconte
né en 1974 à  grenoble, jacques perconte est un artiste plasticien qui travaille la pensée, l’écriture, la couleur, l’imaginaire et la politique. il joue avec l’informatique empirique, la complexité décomplexée, la magie et l’image…
‟ jacques perconte pratique la photographie, la vidéo, la création numérique et la musique ; il explore les ressources conjuguées du corps, du paysage et de la couleur détachés d’une inscription limitative et contraignante. caractérisée par l’altération programmée, par la puissance entraînant toute production dans la
tension d’un flux constamment renouvelé, son oeuvre est avant tout destinée à  être vécue, partagée dans une expérience à  la fois ouverte, mouvante et resserrée. son sens réside moins dans les forces qui s’y dépensent que dans les états affectifs suscités. il ne consiste pas en la cohérence issue d’une structure unifiée, mais dans l’énergie d’une déambulation intime s’offrant à  l’imagination en changeant constamment la nature de sa focalisation.” didier arnaudet, art press, mai 2008,
n°345.

infos

jeudi 26 mars 2009
18h30-20h30
institut national d’histoire de l’art
salle rené jullian (1er étage)
6 rue des petits champs 75002 paris
entrée libre

contact presse

Marie Martin
tél : 01 42 79 97 17 – mob : 06 66 20 59 14
e-mail : marie.martin80@wanadoo.fr

organisation
les trois lumières, association des chercheurs en études cinématographiques
université paris 1 panthéon-sorbonne / galerie colbert
ufr 03 histoire de l’art
2, rue vivienne, 75002 paris

les trois lumières
www.impakt-3l.blogspot.com

curateurs : Yekhan Pinarligil, Bidhan Jacobs
coordinatrice : Gloria Morano
coordination paris 1/ inha : Zinaà¯da Polimenova

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Je me suis lancé dans une suite d’expérimentations sur des signaux assez communs. Les deux premiers films que j’ai réalisé dans cette série sont : « Hung Up » qui est le détournement d’un clip de Madonna et  » The Happening » qui est le détournement de la bande annonce du dernier film de M. Night Shyamalan. Depuis le début de cette approche du signal, c’est à  dire, du flux d’image dans le monde par la musique (le clip avec Madonna qui ne m’intéresse pas forcément à  priori) et avec l’image du cinéma (le signal du film que j’attendais), je me demande un peu ce que je suis en train de faire. En fait, j’ai suivi mon instinct.

Un matin, je me suis réveillé avec cette idée de travailler une vidéo de Madonna comme j’avais travaillé le paysage. Au départ il n’y avait pas d’autres intentions. J’avais simplement envie de voir et de regarder comment la matière de l’image très connotée allait réagir. Je n’ai pas passé beaucoup de temps à  chercher quel clip de Madonna j’allais travailler. Quand j’ai découvert celui-là , il m’a semblé évident qu’il fallait que j’essaie. Je n’ai pas trop écouté les paroles, mais le titre me plaisait beaucoup. ‟ Hung Up ” : suspendu : suspendu à  quoi ? Au téléphone ? À la vie ? Moi d’emblée j’ai vu Madonna suspendue à  son statut d’icône. J’ai vu le clip comme un espace où le monde se déréalisait image après image. Un espace où comme dans celui des icônes, chaque élément était codifié de façon à  ce qu’il soit une image de la réalité sans jamais la remettre en doute : ce n’est pas le monde, c’est le clip. J’ai aussi pensé à  la couleur suspendue à  l’image, aux corps suspendus dans l’écran. Il ne me restait plus qu’à  souffler une certaine transcendance.

De ce que j’ai fait sur le clip de Madonna, j’ai surtout retenu la force de l’apport pictural. En effet il y a l’histoire Wharolierne de la figure iconique. On peut aussi fantasmer sur la question du masque et de l’image. Mais ce que j’ai vu c’est que le clip ainsi modulé avait pour moi plus de force. Le travail plastique n’a finalement pas tant engagé de problématiques. Comme j’ai laissé la musique brute en place le film qui résulte des transformations reste toujours le clip de Madonna, mais augmenté. J’ai simplement designé une sorte d’amplificateur. J’ai orné. J’ai décoré.

Le film en tant que tel est assez frustrant pour certains puisque le rythme est assez soutenu, les images ne restent pas longtemps et les surfaces picturales passent très vite. Alors qu’on pourrait vouloir s’attacher à  l’image elle fuit. Lors d’un conversation Pip Chodorov m’a dit qu’il n’aimait pas ce film parce que je l’obligeais à  regarder quelque chose qu’il n’avait pas envie de voir: le clip (il y en a d’autres qu’il aime). Qu’il regrettait l’absence de sens : « la peinture » du clip tel quel ne construit pas de discours. je suis tout a fait d’accord avec lui. je ne construit pas de discours critique sur l’objet. Du moins pas formellement.

Donc le film fonctionnerait de deux façons : de manière positive sur ceux qui ne sont pas gênés ou ceux qui aiment bien le fond (je n’ai pas rencontré de fan) et chez qui la touche ajoutée a pour effet d’amplifier de faire décoller certaines émotions. Ils sont fascinés par l’image. Et de manière plutôt négative, rebutante pour ceux qui seraient frustrés que je traite le film tel quel. Pip me suggérait de ne m’attarder que sur quelques secondes du clip, de reconstruire de mettre en, avant certaines formes, de pousser plus loin…. Mais ce n’est pas ça l’histoire que j’ai envie d’écrire là . Je traite le clip comme un signal.

Hors du film les tirages photographiques sont forts. Extraits de ce clip ils se positionnent clairement comme des éléments critiques loin du flux. Je digère, je laisse le temps faire. Je ne veux pas retourner la chose dans tous les sens. Je traite le signal comme le paysage.

Quand j’ai entendu que M. Night Shyamalan allait sortir un nouveau film au mois de juin de cette année, tout de suite je me suis dit qu’il fallait que je réagisse. Le film s’appelait ‟ the happening ” : l’évènement. J’ai voulu faire évènement en sortant une version « brouillée » de la bande annonce avant que le film ne passe sur les écrans. La question s’est reposée : Mais qu’est ce que je cherche. Il n’y a pas de projet de film comme il y a souvent. Ce sont juste des envies, des réponses à  des signaux.

Bref quand j’ai sur pour le film, j’ai tout de suite cherché la bande annonce. Je me disais :  » Est-ce que si je la travaille, elle fera plus peur ? (Comme je fais des amplificateurs ?) »

Je me suis décidé tard à  voir les films de M. Night Shyamalan. J’ai été très surpris par son univers, pars son discours, par la force de son cinéma. Quand j’ai commencé à  avoir envie de faire une série de films sur les images du monde des médias î télévision, musique, cinéma, je pensais prendre une position plutôt agressive. J’ai travaillé il y a quelques années sur Sergio Leone, sur Fellini. Je pensais cette fois ci plus attaquer l’image et ce qu’elle met en scène…

Mais finalement ce n’est pas très juste. D’une certaine façon j’aime ces images. Et puis je porte la critique littérale à  haute voix la plupart du temps. Alors que se passe-t-il là  ? Qu’est ce que porte ce brouillage du signal ?

J’ai traité « The happening  » comme une seule scène, j’ai travaillé à  l’envers et à  l’endroit pour travailler le rythme écrit par les noirs et les fondus au noir . J’ai transformé ces silences – vides d’informations en plein, en tas d’artefacts des images passées et à  venir. La bande annonce se déroule et s’enroule. Les gens ont peur, il se trame quelque chose, il faut fuir, on perd le contact…. l’image se brouille.

Je prends les choses telles quelles, je les passe à  la moulinette. Elles gardent leur dimension hautement symboliques mais elles ne sont plus ce qu’elles étaient. D’une certaine façon c’est simplement une appropriation de cette matière. ces mondes qu’on m’impose et qu’on veut que je consomme, je les happe et les digère. je les régurgite refaçonnés et brouillés. mais le brouillage n’efface pas le sens. je le protège ce sens parce que ce que je signale par ces gestes c’est que ces images parce qu’elles se jettent dans le monde, doivent perdre leur sacre. Et les miennes qui les prend ? Ais-je la latitude « morale » de les laisser se faire déboussoler ? Si on les prends ces images et qu’on les bidouille, comment jugerais-je de leur nouvel état ? De leur nouvelle propriété ? De mon côté je n’approprie le propriété, c’est mon clip de Madonna, je gratifie ma production de sa source. Le générique original est brouillé comme l’image, il appartient au signal. Idem pour « The Happening »… la paternité reste là , je n’accole aucun nom, aucun générique dans le déballage… Et quelle sera leur vie ? Je ne sais pas.

Voilà  quelques notes sur ces recherches pratiques expérimentales qui poussent dans mes productions en ce moment… Ce n’est très clair. C’est un premier jet. Ce sera avec plaisir que j’en discuterai….

Hung u p a little more, HD, 5’32″, 2008 | video originale et musique / Madonna; Confessions on a Dance Floor / 17.12.2005 Shirland Road, London, England © Madonna / Warner Bros / Stuart Price / Johan Renck
The Happening, HD, 2’33″, 2008 | Bande annonce du film de M. Night Shyamalan.

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Suspendue à  la surface de l’image elle danse et chante. La madone se manifeste au travers du souffle de la couleur comme les icônes s’extrayaient du monde physique des images et des hommes pour devenir des signaux transcendants.
Manifestation de l’inconscient matériel…  je me rappelle de cette séquence qui date de mes cours à  la faculté. Je cherche dans l’image une force cachée. Cette force même ceux-là  qui entourent madonna l’ignorent je crois (dans leurs rôles en tout cas). De jour ils se débâtent dans les bleus. Et lorsque la nuit tombe et qu’ils vont danser après s’être préparé toute la journée, la compression s’empare de la pénombre et encore plus qu’avant les corps se fondent dans le magma pictural. Parmi toutes ces plaques de couleurs se baladent masquées et subliminales des images qui essaient de résister.

La couleur de la peau de madonna, le blond de ses cheveux,  le rose de ses habits restent ce qui flotte à  la surface de a matière.  Mais il faut se rappeler que tout cela n’est que surface matérialisée sur un écran. Une forme abstraite très colorée y est bien plus réelle qu’un simulacre réaliste… Est-ce que le clip de madonna est réaliste ? En tout cas c’est une représentation dans laquelle ils sont nombreux à  se projeter et à  inconsciemment y trouver une source de réconfort.

Le clip récupéré en ligne n’est pas été modifié dans sa structure fondamentale. Le montage image/musique n’a pas été pas recomposé.  Je l’ai pris comme un tout. Je l’ai ‟ peint ” à  force de compression et de sculpture picturale. L’inhibition de la couleur fondue dans la neutralité de la chorégraphie faisaient de ces images un standard exceptionnel de l’image consommable (la bonne image et son savoir faire).  Seulement maintenant que je suis revenu sur ces images, je trouve l’original irregardable. Il lui manque toute la dynamique de la matière. Comme si madonna avait besoin de la feuille d’or pour réellement atteindre son statut d’icône. L’enrichissement de l’image pauvre, pale copie d’une réalité qu’on tente de mettre en scène…

Le film sera diffusé pour la première fois le jeudi 24 avril 2008 à  L’institut national d’histoire de l’art.
A lire : Madonna fait son chemin dans mes histoires avec la couleur
Hung Up ! revolutions premières images sur flickr… mot clef : Hung Up
Hung Up video, Madonna; Confessions on a Dance Floor / 17.12.2005 Shirland Road, London, England
© Madonna / Warner Bros / Stuart Price / Johan Renck

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Il y a quelques semaines j’ai eu envie de jouer avec une vidéo : de la pousser pour voir ce qui pouvait se passer avec un contenu préexistant puisqu’à  l’habitude je ne travaille l’image avec la compression qu’à  partir de séquences que je tourne afin de préserver une certaine idée de l’analogie avec le sujet.

Quelque part je tiens à  faire de mes films les images d’une réalité, en filmant moi-même je réduit la distance entre l’image initiale et l’objet… Bref. Je ne sais pas pourquoi j’ai pensé à  Madonna. J’ai pensé à  Hung Up. En fait si, je pense savoir : elle m’est venue à  l’esprit à  cause des histoires qu’il ya avait eu avec son disque sur itunes… et puis parce qu’elle est célèbre, que l’envie de travailler avec des images fabriquées m’a poussé vers le clip et tout cela additionné cela fait Hung Up… le clip que j’avais vu.

Hung Up fonctionne bien fondamentalement puisque cela veut dire raccroché, pendu… Je compresse, j’encode successivement le film sous divers formats en baissant progressivement la qualité, en modifiant les dynamiques de couleurs, en passant à  l’endroit, à  l’envers, en mélangeant les outils 3ivx, divx, xvid… J’efface peu à  peu les signaux explicites des détails. Mais la compression psychovisuelle s’attache fondamentalement à  un certain sens. Finalement la fondamentale de l’image ne disparait pas. Pas encore, au moment où j’écris je n’en suis qu’au 16ème passage.

Cela est amusant de faire le parallèle entre cette situation où l’homme fabrique une image, il met en scène par tous les moyens dont il dispose une figure (ici Madonna) et construit une histoire. Ce fondement reste pendu dans l’image, sans la volonté de le détruire, simplement en réduisant peu à  peu les données descriptives, en tout cas en diminuant la place qu’on leur accorde, il semble apparaitre une limite en dessous de laquelle les logiciels ne veulent plus trop aller. Justement à  cause de ce sens qui risquerait peut-être d’être altéré. Là  où j’en suis, l’histoire, on ne la compresse pas.

J’ai envie de faire de ce clip dégradé dans l’image et dans le son une pièce autonome. Quelque chose qui soit l’écho d’un tube, une histoire tangente où justement les fondements auraient disparus ‟ naturellement ” à  cause de passages à  travers des ‟ filtres ” qui essaient de rendre aux données plus de place devant le sens de la figure exposée.

En quelque sorte je sculpte le clip de Madonna, j’y révèle des possibles de la matière psychovisuelle, j’y déchaine les couleurs au delà  des limites de la représentation à  priori…

Hung Up ! revolutions premières images sur flickr… mot clef : Hung Up
Hung Up video, Madonna; Confessions on a Dance Floor / 17.12.2005 Shirland Road, London, England
© Madonna / Warner Bros / Stuart Price / Johan Renck

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