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Certains d’entre vous sont au courant de ma tendance à  faire des centaines d’images par semaine. J’aime figer ces instants que je parcoure. Je change régulièrement d’appareil photo, toujours à  la recherche de l’outil idéal. J’ai plusieurs manières de faire de la photographie. il y a celle qui est posée, qui prend le temps de construire ou de s’adapter à  la réalité tangente. Il y a celle qui sursaute et capture ce qu’elle peut dans l’instant. Et y la la sauvage. Celle qui attrape ce que je croise dans la vitesse des temps de déplacement.

Depuis que les appareils photos se sont mélangés aux téléphones (ou autres appareils miniatures) et qu’ils ont disparus en tant qu’yeux dans le paysage urbain. La photographie se suspend. Les regards se posent. Savent-ils que je les photographie ?

Quel droit leur reste t’il dans ces images ? Je les prends. Je les photographies avec un point de vue sensiblement voisin de celui des occidentaux qui vont poser leur regards de reporters, de journalistes, de sociologues sur ces populations étrangères sans jamais se soucier de cette question inhérente du droit à  l’image. Ce droit est-il exclusif au citoyens des pays développés ? Si l’on se permet de le refuser à  d’autres, refusons le à  tous.

Si la société nous à  réduits à  devoir exister via cette image en partie fictionnelle que nous devons construire et tenir en devanture. Alors ces images sont au même titre que celles qui sont témoins des effets de la guerre, de la pauvreté, de la malchance sur les hommes, les témoignages de l’effet de notre travail à  exister dans l’espace visuel collectif. Entre être et paraitre, le temps passe. Entre faire et se laisser aller à  aimer, nous résistons malgré tout à  la pression stupide du monde modal.

http://blog.technart.fr/2009/10/09/droit-dimage-photographie-sous-limpermeable/

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Ce matin dans le métro je me suis surpris à  imaginer une photographie d’un genre dont je ne suis pas amateur en général.  Un homme d’une trentaine d’années est monté quelques stations après moi. J’ai tout de suite été attiré par son sweatshirt. Il était gris mais surtout orné devant d’une inscription assez forte en typographie latino-américaine : soul. à‚me.  Le mot était entouré de deux ailes d’anges ce contrastait avec l’à  priori de la typo qui elle soutenait l’idée du gang. Je me tenais debout contre la porte qui faisait face à  l’entrée. L’homme s’est mis juste devant moi.  Il s’est adossé à  la barre de maintient centrale. Dos à  moi. Et j’ai découvert l’immense broderie d’un crâne battu de chaque côté par des ailes levée vers le ciel. L’inscription du recto était reprise et augmentée : rough soul. à‚me rugueuse, âme qui vit à  la dure… Il était bien question de gang.  Je me suis demandé pourquoi ce garçon qui ne  donnait pas par ailleurs l’impression d’être un dangereux personnage portait les armes d’une certaine violence. Et la broderie m’a tout de suite fait penser au tatouage. J’ai imaginé cette photo : dans la même situation du métro parisien, le même personnage de dos dont on verrait le sweat décoré  ferait face à  un homme plus fort ouvrant sa chemise à  la manière du cliché que nous avons de superman découvrant son sigle sous ses vêtements urbains. On découvrirait sur la poitrine dorée de cet homme le même signe, le même dessin tatoué profondément dans la peau. On sentirait cette absurdité du sweatshirt et de son usage contre la violence potentielle de son langage.

J’ai été très surpris de penser cela parce que je ne fabrique pas ce genre de regards. Je les trouve trop publicitaires, trop portés par une certaine culture de la photographie qui semble dénoncer sans y toucher. Alors pourquoi j’ai eu cette idée ? Est-ce que j’ai déjà  vu une telle photographie ? C’est probable. Est-ce que j’ai senti qu’une telle image parlerait pour moi et expliquerait la situation de ma pensée ? J’imagine…

Il doit s’attacher à  l’image qu’il peut renvoyer de lui en portant ce signe. Il doit imaginer que cela le construit ou sentir que cela le rassure. A quel point s »identifie-t’il à  cela ? Avec quelle distance décide-t-il de transporter cette idée latino qui doit venir des banlieues américaines ou mexicaines plongées dans une violence que l’on ne peut pas imaginer ? Il a besoin d’identité. Mon réflexe était de manifester cette absurdité de la recherche de l’illusion. De confronter cette mollesse urbaine face à  la réalité à  fleur de peau.

S’écrire… je m’écris sans cesse je suis très souvent en train de chercher comment je peux me mettre en scène. Pas forcément pour atteindre une image précise mais surtout pour cacher ou détourner les regards potentiels sur ce que j’estime être mes faiblesses. En faisant cela je me déplace dans la maya, dans l’illusion, j’y cherche une place à  habiter. Mais comment pourrais-je réellement me sentir bien quand je pense à  cette attitude. Je dois l’oublier pour aller. Parce que quand j’essaie de jauger ma machination, simplement pour savoir si elle tient le coup, je me mets face à  la nécessité que j’imagine avoir : de faire semblant pour exister.

Alors construire cette image de mise en abîme de ce parisien, photographie qui aurait pu devenir le principe d’une démarche qu’on aurait dite artistique, cela n’aurait fait que me protéger. J’aurais parlé aux autres de la même façon que lui il parle. Lui avec ce signe de gang qui renvoie à  une certaine force qui n’est à  priori pas la sienne. Moi avec cette dialectique qui m’aurait placé au-dessus de lui pour renvoyer cette image de moi libéré de ces maux. Pour laisser tous ceux qui auraient eu de la sympathie vis-à -vis de mon geste exorcisé cette réalité de s’écrire soi-même pour les autres. Exactement de la même façon nous aurions parlé tous les deux de ce que nous voulons que les autres voient de nous.

Peut-être faut-il laisser paraitre un certain danger dans les mécaniques de la pensée artistique, de la créativité, de ce que l’on pourrait à  tort assimiler à  une révélation (épiphanie ?). Cette universalité potentiellement désirée dans l’oeuvre, ne peut pas, il me semble, se réduire à  la sympathie.

ill. affiche déchirée dans le métro parisien.

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Voilà  un nouvel appareil photo. Il me donne des couleurs incroyable sur l’écran. Alors quand je vois ça, ce qui me vient à  l’esprit ce sont mes images d’I love you. Cet appareil donne t’il plus de couleurs aux choses du monde ? Donnera t’il  plus de couleurs à  mes images si je les rephotographie ?
J’aime bien cette perspective. A chaque fois que  j’ai un nouvel appareil je réalise de nouvelles séries. Comme si à  chaque fois pouvaient surgir de nouvelles images. Non seulement l’algorithme qui soutient l’oeuvre* est à  même d’aider à  produire de nouvelles images mais ces nouvelles machines ne voient pas la même chose. Elles ne lisent pas de la même façon les écrans que je photographie, elles ne donnent pa sla même profondeur de champ et ne piquent pas la même résolution…

Toutes les images sur flickr…

* I love you est un programme de quantification de l’amour dans les images. Il permet d’afficher des images d’isabelle en évaluant la quantité d’amour contenue dans l’image affichée.

Images réalisées sur un écran eizo avec un lumix LX3

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Jacques Perconte pratique la photographie, la vidéo, la création numérique et la musique ; il explore les ressources conjuguées du corps, du paysage et de la couleur détachés d’une inscription limitative et contraignante. Caractérisée par l’altération programmée, par la puissance entraînant toute production dans la tension d’un flux constamment renouvelé, son oeuvre est avant tout destinée à  être vécue, partagée dans une expérience à  la fois ouverte, mouvante et resserrée. Son sens réside moins dans les forces qui s’y dépensent que dans les états affectifs suscités. Il ne consiste pas en la cohérence issue d’une structure unifiée, mais dans l’énergie d’une déambulation intime s’offrant à  l’imagination en changeant constamment la nature de sa focalisation.

Depuis 2003, Jacques Perconte photographie, au plus prés de sa peau et de sa chaleur, l’être aimé. Ces étendues impalpables et fluctuantes de corps oscillent entre les pôles opposés du déploiement et de la concentration, et rassemblent la quintessence d’une opération presque alchimique, autrement dit la transmutation d’une densité corporelle en poudroiement de lumières. Puis il photographie à  nouveau ces approches sensuelles sur un écran d’ordinateur qui exhibe les pixels comme des grains de peau. Ces images sont ensuite intégrées à  I love you, une oeuvre sur Internet. À chaque fois que l’on consulte une image, elle est plus ou moins modifiée (pixellisation, déformation, nouvelles couleurs, disparition du sujet) avant d’être affichée : un programme (love writing program) altère son code source en remplaçant une variable par l’encodage du texte I love you. It’s all about love est un choix d’images issues de ces divers processus de décomposition et recomposition, d’élargissement et de rétrécissement. Ces éléments de corps, interactions de paysages et de couleurs, de souvenirs et d’oublis, sont ainsi maintenus sous pression par une succession de reprises et de transformations qui les conduit presque à  un point de rupture. Comme si, pour atteindre le coeur de l’émotion, il fallait se perdre dans l’enchevêtrement des images et des multiples voies de leur effacement progressif. Comme si, pour accumuler des preuves d’amour, il fallait se confronter à  un éblouissement de plus en plus affirmé, et donc renoncer à  une certaine qualité de représentation.

It’s all about love : Les arts au mur – artothèque 17 janvier – 17 avril 2008 / Galerie ooblik – du 29 avril au 24 mai

Didier Arnaudet : It’s all about love in Art Press, la revue de l’art contemporain / Mai 2008 / n°345
Art Press Tous droits réservés

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J’aime énormément la photographie et le travail de Marc est assez extraordinaire. Il allie à  la fois un rapport au quotidien et à  soi délicat : il se prend, il prend ce qu’il voit et jamais on a l’impression d’une frénésie qui aveuglerait. Faire des images î et surtout aujourd’hui î c’est le meilleur moyen d’échapper au monde, de se cacher. Quand je vois ces touristes qui mitraillent je me demande toujours où ils voient ? Est-ce simplement une dynamique qui en ne trouvant pas la voie du coeur se tend entre le cerveau et le doigt sur le déclencheur ? Qu’est ce que l’image ramenée ? Un souvenir ? De quoi ? Marc voit. Le temps s’arrête dans ses images. En ce sens c’est un vrai photographe. Ses gestes écrivent des histoires et ses images cristallisent des mondes qu’il doit être un des seuls à  voir… Alors quelle importance ont ces temps ? Est-ce une question qui doit compter ? Est-ce que l’information est quantifiable. Ce qui me préoccupe, c’est avec quelle liberté on s’éprend des choses. Et des photographes que j’aime bien, je pense que celui-ci m’offre des images qui parce qu’elles sont plus simples (dans un certain sens), plus vivantes, plus laissées allées, me laissent toute la liberté de les voir sans à  priori, sans que ma culture et mes penchants soient trop prégnants.  Pour ne pas trop m’épancher et en finir, en référence à  la pensée de Vilem Flusser, je dirais des images de Marc qu’elles ne sont pas superflues…  Et étonnamment je trouve qu’internet est un médium plutôt adéquat pour prendre goà»t à  son travail…  A découvrir donc…

J’ai rencontré Marc via les réseaux. J’avais apprécié les images qu’il avait faites de la force de l’art et cela nous a connectés sur flickr. Depuis nous avons fréquemment échangé des idées et commenté nos pensées. Nos blogs se sont plus ou moins liés par des hyperponts. C’est une belle rencontre.

Marc Tallec :
http://marctallec.com/
http://flickr.com/photos/entropik/
http://www.error-fatal.com/
http://www.ooblik.com/

Toutes les images, bien sur sont celles de Marc (c)

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David Sepeau qui m’a (nous a) beaucoup aidé à  monter ce mur est resté à  Bordeaux alors que je suis rentré à  Paris. Il continue à  aller quotidiennement aux abords du mur. Il continue à  le photographier, à  croiser les gens qui se confrontent à  cet obstacle, ceux qui rient et les autres. Il est aussi resté pour les soldes…. Vous pouvez voir sa sélection sur son site internet où il a consacré une page à  ce mur des Soldes d’hiver à  Bordeaux….

David Sepeau : http://www.davidsepeau.com
Soldes d’hiver,Galerie Bordelaise, Michard Ardillier, Bordeaux, janvier 2008.

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Je prépare les images pour l’exposition. Je fabrique des images qui dépassent les 900 millions de pixels î de points. Est-ce absurde de pousser si loin ? Les essais ont montré qu’il y avait une raison à  tout ça. Je fabrique des images où l’histoire se passe entre le sujet, moi, l’image. Et l’image c’est toutes les représentations que je peux avoir de la plaque réfléchissante. Chaque parcelle de couleur et ses voisines, chaque zone de ce paysage amoureux est mon sujet. Derrière cette mage qui se perçoit dira t’on ‟ simplement ” ‘emplie une quantité de dessins inimaginable. De parties du tout qui vont et viennent en jouant avec le sens de ce que l’on croit voir… Je suis follement passionné par ces points de couleur qui rappellent à  chaque instant que ce sont des signaux que nous percevons. L’image n’est pas là , c’est nous qui la voyons. En regardant plus profond on commence à  aller dan sec qui la onde. La couleur, l’émotion.

Est-ce qu’une personne se demandera si les tirages ne sont pas loupés ? Pourquoi on voit autant les points ? Qu’est ce qui se passe ? Quand elle ne s’en sert pas pour la propagande, toute l’industrie de la photographie, de l’impression, de l’image essaie de cacher la matérialité de la reproduction de l’image pour que le sujet soit le plus objectif possible… mais aujourd’hui que où presque tout est numérique, il n’y a plus rien d’objectif… ce qui est objectif, c’est le pixel qui raconte que l’image n’est qu’une somme d’appréciations. C’est le point de couleur qui est le résultat d’une perception d’une parcelle de monde. C’est très relatif pour de l’objectif n’est-ce pas ? Mais c’est très réel. C’est quantifiable. S’il ya bien une spécificité à  l’image numérique elle est là  : elle n’est jamais fondamentalement floue : ce point de couleur est toujours net…

Les aventures que peuvent ‟ vivre ” les images sont traduites points… Elles ne dissolvent jamais leurs contours, de dénaturent jamais leur fondamentales… simplement leurs images… Parce que c’est points jaune, orange, ces carrés ne sont jamais que des manigances pour afficher quelque part les informations dont nous avons besoin pour croire.

Afficher leur réalité subjective (la couleur) et raconter l’histoire qu’ils entretiennent avec le sujet c’est une façon de dire que je suis accroc à  l’image. A son sujet c’est certain, mais tellement à  ce qu’il y a dedans. Cet infini que je n’arrive pas à  déceler. Même pas à  nommer. Cet horizon que je crois apercevoir de temps en temps… et que je chasse.

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Il y a quelques semaines, j’ai fait l’acquisition d’un nouvel appareil photo compact. J’ai décidé de définitivement quitter Sony et de revenir vers canon. Mon premier compact î il y a 7 ans- était un ixus. Le premier ixus. Je l’ai encore, il fonctionne toujours. Ce sont les images de ce petit appareil qui m’ont conduit sur le style de photographie que je fais aujourd’hui. Canon plus que d’autres donne aux images une certaine tonalité î essentiellement par la couleur- qui me plait beaucoup.

Quand j’ai eu ce nouvel appareil (ixus860), évidement une des premières choses que j’ai faites instinctivement, c’est de rephotographier un écran. Je l’ai fait sans le planifier. Et là  j’ai retrouvé ce quelque chose qui m’avait mis sur la voie de mon travail il y a7 ans… l’ixus tient toujours cette particularité dans la reproduction d’images d’écrans. Je ne vais pas essayer d’expliquer ce que c’est mais toujours est-il que je me suis du coup lancé dans une nouvelle série d’images pour 38degrés. Et du coup j’ai fait un nouvelle série de I love you…

Sur ces images, il y a beaucoup de choses qu’on ne voit qu’à  peine à  cette échelle. Elles ne sont pas faites pour être vues si petites… On ne découvrira ce qui s’y passe (à  leur surface) que le jour où l’on les verra accrochées à  un mur…

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Si l’on envisage en ce sens l’appareil photo (et l’appareil en général), on voit qu’il produit des symboles – des surfaces symboliques – de la manière déterminée qui lui a été prescrite. L’appareil photo est programmé à  produire des photographies, et chaque photographie réalise une des possibilités qu’offre le programme de l’appareil. Le nombre de ces possibilités est élevé, mais fini : c’est le nombre de toutes les photographies qui peuvent être prises par un appareil. Certes, en principe, on peut toujours reprendre une photographie de la même manière ou d’une manière très analogue ; mais pour ce qui est de photographier, voilà  qui n’a aucun intérêt. Pareilles images sont ‟ redondantes ” : elles ne portent aucune nouvelle information et sont superflues. Par la suite, on laissera de côté les photographies redondantes ; ce faisant, on restreindra le concept de ‟ photographier ” à  la production d’images informatives. Du même coup, il est vrai, la majeure partie de toutes les prises de cliché tombe en dehors du cadre de la présente enquête.

Vilem Flusser, pour une philosophie de la photographie, circe, 2004

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Je prends la chaise de Louise Bourgeois ? La série de Sophie Calle sur le Bronx ? L’éléphant de Miguel Barcelo ? Ces hésitations gourmandes seront dès aujourd’hui celles de tout amateur d’art contemporain, même peu fortuné, qui prendra le chemin de l’artothèque de Pessac.

Après deux années de gestation accompagnée avec constance par la ville de Pessac, l’association Les Arts aux murs ouvre au prêt un catalogue de 70 oeuvres. Presque aussi accessibles qu’un livre dans une bibliothèque. Ce samedi, dimanche, lundi et mardi, Anne Peltriaux et Corinne Veyssière, les deux fondatrices de ce projet unique dans l’agglomération, attendront les premiers emprunteurs de 14 h 30 à  19 heures.

‟ La collection a été constituée avec le souci d’avoir un fonds représentatif des quarante dernières années et des principaux courants de l’art contemporain et de la création actuelle, en se limitant essentiellement à  des suppports graphiques ”, explique Anne Peltriaux. Il y a là  des oeuvres uniques, des estampes de création originale et des photographies. La liste des signatures illustre l’intention. Outre les trois premiers cités, on y trouve Jean- Michel Alberola, Pierre Alechinsky, François Morellet, Philippe Favier, Georges Rousse, Ernest-Pignon Ernest ou Gérard Garouste, pour ne citer que quelques noms célèbres. Zhang Xiaogang a la charge de représenter la Chine, Kenji Yanobe le Japon. Mais l’ensemble de la collection, acquise pour l’essentiel auprès de galeristes parisiens, est plutôt européenne. Antonio Saura traduit ainsi avec Barcelo une tonalité ibérique où figurent Jaume Plenza ou José Maria Sicilia. Des stars et des découvertes. Des Girondins aussi. Le comité de sélection des oeuvres a retenu plusieurs artistes girondins : Didier Bessières et Xavier Rèche parmi les oeuvres uniques à  côté de Buraglio et Claude Viallat. Chez les photographes, Cédric Couturier et ses corps recomposés, Gaà«lle Deleflie et ses piscines, Jacques Perconte (un Pessacais) et ses numérisations abstraites voisinent avec Patrick Toth et Isabelle Kraiser, mais aussi Tina Mérandon ou Mark Ruwedel.

[...]

Gilles Guitton : De l’art sur vos murs
Sud Ouest, samedi, 18 octobre 2003, p. 25
© 2003 Sud Ouest

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Cinquante images extraites de cette série que j’ai faite avec Anne-Sophie R.  
Les images ont été vectorisées, traitées et tirées sous forme de trames (bruit).
Chaque tirage est unique.  
Galerie Chezma-Schema, 1999
Cinquante tirages sur papier Arches. 297x200mm

Toutes les images :

Du 11 décembre 1999 au 14 janvier 2000
Galerie Chezma-Schema, Bordeaux

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Nous nous voyions de temps en temps. Avec des amis ou simplement tous les deux. J’ai fini par lui demander de poser pour moi et à  ma grande surprise elle a accepté. Je ne l’ai pas assez remercié du temps qu’elle m’a accordé. Et surtout je voulais la remercier de la qualité de ce temps. Ce qui s’est figé dans ces images a continué à  me donner de la force. Cela a affirmé quelques idées que j’avais… Une grande partie de la beauté du monde glisse sur le corps des femmes (le reste est dans la nature).

Vous pouvez voir les tirages des Corps numériques ainsi que les images de l’exposition à  la galerie Chezma-Schema (Bordeaux, 1999).

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