Un de mes projets artistiques s’est récemment vu refuser une subvention publique parce qu’il ne semblait pas être porteur d’innovation (je précise que c’était une subvention artistique). Bien sà»r, je ne me demande pas si l’art doit innover. Je sais que non. Il peut, mais il ne doit pas. L’art peut être porteur d’innovation si on ne l’y contraint pas. Est-ce que quand il innove, cette innovation peut servir de modèle ?

Raphaà«le Bidault-Waddington quand elle réfléchit au rôle de l’art dans les territoires souligne bien qu’il faut être attentif à  ce que les initiatives artistiques quelles qu’elles soient peuvent par leurs expérimentations dessiner de nouvelles structures modales aussi bien sociales qu’économiques. Elle rappelle l’importance du rôle des politiques publiques. Elle appelle à  la mise en place de dispositifs favorisant l’innovation artistique et permettant la capitalisation de l’innovation.

Je défends ici l’art d’une dérive utilitariste. S’il y a des choses qu’il peut faire émerger, ce n’est que dans la plus belle des libertés : celle de l’entreprise intime. En art cette entreprise est la manifestation d’une nécessité profonde. Elle vient du coeur. Et sans forcément être explicite, elle est à  la source de toutes les énergies créatrices. Son dessein est l’oeuvre. Rendre intelligibles et lisibles tous ses liens internes peut la mettre en danger. Ce qu’il y a à  entendre et à  comprendre de l’art c’est sa libre entreprise, son autonomie, sa place au sein de l’individu. L’art quand il vient peut libérer comme il peut enfermer. Et j’ai l’impression qu’il y a de grandes confusions. Oublions le mot artiste, laissons-le de côté pour parler de quelqu’un dont le domaine sensible est l’art et non pas l’économie.

Je défends ici une valorisation de la créativité, de l’expérience créative, du travail du terrain de la liberté. Parce que ce qu’il y a à  trouver en soi la plupart du temps, ce n’est pas l’art, mais la nécessité. Et comme en art, en n’importe quoi, c’est la raison d’être de l’idée qui porte l’énergie du résultat. Gilles Deleuze l’a merveilleusement raconté. On ne peut pas avoir tout le temps des idées. Une idée c’est une fête. Et une idée c’est une manifestation exceptionnelle engagée sur un terrain particulier. Est-ce qu’un peintre peut avoir une idée géniale en économie ?

Nous sommes dans une situation qui semble bien compliquée. Il y a une crise. Les entreprises sont très vite confrontées à  une concurrence mondiale. Les politiques essaient d’aider les initiatives locales mises à  mal par ce régime dangereux. Là  où beaucoup pensent que l’innovation et la singularisation des produits et des services soutenus par la créativité et l’innovation sont les solutions, je rappelle la sobriété et la convivialité. Je ne vois pas de solution viable ailleurs que dans la réécriture de notre rapport aux choses et donc de la place de l’entreprise dans le paysage social. Je crois en une innovation, celle que chacun doit conduire pour ajuster son comportement et redonner un sens à  ses gestes.

Comment peut-on encore dire que la course à  l’innovation est la solution ? Qu’elle est déterminante pour l’avenir des économies nationales ? Quand je parcours le texte de Philippe Durance ‟ Innovations et territoire : quel modèle pour sortir de la crise ? ”, je tombe à  la renverse. ‟ Avec l’avènement de la société de la connaissance, les États reprennent à  leur compte l’impératif d’innovation auparavant réservé aux entreprises. Pour rester compétitif, en évitant les confrontations directes et intenables sur les prix, il faut innover sans cesse : améliorer les produits, inventer de nouveaux services, modifier les modèles. La crise a encore amplifié cette tendance, en mettant la nécessité d’innover au coeur des discours relatifs à  de nombreuses politiques publiques, avec l’objectif de donner aux territoires une chance d’en sortir. Mais tous les territoires peuvent-ils prétendre participer à  la société de l’innovation ? ”

Philippe Durance a raison quand il souligne que l’état doit donner (rendre) la liberté et le pouvoir réel (concret) aux territoires d’agir localement. Mais il oublie qu’il doit garantir cette double histoire dans laquelle notre société l’a enfermé. D’une part, tenir sa place au sein de la société des états. D’autre part, protéger ses habitants. Mais est-ce que nous protéger c’est nous endormir ?

Innover localement pour retenir la consommation locale face à  la concurrence nationale ou mondiale ? N’est-ce pas continuer à  déresponsabiliser les individus ? Ma responsabilité est de soutenir l’économie locale. Économie dont je devrais dépendre. Mais la mondialisation défait l’espace local dans son malicieux jeu d’échelles. Comme beaucoup j’en prends facilement conscience quand il s’agit de choisir ce que je mange. Et encore faut-il que je puisse faire confiance à  ceux à  qui j’achète. Parce que je pourrais croire qu’il dessinent une stratégie locale pour s’accorder à  mes désirs. Leur responsabilité est la qualité…

Il ne faut pas chercher comment expérimenter afin de découvrir encore de nouvelles choses en pensant que là  est potentiellement la solution du sortir de la crise. D’abord parce que ces solutions seront à  court terme. Et puis parce que l’expérimentation doit se faire contrainte par la nécessité, pas cadrée par la contrainte de trouver. Hier je discutais avec un chef d’entreprise. Il défendait qu’un projet devait porter du neuf pour qu’il puisse trouver une place sur le marché aujourd’hui. Je lui demandais comment c’était faisable s’il n’y avait pas de besoins. Et il me répondait qu’il y a toujours de nouveaux besoins à  identifier en soulignant la difficulté de les identifier… Est-ce que l’art peut aider ? Comment l’encadrer ?

Même si je trouve séduisantes la plupart des idées de Raphaà«le Bidault-Waddington. Je ne suis pas pour la création de laboratoires d’innovation sociétale ni de pépinières d’innovation artistique, ni encore de laboratoires de recherche en art.

Si l’art peut innover, lui donner cette perspective c’est le mettre au service de quelque chose qui n’est pas lui. C’est quelque part l’empêcher d’être. Je vous rappelle l’une des plus belles interventions de Gilles Deleuze : qu’est-ce que l’acte de création ? : ‟ [...]Donc, je reparle de, du fait que je fais de la philosophie, vous faites du cinéma. Alors, ce serait trop facile de dire ben oui, la philosophie tout le monde sait qu’elle est prête à  réfléchir sur n’importe quoi. Donc, pourquoi elle réfléchirait pas sur le cinéma ? Or, c’est une idée indigne ; la philosophie n’est pas faite pour réfléchir sur n’importe quoi. Elle n’est pas faite pour réfléchir sur autre chose. Je veux dire, en traitant la philosophie comme une puissance de réfléchir sur, on a l’air de lui donner beaucoup et en fait, on lui retire tout.

Car personne n’a besoin de la philosophie pour réfléchir. Je veux dire, les seuls gens capables, effectivement, de réfléchir sur le cinéma, se sont les cinéastes, ou les critiques de cinéma, ou ceux qui aiment le cinéma. Ils n’ont absolument pas besoin de la philosophie pour réfléchir sur le cinéma. [...] »

Je défends que pour innover, être porteur de changement l’art doit être libre, l’expérience artistique, la ‟ bonne volonté créative ” doit naître dans la nécessité de l’individu. Parce qu’il est créatif, il peut la conduire et changer le monde… Gandhi a laissé ses mots : ‟ Soyez le changement que vous voulez voir dans le monde ”.

Il faut comprendre que l’art peut inventer. Mais il ne le fait pas systématiquement. C’est en garantissant cette liberté qu’il n’a pas la contrainte de le faire qu’il pourra survivre. L’art n’est pas un outil. Il ne sert pas. Et cela, il faut faire l’effort de le comprendre. Car ce n’est réellement que comme cela qu’il pourra être utile. Parce que là  et seulement là , il pourra apporter ce qu’on n’aura pas attendu de lui et peut-être il pourra innover.

Il faut abandonner cette terminologie utilitariste. Et entendre la place de l’art ou de la créativité au sens plus général dans notre société. Soutenir l’art comme moteur d’innovation c’est comprendre sa diversité et soutenir cette liberté. Il a sa place partout. Et partout où il peut être, on doit enfin comprendre qu’on ne peut communiquer avec lui que dans les dimensions de son expression. Cette responsabilité incombe à  chacun, à  l’état, aux privés, etc. Il n’est pas question de théoriser et de papillonner dans les sphères de l’égo, mais de se connecter à  la vie !

Tout n’est pas art, mais ce n’est pas important. Ce qu’il est c’est que tout peut être créatif. Le véritable amour est créatif. Il faut être créatif pour sauver le monde. Être créatif ce n’est pas forcément faire du neuf. C’est avant tout faire du nécessaire. Tant que nous répandrons cette nécessité à  la surface égotique des choses, nous entretiendrons le malheur loin de la beauté et de l’amour, volontairement, parce que nous en sommes conscients !

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Envisager l’entreprise comme un médium au même titre que la peinture ou la vidéo c’est comprendre ce qu’est l’entreprise, entendre ses réalités, y voir une mécanique et trouver la technique afin d’extruder une forme expressive.

Nous avons traversé une crise qui n’a pas fini de faire parler d’elle. Il me parait évident que l’entreprise doit trouver comment transformer sa place au sein de la société. Elle ne doit plus simplement être un moteur de production elle doit s’interfacer avec le monde tel qu’il est et accepter sa place. Il faudrait que l’on arrête de se raconter des histoires. Les pollutions, le gaspillage, l’ultra libéralisme sont des réalités. L’écologie doit être entendue au-delà  de l’environnement naturel. Il faut imaginer une forme d’écologie globale où la terre et les sociétés tiennent une place fondamentale. Les produits, les services, la communication ne peuvent plus se passer de qualité ni d’éthique.
2012 serait selon la plupart des calendriers ésotériques le moment du changement d’ère. Un changement d’âge où nos civilisations devraient vivre des bouleversements extraordinaires. Nous n’avons pas les moyens de vivre au niveau de vie que nous arborons. Nous le faisons au prix de l’équilibre de la planète. Qu’avons-nous à  y gagner si ce n’est quelques illusions de plénitude. Nous le voyons bien, tout peut se casser la figure instantanément. Et notre niveau de conscience est si faible que nous sommes capables de détourner le regard à  la moindre frayeur (la focalisation médiatique nous aidant à  ne rien voir).

Soyons honnêtes. Combien d’entre nous vont au de-là  des idées… Bref, tout cela va loin. Il faut refaire le monde.

Quel est le principal enjeu de cette perspective d’une entreprise pensée comme un médium? C’est de trouver quelle ligne tracer pour que le texte soit juste. La consommation est consciente, elle n’est pas conditionnée. Elle est compulsive. Nous surconsommons pour vivre. Les entreprises ont-elles besoin de surproduire pour vivre ? Ou courent-elles simplement après le profit ?

Quel sentiment avons-nous quand une entreprise offre le meilleur de ce qu’elle sait faire et qu’elle montre que c’est son principal souci. ‟Aide-toi, le ciel t’aidera ”. Une économie durable, puisque le terme à  la mode, ne peut pas simplement donner l’image d’un respect des hommes. Elle doit soutenir leur existence en sacrifiant le profit là  où il serait à  l’origine de la peine. Nous devons trouver comment faire confiance à  notre système. Et telles que les choses fonctionnent aujourd’hui cela n’est pas évident.

En janvier 2008 j’ai réalisé la pièce ‟soldes d’hiver” à  Bordeaux… Michard Ardillier est un magasin de chaussures tendance et de qualité. On ne peut pas dire que les produits y soient réellement bon marché. Mais ils sont souvent rares et courus. L’entreprise réussit bien et est devenue réputée pour la pertinence de ses choix et la dynamique de ses positions. Ses soldes d’hiver sont célèbres. On vient d’un peu partout pour s’arracher les objets précieux. Pour l’occasion le magasin est transformé et habillé. La chaussure est un objet convoité. Un objet de consommation courante. Beaucoup de gens n’emportent même pas les boites des chaussures qu’ils achètent.

Le magasin est situé au centre de Bordeaux. Il a une grande vitrine sur la très passante rue Sainte- Catherine juste en face des Galeries Lafayette et il a une autre très grande vitrine sur la Galerie Bordelaise. La galerie est un passage couvert en diagonale. C’est un monument classé. Il est géré par une copropriété qui regroupe la plupart des logements et des commerces du bloc. Ce qui fait que beaucoup des copropriétaires ne bénéficient d’aucune vue ni d’aucun accès sur ce passage. Ce passage a une obligation d’ouverture au public la journée du lundi au samedi. C’est un espace qui navigue entre sphères privées et publiques. Et lorsqu’il est question de mettre de l’argent dans son entretien les choses se compliquent vite. La galerie est infiltrée par les eaux, Les pierres des corniches tombent. Les verrières sont remplacées par des plastiques depuis longtemps.

En décembre 2006 j’ai proposé à  Colas Michard de réaliser une installation dans la galerie. Je voulais parler de l’art dans l’espace public. Je voulais parler de l’art et de la communication. De toutes les ambigüités des relations entre la production d’oeuvres par l’entreprise et l’image de l’art vendu. Je voulais parler de la consommation. Je voulais parler des rapports de l’art au public et au privé. L’entreprise était au croisement de toutes ces questions. Pierre-Pascal Michard a accepté ma proposition d’élever un mur infranchissable au centre de la galerie Bordelaise pour les soldes. Le magasin a conservé toutes les boîtes que les clients n’emportaient pas de décembre 2006 à  Janvier 2008. Nous avons élevé un mur de 6,50m de haut entre le 5 et le 7 janvier 2008. Et ce lundi-là , les Bordelais on découvert leur passage muré en son centre. J’ai co-signé les soldes avec le magasin : ‟Jacques Perconte & Michard Ardillier’s Soldes d’hiver” incluant ainsi les soldes dans ma proposition. Nous n’avons pas communiqué sur l’action. Nous n’avons demandé les autorisations (sous forme de proposition) qu’aux commerçants de la galerie en laissant de côté les autorités publiques. Le succès a été immédiat. Les médias se sont agités sur l’évènement. Le public a été un peu bousculé. Je pensais que les réactions officielles seraient rapides, qu’on me demanderait de retirer la pièce comme on l’avait fait pour Christo, mais le mur est resté debout huit jours…. La structure est restée le temps des soldes. Le magasin a fait de très belles soldes avec une progression conséquente par rapport à  l’année précédente. Et finalement des résolutions politiques ont permis de débloquer temporairement la situation de la galerie.

Est-ce que Michard Ardiller a été mon médium? De toute évidence c’est bien au travers de l’entreprise, de son identité, de son activité et de son magasin, ainsi que des contextes sociaux, théoriques et politiques que j’ai exposé mon écriture. C’est une occasion, il y aurait pu en avoir d’autres. C’est exactement là  que se tend le temps du médium. Pour quel résultat ? Une prise de place dans la rue. Pour dire au public que d’être vivant c’est ne plus être surpris d’être là  : être conscient de soi. Que de résister à  la pression est la première chose à  entreprendre. Cette coupure, cette obligation à  faire un détour (à  reprendre sa route puisque c’était un raccourcis), cette contrainte doit être vue à  la fois comme un pied de nez et comme une libération…

Bien sur, Michard Ardillier assume ses positions. Cela ne changera rien au monde. La tension dramatique n’est pas là . Elle est en nous. Rien ne changera si nous ne changeons pas. Ce n’est pas les medias qui nous changeront et qui referont le monde. Le mouvement doit venir de l’intérieur.

Michael Sellam a présenté l’installation ‟ scratch ” lors de la dernière nuit blanche. Il a travaillé avec une entreprise spécialisée dans la robotique de pointe dans la perspective de détourner de son usage un robot ultra-rapide. Ses intentions étaient principalement critiques. L’entreprise voyait là  un moyen intéressant de communiquer et de dessiner son image au travers de la visibilité de la nuit blanche. La collaboration a permis des expérimentations qui ont servi l’entreprise et ont certainement ouverts des pistes de travail pour l’artiste. Mais chacun est resté à  sa place.

Quelles sont les attentes à  priori de l’entreprise vis-à -vis de la production de l’artiste qui viendrait à  sa rencontre ? Est-il simplement question de plus value ? Soit l’artiste produira une image qui améliorera temporairement ou durablement la communication de l’entreprise, soit il se livrera la production de l’entreprise à  son imagination pour donner de nouvelles formes ou de nouveaux plans d’usages aux produits…. Doit-on parler de création artistique si on s’en tient cette entente cordiale ? Évidement que tout le monde peut s’y retrouver. Mais les non dits épuisent les possibilités. Pourquoi le modèle économique alors ne serait pas interne à  l’entreprise s’il ne s’agit pas avant tout de culture ? Sinon dans cette logique il faudrait que le ministère de la culture soutienne la production de la publicité.

Dans la relation de l’artiste à  l’entreprise, je vois l’impossibilité d’ignorer l’entreprise comme fondement du questionnement… Lorsqu’il oeuvre l’artiste ne se soustrait pas à  lui-même.

Envisager l’entreprise comme un médium c’est arriver à  se faire rencontrer deux hommes. C’est arriver à  assumer deux positions, deux réalités qui ne doivent en devenir qu’une le temps d’une oeuvre. C’est peut-être demander à  l’entreprise de s’incarner.

Faut-il des entreprises propres ? Il faut arriver à  dessiner des images vraies. L’ambigüité est réelle. Le profit est réel. La mauvaise qualité est réelle. Est-ce systématique ? C’est une question d’harmonie. Il faut accorder les paradigmes pour que l’écho ne sonne plus faux.

Si je prône ces idées c’est que j’ai envie de questionner le monde, notre monde avec d’autres moyens que ceux qui sont communs, j’ai envie d’écrire l’entreprise pour dire le monde. C’est ce que nous vivons aujourd’hui, nous vivons l’économie.

Il faut bien comprendre que je parle d’entreprise et pas d’industrie. Dans mon approche questionner la production industrielle dans le sens de la recherche aussi bien que dans l’exploitation de l’actif ne suffit pas. Il faut échapper à  la fuite des contenus. Il est à  mon avis fondamental que le sens et que le geste soient forts.

La création pourrait définir le moment de rupture où l’entreprise déciderait de transformer ou de moduler son rapport éthique à  la production, au commerce, aux hommes. Et si la plus value était humaniste ?

…

Jacques Perconte, premières notes, octobre 2008 r2

Je publie ce texte tard. J’ai commencé à  l’écrire il y a presque un an et j’attendais d’en faire quelque chose de concret. Et lorsque les choses traînent elles s’endorment. Alors aujourd’hui j’ai invité quelques personnes dans un espace encore privé : http://www.e-medium.org/ espace aussi au repos depuis un moment… Il s’y ouvre une discussion, vous pouvez me contactez si vous êtes intérréssés jacques.pecronte @rob technart.fr 

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Beaucoup pensent les usages de demain, ceux de l’internet, ceux de la ville, globalement, ils imaginent tout. On arrive même à  se demander comment internet pourrait servir de modèle à  notre monde. Modèle d’interface bien sur. Il s’agit de voir comment on peut optimiser la réalité, comment on peut par l’intelligence de la modélisation arriver à  proposer des outils pour anticiper le monde. Nous voulons calculer le plus précisément l’axe par lequel nous allons pénétrer l’espace et la connaissance. L’évolution des technologies et de la pensée théorique de l’ergonomie nous dessine ces interfaces qui nous laissent le choix… croyons le ou pas, on nous pense acteurs mais on définit un ensemble de possible à  notre liberté d’action. De toutes nos forces nous essayons de sécuriser et de maitriser les quelques prochaines minutes de notre présence ici. Mais les outils exposent des alternatives partielles. Ils fabriquent des raccourcis. Ils peuvent être effectivement efficaces. Mais au lieu d’optimiser ils deviennent d’une certaine façon l’alternative.. On gardera en contre exemple quelques initiatives qui sont ancrées dans la réalité et qui répondent de manière non symbolique aux besoins.

Je passe rapidement sur ce que cela veut dire de réagir de la sorte par rapport à  la ville. Anticiper la ville… faire de l’urbanisme une science de l’anticipation, désigner (dé-écrire) l’espace pour la perception délocalisée, on utilitarise au maximum, on modifie l’écriture du monde. Est-ce que le soucis de l’urbaniste ce n’est pas au contraire de ramener l’homme dans la ville et par ses savoirs et son expérience écrire la ville pour perception immédiate, pour qu’on la vive.

J’ai un bête souci avec les nouvelles technologies (et les autres aussi, mais la démocratisation est moins forte). C’est un souci du rapport de fascination avec l’objet. Comment en voulant finalement faire bien (qu’on dit), on peut se focaliser sur le fonctionnement d’un outil et des performances de ses adaptations au monde. L’homme pense des objets pour gérer, comment il se détache de la nature pour vivre plus haut. Mais la finalité pour certains est d’observer cette mécanique anti-divine, connue, certifiée, expliquée et profondément humaine. J’ai peur que cela empêche de voir plus loin que son nez. Que du coup on ne puisse jamais avoir autre chose que l’illusion d’être là  puisqu’on se projette ailleurs en fait. Peut-être que les meilleurs outils sont ceux qu’on ne « voit » pas.

Alors le carrefour des possibles suit la tendance. Qu’est ce qui va intéresser ? L’innovation ou l’utilité ? Je ne vais pas revenir sur les projets qui ont été présentés. Je ne veux pas en critiquer un en particulier. Mais inventer de nouveaux usages, tenter de répondre à  ce qu’on penserait comme un mouvement d’enthousiasme, qu’est ce que cela veut dire ? On est dans de la suggestion d’interfaces, on ne parle plus de l’homme ni du monde.

Pour « … tous les membres pour qui partager est un besoin vital » la révolution numérique est une nouvelle ère…. Qu’est ce que fait le web 2.0. Je ne répond pas là , je gratte. On cercle la relation inter-humaine, on piège l’égo et le développement de soi dans ses relations inter-humaines. On multiplie les points de surfaces du tissu social qui finit par se dessiner alors que jusqu’à  présent c’était quelque chose d’implicite. On figure le système qui sous-tend notre relation aux autres. On crée une interface déficiente (partielle) à  un système très complexe. On aplatit la société.

On développe des modèles technologiques paliatifs destinés à  supporter des réactions de peur. On ne prétend pas y répondre de façon réelle. On tend vers la possibilité de savoir. On se rassure en quelque sorte. On est plus peureux de la sorte.

Franchement on entend de ces choses qu’on dit acceptables. on imagine des modèles de marketing supportables où l’utilisateur joue le jeu du parasitage publicitaire en échange de ce dont il croit avoir besoin. On sent bien qu’il n’y a pas de limite à  l’acceptable ni au supportable tant que le service excite… et est gratuit! Mais oui Internet est gratuit.

Comment rester Libre ? Échapper au modèle économique. Rester maître de ses outils et de ses vecteurs d’information ? Mais comment ? Il faut tout inventer. Ce n’est que le début. mais il faut arriver maintenant parce que les ouvertures rétrécissent et les places libres diminuent.

Le totalitarisme bien pensant qui s’instaure est le plus dangereux de tous, pire qu’inconscient il est aveugle. Il faut comprendre le monde, l’individu, soi, il faut arriver à  être honnêtes et ce au prix que cela peut coà»ter.

Le 6 décembre, projetez-vous dans l’avenir de l’internet avec les 10 projets innovants du 47e Carrefour des Possibles spécial Ville 2.0 : De 18h30 à  21h30 à  l’Université Paris Descartes Faculté de Pharmacie, 4 avenue de l’Observatoire – 75006.

Qu’est-ce que le Carrefour des Possibles ? Un processus au service des innovateurs et des utilisateurs des technologies de l’information et de la communication (repérages, présélections, sélection, soirée publique). C’est un lieu de découverte d’usages nouveaux qui dynamise les échanges d’informations et les partenariats. Durant la soirée publique, 10 projets innovants se présentent : jeunes entreprises et laboratoires installés, associations et services publics, étudiants et créateurs, etc… Autour d’un verre, les participants peuvent ensuite retrouver les porteurs de projets qui disposent chacun d’un espace pour détailler et démontrer leur idée…

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Ce petit texte résulte de découpages de mails. Il pose les bases d’une réflexion qui trotte depuis pas mal d’années.

J’ai pas mal de raisons pour vouloir séparer mon espace de travail de mon domicile. Il suffirait de louer un bureau quelque part… mais cela ne m’intéresse pas. J’avais proposé à  une boite de me céder un espace pour m’y installer, pour une durée d’environ un an contre mon expertise occasionnelle dans ses projets. Que cela n’ait finalement pas pris à  cause de frilosité ou d’un manque de réactivité certainement m’a conduit à  repenser cette idée de résidences en entreprises qui me tourne dans la tête depuis pas mal de temps.

Il serait question pour un artiste d’intégrer une entreprise pour une résidence croisée, où tour à  tour l’un et l’autre des deux parties consacreraient une partie de l’énergie au projet de l’autre : l’artiste intègrerait l’équipe de l’entreprise sur un projet et y insufflerait dès la conception un vent de non conformisme qui permettrait à  l’équipe face à  une nouveauté de se positionner et certainement de se nourrir de nouveauté, il pourrait participer à  la production, à  définir… En contrepartie, l’entreprise considérait l’artiste comme un employé sur la base d’avantages en nature (et d’un salaire ?) selon des modalités qui ne contraignent pas l’artiste à  devoir être productif, il s’agit d’une résidence. L’entreprise mettrait à  disposition de l’artiste un espace et certaines de ses ressources humaines.

Tout cela n’est peut être pas très bien dit. Mais l’idée est la rencontre entre un ingénieur (des ?) et un artiste. Comment l’ingénieur peut travailler (avec certains moyens d’une entreprise) avec un artiste et comment un artiste peut s’intégrer au sein d’un projet d’entreprise sans qu’il ne devienne un graphiste (et que l’ingénieur ne devienne un développeur au sein du projet de l’artiste). Il faut inventer les relations qu’ils peuvent entretenir.

Il ‘s’agit de discuter, d’ouvrir, d’élargir, de transformer, d’enrichir, de secouer pour provoquer de part et d’autres des réactions nouvelles.

La France est vraiment le pays où le mécénat et le rapport entre l’entreprise et l’art sont les plus basiques et méfiants. Je suis persuadé que nous passons a côté de choses formidables. La liberté que certains artistes pourraient apporter à  des entreprises serait sans égal avec quelque plan de restructuration que ce soit. Ouvrir la recherche à  des employés sur une production non commerciale durant leur temps de travail leur ferait voir de nouveaux horizons et surtout les aiderait à  ouvrir leurs perspectives, à  se dégourdir, à  certainement apporter plus à  l’entreprise. Et cela impliquerait plus les artistes dans un modèle économique qui n’est pas directement lié au marché de l’art.

Vu les mouvements de la politique je pense qu’il faut prendre les devants. Il y a une véritable volonté de l’état à  pousser la décentralisation, mais je ne sais pas si les villes auront les capacités de réagir systématiquement. Et depuis le temps que l’on en parle il serait temps qu’il se passe quelque chose de concret entre l’art et l’entreprise, il faut se dégager de la dépendance au public et faire entendre ce qui peut renforcer l’innovation et le travail en entreprise. Le désordre n’est qu’une idée reçue.

J’ai connu ce que c’était d’être un plasticien au sein d’une équipe de recherche au cnrs… C’est une expérience qui m’a marqué et dont les enseignements restent vifs. Aujourd’hui tout le monde parle de l’interdisciplinarité de la transversalité mais il n’y a rien d’effectif. Les entreprises pourraient apporter beaucoup a certains et vice versa. Il y a beaucoup de paramètres à  définir. Il faudrait trouver une entreprise qui veuille bien aider à  construire le modèle pour avancer sur cette idée, monter un projet, avancer sur des positions plus que sur une charte qui devienne un modus operandi qui encore une fois ne ferait que déconstruire toutes les tentatives parce que certainement ce qui manque souvent (et cela est vrai dans le milieu de l’art aussi) ce sont les vrais regards qui se croisent : découvrir l’autre pour s’enrichir (pas pour le voler) . Il faut démystifier. Je pense que chaque cas doit être particulier, chaque cas doit être une rencontre portée par la volonté des deux parties. Il faut adapter les modalités à  chaque fois, que la qualité de l’entente soit tenue par l’action des acteurs et non pas par le respect d’une charte extérieure, on assume ses engagements, et surtout on va à  la rencontre de l’autre.

Il faut voir ce qu’il y a à  faire et construire…

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Education, anthropologie et alchimie

Comment comprendre de quelle façon il faudrait envisager les images aujourd’hui ?
Comment produire des images fortes ?
Comment proposer des formes nouvelles ?
Pourquoi le paysage visuel français s’uniformise ?

Durée de la formation A partir de 24 heures de formations (3 jours en présentiel)
Aucun pré requis spécifique.

Objectifs

Bousculer la créativité. Élargir la culture visuelle : offrir des pistes de recherches en ayant une vision transversale de la création à  travers les époques. Acquérir ou ancrer des notions fondamentales sur l’image, l’art et les medias à  travers des expériences historiques, anthropologiques et pratiques. Ouvrir les champs de réflexion et mettre le créateur d’images face à  ses responsabilités : le confronter à  une pensée critique, l’amener à  s’exprimer et à  maîtriser pleinement ses choix. Développer une rhétorique percutante pour maitriser le langage des images. Développer l’expression orale.

Introduction

‟ Si comme de nombreuses entreprises vous souhaitez donner une nouvelle dimension à  votre communication, l’art est l’outil stratégique qu’il vous faut. Ses multiples facettes, qu’elles soient esthétiques, pédagogiques, sociologiques, spirituelles ou idéologiques, sont riches de contenus. Média à  part entière, il alimente les valeurs de l’entreprise, enrichit son discours et développe son potentiel d’impact et d’attractivité. ”
Anne Kieffer

‟ Les deux qualités essentielles de l’artiste sont la morale et la perspective. ”
Denis Diderot

L’histoire de l’art rassemble tous les rapports qu’ont eus les hommes avec les images. Seulement souvent les faiseurs ont perdu les liens fondamentaux avec leurs créations. Ils oublient que la créativité est une faculté qui puise et réarrange les informations de la mémoire. Cette mémoire est de moins en moins personnelle. La mondialisation en entraînant une surproduction d’images risque d’entrainer une uniformatisation des productions… L’art qui pense la société et fabrique des images reste souvent en marge de l’éducation et de l’apprentissage. Quand il est abordé, c’est trop souvent d’un point de vue extérieur, sous des aspects distants et historiques : pour être maîtrisé, il n’implique pas le jugement ni n’inclut l’étudiant dans la réflexion. Cette formation, en proposant une alternative aux enseignements courants donnera les clés d’une créativité plus fraîche.

Ces six modules sont tournés vers les étudiants. Il est question de les confronter à  la réalité de la création artistique par l’intérieur, avec un artiste. De visiter l’histoire de l’art à  travers une lecture plastique qui soulève les problématiques de l’image et de ses rapports à  la société. De poser un regard critique et éducatif sur les langages cinématographiques et télévisuels à  travers des exemples précis. De décortiquer une histoire des rapports entre l’art et la publicité sous divers angles. Et enfin de poser la question de la production d’image dans la société aujourd’hui. A partir d’un large panorama de propositions les étudiants sont invités à  poursuivre des pistes pour étayer leur culture. Il n’est pas possible de faire tout le tour des réponses aux questions qui sont posées dans cette formation en trois jours, mais une fois les pistes mises au jour c’est le travail de chacun de construire sa culture. De l’invention de la peinture à  l’invention de l’art, l’histoire de limage jusqu’à  sa reproductibilité technique, de l’image à  la publicité : les facettes de notre rapport aux représentations. Cette formation à  pour but de balayer l’histoire de la représentation, d’ouvrir une voie à  travers ses philosophies…

L’art, l’image, la publicité et vous ?

1 : Histoire de l’image / histoire de l’art / création (8 heures)

A travers un parcours historique qui suit l’homme de ses premières peintures sur les murs à  l’age de la publicité électronique, il sera question de l’histoire des représentations et des techniques, de l’histoire de l’art, des relations entre l’image et la société, du statut de l’image (essentiellement en occident) au fil des époques.

1.1 Les fondements de l’art : avant l’histoire, avant l’apparition du christianisme.
1.2 L’art et la religion, art sacré et art profane.
1.3 Après la révolution française.
1.4 Après la révolution industrielle

Thèmes : icône, sacré, portrait, perspective, paysage, profane, déconstruction de la perfection, désacralisation, imprimerie, réalisme, fiction, liberté, révolution, expression, société, communication, surréalisme, minimalisme, art conceptuel, marché de l’art, fin de l’art, institutionnalisation, mondialisation…

2 : Sémiotique / image en mouvement (3 heures)

Il existe une science des modes de production, de fonctionnement et de réception des différents systèmes de signes de communication. Dans cet atelier il sera question de découvrir cette science et de la mettre en pratique. La prise de recul théorique et scientifique face à  l’image favorise l’apparition de certains schémas importants pour comprendre les mécanismes de perception. L’image, on le sait n’est pas neutre, elle n’est pas innocente. Alors, il faut savoir la lire.

2.1 La rhétorique de l’image : Roland Barthes et Panzani, analyse sémiotique d’une image publicitaire
2.2 L’analyse filmique : A partir d’extraits de films, décryptages, références pour amener une discussion. Quel est le sens de l’image ? Quelle est sa portée ? Quel impact a-t-elle sur le spectateur ?

Thèmes : signes, messages, rhétorique, sémiologie, écriture, montages/collages, interactivité, communication, société, culture, marché, conscience, manipulation, mythologie, fiction

3 : L’art et la publicité (3 heures)

La publicité est née de la lithographie, de l’affiche, des médias, son histoire est liée à  celle de l’art à  qui elle a toujours fait appel de ça et de là  sous différentes formes, et sur qui elle porte un regard critique tour à  tour naà¯f, irrévérencieux, drôle, effronté, pertinent. La publicité est devenue un élément caractéristique de la société et les artistes se la sont appropriées, le Pop Art l’a immortalisée.

3.1 Histoire de la publicité
3.2 Histoire d’art et de publicité, les relations entre l’art et les medias publicitaires : jeux, désordres, connivences.
3.3 Le publicitaire produit de l’art : la question de l’oeuvre unique, le cinéma expérimental et la publicité, l’inspiration.
3.4 L’ambiguà¯té de l’art contemporain, l’oeuvre-anecdotique à  l’impact publicitaire

Thèmes : publicité, médias, lithographie, affiche, art moderne, art contemporain, marché, production, économie, société…
jacques perconte > tek@technart.net î L’art, l’image, la publicité et vous î septembre 2006 – 4/4

4 : Produire des images aujourd’hui/ produire des idées maintenant (2/4 heures)

Maintenant, il faut faire un point sur notre époque : analyser le contexte socioculturel contemporain et comprendre quelle place occupe l’image. Nous ferons un tour d’horizon de réflexions de philosophes, de sociologues, d’historiens, de géographes, d’artistes. Nous poserons la question de la position que doit prendre celui qui crée des images dans ce contexte croisé de l’avènement récent des nouvelles technologies de communication et de la démocratisation des moyens de production ? Ici s’étoffe la réflexion et doivent se placer les personnalités : quel est l’enjeu de la communication ? Quelle est la place de l’individu dans la société, quelle est ma place ?

4.1 Les années 60/70, la guerre du Vietnam et l’apogée de l’explosion culturelle : cinéma italien, littérature américaine et l’art contemporain.
4.2 Le virage des années 80 : Rambo, la télévision, la presse écrite illustré contemplative : le magazine, regards portés sur les images que ces années nous ont laissées.
4.3 Ballade à  travers la publicité mondiale aujourd’hui
4.4 Les sociologues et les philosophes : ceux de la télévision et les autres.
4.5 L’écologie actuelle : la rupture totale du contrat naturel, le virtuel, le Mix.

Thèmes : société, culture, histoire culturelle, occidentalisme, mass media, presse, télévision, sociologie, philosophie, morale, neutralité, système…

5/ regarder l’art (4 heures)

Se déplacer pour découvrir une exposition, voir un film, porter un regard sur l’art, qu’il soit classique, contemporain ou commercial…. C’est la cristallisation des ateliers précédents, il s’agit de savoir lire ce qui est exposé, de pouvoir dénouer ce qui dans le jugement est de l’ordre du culturel et du personnel, d’être capable de tenir une distance juste avec l’image et l’oeuvre. Selon la période de la formation, et selon l’actualité culturelle, autour d’une exposition ou d’une projection, s’installera une discussion, où les étudiants devront se positionner et défendre des avis critiques personnels.

6/ Fonder un discours sur l’image (2/4 heures)

Proposé au début de la formation, et présenté le dernier jour, cet exercice propose à  chaque stagiaire de choisir une ou plusieurs images commerciales de préférence et d’en analyser sa perception. Il lui sera demandé ensuite de faire une proposition constructive sur les choix qu’il aurait faits. Chaque stagiaire fera ainsi une intervention orale d’une vingtaine de minutes, et conduira une discussion avec l’ensemble des participants.

Formation tenue à  MediaBox Paris en octobre 2006.
Touts droits réservés des textes Jacques Perconte / renseignements : 06 60 61 54 08

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Si comme de nombreuses entreprises vous souhaitez donner une nouvelle dimension à  votre communication, l’art est l’outil stratégique qu’il vous faut. Ses multiples facettes, qu’elles soient esthétiques, pédagogiques, sociologiques, spirituelles ou idéologiques, sont riches de contenus. Média à  part entière, il alimente les valeurs de l’entreprise, enrichit son discours et développe son potentiel d’impact et d’attractivité.

Anne Kieffer, Michèle Benattar, Mettez de l’art dans votre com, Editions d’Organisation (16 octobre 2003)

Les deux qualités essentielles de l’artiste sont la morale et la perspective

Denis Diderot rapporté par Paul Eluard dans Les frères voyants – anthologie des écrits sur l’art, tome 1, bibliothèque médiations.

illustration : publicité, Prince, 1986. Agence : Fallon McElligott Rice, Minneapolis. Peintres : Mark & Dick Hess, concepteurs : Bob Barrie, John Stingley. Traduction (du texte qu’on ne voit plus tellement) : « Originale. Râblée. Quand nous créons une sauce Prince pour les spaghettis, nous vous donnons le choix. Car personne n’a tout à  fait le même goà»t.’

Notes d’introduction au cours que je prépare sur les médias, l’art et la publicité… la perspective et la morale…

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