We consider all moving image art practices, including film, video, performance, installation and new media forms. WNDX is a film festival that was created by filmmakers, in support of filmmakers

Impressions
Jacques Perconte | France
48:00, HD, 2012
●International Premiere
▷JURY PRIZE:BEST INTERNATIONAL WORK
Along the shores of Normandy, on the track of the Impressionist painters, something’s happening:the colours are crashing against the screen …

Do iPhones Dream of Electric People?
Friday, September 28 @ 7:00PM | Cinematheque

Glitch driven investigations of landscapes, this program transforms the cinema into a space to sculpt light, with works that explore an expanded idea of embodied perception. Starting on the doorsteps on Nirvana, descending into a VHS compilation of the creation of the universe. Fantastical data-moshed dreams, tree blurs and blue-screen skies, the screen is transformed
into kinetic paintings.

WNDX Festival of Moving Image Sept 26 – 30, 2012
Winnipeg, Canada · http://www.wndx.org

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Séance EXPÉ 5

Dimanche 10 juin à 22h00
Jeudi 14 juin à 20h00 

CINÉ 104
104, avenue Jean Lolive
93500 Pantin

Pour la neuvième année consécutive, cette compétition consacrée au cinéma expérimental, à l’essai ou encore à l’art-vidéo présente 26 films qui ont en commun de questionner, de bousculer et d’enrichir les langages et esthétiques cinématographiques.
Faire bouger les lignes, frémir les frontières, décloisonner et révéler la porosité entre les genres, tels sont les axes que se proposent de suivre les artistes sélectionnés dans cette section.

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* 15h30 : conférence de Marie Martin, « Paysages après la catastrophe et utopie plastique dans le cinéma expérimental contemporain. Autour de Jacques Perconte et Xavier Christiaens » -> à l’Université de Poitiers, MSHS, salle Guillaume de Troubadour

* 18h : Projection du film « Impressions » (version de travail) de Jacques Perconte, en présence du réalisateur. -> à l’Auditorium de l’École européenne supérieure de l’image

*

Programme de recherche pluri-annuel « Utopies et catastrophes »
dirigé par Jean-Paul Engélibert (TELEM, Université Bordeaux 3) et Raphaëlle Guidée (FoReLL B3, Université de Poitiers)

Journée d’études du 28 mars 2012, Université de Poitiers

Après la catastrophe : images et paysages de l’utopie

Notre époque est définie par la mémoire des catastrophes historiques du siècle dernier autant que par l’attente des catastrophes naturelles qui pourraient mettre en cause l’habitabilité même du monde pour l’homme. Dans le prolongement de la journée d’études du 1er décembre 2011 « Quelles formes pour l’utopie à l’âge des extrêmes ? » (Bordeaux 3), il s’agit dès lors de réfléchir à une forme spécifique de l’imaginaire contemporain de l’utopie, consistant à prendre acte de la dimension catastrophique de l’histoire humaine (passée et à venir) pour refonder l’utopie sans l’humain, ou à partir d’une nature dont l’homme ne serait plus le centre.
Alors que l’utopie de Thomas More fonde sa perfection sur les efforts des hommes pour construire une société harmonieuse ordonnée par la raison, les utopies contemporaines semblent parfois troubler l’opposition classique entre paradis naturel et cité dénaturée, entre libération des désirs et contrôle extrême des affects. Sur les rives de ce qui fut la mer d’Aral ou dans la zone interdite de Pripiat, sur les planètes lointaines de la science-fiction ou dans les décombres de Detroit, artistes, cinéastes, écrivains, vidéastes imaginent un monde rendu à la nature, ou décrivent des formes d’entente nouvelles entre l’homme et son environnement.
La journée du 28 mars s’attachera principalement à la littérature et aux arts de l’image (cinéma, photographie, arts plastiques). Elle permettra de poursuivre l’interrogation des formes renouvelées de l’imaginaire utopique contemporain au temps des catastrophes, mais aussi de relire les utopies classiques, en découvrant que certaines d’entre elles, prenant acte de l’imperfection humaine, ne peuvent déjà penser la perfection utopique qu’en l’absence de l’homme.

Programme :
10h15 : accueil des participants, MSHS, salle Guillaume de Troubadour

10h30-11h15 : Lucie Campos (Littérature comparée, Institut français), « Séjours à la campagne – temps de la nature et temps de l’histoire dans l’oeuvre de Sebald ».
11h-11h45 : Lambert Barthélémy (Littérature comparée, Poitiers), « Place et fonction du récit apocalyptique dans le discours environnemental ».
11h45-12h30 : Raphaëlle Guidée (Littérature comparée, Poitiers), « Entre utopie et catastrophe : Détroit, capitale du XXème siècle »

13h : déjeuner au restaurant Rabelais

14h-14h45 : François-Xavier Molia (Études cinématographiques, Poitiers), « Last Men on Earth : le Nouvel Hollywood après l’Apocalypse ».
14h45-15h30 : Jean-Paul Engélibert, (Littérature comparée, Bordeaux 3), « Paysages de la fin des temps : Le dernier homme de Cousin de Grainville (1805) ».
15h30-16h15 : Marie Martin (Études cinématographiques, Poitiers), « Paysages après la catastrophe et utopie plastique dans le cinéma expérimental contemporain. Autour de Jacques Perconte et Xavier Christiaens ».

18h : Auditorium de l’EESI : Projection du film « Impressions » (version de travail) de Jacques Perconte, en présence du réalisateur.
Projection organisée par Marie Martin avec le soutien de l’association culturelle de l’UFR LL.

Responsable : Jean-Paul Engélibert et Raphaëlle Guidée

Adresse : Maison des Sciences de l’Homme et de la Société5 rue Théodore Lefebvre 86000 POITIERS

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La galerie Charlot accueille plusieurs œuvres numériques de Jacques Perconte. Vidéo projections et installations sur iPAD s’apparentent au même geste fort de l’artiste qui va à rebours des dictats de la matière numérique dans une démarche profondément plastique, picturale.

En octobre 2011, à l’initiative de Nicole Brenez, historienne du cinéma et chargée de la conservation du cinéma d’avant-garde, la Cinémathèque française organisait plusieurs séances autour des oeuvres remarquables de Jacques Perconte. Cet artiste singulier est passé par les cours du soir des Beaux Arts, par l’université, le CNRS, les Arts plastiques, le cinéma, la philosophie, le design interactifs, les systèmes d’information, les stratégies d’innovation … Il mène ses recherches depuis 1995 et son travail sur la vidéo et les différents codecs (compression et décompression) s’affine au fil du temps.

Dans l’obscurité de la salle de cinéma ou dans l’espace tamisé de la galerie, l’emprise des images de Jacques Perconte est saisissante. Il y va d’une densité des formes qui s’auto-génèrent jusqu’à leur disparition. Pulsations et ressacs, pures intensités chromatiques créent une texture épaisse, alors que d’énormes pixels font que les couleurs se diluent, circulent, se rependent d’un plan à l’autre. L’extrême fidélité et la précision mimétique de l’image numérique sont détournées dans un acte radical qui s’attaque à la racine binaire de l’information numérique pour mieux accéder à l’essence vibratoire du réel.

Presque toujours dans les films de Jacques Perconte le geste inaugural est un travelling. Qu’il soit embarqué sur l’eau (Uishet) ou dans un train (Après le feu), qu’il soit dédoublé et renversé dans sa chronologie (Fontainbleau), ce mouvement de cinéma témoigne d’un désir multiple : non pas simplement embrasser le paysage dans une posture fixe, statique, mais s’y immerger, y plonger avec l’espoir de percer le réel, d’aller au delà du voile de l’image, l’abimer à la source pour mieux s’y abimer. Soumise à des traitements numériques, l’image atteint une stase, brille de mille feux avant de sombrer. Le paysage, devenu abstrait, porte encore les traces du monde, trop plein et vidé à la fois, sorti de ses rails : extatique.

Après le feu (2010, 7’, vidéo) est un travail exemplaire de cette démarche. L’image prend la texture des braises, des flammes et des vagues incandescentes. Elle fond, se liquéfie, se délite, attaquée par des couleurs fortes et saturées. Seul le chemin de fer garde son obstination qui nous mène toujours plus loin dans les profondeurs de l’image – paysage. La couleur s’épuise, des aplats, des murs de « non-couleur » obscurcissent le travelling. L’abstraction appelle des formes nées d’elles-mêmes.

Fontainbleau (2012, 24’, vidéo) démultiplie le processus, le plonge dans le miroir, le ralentit également. Le traitement est moins radical, l’artiste joue sur la durée et préserve dans sa composition certains repères du monde réel qui font signe vers la gémellité des deux images installées sur des iPADs. Un indicible trouble nous gagne avant d’acquérir la certitude qu’il s’agit d’un même morceau de paysage. La mise en abime est vertigineuse. Nous avons tout d’un coup accès à un aperçu de ce que peut être, pour Jacques Perconte, la fabrique des images. Son rapport au réel, la captation, l’enregistrement passif est augmenté par des procédées artisanaux qui tiennent de l’alchimie numérique. Une précision est ici capitale : l’artiste se garde d’introduire dans ses œuvres toute information allogène, toute donnée qui n’aurait pas existé dans le fichier source. Ses algorithmes exacerbent les qualités intrinsèques de l’image, mais sa pratique, hautement plastique, reste très attachée au cinéma, car mouvement et montage sont des éléments essentiels de son travail. La frontière devient poreuse, fragile et incertaine entre les plans. Malgré la coupe, ou peut-être grâce à elle, des images clés, avec les couleurs, franchissent les plans. Les mots pénètrent les images amplifiant une incontestable sensation de la matière.

Ainsi, dans Impressions (2011, 42’, vidéo) – film dont une version préparatoire a été montrée par Nicole Brenez à la Cinémathèque et qui n’est pas intégré à l’exposition – il peut arriver, comme dans les toiles des maîtres japonais, qu’un oiseau fasse trembler le paysage saturé. Jacques Perconte nous dévoile les flux d’énergies qui se cachent derrière les images les plus prosaïques une fois poussées dans leurs retranchements. Cet opus à forte charge picturale revisite l’émerveillement des Impressionnistes devant la lumière des paysages normands de bords de mer et son éclat gagne évidemment à être magnifié par la projection sur grand écran.

Avec audace, obstination et patience Jacques Perconte approfondit son art qui adresse cette autre perception dont parle Gilles Deleuze dans ses cours en citant Paul Cézanne ou Stan Brakhage, approche ce monde d’avant l’homme, tente des réponses à une même question : combien de couleurs on peut trouver dans un champs d’herbe ?

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NICOLE BRENEZ
Critic, France

Abel Ferrara in Lucca
Gérard Courant, France/Italy

A simple, modest and faithful record of some moments at the Lucca Film Festival in October 2010, with songs and speeches by Abel Ferrara: trace of the co-presence of two of the greatest contemporary filmmakers, dissident and true sons of Cesare Zavattini’s revolutionary spirit.

The Autobiography of Nicolae Ceaucescu (Autobiografia lui Nicolae Ceausescu)
Andrei Ujica, Romania

How propaganda reverses itself into a devastating critique of any political power.

Far from Afghanistan
John Gianvito, Jon Jost, Minda Martin, Travis Wilkerson, Soon-mi Yoo, Rob Todd, Pacho Velez, USA, in progress

To commemorate the tenth year of the invasion in Afghanistan, a collaborative work analysing the logics and consequences of American imperialism.

Impressions
Jacques Perconte, France
Digital fresco about Normandy landscapes that renews the forms of editing.

Video Letter
Masao Adachi, Japan

Adachi, still a political prisoner in Japan in the sense that he can not travel abroad, sends a video-letter to his audience to explain his ideals, fights and questions.

Highlights:

Book: Radical Light: Alternative Film & Video in the San Francisco Bay Aera, 1945-2000 (Steve Anker, Kathy Geritz, Steve Seid, eds), a scientifically and visually magnificent survey.

Film/Exhibition: ‘Correspondence(s)/The Completed Letters’, curated by Jordi Ballo for the CCCB (Barcelona, Spain): five video-letters exchanges between filmmakers from different parts of the world, including José Luis Guerín and Jonas Mekas, Albert Serra and Lisandro Alonso, Isaki Lacuesta and Noami Kawase, Jaime Rosales and Wang Bing, Fernando Eimbcke and So Yong Kim.

Retrospective: ‘Minding the Gap: The Films of Dick Fontaine’, curated by Michael Chaiken at the Anthology Film Archives, New York. A great British stylist and fighter with a knack for working exactly where the wind of history begins to blow.

Screening: On September 28th, the quality of the screening of John Gianvito’s My Heart Swims in Blood through Vimeo, during the World Cinema Now! Conference in Melbourne, was so excellent we could count the feathers on the Hegelian owl.

Website: livestream.com/globalrevolution. Livestream of the occupation movements all over the world, covered by independent journalists and filmmakers.

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impressions, final on the rails !!

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Impressions
Un film sur la puissance magique de la nature
Un voyage au coeur de la Normandie Impressionniste
Une balade en couleur sur les traces de la lumière et du temps.

un film de Jacques Perconte
musique Simonluca Laitempergher

Film numérique 2K, 43′

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« Comme mon travail a été souvent comparée au mouvement impressionniste français, j’ai décidé de suivre leurs traces en Normandie tournage sur les spots même où Monet ou Corot utilisé pour peindre, je vais créer une sorte de l’impressionnisme 2.0″ – Jacques Perconte

Impressions: Voyage en Normandie est la dernière d’une série de films paysages manipulés numériquement faite par Jacques Perconte.

Le «réel» voir (au moins comme on le voit à travers la lentille de la caméra) pixelates progressivement et se transforme en quelque chose de plus étrange. Les films saisir une sorte de «impressionniste» phase où des motifs lumineux et le mouvement subtil dans la nature sont au ralenti et a assisté. Mais les images en mouvement bientôt commencer à ressembler à symbolisme, fauvisme et l’expressionnisme abstrait éventuellement – les arbres transformés en plaques dentelées de couleur comme un Clyfford Still peinture, le scintillement horizon comme une ligne de Barnett Newman zip. «Nous ne voyons plus l’image du paysage, nous voyons le paysage de l’image» Perconte dit.Violaine Boutet de Monvel a écrit d’un moment dans Après le feu, filmé depuis l’arrière d’un train, où un écart semble s’ouvrir sous les voies, transformant la topographie réelle. Perconte est intéressé dans cette ré-imagination du familier – comme il a suivi les traces des impressionnistes, il a senti que leur paysage était toujours présente, malgré le mouvement constant de nuages ​​et de l’activité de la mer agitée. Ce processus tend vers la dissolution des éléments de paysage familier dans une vision de couleur pure. Dans les notes Perconte sur Impressions il cite Rousseau, se perdre dans une rêverie et objectes sentir glisser loin de sorte qu’il ne sent rien, mais l’ensemble: «Alors TOUS LES objets Particuliers Lui échappent; IL NE Voit et NE envoyé rien la DANS Que le Tout. »

L’artiste a posté de nombreux clips Vimeo, photographies, notes de production et des commentaires sur son propre site et son blog technart. Je vais terminer ici avec un film récent, je vais penser à mon voyage prochain train: une vue sur les champs quelconques sous un ciel gris qui disparaît brièvement que le train entre dans une coupe, seulement pour réapparaître partiellement enduite loin, comme Si pour révéler le logiciel derrière ce paysage factice des formes d’arbres et de parcs éoliens, puis change progressivement jusqu’à ce que nous sommes laissés avec seulement quelques vestiges de la couleur déformée avant que l’écran devient blanc.

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Ce site est sur les paysages et les arts. Il souligne comment les paysages ont été évoqués, illustrés ou transformée en peinture, photographie, littérature, musique et film. J’ai aussi parfois discuté de la création ou la modification des paysages par les architectes, artistes et concepteurs de jardins. [...]

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Continuité

Ouverture : l’arrivée

Parti en train, j’arrive sur la côte normande. Il faut quelques jours pour me défaire de la pression radioactive urbaine. Je vois le dessin de cette société dont la technologie est à  défaire. Il faut que je me défasse du bruit, de mes pensées, de mes attachements. Il faut que je profite pleinement de la nature et que j’accède à  l’essence de cette envie de faire un film. Pour porter attention à  une pierre, une fleur ou un animal, il ne s’agit pas d’y penser. Bien au contraire. Il faut le percevoir, et l’entretenir dans sa conscience pour qu’une part de son essence nous parvienne.

Déconstruction de la pensée : le repas

La fatigue se dépasse et comme une bouffée boulimique mon histoire avec la nature s’emballe. La falaise est dangereuse. Elles me donnent le vertige. Je ne peux pas échapper à  l’innocence de l’inconscience. Ce père laisse ses enfants jouer à  grimper là  où des tonnes de terres pourraient s’affaisser. Le paysage boucle et entre en résonance. Tout chavire. Une minute intense. Je digère.

Impression : La nature et la quiétude.

C’est une manière extraordinaire de se rendre compte de l’espace. J’y prends du temps avec le silence. Je ne cherche pas le chant des oiseaux ni la surprise d’un animal au coin d’un bois. Je cherche à  me libérer de la connaissance pour observer et profiter de la conscience. C’est le moment de l’histoire où par l’absence d’évènement se tisse le temps. La nature est là , la pensée s’en va. Je ne m’aperçois pas qu’elle s’en est allée. C’est le temps où je profite du vaste pour sentir chacune de mes perceptions. L’immobilité silencieuse de la nature comme je peux maintenant la contempler me rappelle la futilité du mouvement. En m’immobilisant et laissant de côté toutes considérations, en relâchant tout pour en venir à  être là  dans le paysage, dans la quiétude.

Éveil : la couleur

Il faut avoir une certaine présence pour avoir conscience de la beauté, de la majestuosité et du sacré de la nature. Cette dimension magique se manifeste dès lors que j’ai réellement laissé de côté ce corps terrestre. Dès lors, du vert, couleur morte de la vie, s’éveillent les vibrations rouges, couleurs vives du mouvement. Le monde invisible s’agite. Le paysage révèle ses secrets.

L’intériorité et le retour à  l’expérience du calme

Après le feu d’artifice, sans se presser, calmement la couleur reprend sa place et la quiétude du paysage me rappelle que cet espace immense est là . Tout doucement le paysage retrouve ses ontologies et me laisse finir la balade en pleine conscience de la force intérieure que je suis capable de déployer. Dans, le calme, le silence et l’immensité qui s’ouvre quand je ferme les yeux et que j’ouvre le coeur.

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Voici sur le papier la continuité que je propose pour la première partie du film. Cette première partie, annoncée comme les autres par un carton portant son titre sera la seule accompagnée d’une voix off (trop naà¯ve, à  voir…). Le film ira en crescendo plastique. Cette séquence durera aux alentours de cinq minutes. Ce ne sont que quelques notes…

/ Ouverture : l’arrivée

Noir. Je suis un citadin. J’ai régulièrement besoin de prendre le large. J’ai envie de voir le ciel. J’ai envie de respirer. De sentir la terre sous mes pieds. Mais difficile d’arrêter cette machine ! Même si je viens là  pour laisser tout ce qui me rattache à  la ville, je n’arrête pas de penser comme si j’y étais.
En face de moi, à  quelques centaines de mètres, un minuscule tracteur fait des aller-retour sur les hauts d’une colline. Le vent balaie doucement l’immense plaine qui me sépare de lui, quelques oiseaux passent.

Et quand je suis ce spectateur de la nature, que j’inspire dans ce paysage. J’essaie de lâcher mes épaules. Et de quitter ces impressions intellectuelles qui me tiraillent. Je ne suis pas venu pour lutter contre une machine infernale !
Deux magnifiques vaches normandes baignées dans un soleil chaleureux broutent sur les hauteurs face à  la mer. On voit au loin quelques maisons qui forment un bourg.

Quand j’ai pensé ce film, je me suis dit que cela ne serait pas un film politique. Seulement malgré moi face à  la magie extraordinaire de la nature, je sème des mots comme des graines, je fais pousser des idées armées. Cette terre, je me demande ce qu’on lui fait ! Tout ce qui se passe aujourd’hui mérite que l’on se révolte ! Mais je déteste la sympathique conversation. Et l’action que nous conduirons doit se faire au travers d’un éveil.

De petites vagues poussent doucement leurs écumes sur les vestiges des fondations d’une maison. Quelques mouettes jouent. Elles se laissent emporter délicatement d’une pièce à  l’autre en profitant de la visite des courants. L’une d’elles saute d’une petite hauteur pour aller se poser dans un bassin.
Derrière un ciel strié des lignes électriques s’élève la fumée blanche d’un des quatre réacteurs de la centrale nucléaire. Les silos sont enterrés devant moi. Ils obstruent la perspective.

De l’autre côté, peut-être à  deux ou trois kilomètres, presque loin de ces machines menaçantes, plusieurs bateaux jouent une régate au milieu d’un océan presque turquoise. Le soleil les découpe d’une façon étrange. Il est si fort qu’on croirait les bateaux découpés dans du papier et posés sur image. Ils glissent doucement. Se rapprochent et s’éloignent. La centrale, au loin derrière se rappelle dans la continuité de son impassibilité et la fumée continue de s’élever. Elle essaie de rester discrète.

L’horizon de la côte est remplacé par l’horizon des plaines. Dans l’immensité des cultures un tracteur surgit accompagné de dizaines des mouettes dansant et tournoyant autour de lui.

Dans un sous-bois le soleil perce les branchages pour m’éblouir. Le vent se balade dans les branchages.
Il y a quelque chose à  trouver. C’est là  en Normandie !
Noir. Titre. Impressions.

Une vague s’écrase sur la falaise. J’essaie de la filmer. La caméra ne bouge pas. Le vent souffle. Je souffle. Je fais quelques pas.
Le vent souffle doucement sur les hautes herbes. Un oiseau nous emmène au dessus de l’océan. L’à -pic de 100 mètres aussi étourdissant soit-il ne se manifeste pas par le danger qu’il représente, mais il fascine. L’oiseau vole et il captive le regard. Étourdis, on l’impression que l’univers se manifeste soudain à  nous en rappelant que tout ce que l’ont voit là  n’est pas réel, mais l’image tangible d’un ailleurs. La plastique du numérique tend l’image du film par les mathématiques. La visualisation dévie et l’image s’emporte quelques secondes pour nous rendre assez vite l’oiseau. Nous vivons un véritable saut quantique. Le temps s’étend. Nous changeons de dimension le temps d’un instant.

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J’ai maquetté quelques plans ensemble. Dans ma technique picturale, je prépare mes plans comme des pigments avant de les combiner. À cette étape-la du travail, je les considère comme des fichiers informatiques. Je les traite comme tels. Sans trop les altérer, j’ai suspendu leur cohérence interne. C’est-à -dire que j’ai déformé leurs structures informationnelles. Pour ce faire j’ai éliminé le principe des images clefs. Les plans ne sont plus que des descriptions de mouvement. Normalement un fichier vidéo numérique, c’est une suite de données décrivant des images (plus ou moins en fait, Philippe Dubois a bien démontré qu’en vidéo, l’image n’existe plus). Pour la plupart des gens, la vidéo, c’est quelque chose comme 25 images par seconde. Là , dans l’ordinateur, on imagine que c’est pareil. En fait, dans le numérique (où, loin de la théorie la notion d’image est techniquement ancrée), ces 25 images sont rarement complètes. La plupart sont partielles. De sont des intermédiaires intelligents entre les images pleines. Cela permet de diminuer le poids (la quantité de données) à  enregistrer pour restituer la vidéo. Plus il y a d’images pleines, plus le fichier est lourd. En général, les formats courants des fichiers vidéo maintiennent le taux de ces images clés entre une pour cinq à  une pour vingt. Certains formats vont jusqu’à  une pour deux cent cinquante… En fait, pour être fidèle a ce qui a été enregistre, il n’est supposé nécessaire que d’avoir une image pleine au tout début et une suite de références jusqu’à  la fin.

Ce principe (un des principes en fait) de compression, je le pousse à  l’extrême puisque j’élimine finalement toutes les images pleines. La vidéo ainsi préparée mise en lecture s’ouvre sur un vide d’information. Le film se lance dans le gris. Il n’y a rien de décrit. Et ainsi jusqu’à  la fin du film, les événements picturaux (la vie interne de l’image) se structurent en référence à  ce qui était. Plus rien n’est borné par le passé. L’image libérée dessine le devenir de ses composantes originelles. L’analogie au monde se fait dans une ontologie digitale.

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Quel film se trame ? Je fais depuis quelques années un chemin intérieur qui dévoile mon attention. Je tends à  m’écarter des choses qui m’éloignent de la lumière. C’est une volonté qui s’affirme. Et, je ne sais pas pour vous, mais c’est souvent un combat quotidien. Je dois me débarrasser de tout ce manque de sobriété, de toutes ces formes d’attachement qui sont les chaines de l’endormissement. Comme j’écrivais un spectacle de danse il y a quatre ans qui s’appelaient l’éveil, je cherche aujourd’hui, a voir quel film je pourrais faire sur la présence au monde.

Quelque part j’aimerais échapper au film qui joue avec la contemplation. Je cherche à  savoir quelle piste suivre pour rompre avec la fascination, pour éviter la séduction. C’est peut-être un chemin impossible aujourd’hui avec le genre que je déploie. Mais c’est bel et bien mon intention.

Je commence a comprendre que lorsque je m’aventure seul dans le pays des arbres, des herbes, des eaux et des cieux, je laisse mes idées derrière moi. Je ne commente pas intérieurement. Je ne me dis pas quoi que ce soit. Et là  la camera a peut être un peu guide les pas. Parce que j’ai décidé pour cette aventure de laisser les choses se faire. Je filme en plans fixes. La calera, l’appareil a enregistre est calé sur son pied. Je vois et je laisse filmer. Pendant ce temps je respire. J’assiste au spectacle. Et plus cela va moins je cherche l’événement. Parce que je capture c’est ce qui fera mon film : un film qui ne commente pas.

Bien sà»r c’est quelque chose de bien difficile à  faire, d’échapper au commentaire. J’ai filmé quantité de choses en voulant les raconter. Mais ces choses sont si intimes, si petites que beaucoup se demanderont quel sens elles portent. Je garantis qu’elles ne portent que le leur. Et que mon effort, déjà , est d’y être présent. L’intensité de mon regard porté sur les choses se veut libéré de la contrainte de la pensée. C’est un film politique qui lutte contre le trop-plein de raison. On apprend à  avoir des avis. Faire un film, c’est construire un regard explicite. Là , je construis un paysage dans sa dimension plastique, dans une certaine perspective que je dois encore découvrir.

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« Ceux qui composent de lumières colorées la lumière unique et essentiellement blanche, voilà  les vrais obscurantistes. »
Goethe , Maximes et réflexions

Doucement, étrangement, je glisse vers une nouvelle dimension d’écoute et d’entendement des choses d’ici et là . Fasciné je découvre une continuité à  ma sensibilité. Une continuité portée par des idées qui auraient pu me choquer il y a quelques années. Le paysage est un beau pays pour faire ce voyage initiatique que j’ai entrepris sans le savoir. Et qui au fur et à  mesure des films et des mots se dessine de plus en plus clairement. Je commence à  y voir quelque chose de bien plus lumineux que ce que j’espérais.

« Celui à  qui la nature commence à  dévoiler son secret se sent irrésistiblement attiré par son interprète le plus digne, l’art ».
Goethe cité par Rudolf Steiner dans Nature des couleurs, L’expérience de la couleur, les quatre couleurs-images.  Conférences à  Dornach les 6-7 et 8 mai 1921, éditions TRIADES  / Voir ses deux cours scientifiques donnés peu de temps auparavant : lumière et matière, GA 320 et Chaleur et matière, GA 321

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« Plus un contemplateur a l’âme sensible, plus il se livre — aux extases qu’excite en lui cet accord. Une rêverie douce et profonde s’empare alors de ses sens, et il se perd avec une délicieuse ivresse dans l’immensité de ce beau système avec lequel il se sent identifié. Alors tous les objets particuliers lui échappent; il ne voit et ne sent rien que dans le tout [Rousseau, 1782].  »

Impressions, 2011,

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Combien de fois, enfant, j’ai couru grimper sur des rochers ? Conquérir une haute pierre. Voilà  une belle aventure à  la mesure dominicale d’une après-midi en famille. Quand des Fécampois de souche cauchoise ont vu ses images, ils ont été ébahis (effrayés) par l’insouciance de ce monsieur. Comment jouer la vie de ses enfants ? La nature est là . La falaise attend son moment. Elle va tomber. On la voit rarement, mais on l’entend me disent-ils. Le drame est potentiel. La tension est là .

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Comment ramener mon travail plastique à  une simplicité poético-technique. Les techniques que j’utilise ont elles des noms ? Je construis ce qu’on appelle des composites. Des films faits de couches d’images. Elles sont percées et s’additionnent de manière complexe. Les flux temporels sont travaillés, compressés dans une double approche esthétique (maîtrisée) et technique (détournée). Certaines méthodes pourraient être ramenées au datamoshing, technique récemment proclamée, mais je n’utilise pas les mêmes outils et mon approche est bien plus radicale et moins calculée.

En me réveillant aujourd’hui j’ai construit cette suite : Composites déglacés par réitérations colorées de compressions dansantes de données. Je la trouve amusante, joueuse, francophone, je vais l’éprouver et voir ce qu’elle entraîne.

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J’ai invité mon ami italien Simonluca Laitempergher à  venir quelques jours en France. C’est lui qui s’occupera de la musique de ce film (impressions) que je prépare doucement. Nous allons aller voir les falaises de juillet…

Avec Simonluca nous avons pris le train ce matin. Tôt nous avons traversé Paris pour la gare d’Austerlitz où nous avons pris le train pour Fécamp. Arrivés nous n’avons eus que quelques minutes à  patienter avant que le bus pour Etretat ne parte. Je me suis demandé dans quel sens nous allions parcourir ces douze kilomètres de cote. Celui que je préfère est celui qui part de Fécamp. Les deux ou trois premiers kilomètres laissent deviner ce qui peut nous attendre plus loin sans trop en dévoiler. Dans ce sens, les efforts sont récompensés. La vue et de plus en plus belle. L’arrivée sur Etretat est magique. Mais pour des raisons pratiques, nous la ferons dans l’autre sens. Il fait très beau. D’Etretat nous grimpons la centaine de mètres de dénivelé pour aller côtoyer les vertigineuses falaises.
Tout le long de la route, les Normandes nous regardent. Je n’avais pas pensé a elles. Ces vaches sont magnifiques. Elles sont si paisibles. Mais je déteste voir leurs cornes coupées qui rappellent plus que tout que ces bêtes sont contraintes à  des situations détestables.

Je les filme. Elles sont fascinantes. Je n’ai emporté qu’un petit appareil numérique. Il filme d’une façon surprenante. Même si le format des fichiers est délicat a manipuler. En plein jour – comme aujourd’hui – il est capable de faire des images impressionnantes. Le stabilisateur est très bon. On peut presque faire de long plans fixes à  main levée.
Simonluca a pris son enregistreur portable.

Nous voilà  tous les deux paris dans une longue balade sur les falaises. Le soleil tape. La lumière vibre. Ce paysage finit toujours par me manquer quand je m’en éloigne trop longtemps. La manche dégage une odeur marine bien particulière. Je suis habitué à  l’océan du sud-ouest. Mais je dois dire que celui-là  me plait plus. Il a aussi une manière bien à  lui de refléter le soleil. Les nuages qui filent laissent passer de rayons plus dont les jaunes et les rouges ne sont pas doux et ronds mais bleus et précis. C’est la nature qui par ses délicates ondulations adoucit les formes. Le vent y sème le désordre. Et juillet accueille mille et une bestioles volantes. Les mouettes dansent. Tout s’agite subtilement.

J’enregistre. Je ne sais pas ce que ne vais faire de tout cela. Surtout la je suis surpris de la quantité d’images de vaches que je fais. C’est sur je ne ferais pas un film sur elles. Non pas que je le sache, mais je ne veux ne pas faire un filme sur tout. Je veux faire un film sur cette prise qu’à  ici la nature sur moi. La lumière est magique certes. Mais la magie s’opère de manière bien plus générale. Il y a ici peut-être plus qu’ailleurs de merveilleuses énergies.

Douze kilomètres sous un soleil de plomb. Douze kilomètres entrecoupés de dizaines de micros détours pour aller capture ça et la une image ou un son. Une marche qui nous pousse petit à  petit dans nos retranchements. Coups de soleil, fatigue des multiples dénivelés. Mais à  aucun moment donné, je n’ai l’impression de faire autre chose que de me balader. Une promenade qui nous prend finalement toute la journée, pour finir par devoir courir jusqu’au train de crainte de le manquer… Et finalement de retour à  Paris, j’emmène Simonluca éreinté au village, à  Parmentier. Vous connaissez ?? C’est un de mes restaurants préféré. Un sénégalais. Joli virage qui nous a permis de discuter pleinement de ce qui pouvait se tramer musicalement dans ce film….

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L’artiste français Jacques Perconte initia en 2003 une série de films numériques qui explorent le paysage, et surtout son image, et qui accueillera cette année son sixième rejeton, Impressions de, une référence et révérence aux Impressionnistes  auxquels il a toujours été incidemment rapporté par la critique.

Comment ne pourrait-il pas l’être? Grâce à  un travail méticuleux et artisanal de compressions multiples, de collages et de superpositions, Jacques Perconte raconte l’histoire de la pixellisation structurelle et vibrante qui donne une nouvelle expression formelle à  tout changement simple de la lumière et du vent, qui, entre autres, anime doucement ses paysages vidéo. Comme les Impressionnistes usaient autrefois de coups de pinceau morcelés de couleurs non mélangées pour traduire en termes plastiques la lumière et la chaleur qui ont capté ce paysage d’un instant, Jacques Perconte utilise les imperfections évidentes ou les aberrations – on pourrait dire dans une époque qui fait l’éloge d’une définition de plus en plus déterminée- de ses images qu’il a soumis à  une énorme perte de données. « Un bug n’est pas une erreur pour le programme, il ne devrait pas en être une pour moi ”, dit-il.

Une promenade chanceuse est à  la source de tous les films de la série, car l’artiste se déplace souvent avec une caméra à  portée de main, comme les Impressionnistes avec leurs tubes de peinture et chevalets. Pour Impressions de (2010), Jacques Perconte recueille actuellement des images en Normandie, suivant un sentier de pèlerinage qui suit les peintres de la fin du XIXe siècle. Tous les autres films uaoen (2003), uishet (2007), Pauillac-Margaux (2008), Le Passage (2009) et Après le feu (2010), ont été tournés en transit, à  partir de la fenêtre d’un train, une voiture, ou même en navigant en bateaux. Quelle que soit la connexion spéciale et romantique que Jacques Perconte peut avoir avec la nature qui se déroule sous ses yeux au moment de l’enregistrement, la narration numérique derrière le paysage se dévoile de retour à  son studio, jour après jour, compression après compression, aberration après aberration, couches après couches, jusqu’à  ce que l’instinct de l’artiste et sa sensibilité lui indiquent que l’oeuvre est finie. Qu’y a-t-il?

« Les scénarios de mes films sont dictés par la géographie des paysages, ainsi que l’histoire qui se déroule au cours de leur perception. D’une certaine façon, ils sont des promenades. Le récit s’installe dans les transformations dont l’image souffre. D’abord et à  priori naturaliste, cela met l’accent sur le paysage, sa plasticité ; il devient alors moins objectif, peut-être plus impressionniste. La lumière dessine, la couleur magnifie, la matière l’emporte, et, enfin, le paysage devient peu à  peu abstrait. Familier d’abord, il devient un espace expressif et mental. « (Jacques Perconte)

Ainsi, dans chacun de ses films, le récit est l’histoire d’un changement fantasque et progressif de l’impression initiale du paysage de l’artiste contemplée par son viseur à  son expression numérique sur l’écran de l’ordinateur par le biais des éclats de pixels colorés et fourmillants ; de la surface plane et l’apparence d’une image vidéo à  la richesse organique et plastique qui se cache derrière le voile mince de la haute définition; du Naturalisme à  l’Impressionnisme, et même dans une certaine mesure, le Fauvisme, si nous poursuivions ce jeu de comparaisons contingentes; de la perception et l’enregistrement original à  l’imaginaire infini, l’image peut donc être transmise à  travers les yeux des spectateurs. « Nous ne distinguons plus l’image du paysage, nous voyons le paysage de l’image”, dit l’artiste.

L’abstraction progressive de l’image en elle-même après l’introduction de l’exposition systématique à  son référent originel et naturel, un paysage réel qui donna naissance à  chaque film de la série, est en fait ce qui permet à  l’image même d’être un espace mental: en perdant lentement la prise sur la réalité, le film devient un paysage qui lui est propre et son récit, même si il s’impose magnifiquement, n’est ni dictatorial, ni conceptuel, ni même trop technique (contrairement à  la production de longue haleine). Il est naturel pour le spectateur de prolonger les films de Jacques Perconte avec sa propre mémoire et imagination, car ils ne prétendent pas autre chose que de bercer notre sensibilité, peut-être notre sens de la beauté. Dans une certaine mesure, l’expérience est proche de l’écoute de la musique. Flânerie est peut-être le seul mot d’ordre.

Avec Après le feu (2010), créé lors d’un voyage en Corse après un incendie de forêt, Jacques Perconte a ouvert une nouvelle dimension symbolique à  ses paysages. Comme nous l’avons compris plus tôt, les travaux de l’artiste et ses expériences sont en communion avec les résultats dangereux que les programmes de compression des données peuvent rendre. Pour son dernier film, tout en recueillant avec soin et en combinant des bugs ou des aberrations dans ses images, il a réussi à  créer l’illusion d’une profondeur dans son décor qu’il n’existait tout simplement pas dans le paysage d’origine corse. Sur l’écran, dans une vallée qui semble suivre le cours du train, à  l’arrière de laquelle l’artiste enregistrait des images, succède progressivement un vide immense, vertigineux, pixélisé, sous les voies. En d’autres termes, tout en tournant lentement son attention de l’extérieur à  l’intérieur, du paysage perçu à  son expression numérique, l’image réécrit littéralement et radicalement sa topographie naturelle afin de raconter une histoire entièrement nouvelle. Pourtant, et pour couronner le tout, du début à  la fin, le film ne cesse jamais complètement de dépeindre la nature en dépit de tous les pixels aliénants, restés connectés à  ce qui était autrefois la lumière chatoyante qui frappait les feuilles d’un arbre. Non sens?

Les tours de magie de Jacques Perconte permirent à  l’image de Après le feu non seulement d’être libéré, détrônant Mère Nature pour le Grotesque, mais aussi de devenir folle! Au cours du processus, il a gagné une âme qui est prête à  réinterpréter radicalement notre perception contre nos sens -l’expérience empirique de l’extérieur-, tout en nous jetant dans son corps variable, infini et inépuisable. Il nous emmène sur une chevauchée fantastique qui nous  inspire un sentiment accablant de Sublime. Si la série de paysages de Jacques Perconte peut être proche de l’esthétique des Impressionnistes, en passant ses paysages on ne peut plus romantique, pour leur beauté qui reste toujours « liée à  la forme de l’objet », qui est en fait représenté par une ‟ infinité ”( Emmanuel Kant, Critique du jugement, 1790). Jacques Perconte réussit à  concilier la beauté avec le Sublime dans sa Flânerie numérique contre l’idéal et la compréhension actuelle de la perfection de haute définition. Loin d’être reçu à  nouveau comme froid, conceptuel et trop technique, ses abstractions numériques vibrent, ressentent et nous provoquent.

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Ce film c’est l’histoire d’une rencontre avec un paysage. Je vous y emmène. C’est la mi-novembre. On arrive dans la campagne normande où au milieu d’immensités vertes les vaches blanches reflètent la lumière humide. Le ciel change à  chaque minute. La pluie et le soleil se croisent et dessinent ça et là  des arcs en ciels. Mais le pays reste immobile. Même s’il est soufflé par le vent, que les vagues frappent de toute leur force les falaises à  pic. Ce n’est qu’à  notre échelle que le sentiment sublime se manifeste. La terre est claire. Le marron légèrement boueux mène aux plages de galets gris. On doit descendre pour suivre le chemin qui mène à  la mer. Elle s’agite en bas. Mais depuis un moment déjà  l’image se manifeste. La normandie filmée se transforme et de nouvelles couleurs se révèlent. C’est un été qui s’annonce. Un été virulent et plastique. Comme il est impossible de rendre ce qu’est ce paysage, l’image se met à  assumer l’interprétation qu’elle en fait. Elle devient le support de ces sentiments qui se manifestent face à  la nature. Ses formes dialoguent avec celles des arbres, des nuages, de la mer. C’est le coeur qui fait place à  la vision. C’est la marée haute. Les vagues de couleur balancent leurs lames de toute part et les écumes bleues et vertes glissent sur les pentes qui se laissent pénétrer par la lumière. Tout se mélange. Terre, mer et ciel communiquent. Voilà  l’agitation des grandes marées. On perd pied. On perd toute notion du temps. Le spectacle nous enlève. Mais tout à  coup je n’entends plus rien. Je me retourne. Et je fixe le chemin qui mène au ciel. Quelque chose vient vers moi en empruntant le chemin qui descend de la falaise. Une petite masse noire nait du magma de couleur. Elle grossit, elle s’approche, c’est une femme. Elle est à  contre-jour. On ne voit plus rien qu’elle. On ne voit plus. Mais de ce noir naissent de nouvelles couleurs extraordinaires qui nous mènent des rouges et roses au blanc merveilleux de la lumière.

Courbet, Monet, Pissaro, Boudin, Seurat, Corot ont passé de nombreuses heures le long de la côte normande à  peindre ces lumières incroyables qui rythment les vents et les marées. La scène de genre a eu sa grande époque. Pourquoi le paysage n’est-il plus un motif créatif contemporain ? La société s’est-elle trop construite sur la séparation entre l’homme et la nature ? J’ai entrepris une série de films sur le paysage en 2003. Ce projet donnera lieu au sixième film.

Je vais suivre quelques-unes des peintures impressionnistes qui ponctuent la côte normande. Poser ma caméra et filmer. Avec le temps j’ai développé de nombreuses techniques propres à  un travail spécifique du film numérique. Cela ne se passe pas vraiment lors de la prise de vue qui même si elle est faite avec des techniques numériques reste classique, mais à  l’atelier. Chaque plan sera travaillé dans le bloc. La matière sera révélée. Et le film tendra ce fil entre le paysage rendu et sa captation, son interprétation, son impression, son expression numérique.

J’explore le motif du paysage depuis plusieurs années. Ce film doit être un point culminant de la série. Pour cela je veux me mettre dans la peau de l’itinérant qui parcourt le pays à  la recherche de la lumière. Je suis nourri de ses histoires et terriblement ému par ses images impressionnistes (et par la peinture américaine abstraite post 50). On m’en rapproche souvent et c’est pour écrire ce lien une fois pour toutes, que ce film sera fait avec dans le coeur l’envie de faire des impressions de.

Les scénarios de mes films sont dictés par la géographie des lieux ainsi que par l’histoire qui s’écrit lors de leurs perceptions. D’une certaine façon ce sont des promenades. La narration s’installe dans les transformations que subit l’image. D’abord et à  priori naturaliste, elle met en valeur le paysage, sa plasticité, puis elle devient moins objective, peut-être plus impressionniste d’ailleurs et la lumière dessine, la couleur s’emporte, la matière se marque et finalement le paysage va devenir peu à  peu abstrait. Ce que je donne à  voir ce sont ces tensions qu’il y a entre le monde tel qu’on le connait et ses images telles qu’elles sont physiquement.
Il est systématiquement question d’un renversement du paysage, d’abord décor familier il va se transformer en espace intériorisé, totalement expressif et souvent abstrait. On pourrait penser aux rapports historiques et référentiels qu’ont certaines images avec la peinture, mais ces références sont innocentes, plus ou moins involontaires, implicites sans jamais être le sujet. Il s’agit de faire des images fortes picturalement où naissent de nombreuses sensibilités que l’on aura avec la peinture.

J’essaie de trouver comment les technologies numériques pourraient acquérir un véritable statut de médium plastique. On critique souvent le numérique parce que les artistes qui l’emploient ne savent souvent pas se défaire de la technique, de leurs envies de démonstrations savantes, de leurs désirs de produire de l’intelligence à  tout pris. On dit la plupart du temps que le numérique n’a pas d’âme, qu’il est froid. Souvent on ne comprend pas ce qui est produit parce qu’il y a une véritable rupture culturelle : l’art numérique ne s’adresse qu’à  ceux qui le connaissent déjà  qui sont baignés dans ses mondes hermétiques. Contre cet égoà¯sme je développe un cinéma simple et merveilleux. Je peins le monde par un bricolage technologique. Je fais de peintures en mouvement. Je cherche à  donner aux spectateurs une place dans cet avenir du cinéma en numérique où la matière change, où les codes changent. Mes films sont très bien accueillis par les publics non initiés. J’en fais un point d’honneur.

Haute définition, dizaines de millions de pixels… les appareils qui nous permettent de filmer aujourd’hui peuvent capturer des images du monde dans des résolutions de plus en plus hautes. Il est question plus que jamais de voir la réalité plus grande qu’elle n’est. La conséquence directe est que les images enregistrées sont de plus en plus difficiles à  stocker. Les innovations qui poussent les capacités de capture doivent être suivies par des ruses qui permettent d’enregistrer ces images sur un support. Pour cela des méthodes de compression permettent de réduire la taille des médias produits. Elles usent de logiques potentielles basées sur la perception humaine. Pour alléger ces fichiers, il n’y a pas de secret, il faut réduire la quantité d’information. Par exemple est-il nécessaire de garder autant de détails dans une zone sombre que dans une zone claire? Est-ce judicieux de décrire à  chaque seconde une zone de l’image qui ne change pas pendant un certain temps? Contre la redondance, dans un souci d’économie draconienne le résultat est fait d’approximations, de moyennes, de réductions. Bien sà»r il est question de maquiller au maximum ces défauts inhérents à  la technique. Mais la qualité de cette dissimulation est fonction du coà»t du matériel. Alors, l’à -peu-près de l’image devient le quotidien de beaucoup. La haute définition marketing fait partie de ces outils qui soutiennent le désir de capturer le monde dans sa totalité contre la fuite du temps. Mais beaucoup n’y voient que ce qu’ils veulent et passent vitre outre ces défauts qui ne sont à  priori pas là . Et les artéfacts numériques glissent dans le flou de l’imagerie approximative de masse.

J’aime ces images pour ce qu’elles sont. Je l’exprime radicalement. Et par cette voie paradoxale, la haute définition reprend sa place. Puisqu’au final c’est chaque pixel qui vibre. Les imperfections de l’interprétation disparaissent. On ne peut pas être plus engagé dans la qualité technique de ce piqué. On ne voit plus l’image du paysage. On voit le paysage de l’image.

Les machines numériques sont des pinceaux, je m’en sers pour jouer avec la lumière et donc la couleur. Je peins. Mais je ne suis pas un peintre numérique qui utiliserait des outils de peinture artificiels. Je filme, je prends du temps avec mon matériel dans un paysage. J’enregistre le son… je laisse la lumière passer d’un endroit à  un autre. Je capte cette histoire de vibration sur l’instant. Et je fais des films.

‟ Je déroule lentement la peinture et tandis que je l’observe, je m’avance dans une étendue sans limites de tous les côtés et qui m’ouvre ce sentiment de l’infini que le ciel inspire en moi.”
Zong Bing (375,443)

Je filme puis je ramène toutes ces prises à  mon atelier pour traiter la matière. je filme un paysage puis je l’encode de diverses façons (3ivx,divx,xvid…) comme beaucoup font pour dupliquer en réduisant leurs poids les films dont ils possèdent des copies commerciales avec parfois l’intention de les diffuser au travers des réseaux de partage… Mais ce qu’ils cherchent à  fuir en tentant de trouver un équilibre entre le poids du fichier à  échanger et le respect de la qualité de la reproduction du film. Je l’affirme en réglant l’image de manière à  faire ressortir les aberrations formelles dues aux compressions. Compressions que je pousse aux extrêmes. Je joue du poids de la couleur.

Dans un film, un oiseau peut laisser une trace de son passage dans le ciel. Si l’on décide d’une qualité faible de compression, on peut arriver à  ce que l’accent soit mit uniquement sur le mouvement de l’oiseau. Avant son passage le ciel est composé de zones rectangulaires bleues. Quand il arrive, ces zones se complexifient et la quantité de détail augmente. Derrière lui il laisse un sillon dans l’image. C’est un peu comme s’il faisait une brasse dans l’eau qu’il déplaçait la matière du ciel autour de lui. Derrière, le ciel ne va pas se recomposer de la même façon et des artéfacts de l’oiseau se mêleront au ciel… Le ciel est une matière, l’oiseau rampe sur du sable bleu…
je fais des dizaines et des dizaines de compressions. On pourrait croire que j’épuise le sujet, mais au contraire, c’est difficile d’imaginer à  quel point il se révèle et se renforce. Je suis encore et toujours surprise de cette intimité et de ces prises entre la technologie et le monde…. Ces dizaines de compressions je les découpe et je les superpose. Toutes ces versions du même film sont alignées les unes au-dessus des autres. Je travaille l’image en compositing (collage et superpositions) pour mettre en relation ces déformations avec l’image originale. Je peins ces formes, le les insère dans le paysage. Elles lui sont liées par essence. Leur mouvement diffère, la plupart du temps, j’ai réduit dans ces zones l’information au minimum pour que les déformations soient importantes. Je travaille un peu comme ces cinéastes expérimentaux qui révèlent la matière du film en développant leur pellicule…

Je cherche à  pousser le paysage dans une dimension plastique magique, merveilleuse. Je filme des voyages. Je fais des films pour faire rêver.

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// DIEPPE

L’avant-port depuis le Pollet, Albert Lebourg, 1882

Le cadrage est large: vision panoramique à  la fois sur la ville et le port. En revanche, la gamme de couleurs est restreinte à  quelques tons froids. Aujourd’hui, le paysage est demeuré identique.

L’avant-port de Dieppe, Camille Pissaro, 1902

Il affectionne particulièrement les sites où foule affairée et activités maritimes vont de pair; le tableau est traité dans un camaà¯eu de rouge excepté le drapeau français. Aujourd’hui, c’est l’anse d’un port de plaisance.

La plage de Dieppe vue de la falaise Ouest, Eva Gonzalès, vers 1870

Une femme peintre, une vue peu impressionniste avec des contrastes de tons parfois violents, mais cependant une certaine douceur. Les pelouses vertes existent toujours et depuis un complexe de balnéothérapie s’est installé.

Les falaises du Pollet, Eugène Boudin, 1896

Sa maîtrise des ciels est parfaite avec l’utilisation de tons mineurs : ciel gris, falaise blanche teintée d’ocre. Parfois la toile est à  nu, sans peinture comme inachevée donnant un effet d’instantanéité. Le Pallet demeure aujourd’hui le quartier typique des pêcheurs.

// POURVILLE

La plage à  Pourville, Soleil couchant, Claude Monet, 1882

Monet préfère Pourville, lieu calme loin des mondanités de Dieppe devenue station à  la mode. Il utilise un camaà¯eu de bleus et d’orangés pour capter les dernières heures du four. Aujourd’hui, le point de vue est toujours aussi époustouflant de beauté (voir photo ci-contre).

// FECAMP

Crinolines sur la plage, Jules Noà«l, 1871

Peintre spécialisé dans les paysages maritimes, Noà«l travaille aussi sur la lumière, mais il est encore un peintre d’atelier. Le thème de la taule sur la plage est cependant d’une grande modernité. Depuis, les Fécampois ont colonisé la falaise jusqu’à  la ferme de la Chapelle pour un superbe point de vue. Pour y accéder, empruntez la sente à  matelot (balisée t3R21).

Fécamp, bord de mer, Claude Monet, 1881

Les marines, un thème majeur: de Fécamp, Monet rapporte 22 toiles: la composition asymétrique et le cadrage en gros plan ne sont pas sans rappeler la photographie. Le paysage actuel est intact.

// YPORT

Rochers è Yport, Claude-Emile Schuffenecker, 1895

Bien que très doué et ami de nombreux peintres, il préféra leur organiser des expositions. Là  aussi, influence de la photographie avec l’effet zoom sur le rocher et le cadrage serré. Le personnage, le petit garçon, est fondu dans le paysage. Port, station miniature à  découvrir.

// ETRETAT

Porte d’aval, Claude Monet. 1895

Ici e peintre marie à  plaisir les quatre éléments que sont l’eau, a terre, l’air sous l’effet de l’astre solaire, le feu. Il évacue de son tableau tous les détails qui ne servent pas son objectif: les voiles de bateaux ne sont que des petites touches de peinture. Seul, le sens des coups de pinceau anime le paysage.

Bateaux de pêche, Claude Monet, 1885

C’est un tableau structuré selon quatre parties qui se répondent deux à  deux (falaise/ciel bateaux/plage). Bien que peignant sur des sites à  la mode, Monet ne représente jamais de personnages. À Etretat, seul le site naturel grandiose l’intéresse. Le paysage actuel est intact.

// LE HAVRE

La plage à  Ste Adresse. Claude Monet, 1867

peintre de son époque, Monet explore le contraste de deux modes de vie qui coexistent nouvellement sur les plages de Normandie. I a place prépondérante des ciels démontre l’influence d’Eugène Boudin, surnommé le roi des ciels par Corot. Aujourd’hui, la plage de Sainte-Adresse, ‟le saint havrais”, se prolonge par une superbe balade le long de la mer jusqu’au Havre.

Entrée des jetées du Havre par gros temps, Eugene Boudin, 1895

La baie de Seine, avec est un motif qu’affectionne Boudin. La force des éléments (mer houleuse et nuages sombres) est rendue par o juxtaposition de touches de couleur tantôt rugueuses tantôt fondues. Le Havre, inscrite au patrimoine mondial de l’humanité, est à  la fois ville, port et plage.

Impression soleil levant, Claude Monet, 1872

Outre l’anecdote, ce tableau est un premier pas vers l’art abstrait : dissolution des formes, morcellement des coups de pinceau et prédominance de la couleur.

Avant-port du Havre, Camille Pissaro, 1903

Peintre de a vie champêtre Pissarro à  la fin de sa vie se plait à  peindre l’animation marchande des villes portuaires de Normandie : grues fumées de remorqueurs… témoignent de l’activité du Havre. Aujourd’hui, l’activité portuaire containers côtoie les activités nautiques.

Crépuscule sur le bassin du commerce, Eugene Boudin, 1892-1894

Ici, Boudin devient l’égal des impressionnistes par la dissolution des formes, e morcellement des couleurs avec une palette plus réduite de multiples touches de gris, mais égal à  lui même car les 2/3 de la toile sont dédiés au traitement du ciel. Aujourd’hui d’autres artistes tels Oscar Niemeyer ont investi ce quartier.

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Le sentier ou bord de l’eau à  Sahurs le soir, Alfred Sisley, 1894

Sur cette toile, les différents plans sont identiques comme un effet de miroir. Le regard se disperse sur toutes les touches de couleur même si l’oeil du spectateur est attiré un instant par les petites voiles blanches. L’objectif du peintre’ est de transmettre une émotion picturale. Aujourd’hui, prendre le bac entre la Bouille et Sahurs est toujours un moment privilégié.

La Seine à  la Bouille, coup de vent, Alfred Sisley, 1894

Sisley, à  l’invitation du mécène rouennais Français Depeaux quitte Moret-surLoing et répond à  une commande de paysages: La Seine en décor et les reflets de l’eau à  reproduire. Le coup de vent est matérialisé par une touche ‟ en virgule ” orientée de façon à  rendre le frémissement des feuilles et le clapotis de l’eau. Les voiles gonflées du bateau accentuent l’évocation du souffle. Aujourd’hui, les installations portuaires de Rouen se sont déplacées vers la Bouille. De toute évidence, les impressionnistes auraient aimé peindre ces silos, le pont Flaubert, les bacs…

La Seine à  Caudebec-En-Caux, Eugène Boudin, 1889

La composition du tableau est simple : le front de Seine est organisé en 3 bandes horizontales le fleuve, la ville et le ciel. La composition rappelle les estampes japonaises, très en vogue alors. Aujourd’hui, la ville en front de Seine reconstruite après guerre (seul vestige, l’église Notre Dame au gothique flamboyant) incite à  la découverte.

// ROUEN

Vue générale de Rouen, Claude Monet, 1892

De Rouan par la N14, prenez la direction de Bonsecours et empruntez la route de la corniche (895) pour accéder à  la côte Ste-Catherine: contemplez un superbe panorama de la ville, de la Seine et des ponts de Rouen. Monet quant à  lui peint dans une harmonie colorée à  la manière de Turner: les formes incertaines se fondent dans un effet de brume lumineuse où seulement se détachent les tours et les flèches de la Cathédrale et de l’église Saint-Maclou. Vous serez tout de même troublé par la précision entre la toile, la photo et le panorama.

Rue de l’épicerie, Camille Pissaro, 1898

Séduit parle pittoresque du quartier (totalement détruit durant a guerre mondiale), e peintre relate l’animation de la ville : les perspectives des immeubles, la cathédrale ‟ écrasent ” ces nouveaux citadins, traduits en petites touches sombres, venus lors d’un exode rural massif. Perspective actuelle : vue sur le portail de la Calende et placette avec terrasses de café à  proximité.

Cathédrale de Rouen, Monet, 1994

À l’époque Monet disait ‟ Tout change quoique pierre ” En effet, un même sujet se transformait au fil des heures, au fil des jours. À proximité, déambulez dans la rue St-Romain, invitation vers le quartier des antiquaires où maisons à  pans de bois colorés se serrent autour de l’église St-Maclou, joyau de l’art gothique flamboyant. À voir place Saint-Amand : le buste de Monet.

Port de Rouen, Saint-Sever, Camille Pissarro, 1896

Témoin de son époque, Pissaro réalise une douzaine de toiles sur Rouen dont le port : rien de bucolique, mais un ciel clair et changeant, des entrepôts, des cheminées d’usines : paysage industriel du XIXe qui n’a plus de réalité au XXC, la Seine est devenue le décor de la fameuse Armada, un nouveau quartier avec son port de plaisance, mais aussi son escale pour croisiéristes et sa promenade aménagée pour les passionnés de rollers.

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Ce film c’est l’histoire d’une rencontre avec un paysage. Je vous y emmène. On arrive dans la campagne normande où au milieu d’immensités vertes les vaches blanches reflètent la lumière humide. Le ciel change à  chaque minute. La pluie et le soleil se croisent et dessinent ça et là  des arcs en ciels. Mais le pays reste immobile. Même s’il est soufflé par le vent, que les vagues frappent de toutes leur force les falaises à  pic. Ce n’est qu’à  notre échelle que le sentiment sublime se manifeste. La terre est claire. Le marron légèrement boueux mène aux plages de galets gris. On doit descendre pour suivre le chemin qui mène à  la mer. Elle s’agite en bas. Mais depuis un moment déjà  l’image se manifeste. La normandie filmée se transforme et de nouvelles couleurs se révèlent. C’est un été qui s’annonce. Un été virulent et plastique. Comme il est impossible de rendre ce qu’est ce paysage, l’image se met à  assumer l’interprétation qu’elle en fait. Elle devient le support de ces sentiments qui se manifestent face à  la nature. Ses formes dialoguent avec celles des arbres, des nuages, de la mer. C’est le coeur qui fait place à  la vision. C’est la marée haute. Les vagues de couleur balancent leurs lames de toute part et les écumes bleues et vertes glissent sur les pentes qui se laissent pénétrer par la lumière. Voilà  l’agitation des grandes marées. On perd pied. On perd toute notion du temps. Le spectacle nous enlève. Mais tout à  coup je n’entends plus rien. Je me retourne. Et je fixe le chemin qui mène au ciel. Quelque chose vient vers moi en empruntant le chemin qui descend de la falaise. Une petite masse noire nait du magma de couleur. Elle grossit, elle s’approche, c’est une femme. Elle est à  contre-jour. On ne voit plus rien qu’elle. On ne voit plus. Mais de ce noir naissent de nouvelles couleurs extraordinaires qui nous mènent des rouges et roses au blanc merveilleux de la lumière.

premier synopsis d’impressions
ill. pied de la falaise nord des Petites-Dalles

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Courbet, Monet, Pissaro, Boudin, Seurat, Corot ont passé de nombreuses heures le long de la côte normande à  peindre ces lumières incroyables qui rythment les vents et les marées.

La scène de genre a eu sa grande époque. Pourquoi le paysage n’est-il plus un motif créatif contemporain ? La société s’est-elle trop construite sur la séparation entre l’homme et la nature ?

J’ai entrepris une série de films sur le paysage en 2003. Chaque film donne à  voir l’histoire de mon rapport pictural à  un lieu, à  un temps.

Dans mon prochain film, je vais suivre quelques-unes des peintures impressionnistes qui ponctuent la côte normande. Poser ma caméra et filmer. Comme à  l’habitude, chaque plan sera traité de retour à  mon atelier. La matière sera exprimée. Et le film tendra ce fil entre le paysage et sa captation, son interprétation, son impression numérique.

J’aimerais pour ce film donner une dimension très forte au son. Et le son est un vrai défi puisque j’imagine profiter des marées puissantes de janvier et de février.

J’aimerais que le son devienne un projet à  part entière.

Qu’il donne à  imaginer le tournage et le paysage, la mer et le vent. Que de plans en plans, on se mette à  côté de cette situation, que l’on trouve sa place en haut de la falaise ou sur la plage de graviers. Que l’on profite de ce temps important si difficile à  partager où l’on est devant la scène, que la machine enregistre et où la nature et ses éléments s’enfoncent profondément en nous.

Le film donnera du pictural. Son son répondra à  la perspective. Mais j’aimerais essayer de détacher le son de l’image dans une alternative au film et construire quelque chose de plus abstrait, de peut-être plus intime. Qui raconterait l’histoire sensitive d’un film.

Je vous fais cette proposition aussi parce que l’idée de construire du paysage à  la radio me plait. Diffuser un espace physique, étaler une plage, des falaises et les connecter aux espaces urbains fermés soutient ma politique plastique. Je cherche à  renouer le temps de l’homme à  celui de la nature.

ill. falaise Nord de la grande plage à  Etretat.

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Voilà  quelques lignes pour raconter cette semaine d’octobre à  novembre 2009 ou j’ai compris qu’il fallait que je filme la Normandie. Nous étions partis quelques jours avec Isabelle pour échapper à  paris. Nous aimons Fécamp. La Haute-Normandie n’est pas très loin. Nous y avons quelques repères. Un petit restaurant où il fait bon s’arrêter, une pâtisserie qui me plait, un bar qui fait de bons sandwiches… Mais surtout un air marin extraordinaire. Une nature d’une beauté redoutable alignant face à  la mer des dizaines de kilomètres de falaises à  pic. Il faut connaître la promenade (des hauteurs) qui va de Fécamp à  Etretat par le bord de mer.

En y allant, nous faisons de temps en temps une halte à  Veulette-sur-mer. Il y a là -bas un petit hôtel qui ne paie pas de mine qui offre quelques chambres (pas trop chères) dont les fenêtres sont face à  la mer. À marée haute, on dort à  une vingtaine de mètres des vagues. La vue est moins extraordinaire que l’impression qui nous prend quand on y réside quelques jours… Le petit bourg est la pointe de départ de belles balades…. Je ne vais pas faire le guide plus longtemps. Si vous voulez, je vous donnerais les adresses de ces petits coins que j’aime et que je ne connais que hors saison.

La région Haute-Normandie a planté sur quelques plages et quelques points historiques des panneaux commémoratifs des toiles impressionnistes célèbres. Ils ont d’une certaine manière joué un rôle dans mon envie de faire ce film. Ils m’ont rappelé qu’eux aussi se baladaient la et qu’eux, comme moi je le faisais, avaient produit des images de cette Normandie magique. Je me suis rendu compte que plus qu’ailleurs ici la lumière réveillait sans cesse mes envies de faire. Comme si je devais participer au paysage pour ancrer les émotions que faisaient naitre en moi ce pays.

C’est entre les plages sud de la falaise de Fécamp et d’Etretat, entre l’aiguille et le phare (au nord) qu’est venue cette nécessité de faire quelque chose ici. Les images dans le noir des vagues éclairées le soir à  Etretat et leurs arcs-en-ciel vibrant au travers des écumes ont inscrit quelque chose profondément en moi.

À partir de ce moment là , je rêvais de passer des heures immobiles à  me plonger dans ces paysages. Il viendrait ensuite un film.

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