Face à  cette généralisation et à  cette banalisation de l’enregistrement des images, certains artistes restituent à  l’acte de voir sa dimension première : être là , faire l’expérience de sa présence au monde.

Pouvons-nous vivre dans un monde que nous n’avons pas commencé à  approcher par l’image, c’est-à  dire, peu ou prou, que nous n’imaginons pas? Et en quoi notre contemporanéité, dans toute sa complexité, requiert-elle de tout un chacun qu’il participe, à  sa façon, et avec ses moyens, d’une entreprise -extraordi naire et terrifiante à  la fois- de numérisation du réel? À vouloir être l’archivage de tout, il semble qu’une telle entreprise ‘détruise la mémoire, cette forme de la pensée humaine qui ne peut précisément aller sans oubli. Ces questions, qui peuvent sembler naives, prennent acte du fait que les appareils de prise de vue aujourd’hui en usage anticipent par avance, d’un point de vue technique et pratique, l’archivage numérique des fichiers. Ces appareils, en un sens, prévoient le mode d’accès aux images en amont de leur existence; ce qui n’est pas sans incidences sur notre représentation du réel et la manière dont nous pouvons l’habiter.

Dans ce contexte, aux implications à  la fois technologiques, économiques et industrielles, plusieurs pra tiques s’efforcent d’ouvrir des chemins qui restituent à  la fabrication des images une dimension active et ‟ expérientielle”, celle d’un regard qui doit redécouvrir sa destination première, qui est précisément de se poser sur le monde pour en éprouver le sens.

[...]

INCENDIER SES PROPRES IMAGES

Jacques Perconte place dans une perspective nouvelle cette approche, simple et minimale, qui doit se traduire dans un processus de transformation du visible afin d’en éprouver, ou d’en révéler, des qualités nouvelles, Après le feu se donne comme un long travelling filmé en plan-séquence, depuis un train qui traverse les terres brà»lées de Corse. Par une série de compressions successives, Jacques Perconte nous fait perdre de vue la réalité pour entrer en contact avec sa puissance plastique, Cette opération technique montre que toute perte est corrélative d’une levée de formes neuves, ce que la simple contemplation d’un feu de bois montre avec évidence. L’image est en elle-même une métamorphose du paysage, qui prend des couleurs et des traits inédits, nés d’outils numériques. Elle se donne à  nous comme une matière qui appartient d’abord au paysage lui-même, que l’artiste entrevoit, et sur laquelle notre propre regard, habité par une foule de soucis quotidiens, ne peut pas se poser,

Pour comprendre ce qu’un feu peut détruire, et retrouver quelque chose de ce qu’il a aboli, il faut incendier ses propres images, et inviter notre regard à  des stances de contemplation que le mouvement des flammes produit nécessairement. La simplicité de l’expérience d’un lieu ou d’un paysage est garante de la profondeur que notre regard peut y chercher, Ce qui est vrai du feu, qui ne peut se fixer dans aucun état définitif et durable sans s’éteindre, l’est aussi, dans ce contexte, de l’image, qui ne peut trouver sa forme qu’en la cherchant toujours, c’est-à -dire en déclinant toutes les variations plastiques dont elle est capable. Après le feu propose mille états d’un seul et unique sujet -une forêt corse traversée par les rails- et rappelle que nous avons besoin de cette unicité pour regarder en vérité ce que propose une image. Car nous n’aurons jamais tout vu de ce qu’il ya à  contempler dans une branche que le vent secoue au-dessus de notre tête. Tout le cinéma de Jacques Perconte en témoigne, après bien d’autres, mais dans une langue qui n’appartient qu’à  lui.

IL N’Y A PAS DE DÉJÀ VU

La pratique de l’image en mouvement ne nous place plus – mais l’a-t-elle jamais fait ?- en situation de pur observateur, détaché des événements que nous voulons filmer. Devenue un outil quotidien d’expression, l’image en mouvement doit aussi nous aider à  ouvrir les yeux sur l’expérience de notre présence au monde et aux êtres. Elle pose cette expérience et nos images du réel dans une dynamique et une temporalité com munes. Dans sa capacité à  accueillir une réalité fragmentée, ou à  produire des instants de perte du monde environnant, elle nous rappelle en acte que nous ne pouvons pas, dans un unique geste, prendre toute la mesure de ce que nous éprouvons, et qu’il n’y a donc pas de déjà  vu. Il nous faut constamment revenir sur ce qui s’est présenté à  nous pour y faire surgir un sens ou des traits qui nous auront échappé, et qui, à  contretemps, peuvent dessiller nos yeux et donner à  notre regard une acuité nouvelle, comme rajeuni de se mettre à  l’épreuve des diverses formes du monde, qu’elles soient historiques et universelles ou qu’elles nous atteignent depuis leur minuscule chatoiement.

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Diplômé de philosophie, Rodolphe Olcèse collabore régulièrement à  la revue Bref et à  diverses revues littéraires. Depuis 2003, il réalise des films qui se situent à  la frontière du cinéma expérimental, du documentaire et de l’essai. En 2010, il participe à  la création de la société Les productions du lama, et signe Petite, sa première fiction.

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art press n°21 – mai 2011

Pour des raisons pratiques comme théoriques, on a longtemps opéré des  distinctions entre les films à  partir de critères reposant sur des  différences de supports, de formats et de dispositifs : la pellicule  et la vidéo, l’argentique et le numérique, le narratif et l’expérimental, l’amateur et le professionnel, l’indépendant et le commercial, le documentaire et la fiction et plus récemment encore le  cinéma et l’exposition. Ces oppositions binaires, propres au développement de relations dialectiques ont aussi fourni leur lot de divisions radicales, (entre autres dans la formulation de genres) où les convictions idéologiques allaient de paire avec les enjeux esthétiques.

Ce numéro d’artpress2 ne compte pas revenir sur la pertinence de ces partages, comme sur leurs fondements historiques et théoriques. Plutôt que de rejouer une énième fois leurs découpes en genres et en sous-genres, il propose de faire un pas de côté pour considérer l’ouverture des pratiques filmiques, dans l’espace contemporain, à  de  nouvelles expérimentations. En cela, il compte porter attention aux  arts de faire des films – de les concevoir, de les produire, de les  réaliser, de les mettre en espace, de les diffuser…, sans se satisfaire du constat postmoderne de l’hybridation ou de la combinaison des dispositifs, des supports et des formats, et de son scepticisme latent. Il s’agirait plutôt, à  partir de l’étude de cas précis, de prendre acte des opérations constitutives de ces expérimentations, de ces nouvelles mises en récit et en images et de  comprendre sous quelles conditions et comment elles prennent en écharpe de nouvelles possibilités techniques, investissent de nouveaux supports et lieux de diffusion (web, téléphone portable, DVD, versions…).

En considérant ce qui s’expérimente, aujourd’hui, dans et avec les films, nous souhaitons proposer des concepts critiques pour penser les espaces et les temps rejoués par les images en mouvement.

Liste des contributeurs :

Louis-José Lestocart, Jean-Marc Chapoulie, Erik Bullot, Dominique Paà¯ni, Nicole Brenez, Patrice Blouin, Rodolphe  Olcèse, Aliocha Imhoff, Émile Soulier, Dork Zabunyan,  Emmanuelle André, Anne Marquez.

continuer à lire Rodolphe Olcèse : L’expérience filmique du monde sur images, notes et mouvements... (avec les images et...) //

 

Mar. 03 - Mar. 14

North America’s leading showcase for the best in contemporary French film returns! Works by several of France’s best-known filmmakers–Bertrand Tavernier, Claude Lelouch, Catherine Breillat, Benoît Jacquot–are included alongside outstanding debuts by Katell Quillévéré, Valérie Donzelli, and Angelo Cianci, and two programs of experimental media works. Finally, we are delighted to welcome back Catherine Deneuve, who will be with us to present the delightful Potiche. All films are New York premieres!

FRENCH EXPERIMENTAL CINEMA PROGRAM ONE: REDEPLOYING CLASSICAL IMAGES

Curated by Nicole Brenez, prominent film critic and curator for the experimental cinema programs at the Cinémathèque française in Paris

Saturday Mar 12: 4:15 pm
SERIES: RENDEZ-VOUS WITH FRENCH CINEMA 2011
COUNTRY: FRANCE | FRENCH | RUNNING TIME:81M

An “Oum Kalthoum”/Kama Sutra mash-up, Lech Kowalski on Robert Flaherty’s glorious Louisiana Story, Eisenstein reflecting on the beating of cineaste Joachim Gatti, and more.

The End of the World Begins With One Lie
Lech Kowalski, France, 2010; 62m

Drawing on Internet images related to the 2010 oil spill in the Gulf of Mexico, director Lech Kowalski deconstructs Robert Flaherty’s classic 1948 documentary Louisiana Story (a film originally commissioned by Standard Oil). “I am quite interested in how the Internet is giving us information using images that anyone can produce and the contrast between ‘corporate’ images and nonprofessional images and story constructions,” says Kowalski.

Al Attlal (Ruines)
Zoulikha Bouabdellah, France, 2009; 4m

Music by Philippe Mallier, with text by Ibrahim Naji and music by Riad Sunbati, the cult song by Oum Kalthoum covers a major theme in Arab poetry: recalling a past love. The slideshow’s soundtrack (produced with the composer Philippe Mallier) reinvests the singer’s wailing with new meaning: the original moaning becomes sexually charged sighing, played over an elliptical background of poses from the Kama Sutra, as if to synthesize the act of love-making.

À la barbe d’Ivan
Pierre Léon, France, 2010; 10m

An insightful work from cineaste, critic, musician, and actor Pierre Léon (whose films will be featured in our April series Free Radicals: Serge Bozon and the New French Cinema). Léon uses images from Eisenstein’s Ivan the Terrible to reflect upon the 2010 beating of young cineaste Joachim Gatti by police and the economically vulnerable members of French society.

Satyagraha
Jacques Perconte, France, 2010; 5m

A meditation on the principle of non-violence as employed by Mohandas Karamchand Gandhi in the practice of civil disobedience. What has happened to Gandhi’s values today?

The Film Society of Lincoln Center
70 Lincoln Center Plaza
New York, NY 10023-6595

Walter Reade Theater
Automated schedule line 212 875 5600
Box Office 212 875 5601

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Support for Rendezvous is provided by the Grand Marnier Foundation and the French Cultural Services.

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Le cinéma critique. De l’argentique au numérique, voies et formes de l’objection visuelle
sous la direction de Nicole Brenez et de Bidhan Jacobs

Au tournant du XXIe siècle, l’art du film a connu des mutations profondes et rapides qui semblaient faire de la technologie le moteur de la créativité. Les cinéastes ont vécu une situation nouvelle et passionnante : ils pouvaient puiser à  volonté dans plus d’une centaine d’années de matériel argentique, vidéographique puis numérique, et trouvaient à  leur disposition un nombre croissant d’outils pour transférer, hybrider, tresser les supports d’images. Simultanément, aussi technicide que technophile, la logique industrielle fondée sur un turn-over à  rotation accélérée démantelait des pans entiers de l’arsenal argentique et vidéographique. Comment les pratiques artistiques ont-elles affi rmé leur autonomie par rapport aux consignes technologiques et aux commandes sociales ? Comment ont-elles articulé exigence formelle et dynamique d’éman-cipation ? Cet ouvrage collectif recense les voies et les formes singulières de l’objection visuelle, notion qui renvoie aux différents modes d’actualisation pratique d’une conception du film comme travail critique. Issu des journées d’études ‟ Cinéma expérimental et histoire ” (2007), ‟ Collectif Jeune Cinéma/Festival des cinémas différents. Histoire, conservation et diffusion du cinéma expérimental ” (2008), ‟ L’art au temps du numérique ” (2009) et des programmations impaKt (conçues par les Trois Lumières) qui se sont déroulées au sein de l’Institut national d’histoire de l’art à  l’initiative des chercheurs de l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne (École doctorale Histoire de l’art), ce deuxième volume de la collection Histo.art associe manifestes et analyses d’artistes, d’enseignants et de doctorants. Une préface du cinéaste Peter Whitehead et une intervention en images du plasticien Ange Leccia enrichissent l’ouvrage.

Ed. Publications de la Sorbonne, 2010

ISBN 978-2-85944-645-1
ISSN 2101-7719
Prix : 22 euros

Introduction

[...] Dans cette perspective, les artistes Peter Tscherkassky et Jérôme Schlomoff exposent leur conception d’un art fondé sur le minimalisme radical de leur dispositif matériel respectif, dont ils tirent des effets aussi inattendus que somptueux ; la cinéaste Johanna Vaude propose une taxinomie des initiatives en matière d’hybridation technologique ; au rebours des discours technophiles sans mémoire, le plasticien Hugo Verlinde articule les possibilités du numérique aux traditions du cinéma expérimental ; l’artiste numérique Jacques Perconte décrit sa pratique fondée sur la remise en cause des codes et des usages des langages informatiques ; Gabrielle Reiner rend compte de la persistance contemporaine des inventions stylistiques en noir et blanc, au moment de la condamnation de celui-ci par la technologie numérique ; Émilie Houssa interroge la façon dont, en Italie, des regroupements de cinéastes ont pris acte de la généralisation des petites caméras vidéo, et s’en sont servi de façon collective, organisée et réfléchie contre les médias de masse ; le cinéaste Lech Kowalski rend compte des principes qui structurent l’une des entreprises d’images contemporaines les plus radicales à  tous égards, celle de l’expérience intitulée Camera War, conduite de septembre 2008 à  septembre 2009, qui porta à  son comble les puissances critiques de l’objection visuelle, puisqu’elle s’attaqua simultanément aux modes de fabrication, de production, de figuration, de narrativité, de circulation, de réception et de commentaire des images. [...]

Lire l’introduction de Nicole Brenez  ici.

Bon de commande ici.

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